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美術におけるヌードの歴史的変遷は、時代とともに世界中で次々と現れた様々な社会や文化におけるヌードに対する受容の違いから生じる小さな特異性を除けば、美術史全般と並行して進んでいます。ヌードは、様々な芸術媒体（絵画、彫刻、あるいは近年では映画や写真）で裸の人間の身体を表現する芸術ジャンルです。これは、美術作品の学術的な分類の一つとみなされています。美術におけるヌードは、一般的に、作品が制作された時代の美学や道徳に関する社会的な基準を反映してきました。多くの文化では、現実生活におけるヌードよりも美術におけるヌードをより寛容に受け入れていますが、何が許容されるかについての基準は異なります。例えば、ヌード作品が展示されている美術館であっても、来館者のヌードは一般的に許容されません。ヌードは、形式的、美的、図像的など、多くのバリエーションがあるため、ジャンルとしてアプローチするのが複雑な主題であり、一部の美術史家は、西洋美術史において最も重要な主題であると考えています。[注1 ]
裸体は通常エロティシズムと関連付けられるが、神話から宗教、解剖学的研究、古代ギリシャのように美や美的理想の完璧さの表現など、さまざまな解釈や意味を持つ。その表現は各時代、各民族の社会的、文化的価値観に応じて変化しており、ギリシャ人にとって身体が誇りの源であったように、ユダヤ人、ひいてはキリスト教にとっては、身体は恥の源であり、奴隷や惨めな人々の状態であった。[ 1 ]
人体の研究と芸術的表現は、先史時代（ヴィレンドルフのヴィーナス）から現代に至るまで、美術史を通して常に存在してきた。裸体の芸術的表現が最も盛んだった文化の一つが古代ギリシャであり、そこでは裸体は完璧さと絶対美の理想として捉えられていた。この概念は古典美術において現代まで受け継がれ、西洋社会における裸体や芸術全般に対する認識を大きく左右してきた。中世においては、裸体の表現は宗教的なテーマに限られ、常にそれを正当化する聖書の記述に基づいていた。ルネサンス期には、より人間中心的な傾向を持つ新たな人文主義文化が、神話や歴史を題材とした裸体の芸術への回帰を促したが、宗教的なテーマは依然として残っていた。19世紀、特に印象派の時代になると、裸体は図像的な性格を失い、単に美的特質、つまり官能的で自己言及的なイメージとして表現されるようになった。近年、芸術ジャンルとしてのヌードに関する研究は、記号論的分析、特に作品と鑑賞者との関係、そしてジェンダー関係に焦点を当ててきた。フェミニズムは、ヌードを女性の身体の客体化であり、西洋社会の家父長制支配の象徴であると批判してきた。ルシアン・フロイドやジェニー・サヴィルといった芸術家は、ヌードの伝統的な概念を排除し、美やジェンダーの概念を超えた本質を探求するために、理想化されていないタイプのヌードを制作してきた。[ 2 ]
芸術ジャンルとしてのヌードは、歴史的・文化的価値観だけでなく、特に「ヌード」と「裸」の区別に関する理論的解釈の進化によっても形作られてきた。「ヌード」と「裸」はしばしば混同されるが、美術史においては異なる概念である。イギリスの美術史家ケネス・クラークは著書『ヌード：理想形態の研究』の中で、「裸であるとは衣服を剥ぎ取られることであり、この言葉には、私たちのほとんどがその状態で感じる恥ずかしさがいくらか含まれている。一方、『ヌード』という言葉は、教養のある用法では、不快なニュアンスを帯びていない」と主張した。 [ 3 ]クラークは、「ヌードは芸術の主題ではなく、芸術の一形態である」と主張し、人間の身体は、単に現実に見られるように再現するのではなく、芸術家がその描写を理想化し完成させたときに「ヌード」になると示唆した。[ 3 ]
ジョン・バーガーは後に『見る方法』の中でこの区別を批判し、「裸体はヌードになるためには対象として見なければならない」と主張した。[ 4 ]バーガーにとって「ヌード」は、特にジェンダーに関連して、身体を展示と権力力学の対象として位置づける文化的枠組みを反映している。フランシス・ボルゼッロは『裸のヌード』でこれらの考えを発展させ、脆弱性と美的伝統を組み合わせた「裸のヌード」の概念を導入した。[ 5 ]「裸のヌード」を示す例としては、シャンタル・ジョフ、アリス・ニール、ルシアン・フロイドの自画像などが挙げられる。これらの作品は脆弱性と美的伝統の交差点を強調し、身体を個人的かつ政治的なものとして示している。この再定義は、身体を個人的、政治的、感情的な表現の場として強調し、理想化された完璧さという伝統的な概念を超えている。
先史時代の芸術とは、石器時代（旧石器時代後期、中石器時代、新石器時代）から金属時代にかけて発展した芸術であり、人類が芸術とみなせる最初の表現が現れた時代である。旧石器時代（紀元前25,000年～ 8,000年）には、人類は狩猟を行い、洞窟に住み、洞窟壁画を制作した。新石器時代（紀元前6,000年～3,000年）には、人類は農業を発展させ、宗教が重要性を増し、手工芸品の生産が始まるなど、ますます複雑な社会が促進された。金属時代（紀元前3,000年～1,000年）には、最初の原史文明が出現した。[ 6 ]
旧石器時代の美術では、裸体は豊穣の崇拝と強く結びついており、ヴィーナス像に象徴されています。これらの像のほとんどはオーリニャック期のもので、一般的に石灰岩、象牙、滑石で彫られています。ヴィレンドルフ、レスピューグ、マントン、ラウセルなどのヴィーナス像が際立っています。男性においては、セルン・アバスの巨人（イングランド、ドーセット）のように、勃起した男根を単独で、あるいは全身で表現することも豊穣の象徴でした。[ 7 ]洞窟壁画、特にフランス・カンタブリア地方やレバント地方で発展したものでは、狩猟の場面や儀式や舞踏の場面がよく見られ、棒人間のように簡略化された人物像が、性器を強調して描かれていることがあります。エル・コグル、ヴァルトルタ、アルペラの洞窟でいくつかの例が見られます。[ 8 ]
これは、歴史の最も初期の段階、特に近東の偉大な文明であるエジプトとメソポタミアの芸術作品に与えられた名称です。また、あらゆる大陸のほとんどの民族や文明の初期の芸術表現も含まれます。この時代の大きな進歩の1つは、主に経済的および商業的な性質の記録を残す必要性から生まれた文字の発明でした。[ 9 ]
シュメールからエジプトに至るまでの最初の宗教では、古代の母なる大地の崇拝は、新しい人型の神々と結び付けられ、どちらも生命の源であるという点で、女性の形と自然が結び付けられました。このように、エジプトの双子の神ゲブとヌトは、大地と空を表し、その結合からすべての元素が生まれました。他の場合、神々は宇宙論的な要素と結び付けられており、例えば女神イシュタルは金星と結び付けられ、一般的に裸で翼を持ち、頭に三日月を乗せた姿で表されます。母なる女神の他の表現は、通常、多かれ少なかれ服を着た人物ですが、胸は露出しています。例えば、紀元前1550年頃のミノア文明の小像である有名な蛇の女神（イラクリオン考古学博物館）などです。これらの表現は、アルテミス、ディアナ、デメテル、ケレスなどのギリシャとローマの女神の図像の出発点となりました。[ 10 ]
エジプトでは裸体はごく自然に見られ、特に舞踏や宴会、祝祭の場面など、宮廷の情景描写に多く見られます。しかし、宗教的なテーマにも裸体は存在し、人型で表現された多くの神々は、彫像や壁画の中で裸体または半裸体で描かれています。また、ルーブル美術館の有名な「座る書記官」のように、ファラオや奴隷、軍人や官僚など、人間そのものの描写にも裸体は見られます。気候のためか、エジプト人は男性は腰布とスカート、女性は透ける麻のドレスなど、衣服をほとんど身につけていませんでした。これは、宮廷の祝祭や儀式を描いた場面から、農民、職人、羊飼い、漁師などの日常の仕事を描いたより庶民的な場面まで、美術作品に反映されています。同様に、戦争の場面では、哀れな裸の奴隷や捕虜の姿が現れ、エジプト美術に典型的な荘厳な様式とダイナミズムの欠如で扱われ、正面の法則が支配的で、身体は硬直した静的な姿勢に縛られ、リアリズムが欠如している。絵画は主に、階層的な基準で重ね合わされた平面に並置された人物像を提示することによって特徴付けられる。横顔の規範が支配的で、頭と手足は横顔で表現され、肩と目は正面から表現される。古代エジプトから伝わる作品の中には、ルーブル美術館の「奉納者」や大英博物館の「ハープを弾く少女」のような記念碑的なものから小さな彫像まで、絵画と彫刻の両方で、部分的または完全な裸体が見られる。ラホテプとノフレト、メンカウラー王（ミケリノス）と王妃、あるいはルーブル美術館のトゥイ夫人像のような彫像があり、トゥイ夫人は麻の服を着ているものの、布地の透け具合から裸体が露わになっている。絵画では、トトメス4世の会計係ナトの墓の壁画や、サッカラの医師の墓の壁画がある。ツタンカーメンの墓からは、女神ハトホルの息子イヒを表す裸のファラオの像が発見された。[ 11 ]
一方、古代エジプトと地理的にも年代的にも近いメソポタミアでは、裸体像はほとんど見られない。例外として、アッシュールバニパル王のライオン狩り（大英博物館）のようなアッシリアのレリーフには、王が上半身裸で描かれているものや、囚人の拷問の場面がいくつか見られる。女性像としては、ルーブル美術館にある若いカナエフォラを描いたカルデアの青銅像に裸の胸が描かれているのみである。また、モーセの律法で人間の表現が禁じられていたフェニキアやユダヤの美術にも裸体像は見られない。[ 12 ]
古典芸術[注2 ]は、古代ギリシャとローマで発展した芸術であり、その科学的、物質的、美的進歩は、自然と人間を基盤とした様式を芸術史にもたらし、調和と均衡、形態と量の合理性、自然の模倣（「ミメーシス」）の感覚が優勢となり、西洋芸術の基礎を築きました。そのため、西洋文明の歴史を通じて、古典的な形式への回帰は絶え間なく続いています。[ 13 ]
西洋美術の発展を特徴づける主要な芸術表現はギリシャで発展した。ミノア文明とミケーネ文明の始まりの後、ギリシャ美術はアルカイック期、古典期、ヘレニズム期の3つの時期に発展した。自然主義と測定と比率における理性の使用、そして自然に触発された美的感覚を特徴とするギリシャ美術は、ヨーロッパ大陸で発展した美術の出発点となった。[ 14 ]ギリシャ美術の頂点は、いわゆるペリクレス時代に訪れ、美術は大きな輝きを放ち、現実を解釈するスタイルを生み出した。芸術家は、必要に応じて短縮法を用い、見る者がその現実を捉えることができる比率と規則（κανών、カノン）に従って自然に基づいていた。美の概念は自然の模倣に基づいて追求されたが、身体と魂の調和を反映した主観的なビジョンを取り入れることで理想化され、美は善と同一視された（καλοκαγαθία、kalokagathía）。[ 15 ]
ギリシャは、それまでの文化の神聖主義や図式化とはかけ離れた、自然主義的な方法で人体が表現された最初の場所でした。ギリシャ文化は人文主義的であり、彼らの宗教は崇拝の対象というより神話的であったため、人間は哲学と芸術の主要な研究対象でした。ギリシャ人にとって美の理想は裸の男性の体であり、それは裸で競い合ったオリンピック競技の選手のように、若さと男らしさを象徴していました。ギリシャの裸体は自然主義的であると同時に理想化されていました。身体の各部分を忠実に表現するという点では自然主義的でしたが、身体の欠点や年齢によるしわを示すようなより写実的な表現を拒否し、調和のとれたバランスの取れた比率を追求するという点では理想化されていました。アルカイック時代のより図式的な構成から、身体の研究は、骨格や筋肉、そして人体が実行できる動きやさまざまな姿勢やひねりのより詳細な記述へと発展しました。顔の描写や精神状態の表現も完成されました。[ 16 ]
ギリシャ人は裸体を非常に重要視し、それを誇りとしていた。なぜなら、裸体は単に健康の証であるだけでなく、美徳と誠実さの象徴であり、他の文明度の低い民族の抑制とは対照的に、社会的地位向上の要素でもあったからである。ギリシャ人にとって、裸体は誠実さの表現であり、人間全体に関わる事柄は、何一つとして避けたり切り離したりすることはできなかった。彼らは肉体と精神を不可分に結び付け、その結びつきは、彼らの宗教性さえも擬人化された神々という形で具現化された。彼らは一見相反する要素を結びつけ、数学のような抽象的なものでさえ感覚的な喜びをもたらすように、肉体のような物質的なものも、非物質的で不滅なものの象徴となり得た。このように、裸体には単純な官能主義を避ける道徳的な側面があり、ローマ人にとってそうであったように、彼らにとってはわいせつあるいは退廃的なものとは映らなかったのである。身体と精神のこの相互関係はギリシャ美術に固有のものであり、後世の芸術家たちがギリシャの裸体像を模倣した際（新古典主義やアカデミズムの場合のように）、この要素を取り除いてしまったため、肉体の完璧さに焦点を当てたものの道徳的な美徳を欠いた、生命のない作品を生み出してしまった。[ 17 ]
ギリシャの男性ヌードにおいては、アスリートと英雄という2種類の力強いヌードを通して伝わるエネルギーと生命力を捉えることが不可欠である。オリンピックでは、優勝者に陶器の壺（「パナテナイア・アンフォラ」）が贈られるのが慣例であり、そこには優勝者が行った競技が描かれており、躍動感あふれるアクションシーンにおける動きのあるヌード表現の優れた例となっている。[ 18 ]
男性裸像の最初の代表例は、アルカイック時代（紀元前7世紀～5世紀）に属する、アスリート、神々、または神話上の英雄を表すクーロス（複数形はクーロイ）と呼ばれる像の一種です。その女性版はコレー（複数形はコライ）ですが、こちらは服を着た姿で表現されていました。これらの像はエジプトに起源を持ちますが、ギリシャの彫刻家たちはすぐに独自の道を歩み、人間の身体を表現し、美の理想を伝える最良の方法を模索しました。クーロスは、正面を向いた神聖な姿勢が特徴で、両足は地面につき、左足が前に出ており、両腕は体に近く、手は閉じられています。頭部は立方体で、長い鬣と基本的な顔立ちを持ち、特徴的な微笑み、いわゆる「アルカイック微笑み」が際立っています。最初の例は紀元前7世紀に遡り、デロス島、ナクソス島、サモス島などの場所で発見され、一般的に墓や礼拝所に見られます。その後、彼らはアッティカとペロポネソス半島に広がり、そこでより自然主義的になり、描写的な特徴とモデリングへの関心が高まりました。現在まで残っている作品には、スニオンのクーロス（紀元前600年）、クレオビスとビトンの双子（紀元前600～590年）、モスコフォロス（紀元前570年）、ランピンの騎馬像（紀元前550年）、テネアのクーロス（紀元前550年）、アナフィのクーロス（紀元前530年）、アリストディコスのクーロス（紀元前500年）などがあります。[ 19 ]
その後、裸体像はクーロス像の硬質で幾何学的な形態から、古典期の柔らかく自然主義的な線（紀元前490年から450年の間に発展した厳格様式）へと進化しました。この革新の主な要因は、彫刻の構想における新しい概念、すなわち理想化から模倣への移行でした。この変化は紀元前5世紀初頭に顕著になり始め、ピオンビーノのアポロ像（紀元前490年頃）、クリティオスのエフェベ像（紀元前480年頃）、あるいはクリティオスとネシオテスの作品であるハルモディオスとアリストゲイトンを描いた僭主殺害群像（紀元前477年頃）などの作品に見られます。これらの作品では、肉体的完全性の崇拝が示されており、それは主に運動能力を通して表現され、肉体的な活力と道徳的徳性、そして宗教性を組み合わせたものでした。新しい古典様式は、形式的な自然さだけでなく、生命力も高め、特にクリティオスに帰せられるコントラポストの導入によって、人体に動きを与え、身体のさまざまな部分が調和的に対立し、人物像にリズムとバランスをもたらしました。これらの前提のもと、古典ギリシア彫刻の主要人物であるミュロン、フェイディアス、ポリュクレイトス、プラクシテレス、スコパス、リュシッポスなどが登場しました。 [ 20 ]
ミロンは、円盤投げ像（紀元前450年）で、動きのある人物像の素晴らしい例を作り上げ、それまで動きのある人物像は部分ごとに作られており、動的な動作に一貫性を与える全体的なビジョンがなかったため、初めて人物像全体に協調的な動的効果を達成した。例えば、紀元前470年頃のアッティカ起源の青銅像であるアルテミシオン岬のポセイドン像では、胴体は静止しており、腕の動きに追随していない。[ 21 ]
フィディアスは特に神々の彫刻に力を注ぎ、「神々の制作者」と呼ばれた。中でもアポロン像は、自然主義と古代の神聖正面像の名残を融合させた作風で、力強さと優雅さ、形と理想が調和した威厳ある姿を表現している。カッセルのアポロン像（紀元前450年頃）はその好例である。しかし、彼はアナクレオン像（紀元前450年頃）のように、より人間的で理想化されていない、庶民的な人物像も制作している。[ 22 ]
ポリュクレイトスの作品は、彼の人物像の基礎となる幾何学的比率の規範の標準化と、動きの中のバランスの探求において特別な重要性を持っていた。これは、彼の2つの主要作品である『ドリフォロス』（紀元前440年）と『ディアドゥメネ』（紀元前430年）に見られる。残念ながら、彼の作品のローマ時代の写本しか現代に伝わっていない。ポリュクレイトスのもう1つの重要な貢献は、解剖学的研究（身体のさまざまな部分の関節または連結）、特に筋肉の研究であった。彼の胴体の完璧さから、フランス語で「美的鎧」を意味するcuirasse esthétiqueというニックネームが付けられ、それらは長い間鎧のデザインに役立ってきた。[ 23 ]
プラクシテレスは、優雅な動き、潜在的な官能性、肉体的な力強さとある種の優雅さ、ほとんど甘美さを融合させ、流動的で繊細なデザインで、より多くの人間像（アポロ・サウロクトノス、紀元前360年；休息するサテュロス、紀元前365年；ヘルメスと幼いディオニュソス、紀元前340年）をデザインした。 [ 24 ]
その後、ギリシャ彫刻はある意味で、肉体と理想の融合を失い、より細身で筋肉質な人物像へと向かい、道徳的な表現よりも動きが重視されるようになった。これは、アンティキティラ島のエフェボー（紀元前340年）、エフェソスのストリギルを持つアスリート、マラトンのエフェボーなどの作品に見られる。この時代に傑出した芸術家の一人に、ハリカルナッソスのマウソロス霊廟のフリーズの作者であるスコパスがいる。彼の作品には、躍動感あふれる人物像が数多く描かれており、例えば「ギリシャ人とアマゾン」 （紀元前350年頃）などが挙げられる。これらの作品では、衣服、特にギリシャ人の外套が特徴的で、それ以外の部分は裸でいるため、動きの感覚を与えるために用いられている。彼はまた、新古典主義者によって最高の古代彫刻とみなされ、デューラーのアダム（1504年）、ベルニーニのアポロとダフネ（1622～1625年）、カノーヴァの勝利のペルセウス（1801年）、トーマス・クロフォードのオルフェウス（1838年）など多くの近代芸術家に影響を与えた、有名なベルヴェデーレのアポロ（紀元前330 ～300年頃）の作者であるレオカレスの霊廟にも携わった。霊廟では、いわゆる「英雄的対角線」が導入された。これは、足から手まで全身を明確な対角線に沿って動かす姿勢であり、エフェソスのアガシオ（紀元前3世紀）のボルゲーゼの剣闘士やクイリナーレのディオスクロイ、そしてカノーヴァのヘラクレスとテセウスに至るまで、後世に熱心に再現されることになる。[ 25 ]
おそらくギリシャ彫刻における最後の偉大な人物であるリュシッポスは、彼の代表作であるアポクシュメノス（紀元前325年）やアギアス（紀元前337年）、弓を引くエロス（紀元前335年） 、休息するヘラクレス（紀元前320年）に見られるように、より小さな頭、より細身の体、長い脚という新しい比例の規範を導入した。彼はまた、より理想主義的ではなく、日常的で逸話的なものに焦点を当てた新しい人体像の概念を導入した。彼の作品には、体を掻くアスリート像、ナポリの休息するヘルメス（紀元前330～320年） 、ベルリンの崇拝者像などがある。リュシッポスはアレクサンドロス大王の肖像彫刻家でもあり、ルーブル美術館の槍を持つアレクサンドロス（紀元前330年）のように、裸体像を含むアレクサンドロス大王の彫像を数多く制作した。[ 26 ]
女性の裸像は、特に古代ギリシャではそれほど一般的ではなく、クーロス像の裸像は、服を着たコレー像とは対照的でした。西洋美術では、ルネサンス以降、女性の裸像は男性の裸像よりも一般的で好ましい主題とみなされてきましたが、ギリシャでは、プラクシテレスのモデルとなったフリュネの有名な裁判に見られるように、特定の宗教的および道徳的側面が女性の裸像を禁じていました。社会的には、ギリシャでは女性は家事に従事させられており、男性の運動競技の裸像とは対照的に、女性は頭からつま先まで服を着なければなりませんでした。スパルタでのみ、女性は太ももが見える短いチュニックを着て運動競技に参加しましたが、これはギリシャの他の地域ではスキャンダラスなことでした。女性の裸像の最も古い痕跡は紀元前6世紀に遡り、陶器に描かれた日常の場面に見られます。紀元前5世紀には、エスクイリーノのヴィーナスなど、最初の彫刻の痕跡が現れた。これはおそらくイシスの女司祭を表していた。粗雑で精巧さに欠ける解剖学的描写で、頑丈で背が低いが、すでに七頭像の規範に基づいた数学的な比率を備えている。[ 27 ]
その後の女性ヌードの進化は散発的で、完全なヌード像はほとんどなく、部分的なものや、ドレープリー・ムイエ（「濡れた布」）の技法、軽いドレスを体に付けたものなどが、ルドヴィージの玉座のアフロディーテ、パエオニウスのニケ（紀元前425年）、ローマのテルメ博物館のヴィーナス・ジェネトリクスなどである。紀元前400年頃、匿名の作者によって少女のブロンズ像が彫刻された（ミュンヘン博物館）。この像は古典的なコントラポストを示し、女性の体型にしなやかさを与えている。特に腰のアーチはフランス語でデハンシュマン（「揺れる」）と呼ばれ、女性の体型を際立たせ、女性像の表現のほぼ原型的なモデルとして残ることになる。[ 28 ]
女性の裸体像を扱った主要な古典彫刻家はプラクシテレスで、有名な「クニドスのアフロディーテ」（紀元前350年頃）の作者です。この像は、片手に衣服を持ったまま浴室に入る瞬間のアフロディーテを表しています。官能性と神秘性、肉体的な快楽と精神的な喚起が融合したこの像は、ギリシャの女性美の理想を具現化したものです。プラクシテレスはまた、衣服で脚を覆い、胸を露わにした女神アフロディーテの有名な像も制作しました。この像はいくつかの複製を通して現代に伝わっており、最も完全なものはルーブル美術館にあるいわゆる「アルルのヴィーナス」ですが、紀元前100年頃の無名の芸術家による複製である「ミロのヴィーナス」が最も有名です。その後の女性ヌードの進化は、腕で裸体を覆った「ヴィーナス・プディカ」 （カピトリーノのヴィーナス像に見られる。プラクシテレス自身に帰属されることもある）や、ペプロスを持ち上げて腰と臀部を露わにした「ヴィーナス・カリュピギア」（「美しい臀部のヴィーナス」）といった類型を生み出した。後者については、ヘレニズム時代のオリジナルをローマ時代に複製したものが現在ナポリ国立考古学博物館に所蔵されている。 [ 29 ]
女性の裸体像がやや多く見られたジャンルは、バッカス祭やディオニュソス祭の描写であった。そこでは、サテュロスやシレネスとともに、官能的で奔放なポーズをとったマイナスやネレイデスの合唱隊が登場し、その場面は葬儀用の石棺に広く描かれ、ドレスデンのマイナス像など、ディオニュソス信仰に関連する数々の像を制作したスコパスの彫刻工房でも頻繁に取り上げられた。特にネレイデス像は大きな人気を博し、地中海全域で制作されたその後の美術に影響を与えた。解放された魂の象徴として、その表現は絵画や彫刻から宝飾品、カメオ、陶器の花瓶やカップ、箱、石棺など、さまざまな芸術技法において頻繁に装飾モチーフとして用いられるようになった。ローマ帝国末期には広く普及し、アイルランドからアラビア半島、遠くはインドにまで及んでおり、そこでは空飛ぶガンダルヴァの姿にその形態が見られる。中世においても、その類型はイヴの性格と同一視されていた。[ 30 ]
ヘレニズム時代、すなわちアレクサンドロス大王の死を皮切りにギリシャ文化が東地中海全域に拡大した時代には、人物像はより躍動感を増し、動きにひねりが加えられ、高揚した感情や悲劇的な表現を示すようになり、古典時代の穏やかな均衡が崩れた。英雄やアスリートの生命力と勝利のエネルギーとは対照的に、パトス、すなわち敗北、ドラマ、苦しみ、傷つき変形した、病んだ、あるいは切断された身体の表現が現れた。英雄やアスリートが勝利者であったならば、今や人間は運命に屈服し、神々の怒りを受け、神聖なものが物質的なものに、精神が肉体に勝る。これは、ニオベの息子たちの虐殺、マルシュアスの苦悩、英雄の死（ヘクトルやメレアグロスなど）、あるいはラオコーンの運命といった神話に見られ、当時の美術において頻繁に取り上げられたテーマである。[ 31 ]
ヘレニズム彫刻の最初の生産中心地の1つはペルガモンであり、ギリシャ全土から集まった彫刻家たちの工房は、明確なリュシピオスの影響から出発し、主に身体のねじれを通して登場人物の苦痛を効果的に表現する劇的な様式を確立しました。これは、カピトリーノ美術館の「瀕死のガリア人」（紀元前230年）、テルメ博物館の「ルドヴィージのガリア人」（紀元前230年）、ロッジア・デイ・ランツィの「パトロクロスの遺体を支えるメネラオス」（紀元前230～200年、パスクイーノ群とも呼ばれる）、またはローマ音楽院の「マルシュアス」（紀元前230～200年）に見られます。彼の代表作は、アゲサンドロス、アテノドロス、ロドスのポリュドロスによる『ラオコーンとその息子たち』（紀元前2世紀）であり、おそらく歴史上最も優れた悲哀の表現と言えるだろう。この作品では、多様な動き、絡み合った人物（父、息子、蛇）のねじれ、高ぶった感情、中央人物の胴体と太ももの筋肉の隆起、顔の劇的な表情が、潜在的な悲劇の全体的な感覚を与え、見る者に恐怖と絶望、苦しむ人物への憐れみの感情を間違いなく引き起こす。プリニウスによれば、『ラオコーン』は「絵画と彫刻のすべての作品の中で最高」である。[ 32 ]
同じくヘレニズム時代の作品としては、トラレスのアポロニウスとタウリスクスによるファルネーゼの雄牛があり、これは紀元前130年の「ディルケの苦難」という作品の複製である。これは、風景を背景に写実的に描かれた動物、やや硬直した姿勢の若者、そして劇的な効果を生み出す複雑な螺旋状のねじれを持つディルケの姿が描かれた、表現力豊かな躍動感のある群像である。[ 33 ]この時代のもう一つの有名な作品は、ビテュニアのドイダルサスによる「しゃがむヴィーナス」（紀元前3世紀）で、古代に高く評価され、宮殿、庭園、公共建築物を飾るために数多くの複製が作られた。今日では世界中の美術館に数点の複製があり、近代美術（主にルネサンス期）ではジャンボローニャ、アントワーヌ・コワズヴォー、ジャン＝バティスト・カルポーなどの複製やバージョンが数多く作られており、マルカントニオ・ライモンディやマールテン・ファン・ヘームスケルクなどの素描や版画にも複製やバージョンが作られている。ルーベンスもこの像からインスピレーションを得ていくつかの作品を制作した。[ 34 ]同様に重要なのは、ポリュクレスの眠るヘルマフロディトス像（紀元前2世紀）で、オリジナルのブロンズ像は失われているが、ローマ時代に複製がいくつか作られており、その中でも最も有名なものの1つが、17世紀初頭にディオクレティアヌス浴場で発見され、ベルニーニによって修復されたボルゲーゼのヘルマフロディトス像である。複製はいくつかあり、中には現代に作られたものもある。例えば、スペイン王フェリペ4世が依頼して作られたプラド美術館所蔵の複製は、ベラスケスの「鏡を見るヴィーナス」に影響を与えたことは間違いない。[ 35 ]
エトルリア美術に明確な先例があるローマ美術は、ギリシャ美術から大きな影響を受けた。ローマ帝国の拡大により、古典ギリシャ・ローマ美術はヨーロッパ、北アフリカ、近東のほぼ全域に広がり、これらの地域で将来発展する美術の進化の基礎を築いた。ローマ人は建築や工学において非常に進歩していたが、造形芸術においてはあまり革新的ではなかった。ローマの彫像のほとんどはギリシャ作品の模倣であるか、ギリシャ作品に触発されたものである。ヘレニズム世界から多くの芸術家がローマに移り住み、ギリシャ美術の精神を生き生きと保った。ローマの歴史家は古典ギリシャ時代以降に制作された美術作品を軽蔑し、このギリシャ黄金時代以降は「美術は止まった」とまで主張した。[ 36 ]
彫刻における最初の作品は、ローマに定住したギリシャ人芸術家たちの作品であり、その中には、ベルヴェデーレのトルソ（紀元前50年）の作者であるアテネのアポロニウス、メディチ家のヴィーナス（紀元前1世紀）の作者であるクレオメネス、そして棘を持つ少年の作者であるパシテレスなどがいる。[ 37 ]パシテレスの弟子であるステファノスは、アルバニの運動選手（紀元前50年）の作者であり、この作品は大成功を収め、18の複製が現存していることからもそれが裏付けられ、別の人物像とのバリエーションを生み出し、時にはメルクリウスとウルカヌス、またある時にはオレステスとピュラデスと同一視されるグループが形成された。そのうちの複製であるサン・イルデフォンソのグループ（紀元前10年）はプラド美術館に保存されており、2人の人物像はポリュクレイトスのドリフォロスとプラクシテレスのアポロ・サウロクトノスを彷彿とさせる。[ 38 ]ヘレニズム時代のギリシャ美術と様式的に関連するその他の匿名作品としては、ローマのテルメ博物館所蔵の「休息するボクサー」 （紀元前100～50年）と、同じ博物館所蔵の「ヘレニズム時代の王子」（紀元前100～50年）がある。
ローマの作品自体に関しては、ギリシャの影響は残っているものの、神格化されたローマ皇帝の彫像は特徴的である。ギリシャの神々のように裸で、肖像画において自然をより深く研究していることが示されている。[ 39 ]いくつかの作品では、ギリシャの作品とは異なる様式的な特徴が見られる。例えば、キュレネのヴィーナス（ローマ、テルメ博物館）は、ギリシャの人物像よりも解剖学的に自然主義的でありながら、ギリシャの女性裸体の優雅さと官能性を維持している。独創的な主題の革新は、三美神であり、その複製がいくつか存在する（シエナ、ルーブル美術館）。そのほとんどすべてが1世紀に遡る。これは、アフロディーテに付き添うカリテス（美の女神）のグループから派生した図像的主題であり、一般的には3人の姉妹（エウフロシネ、タリア、アグラエア）が腕を組んで、2人が正面を向き、中央の1人が後ろを向いている姿で表現される。このテーマはルネサンス期とバロック期に非常に成功した。[ 40 ]
帝政時代には、裸体への関心は衰退し、彫刻の理想化の概念と並行して、より重要性、写実性、そして最も醜く不快なものも含め細部へのより強いこだわりが高まり、その様式は肖像画において最も結晶化した。それでもなお、ハドリアヌス帝の別荘を飾るマルスとメルクリウスの像（125年）、アントニヌス帝の円柱の台座に見られるアントニヌスとファウスティナの神格化（現在はバチカン美術館所蔵）（161年）、あるいはローマのクイリナーレ広場にあるコンスタンティヌス浴場のモンテカヴァッロのディオスクロイ（330年）など、素晴らしい作品が制作された。[ 41 ]
絵画に関しては、ポンペイとヘルクラネウムの発掘調査のおかげで数多くの作品が発見されているが、それらは装飾的な性格が強いにもかかわらず、神話からパーティー、ダンス、サーカスといった日常的な場面まで、幅広い図像を描き、様式的な多様性とテーマの豊かさを示している。これらの場面には裸体が数多く登場し、エロティシズムへの明確な傾向が見られるが、それは人生の一側面として隠されることなく表現されている。ポンペイの壁を飾る多くの場面の中で、裸体が登場するものとしては、次のようなものが挙げられます。三美神、アフロディーテ・アナデュオメネ、プリアポスへの祈り、アイアスに誘拐されるカサンドラ、踊るファウヌス、サテュロスに驚かされるバッカンテ、ニンフのイフティマの強姦、アルカディアで息子テレフォスを認識するヘラクレス、若いアキレウスを指導するケンタウロスのケイローン、アンドロメダを解放するペルセウス、アルドブランディーニの結婚式など。[ 42 ]
西ローマ帝国の崩壊はヨーロッパの中世の始まりを告げるものであり、帝国が小国に分裂し、新たな軍事貴族が社会を支配したことで、それまで帝国官僚によって統治されていたすべての領土が封建化されたため、政治的にも社会的にも衰退の時代となった。古典芸術はゲルマン起源の新たな支配的文化によって再解釈され、新たな宗教であるキリスト教は中世の芸術作品の大部分に浸透した。中世の芸術は、初期キリスト教芸術から、ロマネスク以前、ロマネスク、ゴシック、ビザンチン、ゲルマン芸術に至るまで、いくつかの段階を経てきた。 [ 43 ]
中世の道徳神学では、裸体を4つのタイプに分類した。すなわち、人間の自然な状態であるnuditas naturalis、一般的に貧困と結びついた、一時性によって課せられた人工的な状態であるnuditas temporalis 、美徳と無垢の象徴としてのnuditas virtualis 、そして情欲と虚栄心と結びついたnuditas criminalisである。中世美術、特にベアトゥスの黙示録において頻繁に見られる裸体のもう一つの要素は、地上のあらゆるものを剥ぎ取られた象徴としての死者の表現であった。[ 44 ]
キリスト教神学では、人間は滅びゆく肉体と不滅の魂に分けられ、後者だけが保存されるべき貴重なものとみなされた。異教の宗教が消滅すると、裸体を描いた図像のほとんどは失われ、聖書の中でそれを正当化するわずかな箇所に限られるようになった。裸体を描いた数少ない例では、古典的な裸体の調和のとれたバランスとはかけ離れた、角張った歪んだ姿が描かれており、肉体は魂の単なる付属物とみなされていたため、肉体に対する軽蔑の表れとして、意図的に醜く傷ついた姿が描かれている。数少ない女性の裸体像（一般的にはイヴの像）では、腹部が膨らみ、肩幅が狭く、脚がまっすぐな姿が描かれているが、顔は通常、古代とは異なり個性的に描かれている。[ 45 ]
人間の姿は様式化の過程を経て、自然主義的な描写が失われ、キリスト教の超越的な性格と象徴的な言語が強調されるようになった。これは遠近法の喪失と空間の幾何学化と並行して起こり、象徴的な内容、つまりイメージに内在するメッセージが現実の描写よりも重要となるタイプの表現が生まれた。プラトンの「身体は魂の牢獄である」という考えに影響を受けたキリスト教は、自然主義的な解剖学的形態の研究への関心を失い、人間の表現を表現力に重点を置くようになった。[ 46 ]
中世には人体の比例の研究は失われてしまったが、人体は数学的および美的応用を伴う宇宙論的象徴の対象であった。すなわち、ホモ・クアドラトゥスである。プラトンの著作集に端を発し、中世文化は世界を巨大な動物、すなわち人間とみなし、人間は創造の巨大な宇宙の中の小宇宙、世界として捉えられた。この理論は、数字の4の象徴を自然と結びつけ、それが芸術にも応用された。四方位、四季、月の4つの相、4つの主要な風があり、4は人間の数である。この理論は、ウィトルウィウスが人間を理想的な正方形と捉え、両腕を広げた幅が身長に対応すると考えたことに遡る。 [ 47 ]
キリスト教は、その初期において、ユダヤ教の影響を強く受けていたため、裸体だけでなく、人間の姿を描いたほとんどすべての像を禁じていた。それは第二戒に反する行為であり、異教の偶像は悪魔の住処であると非難されていたからである。多くの異教の神々が絵画や彫刻において人間の姿で、しかも多くの場合裸体で表現されていたという事実は、初期のキリスト教徒に裸体を異教の偶像崇拝と同一視させ、直接的に悪魔との繋がりを見出しさせることになった。しかし、異教の終焉とキリスト教道徳における新プラトン主義哲学の同化は、肉体を精神の器として、裸体を人間の堕落した状態ではあるものの、自然で許容されるものとして受け入れることにつながった。それでもなお、中世美術は古典美術に内在する肉体美の概念を完全に失ってしまったのである。アダムとイブなど、聖書の中で必要とされる場面で表現されたとしても、それらは変形した身体であり、基本的な線に還元され、性的な特徴は最小限に抑えられ、魅力のない身体であり、美的特質を欠いていた。ゴシック時代は、より精緻で、より自然主義的な前提に基づいた人間の姿を再構築しようとする臆病な試みであったが、ある種の慣習主義の下で、形態は硬直性と幾何学的な構造に服従させられ、身体は常にキリスト教図像学の前提の下で、イメージの象徴的な側面に従属させられた。[ 48 ]
中世美術における裸体の表現は少なく、アダムとイブの楽園やイエス・キリストの殉教と磔刑など、それを正当化する聖書の一節に限られていた。十字架上のイエスの像には、主に2つの図像表現があった。1つは裸のキリストの像で「アンティオキア」と呼ばれ、もう1つはチュニックを着た救世主の像で「エルサレム」と呼ばれた。初期キリスト教の清教徒的で裸体に対する否定的な性格にもかかわらず、裸体バージョンが勝利し、特にカロリング朝時代以降、このテーマの正統的なバージョンとして受け入れられた。十字架上のキリストの苦しみは常に大きなドラマのテーマであり、ある意味でヘレニズムのパトスと結びついており、裸体が激しい苦しみを表現する手段となっているイメージがあり、解剖学的構造は変形し、構造がなく、痛みの感情的表現に晒されている。典型的な姿勢は、頭を片側に倒し、体の姿勢を補うために体を傾けたイエスの姿で、最初にシャルル禿頭王の祈祷書やケルン大聖堂のゲロの十字架（10世紀）に見られ、後にチマブーエの描かれた十字架のように、体がより湾曲し、膝が曲がるなど、若干の変更が加えられた。しかし、北ヨーロッパでは、マティアス・グリューネヴァルトのイゼンハイム祭壇画のように、苦悩が発作的なレベルに達する、さらに劇的な磔刑像が押し付けられた。[ 49 ]
初期キリスト教美術は数多くの古典的なモチーフをキリスト教の場面へと変容させた。例えば、古代のヘルメス・モスコフォロスは良き羊飼いとしてのイエスの像となり、オルフェウスは恩人としてのキリストとなった。聖書のレパートリーからは、アダムとイブの他に、預言者ダニエルがライオンに囲まれて裸で描かれることが多く、そのイメージはローマのジョルダーノ墓地の壁画（4世紀）やサン・ジョバンニ・イン・ラテラノ大聖堂の石棺に保存されている。[ 50 ]
ロマネスク美術において、裸体像はごくわずかしか存在せず、一般的にはアダムとイブに関する創世記の記述に限られていたが、それらは基本的な線で描かれており、女性の姿は乳房によって男性とほとんど区別されず、乳房は形のない二つの突起として描かれていた。それらは粗雑で図式的な人物像であり、恥じらいの態度を示し、慎み深く性器を隠しているのが好まれた。これは、ヒルデスハイム大聖堂の青銅扉のレリーフ「天地創造」「堕落」 「追放」 （1010年頃）、モデナ大聖堂正面のアダムとイブ（ヴィリゲルムス作、 1105年頃）、あるいはマデルエロの巨匠による「アダムの創造」と「楽園のアダムとイブ」 （プラド美術館）などの例に見られる。[ 51 ]他の場合、聖人の殉教の場面では、全裸または部分的な裸体が見られる。例えば、サン＝サヴァン＝シュル＝ガルタンプ（ポワトゥー）にある聖ガバンと聖キプリアヌスの殉教の場面などである。同じ図像的主題は、おそらくより自由に扱われているが、挿絵入りの細密画にも見られる。例えば、ウェルギリウス写本（エル・エスコリアル修道院）のアダムとイブ、またはヴィシェフラド福音書（1085年、プラハ大学）のキリストの洗礼などである。[ 52 ]
ゴシック美術において、裸体は13世紀初頭に主にゲルマン文化圏で形作られ始めました。裸体を表す最初の独立した等身大の像は、バンベルク大聖堂のアダムとイブ（1235年頃）で、これらはまだ硬直した神聖な形態の2本の柱のように見えますが、ある種の気品をもって扱われています。[ 53 ]この頃、図像のレパートリーは、特に聖マタイの福音書24章と25章からの最後の審判を取り入れることで、少し拡大しました。それまで、大聖堂のレリーフに表現された聖書の物語の場面のほとんどは黙示録で終わっていました。肉体の復活の場面では、身体は裸で描かれていましたが、生まれ変わった魂は完全な美の基準に従って表現されるべきでした。そのため、芸術家たちは再びギリシャ・ローマ古典美術の作品に目を向け、古代古典の論文に基づいた芸術家への指示を記したヴァンサン・ド・ボーヴェの『スペキュラム』などの新しい論文を目にするようになった。自然に関する研究が再び始まり、一部の芸術家が公衆浴場に行って身体をより詳細に研究したことがデータから示唆されている。これは、古代の石棺に描かれた人物像を彷彿とさせる、より自然主義的な形態を持つブールジュ大聖堂の最後の審判に表れている。この作品では、中央の女性はより女性らしい形態を持ち、コントラポストの姿勢にはある種のポリュレイト風の雰囲気がある。しかし、彼女の形態は様式化されており、あまり官能的ではなく、小さく離れた乳房、平らな腹部、そして小さくなった腰が特徴である。[ 54 ]
ゴシック様式の裸体は、徐々に自然さと解剖学的正確さを増し、主題のレパートリーも拡大していった。裸体像の使用は、彫刻や細密画だけでなく、祭壇画、ステンドグラス、聖歌隊席、金銀細工など、あらゆる芸術分野に広がっていった。新たに表現された主題には、地上の財産を放棄することによって物質的なものをすべて剥ぎ取られた聖ヒエロニムスや他の禁欲主義者、あるいはマグダラのマリアやエジプトのマリアのような女性像などがあった。楽園でイブを誘惑した蛇や、聖ゲオルギウスによって倒された竜も、裸の人間の姿で表現されることがある。[ 55 ]旧約聖書のバテシバ、スザンナ、ユディト、デリラ、サロメなどの特定の女性像には、より大きな官能性が与えられた。時には、ジャン・フーケの『聖母子像』（1450年、別名『赤い天使の聖母』）のように、幼子イエスに授乳しているという理由で、聖母マリアが乳房を見せることさえ許されていた。[ 56 ]
14世紀初頭、オルヴィエート大聖堂の正面はロレンツォ・マイターニの作品で、彼は裸体像を多数配置し、創造、人間の堕落、最後の審判といった、この主題に対する芸術家の個人的な関心を示しているように見える。アダムの脇から立ち上がるイヴは、間違いなく古代のネレイデスの石棺に触発されたものであり、初めてある種の理想主義、つまり身体を魂の器とみなし、それゆえに考察に値するという概念を示している。一方、最後の審判は、戦闘の石棺や古代のガリア人の死の場面を思わせる多様な場面で、北欧のインスピレーションを受けているように見える。[ 57 ]
15世紀には、裸体像がより広く普及し、当時の流行であったいわゆる「国際ゴシック」の潮流の中で位置づけられました。このゴシック様式は、1400年頃にフランス、ブルゴーニュ、オランダの間で出現しました。その初期の代表作の一つが、リンブール兄弟による『ベリー公の非常に豊かな時』 （1416年）です。この作品では、 『堕落と楽園追放』の一場面が描かれており、エデンの園での自然な生活から罪の恥辱と楽園追放へと至るイヴの変遷が描かれています。楽園追放後、イヴはイチジクの葉で覆われたヴィーナス・プディカの姿をとります。細長く丸みを帯びた体型、小さな乳房、膨らんだ腹部は、ゴシック様式の女性裸体の原型となり、200年間続くことになります。これは、ヤン・ファン・エイクの「ゲントの祭壇画のイヴ」、フーゴー・ファン・デル・グースやロヒール・ファン・デル・ウェイデンの「アダムとイヴ」 、あるいはハンス・メムリンクの「虚栄」やコンラート・マイトの「ユディト」といった女性像に見られるように、裸体を恥ずべきものと捉えていた中世の慎ましい態度が、より官能的で、より挑発的で、より肉感的な人間像へと変化しているのである。[ 58 ]スペインでは、バルトロメ・ベルメホの「キリストのリンボ降下」、フェルナンド・ガジェゴの「聖カタリナの殉教」、ペレ・ヨハンのタラゴナ大聖堂主祭壇画の聖テクラ像（1429年）、アイネ・ブルの「聖ククファテの虐殺」（1504～1507年）など、官能性とはかけ離れた、真面目で抑制されたヌードの最初の試みが現れた。[ 59 ]
多かれ少なかれ自然主義的な裸体像は、ルネサンス以前のイタリアで控えめに現れ始め、一般的には寓意像の形で現れた。例えば、ニコラ・ピサーノが1260年にピサ洗礼堂の説教壇に描いた「不屈の精神のダニエル」は、ローマのヘラクレスを基にしており、多才なアスリートをやや想起させる。また、ジョヴァンニ・ピサーノが1300年から1310年にかけてピサ大聖堂の説教壇に描いた「節制の女神」は、控えめな姿のヴィーナスとして、腕で局部を隠している。[ 60 ]ジョットの作品、特にパドヴァのスクロヴェーニ礼拝堂にある「最後の審判」にも見られる。[ 61 ]
近世の芸術（現代美術と混同してはならない。現代美術はしばしば現代美術の同義語として用いられる）[注3 ]は、15世紀から18世紀にかけて発展した。近世は、政治、経済、社会、文化において根本的な変化をもたらした。中央集権国家の統合は絶対主義の確立を意味し、新たな地理的発見、特にアメリカ大陸の発見は領土的・商業的拡大の時代を切り開き、植民地主義の始まりを告げた。印刷機の発明は文化の普及を促進し、あらゆる層の人々に開かれたものとなった。宗教は中世に持っていた優位性を失い、プロテスタントの台頭がその一因となった。同時に、ヒューマニズムが新たな文化的潮流として現れ、人間と宇宙に対するより科学的な概念へと移行した。[ 62 ]
15世紀（クアトロチェント）にイタリアで出現したこの芸術は、同世紀末から16世紀初頭にかけてヨーロッパ全土に広まった。芸術家たちは古典的なギリシャ・ローマ美術に影響を受けており、中世の蒙昧主義の後、芸術の「ルネサンス」と呼ばれた。自然からインスピレーションを得たスタイルでは、遠近法の使用など、新しい表現モデルが出現した。宗教的なテーマを放棄することなく、人間とその環境の表現がより重要になり、神話や歴史などの新しいテーマ、あるいは風景や静物などの新しいジャンルが登場し、裸体画の活性化に影響を与えた。美は中世のように象徴的なものではなくなり、調和と均衡に基づいた、より合理的で計算された要素を持つようになった。[ 64 ]
ルネサンス美術は、人間中心主義哲学の人間中心主義と並行して、新たに始まった近代の新しい世界観の中心に人間を据え、人体の表現をより明確にするために解剖学の研究に依拠した。1543年、アンドレアス・ヴェサリウスによる解剖に基づく人体の解剖学的研究である『De humani corporis fabrica』が出版された。この本には、ヤン・ファン・カルカルによるものとされる人体の図版が多数掲載されており、客観的リアリズムをますます重視するようになった他の芸術家たちの作品の基礎となった。この本の図版は芸術的な基準に基づいて構想されており、骸骨や皮を剥がされた人物が芸術的なポーズや身振り手振りで、ほとんど演劇的な態度で描かれている。[ 65 ]
ルネサンス期の裸体像は、古代ギリシャ・ローマの古典様式に影響を受けていたが、その役割は古代とは異なっていた。ギリシャでは男性の裸体像が英雄像を象徴していたのに対し、ルネサンス期のイタリアでは、裸体像はより美的性格を帯び、宗教的教義から離れた新たな世界観、すなわち人間を再び宇宙の中心とする考え方と結びついていた。女性の裸体像が際立っていたのは、主に貴族や裕福な商人たちの庇護によるものであり、彼らは社会における特権的な地位を誇示していた。こうして、裸体の世俗化が進み、中世の宗教的主題から世俗的主題へと移行し、時には宗教の領域外でこの種の表現を正当化しようとするやや強引な試みも見られた。ボッティチェッリの代表作である『プリマヴェーラ』と『ヴィーナスの誕生』は、マルシリオ・フィチーノがヴィーナスの神話から抽出した、貞淑な女性の理想像としてのネオプラトン主義の概念を表しており、ヴィーナスは成人後裸体であるにもかかわらず、最初の反応として古代の「貞淑なヴィーナス」の概念に従って体を覆うのである。[ 66 ]
ルネサンス美術は、肉体的にも道徳的にも理想的な美の典型として、古典的な裸体像を復活させた。裸体は、最も自然主義的なものから最も象徴的なものまで、あらゆる構図の完璧な口実となり、後者は多くの寓意や擬人化を通して表現された。時には、ルネサンスにおける人体の表現は、裸体そのもののための裸体であり、宗教的であろうと神話的であろうと、絵画の主題そのものを非自然化するような、一種の芸術のための芸術であった。 [ 67 ]ルネサンスでは、裸体は恥の源ではなくなり、それとは対照的に、新たな英雄的あるいは神聖な性格（sacra nuditas）を獲得した。[ 68 ]ルイ・レオー（ 『キリスト教美術の図像学』、1955年）によれば、「ルネサンスの芸術家たちは、勝利を収めた裸体としての人体の表現を、造形芸術の主要な対象とみなした」。[ 68 ]
同様に、裸体は主要な芸術だけでなく、燭台からナイフやドアノブに至るまで、無数のマイナーな芸術や物品にも存在していた。ベンヴェヌート・チェッリーニは、このような裸体表現の豊富さを「人間の身体は最も完璧な形態である」として正当化しており、頻繁に描かれているのは驚くべきことではない。[ 69 ]一方、図像レベルでは、神話的主題の作品が増え始めたものの、芸術作品の大部分は宗教的なものにとどまり、古典的な裸体の神話的人物と裸で現れることが最も正当化されるキリスト教的人物との間に奇妙な共生関係が生まれた。このように、ギベルティの『イサクの犠牲』におけるイサクの姿は『ニオベの子ら』の古典的な類型を示しており、ドナテッロの『キリストの埋葬』における横たわるキリストの姿は古典的なメレアグロスを想起させ、マサッチオの『楽園追放』におけるイヴの姿勢はヴィーナス・プディカの姿勢であることがわかる。[ 70 ]
15 世紀の間、イタリアではゴシック美術から受け継がれた特定の形式が残っていましたが、それらは徐々に自然主義と真実味を増していきました。これは、マサッチオ(アダムとイブのエデンからの追放、1425–1428 年)、マソリーノ・ダ・パニカーレ(アダムとイブの誘惑、1426–1427 年)、アントネッロ・ダ・メッシーナ(聖セバスチャン、1476 年、天使に支えられた死せるキリスト、1476–1479 年) などの芸術家の作品に見られます。アンドレア・マンテーニャ（カルヴァリー、1458年；ワイン樽のあるバッカス祭、1470年；死せるキリストへの哀悼、1475年頃～1490年；パルナッソス、 1497年；ヴィーナス、マルス、ディアナ、日付不明；聖セバスチャン（1459年、1480年、1490年の3つのバージョン）など）も同様である。彫刻の分野でも、フィレンツェ洗礼堂の天国の門（1425年～1452年）の作者であるロレンツォ・ギベルティがアダムとイブの創造、原罪、天国追放の場面で同様のことをした。[ 71 ]
過去との決別と古典主義への回帰を象徴する最初の作品の一つが、ドナテッロの『ダヴィデ像』（1440年頃）である。この作品は、その後50年間、比較できる作品がなかったことから、非常に独創的で時代を先取りした作品であった。しかし、ドナテッロのモデルはギリシャの作品ほどアスリート体型ではなく、10代の少年の優雅で細身の姿を表現している。同様に、アポロン的な美しさの静謐さの代わりに、ディオニュソス的な美しさの官能性が感じられ、ユダヤの王の足元にあるゴリアテの頭は、かつてギリシャのワインの神の像の台座を飾っていたサテュロスの頭を彷彿とさせる。ドナテッロはまた、特に胴体において古典的なプロポーションから逸脱しており、ポリレティアの「美的胸当て」とは対照的に、腰が身体の中心軸を成している。[ 72 ]
ドナテッロ以降、裸体像はより躍動的になり、特にフィレンツェではアントニオ・ポッライオーロやボッティチェッリ、ウンブリアではルカ・シニョレッリの作品に見られるように、動き、エネルギー、恍惚とした感情の表現が重視されるようになった。メディチ宮殿にあるポッライオーロの『ヘラクレスの功業』（1460年）では、ギリシャ彫刻の「英雄的対角線」が復活し、躍動する裸体像の表現において卓越した技量を示した。ヴァザーリによれば、ポッライオーロの裸体像の扱いは「彼以前のどの巨匠よりも現代的」である。ポッライオーロは解剖学を深く研究し、ヴァザーリは彼が死体を解剖して特に筋肉を研究したと告白している。このようにして、彼はギリシャ・ローマ古典主義から離れていった。ギリシャ・ローマ古典主義は形態の自然主義に基づいていたものの、それらは理想化されており、ポッライオーロが導入した解剖学的リアリズムとはかけ離れていた。これは、彼の『ヘラクレスとアンタイオス』（1470年）に示されている。英雄が巨人の体を押しつぶす場面の緊張感は、作者が行った解剖学的研究の詳細を示している。彼は弟のピエロと共に『聖セバスチャンの殉教』（1475年）を描いたが、これもまた彼の解剖学的研究を示しており、特に弓を引く努力で顔が赤くなっている射手の描写にそれが表れている。[ 73 ]
ルカ・シニョレッリもまた、ダイナミックで解剖学的な裸体像の代表的な画家であり、特に角張った、幅広く、しっかりとした肩は、内に秘めたエネルギーを表している。また、肩と臀部、胸と腹部といった身体の特定の部分を、対照的なボリュームで単純化することで、人物像に密度の高い立体感と、ある種の触覚的な質感を与えている。オルヴィエート大聖堂のフレスコ画（1499～1505年）では、筋肉質で輪郭がはっきりとした人物像を描き、潜在的なダイナミックな緊張感を漂わせている。例えば、『地獄に落とされた罪人たち』の人物像などが挙げられる。ポッライオーロとシニョレッリの緊張感と躍動感あふれる裸体像は、「裸の男たちの戦い」という流行を生み出し、それは1480年から1505年まで続き、特別な図像学的根拠はなく、単に美的感覚（フィレンツェでは「美しい裸体」と呼ばれた）のために流行し、ベルトールド・ディ・ジョヴァンニの「戦い」（1480年）、ラファエロの「戦う男たち」、ミケランジェロの「ケンタウロスの戦い」 （1492年）や「カッシーナの戦い」（1504年）などの作品に見られる。[ 74 ]
ボッティチェッリは、中世の道徳主義時代以降、女性の裸体像の復興に大きく貢献したフィレンツェの新プラトン主義派と関連づけ、強い象徴性を帯びた、高度に知的な裸体像を制作しました。この派の主要理論家の一人であるマルシリオ・フィチーノは、プラトンの『饗宴』に登場する天上のヴィーナス（天上のヴィーナス）と地上のヴィーナス（自然界のヴィーナス）という二つの人物像を対比させ、女性における神聖さと地上性を象徴する、美徳と神秘的な高揚のモデルとしてのヴィーナス像を復活させました。この象徴性は、ボッティチェッリの二つの代表作である『プリマヴェーラ』（1481～1482年）と『ヴィーナスの誕生』（1484年）において見事に表現されています。彼は、石棺、宝飾品、レリーフ、陶器、素描など、手元にあった数少ない現存する古典作品からインスピレーションを得ました。彼は、ルネサンス以降、古典的な美の理想として認識されることになる美の原型を創造した。『プリマヴェーラ』では、体の輪郭が見える繊細で半透明な布地を用いた「ドレープ・ムイエ」のジャンルを復活させ、ポンペイやヘルクラネウムの絵画、プリマ・ポルタやハドリアヌス帝の別荘の漆喰から着想を得た古典主義の感覚を表現した。しかし、ボッティチェッリは古典的な裸体のボリューム感から離れ、より現代的な人体の概念に呼応する、繊細で細身の人物像を描き、その顔は理想的な古典的原型よりも個人的で人間味にあふれている。ローマ滞在後に描かれた『ヴィーナスの誕生』では、教皇の都に存在するローマの古代遺物との接触のおかげで、より純粋な古典主義を示した。こうして、彼のヴィーナス像はすでに衣服や道徳的な制約をすべて剥ぎ取られ、中世美術を完全に放棄して近代へと踏み込んでいる。図像的主題は、アンジェロ・ポリツィアーノの『ジョストラ』のいくつかの詩句から取られており[注4 ]、プリニウスによれば、アペレスが『アフロディーテ・アナデュオメネ』ですでに描いたホメロスの叙事詩の一節に触発されたものである。彼は美しい貴族シモネッタ・ヴェスプッチをモデルとして用いた。ボッティチェッリの作品では、その人物像は、構図の古典主義にもかかわらず、プロポーションというよりはリズムと構造においてゴシック様式の基準に合致している。曲線的な形状のため、人物像は均等に分布しておらず、重みが右側に偏っている。輪郭と髪の波打つような動きは、空中に浮かんでいるような感覚を与える。図像的なタイプは、腕で陰部を覆うヴィーナス・プディカであり、古典的な要素とはかけ離れたアペレスの誹謗中傷の中の真実の人物像で部分的に繰り返されている。裸体が登場するボッティチェッリの他の作品には、聖セバスチャン（1474年）、ナスタジオ・デッリ・オネスティの物語（1482～1483年）、ヴィーナスとマルス（1483年）、聖ヒエロニムス、聖パウロ、聖ペテロのいるピエタ（1490～1492年）、死せるキリストの哀悼（1492～1495年）などがある。[ 75 ]
シモネッタ・ヴェスプッチをクレオパトラとして描いたピエロ・ディ・コジモ（1480年）は、神話に触発された作品で、やや風変わりな雰囲気がありながらも、深い感情と優しさにあふれた独創的な芸術家であり、人物像は多種多様な動物とともに広大な風景の中に溶け込んでいる。例えば、『ウルカヌスとアイオロス』（1490年）、『ヴィーナス、マルス、キューピッド』（1490年）、『シレノスの不幸』（1500年）、『プロクリスの死』（1500年）、『バッカスによる蜂蜜の発見』（1505～1510年）、『ラピタイ族とケンタウロス族の戦い』（1515年）、『プロメテウスの神話』（1515年）などである。[ 76 ]
中部イタリアでは、より穏やかな古典主義が感じられます。例えば、ピエロ・デッラ・フランチェスカの『アダムの死』（1452～1466年）では、裸体像がフィディアスやポリュクレイトスの彫刻のような重厚さを持ち、ペルジーノの『アポロンとマルシュアス』（1495年）にはプラクシテルスの影響が色濃く見られます。この古典主義は、ラファエロの『パルナッソス』（1511年）で頂点に達しました。この作品は、 1479年に発見されたベルヴェデーレのアポロン像に間違いなく影響を受けており、ラファエロはそこから、細身の体型だけでなく、聖人、詩人、哲学者たちのスタンツェに見られるリズム、優雅さ、調和をも汲み取っています。しかし、ラファエロは単に古典的な人物像を再現したのではなく、自身のデザイン感覚に基づいて解釈し、芸術家の美的理想を甘美で調和のとれた形で表現したのです。[ 77 ]一方、理想的な美の概観を提示する作品を生み出したラファエロは、最も官能的な感覚から最も理想的な完璧さを引き出すことができた。1505年の「三美神」では、優美なボッティチェッリのヴィーナスほど優美ではないが、古代から模倣したというよりはむしろ画家自身に内在する古典主義、やや素朴な古典主義ではあるが新鮮な活力に満ちたシンプルな形態を精緻に描き出した。教皇の間にある1508年の「アダムとイヴ」では、レオナルドの「レダ」の影響を受け、最初の女性であるアダムとイヴの姿をやや複雑なボリューム感で再現した。その後、アゴスティーノ・キージの遊興別荘ラ・ファルネジーナでの作品の中で、ネロのドムス・アウレアの絵画に触発されたラファエロの『ガラテアの勝利』 （1511年）が際立っており、この作品の制作にあたっては、ラファエロ自身も、どのモデルも十分に完璧とは思えなかったため、異なるモデルから異なる部分を使用したと認めている。伝説によれば、アペレスもそう感じていたという。[ 78 ]
対照的に、レオナルド・ダ・ヴィンチは古典的な規範から逸脱し、広範な解剖学的研究に基づいて自然主義的な人物像を描きました。初期の頃はポッライオーロの力強いフォルムに影響を受け、『アンギアーリの戦い』はミケランジェロの『カッシーナの戦い』の影響を受けています。その後、解剖学の深化によって人物像は圧倒的なリアリズムを獲得し、科学的な関心が垣間見える一方で、道徳的かつ人間的な尊厳といったある種の英雄的な姿勢が表現され、静謐な生命力に満ち溢れています。[ 79 ]しかし、解剖学への関心は、今日多くの美術館や個人コレクションに散在する数百枚、おそらく数千枚もの素描に表れているにもかかわらず、絵画では裸体像はわずかしか描かれていない。[ 80 ]例えば、 『バッカス』（または『洗礼者聖ヨハネ』、1510～1515年）や、『レダと白鳥』などである。『レダと白鳥』は、1504年から1506年の間に少なくとも3つのバージョンが制作され、裸の女性がもはや手の届かない理想ではなく、創造的な生命の象徴として正当化されている。[注 5 ]レオナルドにとって、解剖学の研究は、それ自体が目的というよりも、たとえ服を着ていても、表現される人物の比率を知るために役立った。そのため、例えば、有名なモナ・リザの半裸の素描『ラ・ジョコンダ』（1503年）があり、現在はシャンティイのコンデ美術館に所蔵されている。[ 81 ]
ルネサンス期の裸体像の頂点はミケランジェロの作品に見られる。彼にとって裸の人間は神聖な性格を持ち、同時代の他のどの裸体像にも匹敵しない尊厳を湛えていた。新プラトン主義の信念に基づき、彼は男性の美を前にして感じた感情を極限まで理想化し、その結果、彼の裸体像の官能性は超越的なもの、すなわち、より高尚で非物質的、捉えどころのない、崇高で純粋で無限なものの表現となった。彼の人物像は、力強く感動的であり、偉大な力と情熱、響き渡る生命力と強烈な精神的エネルギーに満ちている。彼の宗教作品でさえ、十字架にかけられたキリスト像に内在する苦しみの哀愁を失い、救世主を精神的な静けさで描き出すことで、その苦痛よりも美しさに対する同情を掻き立てている。バチカンのピエタ（1498～1499年）がその好例である。[ 82 ]彼の最初の裸体デッサンは、柔らかな古典的な輪郭とはかけ離れた、神経質な関節の躍動感を示しており、比率や幾何学的な構成とはかけ離れた豊かな造形が特徴です。彼の解剖学は、結び目が多く、引き締まっていて、ダイナミックで、胴体の厚みが際立ち、筋肉がはっきりとし、しっかりとした輪郭があり、ねじれや短縮された人物像の効果を誇張しています。これは、彼の初期の偉大な彫刻の1つである「酔ったバッカス」（1496～1497年）に見られます。フィレンツェの「ダヴィデ」（1501～1504年）は、バランスの取れた古典主義のアポロン的な雰囲気をまだ残していますが、個人的な方法で解釈されており、胴体はギリシャ彫刻のように見えるかもしれません。それでも、頭と手足の不均衡は緊張を示しており、彼の反抗的な表情は古典的な精神から逸脱しています。同様に、ルーヴル美術館にある彼の奴隷像（「瀕死の奴隷」と「反抗する奴隷」、1513年）の劇的な表現は、ヘレニズム美術のヌービデ像を想起させ、ラオコーンの影響を示している（ミケランジェロは、1506年にサン・ピエトロ・イン・ヴィンコリの近くで発掘されたこの彫刻群を最初に見た人物の一人である）。同様に、メディチ家の墓（1524年）のための彼の像はギリシャの作品を彷彿とさせる。男性像（「昼」と「黄昏」）はベルヴェデーレのトルソを、女性像（「夜明け」と「夜」）はバチカンのアリアドネを想起させる。[ 83 ]
Later, his idea of a rotund and vibrant anatomy, but charged with emotional intensity, was embodied in his Adam of the Sistine Chapel (1508–1512), reminiscent of the Dionysus of the Parthenonpediment, but with a vital charge far removed from the harmonious Phidian sculpture. Similarly, the figures of the athletes (usually called ignudi, "naked") on the ceiling of the Sistine have the balance of athletic energy together with the transcendence of their sacred mission—they represent the souls of the biblical prophets—harmoniously exercising their mediating role between the physical and spiritual worlds, so that their physical beauty is a reflection of divine perfection. In other scenes, such as TheFlood (1509), he also shows vigorous figures whose physical power reveals their spiritual strength. The Creation of Eve (1509–1510) presents a rotund, vigorous female figure, with very marked contours. On the other hand, the Christ of the Last Judgment (1536–1541) has the solemnity of an Apollo understood as sol justitiae, but with a rotundity—patent in his almost square torso—already far removed from the classical canons. His representation of Jesus is no longer the typical bearded figure of Byzantine tradition, but the effigy of an Olympian god or a Hellenistic king, closer to Alexander the Great than to a Jewish carpenter, with a more athletic build than one would expect from the mystical Christian ascetic.[84] In his last works, the three piéades (the Palestrina, the Duomo and the Rondanini Pietà), he completely abandoned the ideal of physical beauty, with distorted figures (Palestrina), angular (Duomo) or with a schematism close to the Gothic (Rondanini).[85]
The first to fully understand, since the great age of Greek sculpture, the identity of the nude with the great figurative art, was Michelangelo. Before him it had been studied with a scientific view, as a means of capturing the figure wrapped in clothing. Michelangelo saw that it was an end in itself and made the nude the supreme purpose of his art. For him, art and nude were synonymous.
—Bernard Berenson, Italian Renaissance painters (1954)[86]
16世紀には、特にマルカントニオ・ライモンディの作品をはじめとする古典ギリシャ・ローマ作品の版画によって、裸体像が広く普及しました。ヴェネツィア派が台頭し、古典主義的な手法の継承だけでなく、新たな技術や様式の革新と実験を通して、裸体像に重要な貢献を果たしました。ヴェネツィア派は、屋内であれ自然風景であれ、より精緻な構図の中に裸体像を調和させることに成功し、色彩や照明の革新によって、裸体像に写実性と官能性を高め、古典主義の規範から逸脱し始めた、大きく躍動感のある人物像を生み出しました。これは、ジョヴァンニ・ベリーニの『鏡の前の裸の若い女性』（1515年）に見ることができます。しかし、この様式の主な創始者はジョルジョーネであり、フォンダコ・デイ・テデスキのフレスコ画（1507～1508年、現在は消失）、牧歌的コンサート（1510年） 、あるいは横たわる姿勢が何度も模倣された眠れるヴィーナス（1507～1510年）に見られるように、女性の裸体を一般的な装飾的構成の中に初めて組み込んだ人物である。ジョルジョーネの裸体の身体的類型、すなわち豊かなプロポーションと広いウエストは、長い間ヴェネツィアの女性裸体を支配することになり、デューラーを経てドイツやオランダに伝わり、ルーベンスなどの画家の作品においてバロック時代にも存続したことは注目に値する。[ 87 ]
ジョルジョーネの初期の模倣者の一人にティツィアーノがおり、彼の『ウルビーノのヴィーナス』（1538年）と『パルドのヴィーナス』（または『ユピテルとアンティオペ』 、1534～1540年）は『眠れるヴィーナス』と同じポーズを再現しているが、より大きな名声を得ている。『聖なる愛と俗なる愛』 （1514～1515年）では、フィチーノとフィレンツェの新プラトン主義学派によって再発見された、プラトンの『饗宴』に登場する天上のヴィーナスと世俗のヴィーナスの神話を捉えている。天上のヴィーナスは、道徳的徳の純粋さゆえに、古典的な裸体の理想に従って裸で描かれているのに対し、世俗のヴィーナスは、その不道徳の恥のために服を着ている。他の作品では、バッカスとアリアドネ（1520–1523年）、悔悛するマグダラのマリア（1531–1533年）、ヴィーナスと音楽家（1547年）、オルガン奏者、キューピッド、犬といるヴィーナス（1550年）、黄金の雨を受けるダナエ（1553年） 、ヴィーナスとアドニス（1553年） 、エウロペの略奪（1559–1562年）、ディアナとアクタイオン（1559年）、ディアナとカリスト（1559年） 、アルフォンソ1世デステのために描かれた2つのバッカナール（1518–1526年）、あるいはエルズミア・コレクションにあるヴィーナス・アナデュオメネ（1520年）のように、奔放で肉感的な女性像の原型を描き続けている。その露骨な官能性は、印象派で再び取り上げられることになる裸体というテーマの出発点となっている。[ 89 ]
Disciples of Titian were Paris Bordone (Sleeping Venus with Cupid, 1540; Bathsheba Bathing, 1549; Venus and Mars with Cupid, 1560) and Tintoretto, whose ambition—not entirely achieved—was to reunite Michelangelo's drawing with Titian's coloring. The works of the latter are large, with a multitude of figures, with dazzling lights that reflect the luminous quality of his beloved Venice. In his decoration of the Venetian Doge's Palace (1560–1578) he made an authentic apotheosis of the nude, with multiple figures from classical mythology (Mars, Minerva, Mercury, Bacchus, Ariadne, Vulcan, the Three Graces), in positions where the foreshortening is usually abundant, in a great variety of postures and perspectives. His other nude works include: Joseph and Potiphar's Wife (1544), Adam and Eve (1550–1552), Venus, Vulcan and Mars (1555), The Liberation of Arsínoe (1555–1556), Susanna and the Elders (1560–1565), The Origin of the Milky Way (1575–1582), Judith and Holofernes (1579), etc. His daughter, Marietta Robusti, followed in his footsteps, while serving as a model for her father on numerous occasions.[90]
Paolo Veronese also mastered to perfection the coloring, wisely combined in infinite shades, as well as the composition, dedicated to recreating lavish, playful, ornamental scenes, emphasizing the pomp of the Doge's Venice. Even his religious scenes have a festive, joyful, worldly, sometimes somewhat irreverent character. However, his nudes were demure, restrained, modest, without showing anything explicit, just some naked area between tunics or folds of clothing, as in Allegory of Love I; Infidelity (1575–1580), The Creation of Eve (1575–1580), Mars and Venus (1580), Susanna and the Elders (1580) and Venus and Adonis (1580).[91]
コレッジョは、古典主義から完全に離れ、レオナルドのスフマートの影響を受けた色彩の遊びや照明効果だけでなく、形や人物だけでなく、画家の溢れんばかりの想像力にのみ従属する、精緻な独創的な構図へと移行した。ヴィーナスとキューピッドとサテュロス（またはジュピターとアンティオペ、1524-1525年）、『キューピッドの教育』（1528年）、『ダナエ』（1530年）、『レダと白鳥』（1531-1532年）、『ジュピターとイオ』（1531-1532年）などの作品では、気まぐれで躍動的なポーズをとる人物が、より暗い絵画の他の部分から光り輝き、画家にとっての主要な関心事に焦点を当てている。[ 92 ]
16 世紀後半にはマニエリスムが出現し[注 6 ] 、ある意味で近代美術はそこから始まった。つまり、物事はありのままに表現されるのではなく、芸術家が見たように表現される。美は相対化され、科学に基づいた単一のルネサンスの美から、自然から派生したマニエリスムの多様な美へと移行する。マニエリスムの芸術家にとって、古典的な美は空虚で魂がなく、精神的で夢のような主観的で規制のない美と対比される。これはペトラルカの「私は知らない」という表現に要約される[ 93 ]マニエリスムの裸体は、細長く誇張された、ほとんど様式化された優雅さを持つ。一方ではミケランジェロの形式的な歪みの一部であり、他方ではパルミジャニーノの優雅さの一部である。良い例としては、ブロンズィーノの「ヴィーナスとキューピッドの寓意」（または「情熱の寓意」、1540～1545年）が挙げられる。このヴィーナスは、非常に細身で、ほとんど淫らな態度をとっているが、そのジグザグの姿勢は、ミケランジェロの「ピエタ」の死せるキリストから着想を得ている。こうした優美な細身の人物像は彫刻にも数多く見られ、特にブロンズ像が好まれ、バッチョ・バンディネッリ（『ヘラクレスとカクス』 、1534年、フィレンツェのシニョリーア広場にあるミケランジェロのダヴィデ像の隣に位置）、バルトロメオ・アンマナーティ（『レダと白鳥』、1535年、『ヴィーナス』、1558年、『ネプチューンの噴水』 、1563～1565年）、ベンヴェヌート・チェッリーニ（『エル・エスコリアルの磔刑像』 、1539年、『フランソワ1世の塩入れ』、1540～1543年、『ガニュメデス』、1547年、『メデューサの首を持つペルセウス』 、1554年）、ジャンボローニャ（『サムソンがペリシテ人を殺す』、1562年、 『メルクリウス』、1564年、『ネプチューンの噴水』 ）などの芸術家によって制作された。 1565年;フィレンツェのピサに対する勝利、1570年;サビニの女たちの略奪、1582年;ヘラクレスとケンタウロスのネッソス、1599年）。[ 94 ]一方、裸体の悲劇的な側面、すなわちヘレニズム的パトスは、ポントルモとロッソ・フィオレンティーノによって、一般的に宗教的な主題で培われ、ロッソの『イエトロの娘たちを守るモーセ』のように、マニエリスムの感情表現をよりよく表現することができた。（1523年）の平らで角張ったフォルムは、古典主義とは正反対である。[ 95 ]
16世紀、裸体像が芸術の主題として受け入れられるようになり、それはイタリアからヨーロッパ各地へと広まり、特にドイツやオランダでは、ブルジョワ階級の人々がこぞって鑑賞するなど、これらの作品に対する大きな需要を生み出した。裸体像は非常に人気が高く、ロッテルダムのエラスムスの『新約聖書』の表紙にも描かれているほどである。この分野で最も人気のある芸術家の一人は、ルーカス・クラナッハ（父）でした。彼は作品を通して、ゴシック起源の北欧ヌードをより個人的な解釈で表現しました。丸みを帯びたフォルムはそのままに、より様式化され、古典的な規範に則って、長く細い脚、細いウエスト、そして緩やかに波打つシルエットが描かれています。例えば、『ヴィーナスとキューピッド』（1509年）、 『泉のニンフ』（1518年）、『ルクレティア』（1525年）、『パリスの審判』（1527年）、『アダムとイヴ』（1528年）、『アポロとディアナ』 （ 1530年）、『三美神』（1530年）、『黄金時代』（1530年）、『ヴィーナス』 （1532年） 、『蜂蜜を盗むヴィーナスとキューピッド』（1534年）、『正義の寓意』（1537年）、『若返りの泉』（1546年）、『ディアナとアクタイオン』（1550～1553年）などが挙げられます。複数の小道具（帽子、ベルト、ベール、ネックレス）はモデルのエロティシズムを高め、将来何度も繰り返されることになるイメージを確立した。[ 96 ]
アルブレヒト・デューラーは、祖国に深く根付いたゴシック美術の様式を受け継ぎながらも、イタリア・ルネサンスの古典主義の研究を通して独自のスタイルを発展させた。初期の作品には、『主婦』（1493年）、『女の入浴』（1496年）、『四人の魔女』（1497年）のように、細長く、胸が小さく、腹部が膨らんだゴシック様式の女性像の原型が見られる。その後、彼は解剖学的完璧さの鍵を求めて人体のプロポーションの研究に専念したが、成功には至らなかった。しかし、この過程で彼はある種の古典主義的なスタイルに近づき、1504年の『アダムとイヴ』に見られるように、古典的な調和は幾何学的な規則の規範というよりも、むしろ精神状態であったことを示している。それでも彼は満足せず、晩年の作品では『ルクレティアの自殺』 （1518年）のように、ゴシック美術の丸みを帯びたフォルムへと回帰した。優れた版画家であり画家でもあったデューラーの最も優れた裸体画のいくつかは版画で、例えば『ベレニーチェ』、『医者の夢』、『海の怪物』などがある。また、寓話や『皇帝の勝利』シリーズ、イエスの受難と死、聖ヒエロニムス、聖ジュヌヴィエーヴ、聖マグダラのマリアなどの聖人の生涯を描いた版画もある。デューラーの作品はゲルマン世界の多くの芸術家に影響を与え、ゴシック様式と古典主義の理想が融合した作品は、ウルス・グラフ（『激怒する軍隊』、1520年）やニクラウス・マヌエル・ドイチュ（ 『パリスの審判』、1516～1528年）の作品に見られる。[ 97 ]
ハンス・バルドゥングもまたデューラーの弟子であり、死や人間の各時代を擬人化して人生のはかなさを想起させる、強い教訓的な内容を持つ寓意的な作品を制作した。代表作には、『聖セバスチャン三連祭壇画』（1507年）、『二人の恋人と死』 （ 1509～1511年）、 『女性の三つの時代と死』（1510年）、『イヴ、蛇、そして死』（1512年）、 『三人の魔女』（1514年） 、『死と女』 （1518 ～1520年）、 『虚栄』 （1529年）、『ヘラクレスとアンタイオス』 （1530年）、 『アダムとイヴ』（1535年）、『女性の七つの時代』（1544年）などがある。一方、ハンス・ホルバイン（子）は主に宗教画や肖像画を描き、裸体画はあまり手がけなかったが、その中でも傑作『墓の中の死せるキリストの遺体』（1521年）は特筆すべき作品である。[ 98 ]
オランダでは、ヒエロニムス・ボスがゴシック様式の一定の連続性を示しましたが、より自然主義的に、そして溢れんばかりの幻想性をもって描かれ、彼の作品は創造性と想像力の驚異となりました。『快楽の園』（1480～1490年）、『最後の審判』（1482年）、『七つの大罪と四つの最後の事』（1485年） 、 『干草車三連祭壇画』（1500～1502年）では、裸の人間または非人間の姿（悪魔、サテュロス、神話上の動物、怪物、幻想的な生き物）が、図像的な意味を超越し、画家の熱狂的な想像力のみに従う、欲望の発作の中で増殖しています。ピーテル・ブリューゲル（父）もまた、風景画や風俗画を好んで、広大なパノラマと多数の人物を描いた作品を制作しましたが、彼の裸体画は稀です。それらは、神話や聖書の場面に小さな裸体像が多数描かれた風景画を描いた息子のヤン・ブリューゲル・ド・ヴェルールの作品においてより顕著である。フランドルでは、ヤン・ゴッサールトがラファエロの影響を受け、ネプチューンとアンフィトリテ（1516年）、『ヘルマフロディーテとサルマキスの変身』（1520年）、『ダナエ』 （1527年）などの神話寓話を自国に紹介した。[ 99 ]
フランスでは、美術はゴシック様式からマニエリスムへと急速に発展し、初期ルネサンスの古典主義の影響はほとんど感じられなかった。これは主に、フォンテーヌブロー宮殿にイタリアのマニエリスム画家たち（ロッソ・フィオレンティーノ、フランチェスコ・プリマティッチョ、ベンヴェヌート・チェッリーニ）が滞在し、フォンテーヌブロー派を生み出したことによる。フォンテーヌブロー派は、宮廷的で官能的な趣味、装飾的で官能的、けだるい優雅さを特徴とし、壁画と漆喰のレリーフが主流であった。プリマティッチョの優雅で角張った人物像、長い手足と小さな頭は流行し、16世紀末までフランス美術に残り続けた。この流派の作品の中には、ディアナ狩り（1550年頃）やガブリエル・デストレとその妹ヴィラール公爵夫人の肖像（1594 年）のように作者不明の作品もあり、華やかな宮廷の洗練されたエロティシズムを反映している。作者が判明している作品としては、ジャン・クーザン（父）の『パンドラの始まりのイヴ』（1550 年）、フランソワ・クルーエの『ディアナの入浴』（1550 年）、トゥーサン・デュブルイユの『淑女の目覚め』、彫刻ではジャン・グジョンの『ディアナ狩り』（1550 年）、ジェルマン・ピロンの『三美神』 （1560 年）などがある。裸体は、タペストリーから陶器、金細工に至るまで、あらゆる種類の工芸品にもこの同じ環境で反映されており、ピエール・レモンの6 つの場面でアダムとイヴの物語を描いた有名な七宝焼きの皿などが挙げられる。[ 100 ]
スペインでは、ルネサンスの影響は遅れて到来し、ゴシック様式は16世紀半ば近くまで存続した。それ以外では、革新は主題よりも様式的なものであり、中世と同様に宗教的な主題が主流であった。エル・グレコは当時のスペイン絵画における主要な革新者の一人であり、ヴェネツィア派で訓練を受けた彼の作品は、同派の鮮やかな色彩を示しているが、長く不均衡な人物像は、イタリア古典主義的な自然主義というよりも、ある種の形式的表現主義を示唆している。彼の作品のほとんどは宗教画であるが、主題によって多かれ少なかれ正当化される裸体像を描くことを怠らず、全作品を通して100点以上の裸体像を数えることができる。これは、 『聖セバスチャンの殉教』（1577～1578年）、『洗礼者聖ヨハネ』（1577～1579年）、『聖三位一体』 （1577～1580年）、 『聖モーリスの殉教』 （1580～ 1582年）、『二人の寄進者に崇拝される十字架上のキリスト』 （1590年）、 『キリストの洗礼』（1596～1600年）、『磔刑』 （ 1597～1600年）、『聖マルティンと乞食』（1597～1600年）、『神殿から両替商を追い出すキリスト』（1609年）、『聖ヨハネの幻視』 （1609～1614年）、『ラオコーンとその息子たち』（1614年）などの作品に見られる。また、彫刻家としては、プラド美術館所蔵の『エピメテウスとパンドラ』（1600～1610年）などの作品を残している。ここで注目すべきは、両キャラクターの性器が隠すことなくリアルに描かれている点である。[ 101 ]
スペイン・ルネサンス期のその他の芸術作品においては、礼儀正しさと慎み深さが支配的であり、スペイン美術の黄金律は、ビセンテ・カルドゥチョの『絵画の寓意』 、フランシスコ・パチェコの『絵画の技法』 、フセペ・マルティネスの『実践的演説』といった論文の中で美術理論へと高められた。このような文脈において、裸体の人物像は宗教的な領域、特に彫刻作品においてのみ見られ、アロンソ・ベルゲテの『聖セバスチャン』（1526～1532年）、フアン・デ・フニの『キリストの埋葬』 （1541～1545年）、フアン・マルティネス・モンタニェスの『悔悛する聖ヒエロニムス』（1598年）などが挙げられる。この規則の例外はごくわずかで、例えばガスパール・ベセラによるエル・パルド王宮のダナエの物語のフレスコ画（1563年）はミケランジェロの影響を受けている。[ 102 ]
バロック様式[注7 ]は17世紀から18世紀初頭にかけて発展した。この時代は政治と宗教の分野で大きな論争が起こり、絶対主義国家が台頭したカトリック反改革派の国々と、より議会主義的な傾向を持つプロテスタント諸国との間で分裂が生じた。芸術はより洗練され、装飾的になり、ある種の古典主義的合理主義は保持しつつも、よりダイナミックで劇的な形式、驚きや逸話への嗜好、錯視や効果の衝撃への嗜好が見られた。[ 103 ]
バロック時代には、女性の裸体は貴族のパトロンにとって引き続き好まれる対象であり、彼らは女性が一般的に男性に従属的な役割を担うこの種の構図を好んだ。神話的主題とともに、裸の女性が正義、真実、寛大さなどの概念を表す寓意的肖像画を描く習慣が始まった。[ 104 ]バロックの裸体は、マニエリスムやミケランジェロの作品に見られるねじれとダイナミズムの効果を強調し、ミケランジェロがフィレンツェのヴェッキオ宮殿の「勝利の寓意」で導入した螺旋構図を取り入れ、胴体の重さを支えるより強固な基盤を可能にした。こうして、古典的な「英雄的対角線」は「英雄的螺旋」となり、激しく強制的な動きがバロック美術の劇性と効果を表現する方法となった。[ 105 ]
バロック様式の先駆者として、裸婦像を描いたピーテル・パウル・ルーベンスが挙げられます。彼の力強く官能的な女性像は、当時の美の概念に新たな時代を切り開きました。しかし、この官能的な奔放さにもかかわらず、数多くの宗教画も手掛けたルーベンスの作品には、ある種の理想主義が欠けているわけではありません。この自然な純粋さが、彼のキャンバスに夢のような率直さ、人間と自然の関係に対する楽観的で統合的なビジョンを与えています。ルーベンスは人物像の構図を非常に重視しました。そのため、彼は先人たちの作品を深く研究し、特に裸婦像に関しては、ミケランジェロ、ティツィアーノ、マルカントニオ・ライモンディから最高の技法を学びました。彼は肌の色調を正確に表現することに長けており、その技量はティツィアーノとルノワールに匹敵するほどでした。また、肌の様々な質感や、明るさや光の反射による多様な効果も見事に表現しました。彼はまた、人物の動きや、人物像に重厚感と安定感を与えることにも心を配っていた。しかし、心理的な側面や表情を軽視することはなかった。彼の描く人物の顔には、気ままな幸福感、自分が美しいという自覚からくるある種の誇り（ただし傲慢さはない）、そして画家自身が人生の恵みに対して感じていたであろう、生き生きとした感謝の念が感じられる。[ 106 ]彼のヌードに関連する作品の中で特筆すべきものには、セネカの死(1611–1615)、ヴィーナス、キューピッド、バッカス、ケレス(1612–1613)、キューピッドとプシュケ(1612–1615)、ヴィーナスの頭飾り(1615)、ライオンの穴の中のダニエル(1615)、ペルセウスとアンドロメダ(1622)、マリー・ド・メディシスのマルセイユ到着(1622–1625)、真実の勝利(1622–1625)、マルスから平和を守るミネルヴァ(1629)、ヴィーナスとアドニス(1635)、三美神(1636–1639、彼の生涯の二人の女性、イザベラ・ブラントとエレーヌ・フルマンが描かれている)、レウキッポスの娘たちの強姦などがある。 （1636年）、『天の川の誕生』（1636～1638年）、『ディアナとカリスト』（1637～1638年）、『ディアナとニンフたち、ファウヌスに驚かされる』 （1639～1640年）、『パリスの審判』（1639年）など。2,000点以上の絵画の作者であり、おそらく歴史上最も多くの裸体像を描いた画家である。[ 107 ]
宗教的なテーマに関して言えば、ルーベンスは他の裸体画と同様に、人物像に精神的な側面を高める肉体的な実体を与えるという、総合的な能力を発揮している。アントワープ大聖堂のために制作した2つの作品、『十字架の挙上』（1611年）と『十字架降架』（1613年）は、ミケランジェロの影響とラオコーンの波打つような動きの融合を再び示している。これらの作品では、肌の色が重要な役割を果たしており、キリストの青白い姿と他の人物の鮮やかな色彩との対比が、場面のドラマ性をさらに高めている。ボイマンス・ヴァン・ベーニンゲン美術館の「磔刑」（1620年）にも同じ効果が見られる。そこでは、キリストと盗賊の人物像の色彩の違いが嵐の光の効果に加わり、また、人物像の解剖学的差異が、盗賊の粗野な物質性とは対照的に、イエスの理想的な肉体を強調している。[ 108 ]
ルーベンスの弟子にはアンソニー・ヴァン・ダイクとヤーコプ・ヨルダーンスがいた。前者は偉大な肖像画家であり、プラド美術館のピエタ（1618～1620年）やミュンヘンのアルテ・ピナコテークにある聖セバスチャン、あるいはサテュロスに驚かされるディアナとエンデュミオン（1622～1627年）やバッキンガム公爵夫妻のヴィーナスとアドニス（1620年）に見られるように、イタリアの影響を強く受けた、より個人的なスタイルへと進化していった。ヨルダーンスは師匠に忠実であったが、師匠の域には達しなかった。その証拠に、アントワープの天才画家ヨルダーンスの作品に匹敵するほど多くの裸体画を制作している。例えば、 『サテュロスと農民』（制作年不明）、『エウロペの略奪』（1615～1616年）、『豊穣』 （ 1623年）、『パンとシュリンクス』 （1625年）、 『アポロとマルシュアス』（1625年）、『縛られたプロメテウス』（1640年）、『ケクロプスの娘たちがエリクトニウスを見つける』（1640年）、『バッカスの勝利』（1645年）、『ディアナの休息』（1645～1655年）、『大地の豊穣』（1649年）などである。 [ 109 ]
ルーベンスの理想主義とは対照的に、レンブラントの作品は、ゴシック様式に起源を持つ北欧の裸体像の丸みを帯びたフォルムを受け継ぎ、写実的に描かれた人物像は、ルーベンスの作品と同様に奔放でありながら、より日常的で、肉の襞や皮膚のしわを隠すことなく、身体の生々しい物質性を強調する哀愁を帯びている。レンブラントは、反抗的な写実主義の誠実さ、そしておそらくは社会の恵まれない人々、すなわち老人、娼婦、酔っぱらい、乞食、障害者への同情の念に突き動かされ、規則に反して自然に訴えかける。聖書的なキリスト教の感覚に染まった彼にとって、貧困と醜さは自然に内在するものであり、富と美と同様に注目に値するものだった。この不完全さを露わにする感覚は、『入浴するディアナ』（1631年）、『丘に座る裸婦』（1631年）、『クレオパトラ』（1637年）、『小川で足を洗う女』 （1658年）などの作品に顕著に表れている。また、 『ニコラース・トゥルプ博士の解剖学講義』（1632年）では、人間の解剖学的構造を極めて粗雑に描くことも厭わなかった。より魅力的な作品としては、『スザンナと長老たち』（1634年）、『楽園のアダムとイヴ』（1638年）、『牧神に見つめられるバッカンテ』、そして『黄金の雨を受けるダナエ』（1636～1647年、妻のサスキア・ファン・ウイレンブルフを描いた作品）などがある。官能的な美しさを表現しようとした試みの一つが、彼の『入浴するバテシバ』（1654年）である。この作品では、バテシバの恋人ヘンドリクジェ・ストッフェルスが描かれているが、丸みを帯びたふくよかなフォルムにもかかわらず、誠実に描かれているため、理想ではなく崇高な高貴さを感じさせる。また、瞑想的な表情は、肉体的な人物像に内なる生命を与え、精神的なオーラをまとわせ、肉体を魂の器とするキリスト教の概念を反映している。[ 110 ]
イタリアでは、建築家であり彫刻家でもあるジャン・ロレンツォ・ベルニーニの作品が有名です。彼は教皇ローマの華やかさを豪華絢爛かつ雄弁に表現し、その作品はバロック様式特有のダイナミックでしなやかな動きを表現しています。彼の主な彫刻群である「トロイアから逃げるアイネイアス、アンキセス、アスカニウス」（1618～1619年）、「プロセルピナの略奪」 （ 1621～1622年）、「投石器を投げるダビデ」（1623～1624年）、「時によって明らかにされる真実」（1645～1652年） 、 「アポロとダフネ」（1622～1625年）には、彼のモデリングの熟練、アクションのドラマ性、大胆な短縮法、そして繊細なバランスで揺れ動く衣服によく見られる装飾的なセンスが表れています。もう一人偉大な芸術家はカラヴァッジョで、彼は自然主義またはカラヴァッジョ主義として知られる様式を確立しました。この様式は厳密な自然の現実に基づき、明暗対比（テネブリズム）を用いて光と影の相互作用によって劇的で驚くべき効果を生み出すことを特徴としています。風変わりで挑発的な芸術家であり、彼の作品の中で際立っているのは、洗礼者聖ヨハネ（雄羊を持つ若者）（1602年）、勝利のキューピッド（1602～1603年）、キリストの埋葬（1602～1604年）、キリストの鞭打ち（ 1607年）、柱に縛られたキリスト（1607年）、執筆する聖ヒエロニムス（1608年）、ラザロの蘇生（1609年）などである。彼の弟子には、ジョヴァンニ・バッティスタ・カラッチョロ（砂漠の若い聖ヨハネ、1610～1620年、眠るキューピッド、1616年、聖セバスチャンの殉教、1625年）とアルテミジア・ジェンティレスキ（スザンナと長老たち、1610年、ダナエ、1612年、クレオパトラ、1621年、ヨセフとポティファルの妻、1622年）などがいる。眠れるヴィーナス、1625～30年）。[ 111 ]
イタリアとフランスの間には、もう一つの潮流である古典主義が生まれた。これもまた写実的だが、より知的で理想化された現実観を持ち、神話的主題はローマのアルカディアに匹敵する完璧で調和のとれた世界を想起させる。古典主義はボローニャ派で始まり、アンニーバレ・カラッチの手によって始まった。彼の『バッカスとアリアドネの勝利』（1597～1602年）には裸体で満ちた行列が描かれており、これは彼がローマのファルネーゼ宮殿で制作した装飾にも数多く見られる。『キリストの死体』（1583～1585年）では、マンテーニャの同名の作品からインスピレーションを得ている。同派のもう一人のメンバーはグイド・レーニで、数多くの神話寓話や、裸体によって尊厳と壮麗さを際立たせた神々や英雄の絵画を制作した。例えば、『アタランテとヒッポメネス』（1612年）、『ロバの顎骨から水を飲むサムソン』（1611～1612年）、『デイアネイラの略奪』（1620～1621年）などが挙げられる。フランチェスコ・アルバーニは神話の中に、彼が自然に惹かれる優雅で愛らしい主題を求めた。その例として、彼の「四季」（ 1616～1617年、冬またはディアナの勝利、秋またはヴィーナスとアドニス、春または化粧をするヴィーナス、夏またはウルカヌスの鍛冶場のヴィーナスを含む）、「無防備な恋」（1621～1633年）、「メルクリウスとアポロ」（1623～1625年）、「ディアナとアクタイオン」（1625～1630年） 、 「水の寓意」（1627年）などがある。グイド・カニャッチは、古典主義をゲルマン圏に輸出したこの流派の最後の代表者の一人であり、「人間の人生の寓意」、「クレオパトラの死」（1658年）、「聖ヒエロニムス」（1659年）、「意識を失ったマグダラのマリア」（1665年）などがある。[ 112 ]
フランス美術界において、静謐な古典主義の画家ニコラ・プッサンは、おそらくアカデミックな裸体画の先駆者であったと言えるだろう。それは、神話や古代史を主題とし、教養ある文化をイメージで表現することで、その素朴さと理想化を体現していたからである。ラファエロの影響を受けたプッサンは解剖学に関心を持ち、造形的かつ知的な観点から、すべての作品を丹念に制作した。また、考古学にも関心を持ち、クロード・ロランとともに、いわゆる「歴史的風景」というジャンルを確立した。これは、風景の中に様々な歴史上の人物や神話上の人物、古代の建築物や遺跡を配置する手法である。彼の作品には、アポロとダフネ(1625)、アポロとバッカス(1627)、エコーとナルキッソス(1628)、パルナッソス(1630)、ケファロスとアウロラ(1630)、ミダスとバッカス(1630)、フローラの帝国(1631)、ガラテアの勝利(1634)、バッカナール(1634–1635)、黄金の子牛の崇拝(1636)、ヴィーナスとアイネイアス(1639) などがある。[ 113 ]古典主義に影響を受けた他の芸術家には、シモン・ヴーエ(キューピッドとプシュケ、1626年、眠れるヴィーナス、1630–1640年)、シャルル・ル・ブラン(メレアグロスの死 、1658年、ヘラクレスの功業、1658–1661年)、ジャック・ブランシャール（『アンジェリカとメドーロ』、1630年；『ダナエ』、1630～1633年；『ヴィーナスと三美神、人間に驚かされる』、1631～1633年）。[ 114 ]
「完全なバロック様式」（17世紀後半）は、装飾的で華麗な様式で、錯視効果（トロンプ・ルイユ）や豪華で奔放な舞台美術を好んでおり、多くの芸術家がヴェルサイユ宮殿の装飾に携わりました。この様式はフランス全土に広まりました。裸体像は彫刻において特に発展し、ピエール・ピュジェ（ 『クロトナのミロン』、1671～1682年、『ペルセウスとアンドロメダ』、1685年）やフランソワ・ジラルドン（『ニンフに世話されるアポロ』、1666年、『プロセルピナの略奪』、1677年）などの芸術家によって、フランス中の広場や庭園を埋め尽くしました。彼はまた、応用美術の分野、特にブロンズや磁器、さらには家具製作における彫刻や煮込みにも秀でていました。[ 115 ]
当時のスペインは芸術的に慎み深く控えめな国であり、裸体は慎み深く見られていました。そのため、バルトロメ・エステバン・ムリーリョのような画家は、聖母マリアとその幼子イエス、そして聖なる空間の至る所で遊んだり飛び回ったりする小さな天使たちを描いた場面に登場する、幼い姿の裸体像しか描いていません。しかし、この頃からある種の開放性が芽生え始め、フアン・リジ修道士のような聖職者は、自らの筆跡による多数の挿絵を添えて詳細に研究した『賢明な絵画論』の中で、裸体の人間像を正当化しました。 [ 116 ]また、カール5世からフェリペ4世に至るまで、ヒスパニックの君主たちは裸体像の大コレクターであり、マドリードのアルカサル宮殿の黄金の塔は、かつては裸体像の真の博物館であったことも特筆すべきでしょう。[ 117 ]
スペインの裸体画は、フランシスコ・リバルタ、フセペ・デ・リベラ、フランシスコ・デ・スルバラン、グレゴリオ・フェルナンデス、ペドロ・デ・メナの作品に見られるように、宗教的なテーマが主流であった。リベラの作品には例外が見られる。おそらくイタリア滞在の影響だろう。例えば、酔ったシレノス（1626年）、アポロとマルシュアス（1637年）、イクシオン（1632年）とプロメテウス（1630年）の像、あるいはアロンソ・カノのキリストのリンボ降下（1646～1652年）などである。スルバランもまた、ベラスケスの依頼でトーレ・デ・ラ・パラダのためにヘラクレスの絵をいくつか描いた。[ 118 ]
しかし、スペイン・バロックの偉大な天才は、間違いなくフェリペ4世の宮廷画家ディエゴ・ベラスケスであり、彼の壮大な作品群は美術史における金字塔の一つである。ベラスケスは、王室画家という地位のおかげで、作品制作において大きな自由を享受し、同時代のスペイン人画家の中で最も多くの裸体画を描くことができた。それでもなお、彼は聖職者の検閲によって制約を受け、神話的な裸体画から風俗画や風俗画へと、作品の図像的意味合いを変えざるを得なかった。例えば、ディオニュソスをテーマにしたバッカス祭を描いた作品は『酒飲みたち』（1628～1629年）となり、マルスとヴィーナスの姦通を描いた作品は『鍛冶場のウルカヌス』（1630年）となった。[ 119 ]彼は、論理的に考えて、キリスト磔刑（1639年）や、鞭打ち後のキリスト（1632年）やヨセフのチュニック（1630年）などの宗教画では、裸体像に明確な古典主義的、ほとんどアカデミックな要素があり、これは特定の人物の解剖学的構想に表れているが、後には服を着た姿で登場する。例えば、システィーナ礼拝堂のミケランジェロ風の影響が明らかな「糸紡ぎ女たち」（1657年）などである。[ 120 ]
しかし、セビリア出身の画家は、歴史上最も壮麗で有名な裸婦像の一つである「鏡を見るヴィーナス」 （1647～1651年）で自己を探求することができた。これは、特に当時あまり一般的ではなかった後ろ姿で描かれている点で、非常に独創的な裸婦像であり、その構想はおそらく、ベラスケスがイタリアで間違いなく知っていたボルゲーゼの「ヘルマフロディトス」の影響を示している。一方、鏡に映る自分を見つめるヴィーナスの姿勢は、おそらく虚栄心の寓意を表している。この才能ある画家は、他にも裸婦像を制作したが、それらは現在失われており、フィリップ4世が所有していた「キューピッドとプシュケ」や「ヴィーナスとアドニス」、ドミンゴ・ゲラ・コロネルが所有していた女性の裸婦像、そして画家自身が死に際して所有していた横たわるヴィーナスなどがある。[ 35 ]
18世紀に発展したこの様式は、世紀初頭にはバロック様式と、世紀末には新古典主義と共存し[注8 ]、バロック様式の主要な芸術表現が生き残り、より顕著な装飾感覚と装飾趣味が、豊かさ、洗練、優雅さの極みに達したことを意味する。ブルジョワジーの社会的な台頭と科学の進歩、そして啓蒙主義の文化的環境により、宗教的なテーマは放棄され、新しいテーマとより世俗的な態度が重視されるようになり、贅沢と誇示が社会的威信の新たな要素として強調された[ 121 ] 。
この時代の裸体像はルーベンスの流れを汲み、特に肌の色や質感はルーベンスから受け継いでおり、よりエロティックな意味合いを帯びていた。洗練された宮廷風のエロティシズムは、繊細で示唆に富むものの、挑発的で、ある種の不遜な性格も持ち合わせており、古典主義的な理想化の痕跡を一切捨て去り、このジャンルの日常的な性格を帯びていた。より完全に発展したフランスでは、ルネサンス期にフランス美術から完全には消え去らなかったゴシック的な雰囲気が、細長いフォルム、小さな胸、突き出た腹部といった人物像に残っていた。19世紀半ばには、小柄で細身の人物像（プチ）がより人気を博し、ブーシェの絵画作品（ 「入浴後のディアナ」）やクロディオンの彫刻作品（「ニンフとサテュロス」、「犬と遊ぶ少女」）に見られるようになった。また、それまで卑猥だと考えられ、ベラスケスの有名な「鏡を見るヴィーナス」のような稀な場合を除いてほとんど描かれなかった、後ろ姿の裸体も表現されるようになった。例としては、ワトーの「パリスの審判」やブーシェの「休息する少女」などがある。[ 122 ]
ジャン＝アントワーヌ・ワトーは、華やかなパーティーの場面や、神話上の人物、あるいはそうでない場合でも人生を楽しむ名もなき人々が描かれた牧歌的な風景を描いた作品で、この様式の創始者の一人となりました。ルーベンスやヴェネツィア派の影響を受けた彼のパレットは鮮やかな色彩で、速く、表情豊かで、躍動感あふれる筆致が特徴的です。彼の裸体画は少ないものの、どれも細心の注意と優雅さをもって描かれた真の傑作です。 『パリスの審判』（1718～1721年）の他に、 『泉のニンフ』（1708年）、『無防備な愛』（1715年）、『ジュピターとアンティオペ』（1715～1716年）、『入浴するディアナ』（1715～1716年）、 『春』（1716年）などが挙げられます。ワトーの弟子には、巨匠の優雅なスタイルを受け継いだ画家が何人かいた。フランソワ・ルモワーヌ（『ヘラクレスとオンパレ』、1724年）、シャルル＝ジョゼフ・ナトワール（『化粧をするプシュケ』、1735年）、ジャン＝フランソワ・ド・トロワ（『ディアナとニンフたちの入浴』、1722～1724年、 『スザンナと長老たち』、1727年）などである。[ 123 ]
フランソワ・ブーシェは遠近法を完璧に習得し、バロックの巨匠から学び、歴史画や肖像画から風景画や風俗画まであらゆるジャンルの作品でルーベンスやコレッジョの色彩を見事に再現しました。彼の作品は牧歌的で田園的な雰囲気を持ち、しばしばオウィディウスの神話に触発され、優雅で宮廷的な感覚を備えており、流行の画家、アカデミックな画家、そして国王の首席画家となりました。彼の作品の中では、ルイ15世の愛妾で、ブーシェが描いた5人姉妹の末っ子であるマリー＝ルイーズ・オマーフィーの肖像画である「休息する少女」のほか、 「ヴィーナスの勝利」（1740年）、「レダと白鳥」（1742年）、「入浴後に休息するディアナ」（1742年）、「ヴィーナスの化粧」（1751年）などが際立っています。 [ 124 ]
彼の弟子はジャン＝オノレ・フラゴナールで、優雅で洗練されたカットの美しいエロティシズムで、勇敢な愛がその魅力をすべて示す宮廷風のスタイルを継承した。彼はマダム・デュ・バリーの庇護を受け、彼女のために「若い女性の心の愛の進展」（1771～1773年）という5つの大きなパネルからなる連作を制作した。そのパネルとは、「出会い」、「追跡」、「恋文」、「満足した恋人」、「放棄」である。彼の他の作品には、「ヴィーナスの誕生」（1753～1755年）、「引きこもり」（1761～1765年）、 「水浴びをする人々」（1765年）、「犬を連れた少女（ラ・ギンブレット）」（1768年）、「愛の泉」（1785年）、そしてレズビアンをテーマにした、より露骨にエロティックな「二人の恋人」がある。 [ 125 ]
彫刻の分野では、注目すべき裸体像も存在した。そこには、ロココ様式の奔放で勇ましい雰囲気が、17世紀のフランス彫刻から受け継がれたある種の古典主義的な気配と、肖像画への関心と融合している。最も優れた表現者には、ジャン＝バティスト・ルモワーヌ（「入浴から出るニンフ」）、エドメ・ブシャルドン（「ヘラクレスの棍棒で弓を作るキューピッド」、1750年）、ジャン＝バティスト・ピガール（「翼のついたサンダルを取り付けるメルクリウス」、1744年、「ヴィーナス」、1748年、「ヴォルテール」、1770～1776年）、エティエンヌ・モーリス・ファルコネ（「クロトナのミロン」、1754年、「ヴィーナスとしてのポンパドゥール夫人」 、1757年、「ピグマリオンとガラテア」、1763年）、ジャン＝アントワーヌ・ウードン（「モルフェウス」、1770年、 「狩りの女神ディアナ」 、1776年、「冬の寓話」、1783年）、オーギュスタン・パジュー（「捨てられたプシュケ」、1790年）などがいる。クロディオン（『ライン川の分水』、1765年；『ガラテアの勝利』、1779年）。[ 126 ]
フランス以外では、ヨーロッパの多くの地域でバロック様式は18世紀半ばまで存続し、ロココ様式の高まりとともに取って代わられたり、混ざり合ったりした。バロック様式が存続した明確な例として、フアン・カレーニョ・デ・ミランダの『裸の怪物』（1680年）がある。ジャンバッティスタ・ティエポロはヴェネツィア派の信奉者であり、その豊かな色彩、澄んだ空、透き通るような風景、荘厳な建築、そして作品に大きな壮麗さを与えるある種の舞台美術的な雰囲気を特徴としている。彼の作品には寓話や歴史的・神話的なテーマが溢れており、神々や裸の英雄が登場する。例えば、『ディアナがカリストの妊娠を発見する』（1720～1722年）などがある。コッラード・ジャキントは主に宗教画家であったが、『平和、正義、ヘラクレス』のように裸の人物が登場する寓話や神話的な作品も描いた。スペインでは、マドリード王宮の円柱の間天井を、裸の神々（アポロ、バッカス、ヴィーナス、ディアナ）の像で装飾した。ドイツ人のアントン・ラファエル・メングスはすでに新古典主義を指摘しており、ミケランジェロの素描とラファエロの色彩、コレッジョの明暗法を融合させようと試み、常に古代の崇拝を背景にしていた。スペインに定住し、サン・フェルナンド王立美術アカデミーの学長を務めた彼は、裸体表現のために自然を研究することを提唱した。マドリード王宮のガスパリーニホールの装飾（1765～1769年）では、ヘラクレスがジュピターの前に導かれる場面、トラヤヌスの勝利、ジュピター、ヴィーナスと美の女神たち、オーロラなど、神々と古典的な英雄たちの真のオリンポスを展示した。ドイツでは、彫刻家のゲオルク・ラファエル・ドナー（アタランタ）とフランツ・イグナツ・ギュンター（クロノス、1765～1770年）も際立っていた。[ 127 ]
分類が難しい芸術家の一人にフランシスコ・ゴヤがいる。ロココからロマン主義の精神を持つ表現主義へと進化を遂げた比類なき天才だが、その個性は作品に独特の性格を与え、美術史において他に類を見ない。裸体画の傑作は『裸のマハ』 （1797～1800年）で、 『着衣のマハ』 （1802～1805年）と同時期に描かれたもので、陰毛がはっきりと見える最初の裸体画の一つである。[ 128 ]これは、歴史的、神話的、宗教的なテーマによって正当化されていない裸体の最初の例の一つであり、単に匿名の裸の女性[注9 ]が、ある種の覗き見の雰囲気で親密な姿で描かれている。それは誇り高く、ほとんど反抗的な裸体であり、マハはいたずらっぽく遊び心のある表情で私たちをまっすぐに見つめ、しなやかな体の美しさを鑑賞者の喜びに捧げている。アラゴンの天才画家が初期に描いた他の裸体画には、ピエタ（1774年）、磔刑に処せられたキリスト（1780年）、プシュケとキューピッド（1798～1805年）、盗賊が女性の服を剥ぐ（1798～1800年）などがある。[ 129 ]その後、聴覚障害、個人的な不幸、宮廷生活の倦怠感、戦争の恐怖、亡命、孤独、老齢、その他の要因により、彼の性格と作品はより表現豊かになり、より内省的になり、強い風刺の傾向と醜悪な美学が加わり、人々と周囲の世界の最も厳しく残酷な特徴が強調されるようになった。この時期、彼のヌードはより劇的な性格を持ち、時には哀れで、変形した粗雑な身体が描かれており、 『魔女の台所』（1797～1798年）、『斬首』（1800～1805年）、『狂人院』（1812～1819年）、『焚火』（1812～1813年）、あるいは恐ろしい『息子を食らうサトゥルヌス』（1819～1823年）などがある。その後、彼は版画に専念するようになり、この媒体によって苦悩に満ちた内面を理想的な形で捉えることができた。『戦争の惨禍』（1810～1815年）などのシリーズには、一般的には死体のヌードがいくつかあり、『楽しんでください』、『これはもっとひどい』、『大いなる災厄！死者と共に！ 』などがある。あるいは『ロス・カプリチョス』（1799年）では、「ミレン・ケ・グレイブス!」「セ・レピュレン」「クイエン・ロ・クレイエラ!」「ソプラ」「アグアルダ・ケ・テ・ウンテン」「シ・アマネス・ノス・ヴァモス」「リンダ・マエストラ」「アッラー・ヴァ・エソ」「ドンデ・ヴァ・ママ?」のように、魔女や他の同様の存在の服を脱がせる。、等[ 130]
フランス革命後のブルジョワジーの台頭は、貴族階級と結びついていたバロックやロココの装飾過剰とは対照的に、より純粋で簡素な古典様式の復活を促した。この古典ギリシャ・ローマの遺産に対する評価の雰囲気は、ポンペイとヘルクラネウムの考古学的発見と、ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンによる古典様式の完璧さというイデオロギーの普及によって影響を受けた。ヴィンケルマンは古代ギリシャには完璧な美があったと主張し、古典美の完璧さに関する神話を生み出し、それは今日でも芸術の認識に影響を与えている。[注10 ]
新古典主義の裸体像は、ギリシャ・ローマ古代の形態を再現したが、その精神、理想的な性格、模範的な倫理観を欠き、人生から切り離された純粋な形態のみで自己を再現しようとした。その結果、冷たく無感情な芸術が生まれ、それはアカデミズムにおいて、ほとんど反復的な感覚で引き継がれ、古典の研究が芸術家自身の個人的な表現を妨げた。前衛芸術の精神は、最初の断絶主義運動である印象派以来、この事実と闘ってきた。ジロデやプルドンといったこの時代の芸術家には、特にコレッジョの影響により、古典主義とある種のマニエリスムの奇妙な混合が見られ、彼らは古い古典主義を復活させようとしたにもかかわらず、文脈から切り離され、時代を超越した作品を生み出した。[ 131 ]
Jacques-Louis David was the main driving force of neoclassicism, with an apparently academic style but passionate and brilliant, and with an intellectual sobriety that does not prevent beautiful, colorful execution. A politician as well as a painter, his defense of neoclassicism made him the aesthetic current of revolutionary and Napoleonic France. Between 1775 and 1780, he lived in Rome, where he was inspired by ancient statuary, Raphael, and Poussin, who led him to classicism, with a severe and balanced style of great technical purity. Among his works stand out: The Loves of Paris and Helen (1788), The Death of Marat (1793), The Intervention of the Sabine Women (1799), Leonidas at Thermopylae (1814), Cupid and Psyche (1817), Mars Being Disarmed by Venus (1824), etc.[132]
David's disciples and followers followed his classical ideal, but moving away from his rigorous severity and drifting towards a certain sensualist mannerism, with an erotic grace that Max Friedländer called volupté décente ("decent voluptuousness").[133]François Gérard sought the perfection of ideal beauty, through the softness of color and the cerulean texture of the skin, with marbled bodies, but soft, with a syrupy sweetness. His most famous work is Psyche and Amor (1798), which, despite its academic craftsmanship, its chromatic richness gives it an emotion of refined lyrical evocation. Pierre-Narcisse Guérin also cultivated a refined eroticism, influenced by Correggio, as in Aurora and Cephalus (1810) and Iris and Morpheus (1811). Jean-Baptiste Regnault cultivated a classicist line close to the Bolognese School: The Genius of France between Liberty and Death (1795), where the genius recalls the Mercury of Raphael's Vatican Stanzas. Other disciples of David were Jean Broc (The Death of Hyacinthos, 1801) and Jean-Louis-Cesar Lair (The torture of Prometheus, 1819). On the other hand, Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson broke with David's moral classicism, especially with her main work, The Sleep of Endymion (1791), with elongated and pearly bodies, with a certain sexual ambiguity, in a somewhat vaporous atmosphere reminiscent of Italian mannerism and preludes art pompier. Other works of his were: Mademoiselle Lange as Venus (1798) and Mademoiselle Lange as Danae (1799).[134]Pierre-Paul Prud'hon was somewhere between rococo and neoclassicism—David disparagingly called him "the Boucher of his time"—and there are still those who describe him as a romantic. He was trained in Rome, where he was influenced by Leonardo and Correggio, who, together with classical art, were the basis of his style and gave him his own personality, which is why he is a painter difficult to classify. Among his works it is worth remembering Justice and Divine Vengeance Pursuing Crime (1808), The Abduction of Psyche by Zephyr (1800) and Venus and Adonis (1810).[135]
If David was the great neoclassical painter par excellence, in sculpture, his equivalent was Antonio Canova. Although he studied the work of the great Renaissance masters (Ghiberti, Donatello, Michelangelo), he found inspiration in classical Greco-Roman statuary, which he could study in the great collections of his native Italy. Thus, his work has the serenity and harmony of the purest classicism, while not failing to show human sensitivity and a decorative air typical of his Italian ancestry. His works include: Daedalus and Icarus (1777–1779), Theseus and the Minotaur (1781–1783), Psyche Revived by Cupid's Kiss (1786–1793), Venus and Adonis (1789–1794), Hercules and Lichas (1795–1815), Perseus Triumphant (1800), Napoleon as Mars the Peacemaker (1803–1806), Pauline Bonaparte as Venus Victrix (1804–1808), Theseus Fighting the Centaur (1804–1819), The Three Graces (1815–1817), etc.[136]
Another outstanding sculptor was the Danish Bertel Thorvaldsen, who, despite his noble and serene classicism, has had his merit detracted from by some critics, who call his work insipid and empty. Even so, during his lifetime, he enjoyed enormous success, and a museum was built in his honor in his hometown of Copenhagen. Thorvaldsen directly studied Greek sculpture by restoring the pediments of the Temple of Aphaia in Aegina, before they were installed in the Munich Glyptotheque. His most famous work is Jason with the Golden Fleece (1803–1828), inspired by Polyclitus' Doriphorus, while his other works include: Cupid and Psyche (1807), Mars and Cupid (1812), Venus with the Apple (1813–16), Aurora with the Genie of Light (1815), Hebe (1815), Ganymede with Jupiter's Eagle (1817), The Three Graces with Cupid (1817–1818), etc.[137]
Another notable exponent was the EnglishmanJohn Flaxman, a precocious artist who at the age of ten was already creating sculptures, and who had a fruitful career both as an artist and as an academic and treatise writer, writing several works on sculptural practice, such as Ten Discourses on Sculpture and Anatomical Studies. His works include numerous nudes, such as Cephalus and Aurora (1790), The Fury of Atamas (1790–1794), Mercury and Pandora (1805), Achilles violated by the scorpion (1810), Saint Michael Overcoming Satan (1818–1822), etc. In addition, he was an excellent draughtsman and engraver, with a great virtuosity in line drawing and a fine profilism, illustrating with mastery numerous classic works of literature.[138] In the Germanic field also developed a remarkable sculptural school, highlighting artists such as: Franz Anton von Zauner (Genius Bornii, 1785), Rudolph Schadow (Paris, 1812), Johann Heinrich Dannecker (Ariadne on the panther, 1812–1814) and Johann Nepomuk Schaller (Bellerophon Fighting the Chimera, 1821).
In Spain, neoclassicism was practiced by several academic painters, such as Eusebio Valdeperas (Susanna and the Elders) and Dióscoro Teófilo Puebla (Las hijas del Cid, 1871), while neoclassical sculptors include José Álvarez Cubero (Ganymede, 1804; Apolino, 1810–1815; Nestor and Antilochus [or The Defense of Zaragoza], 1818), Juan Adán (Venus of the Alameda, 1795), Damià Campeny (Diana in the Bath, 1803; Dying Lucretia, 1804; Achilles removing the arrow from his heel, 1837), Antoni Solà (Meleagro, 1818), Sabino Medina (The nymph Eurydice bitten by an asp while fleeing from Eurystheus, 1865), Jeronimo Suñol (Hymenaeus, 1864), etc.[139]
Between the end of the 18th century and the beginning of the 19th century, the foundations of contemporary society were laid, marked in the political field by the end of absolutism and the establishment of democratic governments—an impulse initiated with the French Revolution; and, in the economic field, by the Industrial Revolution and the strengthening of capitalism, which will have a response in Marxism and the class struggle. In the field of art, an evolutionary dynamic of styles began to unfold chronologically with increasing speed, culminating in the twentieth century with an atomization of styles and currents that coexist and oppose, influence and confront each other. Modern art arises in opposition to academic art, placing the artist at the forefront of humanity's cultural evolution.[140]
The nineteenth-century nude follows the guidelines for the representation of the nude set by previous styles, though reinterpreted in different ways depending on whether a greater realism or an idealism rooted in classical tradition is sought. In the 19th century, the female nude abounded more than ever—especially in the second half of the century—more than in any other period in the history of art. However, the female role changes to become a mere object of sexual desire, in a process of dehumanization of the female figure, subjected to the dictates of a predominantly macho society. In these works, there is a strong dose of voyeurism; the woman is surprised while sleeping or grooming, in intimate scenes, but open to the viewer, who can recreate in the contemplation of forbidden images, of stolen moments. It is not a premeditated nudity; it is not a model posing, but the recreation of scenes of everyday life, with an apparent naturalness, yet forced by the artist. In the words of Carlos Reyero, "we find ourselves with women not naked, but undressed".[Note 11][141]
A movement of profound renewal in all artistic genres, the Romantics paid special attention to the field of spirituality, imagination, fantasy, sentiment, dreamy evocation, love of nature, together with a darker element of irrationality, attraction to occultism, madness, and dreams. Popular culture, the exotic, the return to underrated artistic forms of the past—especially medieval ones—were especially valued. The Romantics envisioned an art that arose spontaneously from the individual, emphasizing the figure of the "genius"—art as the expression of the artist's emotions.[142] The romantic nude is more expressive, more importance is given to color than to the line of the figure—unlike in neoclassicism—with a more dramatic sense, in themes that vary from the exotic and the taste for orientalism to the most purely romantic themes: dramas, tragedies, heroic and passionate acts, exacerbated feelings, songs to freedom, to the pure expression of the interior of the human being.[141]
Romanticism had two notable precursors in Great Britain: Johann Heinrich Füssli and William Blake. The former, of Swiss origin, developed a mannerist style influenced by Dürer, Pontormo, Baccio Bandinelli and Michelangelo, with a work of a certain conceptual duality: on the one hand erotic and violent themes, on the other a virtue and simplicity influenced by Rousseau. Between 1770 and 1778, he elaborated a series of erotic images called "drawings of simplegma" (intertwining), where sex is related to passion and suffering, in plates that evoke the ancient bacchic and priapic rites, with a crude and realistic eroticism far from the rococo gallantry. Some of his works are: Hamlet, Horatio, Marcellus and the Ghost (1780–1785), Titania and Bottom (1790), Reclining Nude and Woman at the Piano (1800) and Courtesan with Feather Ornament (1800–1810).[143]William Blake was a visionary artist, whose dreamlike output is matched only by the fantastic unreality of surrealism. Artist and writer, he illustrated his own literary works, or classics such as The Divine Comedy (1825–1827) or the Book of Job (1823–1826), with a personal style that reveals his inner world, full of dreams and emotions, with evanescent figures that seem to float in a space not subject to physical laws, generally in nocturnal environments, with cold and liquid lights, with a profusion of arabesques. Influenced by Michelangelo and Mannerism, his figures have the dynamic torsion of the Michelangelesque Last Judgment, although sometimes they are based on classical canons, as in The Dance of Albion (Glad Day) (1794–1796), whose posture is taken from a version of the Vitruvian Man, that of Vincenzo Scamozzi in Idea dell'architettura universale. Other works of his are: Nebuchadnezzar (1795), Newton (1795), Europe Supported by Africa and America (1796), Satan in his original glory (1805), The Lover's Whirlwind.Francesca da Rimini and Paolo Malatesta (1824–1827), etc.[144]
Between neoclassicism and romanticism is the work of Jean Auguste Dominique Ingres, whose figures are halfway between sensuality and concern for pure form, which he treated meticulously, almost obstinately. His female figures have a certain Gothic air (small breasts, prominent stomachs) and were subject to a small number of postural designs that the artist felt comfortable with and repeated throughout his career. One of these, for example, was that of a nude woman seated on her back, which he introduced in The Valpinçon Bather (1808) and which is discernible, within a group scene, in The Turkish Bath. Another is the standing figure of the Venus Anadyomene (1848), with a Botticellian air, of which he made several versions, and which he later transformed into a young woman with a pitcher of water, The Spring (1856). Other works are more personal, such as Grande Odalisque (1814), which recalls the mannerism of the School of Fontainebleau and initiated his fondness for orientalism and exotic figures and environments. In The Golden Age (1840–1848), he painted a large mural composed entirely of nudes, a work which, however, remained unfinished. The Turkish Bath (1862) is perhaps his most famous work, and the culmination of his lifelong study of the nude. He returned to Orientalism, with a scene set in a harem, accentuating the curved and rounded forms of the models, who shamelessly show their prominent breasts and wide hips, with a sensuality unusual until then in Western art. Other works of his are: The Envoys of Agamemnon (1801), Oedipus and the Sphinx (1808–1825), Jupiter and Thetis (1811), The Dream of Ossian (1813), Roger Freeing Angelica (1819), Odalisque with Slave (1842), etc.[145]
His disciples were: Antoine-Jean Gros, chronicler of the Napoleonic deeds, made in Bonaparte visiting the plague victims of Jaffa (1804) some nudes of intense dramatism, showing with crudeness the effects of the disease; and Théodore Chassériau, who tried to synthesize the line of Ingres with the colorfulness of Delacroix, although his work tends to academicism (Venus Anadyomene, 1838; Susanna and the Elders, 1839; Diana surprised by Actaeon, 1840; Andromeda chained to the rock by the Nereids, 1840; The Toilette of Esther, 1841; Sleeping Nymph, 1850; The Tepidarium, 1853).[146]Théodore Géricault was influenced by Michelangelo, as can be seen in the central figure of The Raft of the Medusa (1819), which is one of the athletes of the Sistine Chapel, while other figures are reminiscent of those in Raphael's Transfiguration. For his studies of anatomy, Géricault frequently visited morgues and even prisons where prisoners were executed. In his Leda and the Swan (1822), he transposed the dynamic energy of classical athletes onto a female figure, and her posture recalls that of the Ilyssus on the Parthenon, exchanging athletic effort for sexual excitement.[147]
Eugène Delacroix was one of the first artists to deviate from the official academic art, replacing the outlined contour drawing with a less precise and fluid line, dynamic and suggestive, and a chromatism of vibrant adjacent tones and an effectiveness based on a certain divisionism of color. During his training, he made copies of the great masters exhibited at the Louvre, with a predilection for Rubens and Venetian artists. Already in his first works, Dante and Virgil in Hell (1822), The Massacre at Chios (1824) and The Death of Sardanapalus (1827), he demonstrated his originality and inventive richness, along with a passionate and colorful style that would characterize him. In 1832, he made a trip to Morocco and Algeria, where he incorporated orientalist influences into his style, with a taste for the exotic and the richness of detail. In his numerous nude works the subject matter is very diverse, from the religious (The Expulsion of Adam and Eve from Paradise, Christ at the column, Christ on the Cross, Christ resurrected, St. Sebastian Tended to by St. Irene and her Maid), the mythological (Triumph of Apollo, Labors of Hercules, Achilles and the centaur, Anacreon and Love, Andromeda and Perseus, Ariadne and Theseus, Medea and her children), the historical and literary (The Divine Comedy, Marphise, Jerusalem Liberated), to the genre scenes or the nude by itself (Odalisque lying, Turkish Women Bathing, The Woman in Silk Stockings, Woman Combing Her Hair, Bathing Woman on Her Back, Sleeping Nymph, Woman Stroking a Parrot). For Delacroix, any pretext was good to show physical beauty, as in the allegory of Liberty Leading the People (1830), where the heroine who leads the popular revolution appears with bare breasts. A great draughtsman, he also bequeathed numerous sketches and preliminary studies of nude figures.[148]
Followers of Delacroix were: Narcisse-Virgile Díaz de la Peña, great landscape painter and author of nudes such as The Fairy Pool, Venus and Adonis, Nymphs in the Forest and Love Reproved and Disarmed; Gustave Doré, who excelled mainly as a draftsman and illustrator of literary works, where he shows great imagination and formal mastery, as in the Bible, The Divine Comedy, Orlando furioso, some ShakespeareanDramas, Goethe'sFaust, etc. Félix Trutat, whose Nude Girl on a Panther's Skin (1844) is reminiscent of Goya'sLa maja desnuda and precedes Manet'sOlympia.[149]
In sculpture, François Rude evolved from neoclassicism to romanticism, in works of great expressive force where the nude played a leading role, with colossal figures that translate in their anatomy the dynamism of the action, as can be seen in Mercury fastening his heel wings (1827), Young Neapolitan Fisherman playing with a turtle (1833), Victorious Love (1855), Hebe and the Eagle (1855), and his main work, La Marseillaise (1833), at the Arc de Triomphe in Paris. Jean-Baptiste Carpeaux denoted the same stylistic process, from classical serenity to romantic feeling, with figures of intense dynamism, such as his Flora of the Tuileries Palace (1865), Ugolino and His Sons (1863) or the group of The Dance (1869), at the Paris Opera House.[150]
In Italy, romanticism arrived with the Napoleonic conquest, with artists such as Pelagio Palagi (The betrothal of Cupid and Psyche, 1808) or Francesco Hayez (Penitent Magdalene, 1825). In sculpture, Lorenzo Bartolini evolved from classicism to a naturalism inspired by the plastic models of the Florentine Quattrocento, as in Trust in God (1835). Another exponent was Giovanni Dupré (The death ofAbel, 1842).[151]
In Spain, Romanticism was impregnated with Goyaesque influence, as shown in the two majas desnudas painted by Eugenio Lucas, and in other works by artists such as José Gutiérrez de la Vega (Lamaja desnuda, 1840–1850), Antonio María Esquivel (Venus anadyomene, 1838; Susanna and the Elders, 1840; Joseph and Potiphar's wife, 1854), Víctor Manzano (Scene from the Inquisition, 1860), etc. In sculpture, a Spaniard established in Mexico, Manuel Vilar, was the author of Jason (1836) and Tlahuicole (1851), a sort of Mexican Hercules.[152]
Academic art is the art promoted since the 16th century by the academies of fine arts, which regulated the pedagogical training of artists.[Note 12] Although in principle the academies were in tune with the art produced at the time, we can not speak of a distinct style. In the nineteenth century, when the evolutionary dynamics of the styles began to move away from the classical canons, academic art was corseted in a classicist style based on strict rules, so that today it is understood more as a period of the nineteenth century, receiving parallel various denominations, such as art pompier in France.[Note 13] It was primarily aimed at a bourgeois public, so its status as "official" art, together with the frequent accusation of conservatism and lack of imagination—according to the romantic concept that art cannot be taught—caused academicism to acquire a pejorative sense at the end of the 19th century, as it was considered anchored in the past and a reproducer of stultified formulas.[Note 14]
However, nowadays there is a tendency to revalue academic art and to consider it for its intrinsic qualities. It is usually accepted more as an artistic period than as a style. Academicism was stylistically based on Greco-Roman classicism, as well as on earlier classicist authors, such as Raphael, Poussin, and Guido Reni. Technically, they were based on careful drawing, formal balance, perfect line, plastic purity, and careful detailing, together with realistic and harmonious coloring. Their works were based on erudite themes (history, mythology, academic literature), with an idealized concept of beauty.[153]
In academicism, the nude had a special relevance, considered the expression par excellence of the nobility of nature: in the words of Paul Valéry, "what love was for storytellers and poets, the nude was for the artists of the form".[154] The academic nude meant standardization on classical premises subject to strict thematic and formal rules, subordinated to the generally puritanical environment of nineteenth-century society. The nude was only accepted as an expression of ideal beauty, so it was a modest, aseptic nude, based strictly on anatomical study. The acceptance of the classical nude as an expression of an ideal of beauty led to the censorship of any deviation from the classicist canons: thus, at the Great Exhibition in London in 1851, when the famous Crystal Palace was decorated with a gallery of marble nudes, all were accepted except the Greek Slave by Hiram Powers, which, despite being a copy of the Aphrodite of Cnidus, was criticized for appearing with her wrists handcuffed. However, the teaching practice exercised in the academies of life drawing allowed, in certain cases, the introduction of formal and stylistic novelties that rejuvenated the genre, giving it, at the same time, greater respectability as a product of intellectual elaboration.[155]
A center of reference for the academic nude was the work of Ingres: according to Winckelmann's theory that the male nude could only express character, while the female nude was the only one that could reflect beauty, since this is more clearly shown in soft and sinuous forms, Ingres' nudes reflected a continuity in the stroke that gave his figures a rounded form, smooth texture and soft contour. As a result, academic art focused more on the female nude than the male, with figures of smooth form and waxy texture.[156]
One of the main representatives of academicism was William-Adolphe Bouguereau, who produced a large number of nude works, generally on mythological themes, with figures of great anatomical perfection, pale, with long hair and a gestural elegance not without sensuality (The Birth of Venus, 1879; Dawn, 1881; The Wave, 1896; The Oreads, 1902). Another exponent was Alexandre Cabanel, author of mythological and allegorical nudes that serve as a pretext to represent women of voluptuous, sensual beauty, such as his famous The Birth of Venus (1863). The same is the case of Eùgene Emmanuel Amaury-Duval, author of another Birth of Venus (1862). Jean-Léon Gérôme was one of the main representatives of academic orientalism, with works set in harems and Turkish baths in the purest Ingresian style, as well as mythological and historical themes (Phryne before the Areopagus, 1861; Moorish Bath, 1870; Pool in a Harem, 1876; Pygmalion and Galatea, 1890). Other artists were: François-Léon Benouville (The Wrath of Achilles, 1847), Auguste Clésinger (Woman Bitten by a Snake, 1847; Leda and the Swan, 1864), Paul Baudry (The Pearl and the Wave, 1862), Jules Joseph Lefebvre (The Truth, 1870; Mary Magdalene in the Cave, 1876), Henri Gervex (Rolla, 1878), Édouard Debat-Ponsan (Le massage au Hamam, 1883), Alexandre Jacques Chantron (Danae, 1891), Gaston Bussière (The Nereids, 1902), Guillaume Seignac (The Awakening of Psyche, 1904), etc.[141]
In Great Britain, Victorian society encouraged academicism as an official art that best expressed the puritanical morality prevailing in the circles of the bourgeoisie and nobility, with authors such as Joseph Noel Paton (The Quarrel of Oberon and Titania, 1846), Charles William Mitchell (Hypatia, 1885), Frederic Leighton (Psyche in the Bath, 1890), John Collier (Lilith, 1887; Lady Godiva, 1898; Tannhäuser on the Venusberg, 1901), Edward Poynter (Diadumene, 1884; Cave of the Storm Nymphs, 1903), Lawrence Alma-Tadema (A Favourite Custom, 1909), John William Godward (Venus at the Bath, 1901; In the Tepidarium, 1913; Nude on the Beach, 1922), Herbert James Draper (Ulysses and the Sirens, 1909), etc.
In Spain, Luis Ricardo Falero also had a special predilection for the female figure, with works where the fantastic component and orientalist taste stand out: Oriental Beauty (1877), The Vision of Faust (Witches going to their Sabbath) (1878), Enchantress (1878), The pose (1879), The Favorite (1880), Twin stars (1881), Lily Fairy (1888), The Butterfly (1893), etc.
From the middle of the century, a trend emerged that emphasized reality, the description of the surrounding world, especially of workers and peasants in the new framework of the industrial era, with a certain component of social denunciation, linked to political movements such as utopian socialism and philosophical movements such as positivism. In the context of the dissolution of the classical theory of art that took place in the first half of the 19th century, realism, together with the technical liberation brought about by the appearance of photography, which inspired many of the new artists, meant a thematic liberation, where the protagonists were no longer nobles, heroes or gods, but ordinary people, from the street, portrayed in all their misery and crudeness.[157]
Its main exponent was Gustave Courbet, an artist with a passionate and politically committed temperament, determined to overcome the "errors of the Romantics and classicists". Courbet's work introduced realism into the nude, which, although in previous times had had more or less naturalistic approaches, was generally subordinated to an idealizing conception of the human body. Courbet was the first to portray the body as he perceived it, without idealizing, contextualizing, or framing it within an iconographic theme, transcribing the forms he captured from nature. Generally, his models were of robust constitution, like The Bathers (1853), the model of The Painter's Studio (1855), Nude Woman Lying Down (1862), Woman with a Parrot (1865), Lot and His Daughters (1844), Two Bathers (1858) and The Spring (1867). Sometimes he was inspired by other artists, as in The Fountain (1868)—a replica of the famous work by Ingres—or The Sleepers (1866), which recalls The Two Girl Friends by Fragonard. One of his most famous works is The Origin of the World (1866), where he presents a female body without a head, showing the pubis in the foreground, in a radically novel vision that surprised and scandalized the public of the time.[158]
Another exponent was Camille Corot, who was primarily a landscape painter, occasionally adding human figures to his landscapes, some of them nudes, in a type of landscapes with an Arcadian air, with vaporous atmospheres and delicate tones, as in Reclining Nymph (1855) and Nymph on the Seashore (1860). Later, he dissociated the landscape from the human figure, and between 1865 and 1875, he produced numerous works focused on the female figure, such as Interrupted Reading (1865–1870) and Woman with a Pearl (1869). Other works of his are: Marietta, the Roman Odalisque (1843), Girl with the Pink Skirt (1853–1865), The Bath of Diana (1855), The Dance of the Nymphs (1857), etc.[159]
The sculptural equivalent of realism was Constantin Meunier, who preferentially portrayed workers and laborers of the new industrial era, replacing the classical hero by the modern proletarian, in works where special relevance is given to the volumetric sense of the figure, as in The Puddler (1885) and The Elder, in the Monument to Labor in Brussels (1890–1905).[160] Another notable sculptor was Aimé-Jules Dalou, a disciple of Carpeaux, who despite his naturalism denotes a certain baroque influence, in works such as Bacchanal (1891), Bather Drying Her Foot (1895) and The Triumph of Silenus (1898).
The American settled in Europe, John Singer Sargent, who was the most successful portraitist of his time, was also a talented painter of landscapes and a great draughtsman, leaving a large number of academies. Influenced by Velázquez, Frans Hals, Anthony van Dyck, and Thomas Gainsborough, he had an elegant and virtuous style, which he also demonstrated in nudes such as Nude Boy on the Beach (1878) and Nicola D'Inverno (1892).
In Spain, realism also prevailed in the middle of the century: Eduardo Rosales worked across numerous genres, and although he made few nudes (Sleeping Woman, 1862; After Bathingo, 1869), they merit attention for their quality. Of Raimundo Madrazo, it is also worth mentioning a single work, After the Bath (1895), of admirable design and compositional sense. Mariano Fortuny, trained in Nazarenism, made several works of oriental themes (The Odalisque, 1861), along with genre scenes or nudes set in landscapes (Idyll, 1868; Choice of a Model, 1870–1874; Nude Old Man in the Sun, 1871; Carmen Bastian, 1871–1872; Nude on the beach of Portici, 1874). Other artists were: Casto Plasencia (The Rape of the Sabine Women, 1874), José Jiménez Aranda (A Slave for Sale, 1897), Enrique Simonet (Anatomy of the heart, 1890; The Judgment of Paris, 1904) and, as a sculptor, Ricardo Bellver (El ángel caído, 1877).[161]
Impressionism was a profoundly innovative movement that marked a break with academic art and a transformation of artistic language, initiating the path towards avant-garde movements. The Impressionists were inspired by nature, seeking to capture a visual "impression" —an instant on the canvas—under the influence of photography, using loose brushstrokes and clear, luminous tones, especially valuing light.[162]
The work of the Impressionists was of great rupture with the classical tradition, conceiving a new pictorial style that sought its inspiration in nature, away from all conventionalism and any classical or academic regulation. Thus, Édouard Manet's Le Déjeuner sur l'herbe (1863) was in its day a complete scandal, despite being clearly influenced by the classical contours of Raphael, although the controversy did not come from the nude itself, but from being an unjustified nude, an anonymous, contemporary woman.[163] Another revolution promoted by Manet was his Olympia (1863), with a Caravaggesque air that gave it an aspect of delicate affectation, but whose appearance of verisimilitude caused a scandal in its time, which forced the author to leave Paris. Olympia is a real woman, flesh and blood—shamelessly real, since she represents a prostitute—and she is in a real setting, not in a bucolic forest or picturesque ruins. It is an intimate scene that shows the viewer the most private facet of the human being: his intimacy. On the other hand, the concrete and individualized features of the model give her an identity of her own, far from the idealized faces of the classical nude.[164]
Other authors continued the path initiated by Manet, such as Edgar Degas, who, after some early Ingresian-influenced nudes, evolved to a personal style based on drawing design, essentially concerned with the transcription of movement, in scenes full of life and spontaneity. Degas voluntarily moved away from the conventional canons of beauty, opting for an undeveloped, adolescent body type, as seen in Young Spartans (1860) and his depictions of dancers. On the other hand, his works have a marked character of snapshot, of moment captured spontaneously, influenced by photography and Japaneseprints, with a certain component of voyeurism (Woman in the bath, 1880; After the bath, 1883; Woman drying her foot, 1886; La toilette, 1886; After the bath, woman drying her neck, 1895).[165] Degas initiated a subgenre within the nude, that of the toilette, women in the bathroom, performing their personal hygiene, which would have great development in the late nineteenth and early twentieth centuries. In his Series of nudes of women bathing, washing, drying themselves, combing their hair or being combed, presented at the last exhibition of the Impressionists, in 1886, he tried to offer a new vision of the nude, shown from the side or from behind, but not from the front, to emphasize the effect of a stolen instant, and so that it does not seem that they are presenting themselves to the public; in his own words: "until now the nude had been presented in postures that presupposed an audience. But my women are simple, honest people, who only take care of their physical grooming. Here is another one: she is washing her feet and it is as if I were looking at her through the keyhole".[166]
But it was Renoir who was one of the greatest interpreters of the female body, which he transcribed in a realistic manner, but with a certain degree of adoration that conferred an air of idealized perfection. In the Baigneuse au griffon (1870), he was inspired by an engraving on the Aphrodite of Cnidus, while the compositional concept is taken from Courbet. Renoir sought to synthesize the canonical classicist posture with an air of natural reality, in luminous and evocative environments that conveyed a serene and placid vision of nudity, an ideal of communion with nature. He strove to dilute the outlines of his figures, following the impressionist technique, by mottling space with patches of light and shadow, inspired by the Venetian school, to capture form through color, as seen in Anna (1876) and Torso (1876). Later, in an attempt to simplify the nude, he was inspired by the frescoes of Raphael's La Farnesina, as well as the paintings of Pompeii and Herculaneum, as is evident in LaBaigneuse blonde (1882). In the Les Grandes baigneuses (1885–1887), he painted sculptural nudes, inspired by the Fountain of the Nymphs of Girardon (Versailles), with fluid lines and a great sense of relief. In his last works he was influenced by AlexandrianHellenism, Michelangelesque mannerism and the baroque style of Boucher and Clodion, with plump figures of exuberant appearance and natural attitude towards the body and the surrounding environment, generally rivers, lakes, forests and beaches (Seated Bathing Girl, 1885; Bathing Girl drying herself, 1895; The Judgment of Paris, 1908–1910; Bathers, 1916).[167]
Heir to Impressionism was Neo-Impressionism, a style based fundamentally on the pointillist technique, the elaboration of paintings with colored dots. One of its main representatives was Georges Seurat, who throughout his career showed a preference for various themes, such as seascapes, country scenes, the circus, the music hall and the nude. His main work in this field was Models (1886–1888), where he wanted to demonstrate that the pointillist technique was suitable for any genre, as he was often reproached for only knowing how to produce landscapes in this technique. In this work, he reinterpreted in a modern key the well-known theme of the three Graces, by means of drawing models located in the artist's own workshop, with a vision indebted in a certain way to the work of Ingres.[168]
Subsequently, the so-called post-impressionists were a group of artists who, building on the new technical discoveries made by the impressionists, reinterpreted them in their own ways, opening new avenues of development of great importance for the evolution of art in the twentieth century. Thus, more than a certain style, post-impressionism was a way of grouping diverse artists of different signs. Paul Cézanne structured the composition in geometric forms (cylinder, cone, and sphere), in an analytical synthesis of reality, a precursor of cubism. He treated the nude as a landscape or still life, as an expression of the relationship between volumes of color immersed in light, as in his Bathers (1879–1882) of the Petit-Palais in Paris. Paul Gauguin experimented with depth, giving new value to the pictorial plane through flat colors of symbolic character. After some beginnings in pointillism (Study of a Nude, 1880) and a stay in Pont-Aven with the Nabis (The Yellow Christ, 1889), his stay in Tahiti helped him to recreate a world of primitive placidity where nudity was contemplated naturally, as can be seen in I Raro te Oviri (1891), Loss of Innocence (1891), Tahitian Eve (1892), Two Tahitian Women on the Beach (1892), Woman at Sea (1892), Manao tupapau (1892), The Moon and the Earth (1893), Otahí or Solitude (1893), Delicious Day (1896), The Mango Woman (1896), Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (1897), Vairumati (1897), Nevermore (1897), And the gold of their bodies (1901), etc. Henri de Toulouse-Lautrec, in contrast to the stylized nudes of the academic salons, studied the female figure in its most crude carnality, without ignoring the body's own imperfections, with a preference for circus and music hall scenes, or bohemian and brothel environments: Fat Marie (1884), Woman Pulling Up Her Stockings (1894), The Medical Inspection (1894), The Two Friends (1894–1895), La Toilette (1896), Woman Lifting Her Shirt (1901), etc. Vincent van Gogh was the author of works of strong drama and interior exploration, with sinuous, dense brushstrokes, intense color, and a distortion of reality that gave him a dreamlike air. He painted a few nudes, most of them in Paris in 1887: Female nude lying down, Female nude on a bed, Female nude seen from the back.[169]
In the field of sculpture, Auguste Rodin was a great innovator, not only in the physical plane but also in thematic innovation, more focused on the ordinary human being of his time and his environment, far from mythology and religion. He had a profound knowledge of the human body, which he treated with intimate care, with a strong component of psychological introspection. Michelangelo and Delacroix influenced him, but in essence, his work was innovative, introducing new typologies of the nude. For this, he used models who he let roam freely in his studio, adopting all kinds of forms, which Rodin captured with a mastery that immortalized the spontaneity of any moment and any posture. His figures tend toward dramatism, tragic tension, and the expression of the artist's concept of man's struggle against destiny. Thus, for more than thirty years he was working on figures for an unfinished project, The Gates of Hell (1880–1917) for the Museé des Arts Décoratifs in Paris—now in the Rodin Museum—from which project several works were detached that remained as independent figures, such as The Thinker (1880–1900), for which he was inspired by Carpeaux's Ugolino, or The Kiss (1886–1890), which represents the love of Paolo and Francesca narrated in The Divine Comedy. Other works of his were The Age of Bronze (1877), Saint John the Baptist (1878), Eve (1881), The Winter (or La Belle Heaulmière, 1884–1885), The Martyr (1885), The Torso (1889), The Muse (1896), The Three Shades (1899), Danaid (1901), etc. Following in Rodin's wake were sculptors such as Antoine Bourdelle (Hercules the Archer, 1909), Camille Claudel (The Implorer, 1894–1905; The Age ofMaturity, 1899–1913), Joseph Bernard (The Young Woman with the Cauldron, 1910) and Charles Despiau (Eve, 1925).[170]
The Swede Anders Zorn made unabashedly voluptuous and healthy nudes, usually in landscapes, with vibrant light effects on the skin, in bright brushstrokes of great color, as in In theOpen Air (1888), The Bathers (1888), Women Bathing in the Sauna (1906), Girl Sunbathing (1913), Helga (1917), Studio Idyll (1918).[171]
In Spain, the work of Joaquín Sorolla stood out, who interpreted impressionism in a personal way, with a loose technique and vigorous brushstroke, with a bright and sensitive coloring, where light is especially important, the luminous atmosphere that surrounds his scenes of Mediterranean themes, on beaches and seascapes where children play, society ladies stroll or fishermen are engaged in their tasks. His work includes some nudes, such as Sad Inheritance (1899), Desnudo de mujer (1902), The Horse's Bath (1909), Children on the beach (1910), After the Bath (1911), etc. His disciples were: his son-in-law Francisco Pons Arnau (Composición), Ignacio Pinazo (Desnudo de frente, 1872–1879), Rigoberto Soler (Nineta, Después del baño) and Julio Moisés (Eva, Pili).[172]
Symbolism was a fantastic and dreamlike style, which emerged as a reaction to the naturalism of the realist and impressionist currents, placing special emphasis on the world of dreams, as well as on satanic and terrifying aspects, sex, and perversion. A main characteristic of symbolism was aestheticism, a reaction to the prevailing utilitarianism of the time and to the ugliness and materialism of the industrial era. Against this, a tendency arose that granted art and beauty an autonomy of their own, synthesized in Théophile Gautier's formula l'art pour l'art ("art for art's sake"), even going so far as to speak of "aesthetic religion". This position sought to isolate the artist from society, autonomously seeking his own inspiration and letting himself be driven solely by an individual search for beauty.[173]
One of the characteristics of symbolism is the dark attraction to the perverse woman, the femme fatale, the Eve turned into Lilith, the enigmatic and distant, disturbing woman, the woman that Manuel Machado defined as "brittle, vicious and mystical, pre-Raphaelite virgin and Parisian cat". She is a woman loved and hated, adored and vilified, exalted and repudiated, virtuous and sinful, who will adopt numerous symbolic and allegorical forms, such as sphinx, mermaid, chimera, medusa, winged genie, etc. An artificial and androgynous, ambiguous type of beauty became fashionable, a type of leonardesque beauty, with undefined features, which will have a symbolic equivalent in flowers such as the lily or animals such as the swan and the peacock.[174]
Symbolism developed especially in France, being one of its initiators, Gustave Moreau, an artist heir to romanticism, while he felt a great devotion to the masters of the Italian Quattrocento. His works are of a fantastic and ornamental style, with variegated compositions densely populated with all kinds of objects and plant elements, with a suggestive eroticism that reflects his fears and obsessions, with a prototype of an ambiguous woman, between innocence and perversity: Oedipus and the Sphinx (1864), Orpheus (1865), JasonandMedea (1865), Leda (1865–1875), The Chimera (1867), Prometheus (1868), The Rape of Europa (1869), The Sirens (1872), The Apparition (1874–1876), Salome (1876), Hercules and the Hydra of Lerna (1876), Galatea (1880), Jupiter and Semele (1894–1896).[175]
Following in his footsteps were artists such as Pierre Puvis de Chavannes, who created large mural decorations in which he returned to linearity after the Impressionist experiments, with melancholic landscapes where the nude figure abounds, as in TheWork (1863), Autumn (1865), Hope (1872), Young Girls by the Seashore (1879), The Sacred Grove, Beloved of the Arts and Muses (1884–1889), etc. Odilon Redon developed a work of strong oneiric content, finding in dreams an inexhaustible source of inspiration, with a style based on a soft drawing and a coloring of phosphorescent aspect (TheCyclops, 1898–1900). Aristide Maillol began in painting, with great interest in the female figure in nature (Mediterranean, 1898; The Wave, 1898; Two Nudes in a Landscape, 1900), to move later to sculpture, where he found his most suitable means of expression: The Night (1902–1909), Mediterranean (1902–1923), Chained Action (1906), Young Cyclist (1908), Bathing Girl Drying (1921), Venus with a Necklace (1930), The Three Nymphs (1930–1937), The Mountain (1937), The River (1938–1943), The Air (1939).[176]
A group of artists known as Nabis, influenced by Gauguin and concerned with the expressive use of color, met in Pont-Aven. Among its members were: Félix Vallotton, who developed an ironic style with connotations of black humor, with an unabashed eroticism, where the bodies have a flat, Japanese-influenced constitution, with faces that look like masks (Bathing on a Summer Afternoon, 1892); Pierre Bonnard, who painted nudes under different types of light, both natural and artificial, generally in intimate scenes, bedroom and boudoir, with a taste for reflections in mirrors, often based on photographs (Woman reclining on a bed, 1899; The nap, 1900; Man and Woman, 1900; Nude Against the Light, 1907; Mirror Effect, 1909; Dressing Table with Mirror, 1913; Nude in the Bucket, 1916); and Charles Filiger, who developed a medieval-inspired style—especially from Gothic stained glass—of flat colors with black outlines, as in The Recumbent Christ (1895), inspired by Holbein's The Corpse of Christ in the Tomb, reduced to simple and pure forms, showing a symbolic candor that turns Christ into a transcendental, evocative figure, of a naivety that suggests purity.[177]
In Belgium, Félicien Rops was also inspired by the world of the fantastic and the supernatural, with an inclination towards the satanic and references to death, with an eroticism that reflects the dark and perverted aspect of love: The Cold Devils (1860), The Temptations of St. Anthony (1878), Pornokrates (1878), The Sacrifice (1882). Jean Delville was interested in occultism, showing in his work secret obsessions, where his figures are a mixture of flesh and spirit: The idol of perversity (1891), The treasures of Satan (1895), The school of Plato (1898), The love of souls (1900). In sculpture, George Minne was the author of the Fountain with Kneeling Youths (1898–1906), where the same figure of a naked young man is repeated five times around a pond, like Narcissus contemplating his image reflected in the water, leading the gaze into the inner space in search of the solution to the anguish they reflect.[178]
In the Netherlands, Jan Toorop stood out as the author of The Three Brides (1893), which shows the influence of the Chinese shadow figures of Java—where he was born—with figures with long arms and delicate silhouettes. Piet Mondrian, before reaching the neoplasticistabstraction, made some symbolist works, generated by his interest in esotericism: Evolution (1910–1911) is a triptych showing three naked figures completely spiritualized, symbolizing the access to knowledge and mystical light.[179]
In Great Britain, the school of the Pre-Raphaelites emerged, who were inspired—as their name indicates—by Italian painters before Raphael, as well as by the recently emerged photography. Although their subject matter was of lyrical and religious preferences, they also tackled the nude, such as Dante Gabriel Rossetti (Venus Verticordia, 1868), Edward Burne-Jones (the Pygmalion series, 1868–1870; The Garden of Pan, 1876; The Wheel of Fortune, 1883; The Three Graces, 1890), John Everett Millais (The Knight Errant, 1870), John William Waterhouse (Hylas and the Nymphs, 1896), etc. Between Pre-Raphaelite symbolism and modernist decorativism was the work of the illustrator Aubrey Beardsley, who produced numerous works of an erotic nature (such as his illustrations for Lysistrata and Oscar Wilde's Salome), with a great satirical and irreverent sense, with a style based on a highly stylized line and large black and white surfaces.[180]
The German Franz von Stuck developed a decorative style close to modernism, although its subject matter is more symbolist, with an eroticism of torrid sensuality that reflects a concept of woman as the personification of perversity: Sin (1893), The Kiss of the Sphinx (1895), Air, Water, Fire (1913). In Austria, Gustav Klimt recreated a fantasy world with a strong erotic component, with a classicist composition of ornamental style, where sex and death are intertwined, dealing without taboos with sexuality in aspects such as pregnancy, lesbianism, or masturbation. In Nuda Veritas (1899), he moved away from the iconographic symbolism of the female nude, becoming a self-referential symbol; the woman is no longer an allegory but an image of herself and her sexuality. Other works of his are: Agitated Water (1898), Judith I (1901), the Beethoven Frieze (1902), Hope I (1903), The Three Ages of Woman (1905), Danae (1907), Judith II (Salome) (1909), The Girlfriends (1917), Adam and Eve (1917–1918), etc.[181]Alfred Kubin was above all a draftsman, expressing in his drawings a terrifying world of loneliness and despair, populated by monsters, skeletons, insects and hideous animals, with explicit references to sex, where the female presence plays an evil and disturbing role, as evidenced in works such as Lubricity (1901–1902), where a priapic dog harasses a young woman huddled in a corner; or Somersault (1901–1902), where a small homunculus jumps as if in a swimming pool over a huge female vulva.[182]
In Switzerland, Ferdinand Hodler was influenced by Dürer, Holbein and Raphael, with a style based on parallelism, repeating lines, colors and volumes: Night (1890), Rise in Space (1892), Day (1900), Sensation (1901–1902), Young Man Admired by Women (1903), Truth (1903). Arnold Böcklin was heir to Friedrich's romanticism, with an allegorical style based on legends and imaginary characters, set in a fantastic, obsessive atmosphere, as in Venus Genitrix (1895). The Czech František Kupka was also interested in occultism, going through a symbolist phase before reaching abstraction: Money (1899), Ballad of Epona (The Joys) (1900), The Wave (1902). In Russia, Kazimir Malevich, future founder of suprematism, had in its beginnings a symbolist phase, characterized by eroticism combined with a certain esoteric mysticism, with a style tending to monochrome, with a predominance of red and yellow: Woman picking flowers (1908), Oak and Dryads (1908).[183]
Linked to symbolism was also the so-called naïf art, whose authors were self-taught, with a somewhat naive and unstructured composition, instinctive, with a certain primitivism, although fully conscious and expressive. Its greatest exponent was Henri Rousseau, who, starting from academicism, developed an innovative body of work, of great freshness and simplicity, with humorous and fantastic touches and a predilection for the exotic jungle landscape. He made some nudes, such as The Snake Charmer (1907), Eve (1907) and TheDream (1910).[184]
The art of the 20th century underwent a profound transformation: in a more materialistic, more consumerist society, art addresses the senses rather than the intellect. Likewise, the concept of fashion has gained particular relevance, a product of the speed of communication and the consumerist aspect of today's civilization. Thus, the avant-garde movements arose, which sought to integrate art into society, aiming for a greater interrelationship between artist and spectator, since it is the latter who interprets the work and can discover meanings the artist did not even know. The latest artistic trends have even lost interest in the artistic object: traditional art was an art of the object, the current art of the concept. There is a revaluation of active art, of action, of spontaneous, ephemeral manifestations, of non-commercial art (conceptual art, happening, environment).[185]
In the twentieth century, the nude has gained increasing prominence, especially thanks to the mass media, which have enabled its wider dissemination, particularly in film, photography, and comics, and, more recently, the Internet. It has also proliferated to a great extent in advertising, due to its increasing social acceptance and its great appeal to people. Nudity no longer has the negative connotation it had in previous times, mainly due to the increase of secularism among society, which perceives nudity as something more natural and not morally objectionable. In this sense, nudism and naturism have been gaining followers in recent years, and no one is scandalized to see another person naked on a beach. It is also worth noting the growing cult of the body, with practices such as bodybuilding, fitness, and aerobics, which allow the body to be shaped to standards considered aesthetically pleasing.
In the early years of the 20th century the foundations of the so-called avant-garde art were forged: the concept of reality was questioned by new scientific theories (Bergson's subjectivity of time, Einstein's relativity, quantum mechanics); Freud's theory of psychoanalysis also had an influence. On the other hand, new technologies changed art's function, since photography and cinema were already responsible for capturing reality. Thanks to the ethnographic collections promoted by European colonialism, artists had contact with the art of other civilizations (African, Asian, Oceanic), which brought a more subjective and emotional vision of art. All these factors brought about a change in sensibility that led the artist to search for new forms of expression.[186]
Artistic avant-gardism aimed to breathe new life into art, to return to the natural roots of design and artistic composition, for which they rebelled against academic art, which they saw as subject to rules that seemed to these new artists to nullify creativity and artistic inspiration. Two of the first works that represented a revolution in art at the beginning of the century were nudes: Matisse's Blue Nude and Picasso's Les Demoiselles d'Avignon, both from 1907. In these works, the nude becomes a symbolic, conceptual element, a reference to the purity of life without rules, without constrictions, a return to nature, to the subjective perception of art. The reduction of the human figure to basic, schematic forms initiated in these two works the path towards the abstraction of form, which will be reduced to basic lines and geometric structures, such as Constantine Brâncuşi's Nude, where a female torso is reduced to a simple cylindrical shape.[187]
Fauvism (1905–1908)
Fauvism is considered the first avant-garde movement.[Note 15] The Fauves dispensed with perspective, modeling and chiaroscuro, experimenting with color, which is conceived in a subjective and personal way, applying emotional and expressive values, independent of nature. Its main representative was Henri Matisse, a disciple of Gustave Moreau, who opened the doors to the independence of color with respect to the subject, organizing space according to color planes and seeking new sensations through the striking effect of violent areas of strident colors. Despite his modernizing zeal, Matisse preserved classical elements, such as the nude: in 1898, he began his personal style with Nude at the Window, where he began to apply color in an arbitrary, non-imitative way; the painting recreates a different reality, in which color is autonomous from form. In Luxury, Calm and Pleasure (1905), he applied basic colors (red, yellow, blue) and complementary colors (violet, orange, green), arranged by zones and structured by geometric figures. With the Blue Nude (1906–1907) he began a simplification of the human form in search of a perfect synthesis of the structure of the body; this process that would obsess him for many years and that would culminate in the Pink Nude (1935).[188] In The Luxury (1907) he focused on the human figure, with a triangular composition and arbitrary colors, emphasizing the movement of the figure, and with schematic faces. Luxury II (1907) is a second, more precise version, with pure, flat spots of color, highlighting the flesh of salmon pink, which would be typical of Matisse. Bathers with a Turtle (1908) has an austere, abstract background of colored stripes, creating space by the distinction of colors. Nude, Black and Gold (1908) is influenced by black-African carvings, with a tone close to wood and almond-shaped eyes. The Dance (1910) is a study of the human figure in movement, with an exaggerated schematism and great austerity of color, reduced to red and blue—he made two large murals on The Dance, one in Moscow (1910) and another in Philadelphia (1931).[189]Odalisque in Red (1924) is influenced by Modigliani, softened with a certain Renaissance air. In Figure on an Ornamental Background (1925), he recovered Moreau's influence, with great decorativism and horror vacui. In Pink Nude (1935), the influence of Mondrian is evident, with abstract figures and a gridded background rendered in black and white. Other works of his are: The Joy of Life (1906), Standing Nude (1907), Game of Bowls (1908), Two Black Women (1908), Still Life with Dance (1909), Nude in Sunlit Landscape (1909), Red Fish and Sculpture (1911), Nude Spanish Carpet (1919), The Hindu Pose (1923), Nude with Blue Cushion (1924), Odalisque with Red Pants (1924–1925), Sleeping Nude on Red Background (1926), Reclining Nude (1935), ANude Lying on Her Back (1944), etc.
Artists such as André Derain followed in Matisse's footsteps, whose work shows the influence of primitive art: in The Golden Age (1905), he practiced a certain macropointillism, showing the influence of Matisse's Luxury, Calm and Pleasure. Maurice de Vlaminck had a predilection for pure colors, with a Cézannian volume: in Reclining Nude (1905) and Women Bathing (1908), he made a Matissean treatment of the female nude. Albert Marquet had a more naturalistic style, with a predilection for landscape, although he painted nudes such as: Fauvist Nude (1898), Backlit Nude (1909–1911), and Nude on a Blue Background (1913). Kees van Dongen was a passionate nude painter, counting on countless models from Parisian high society, where he was very fashionable in the interwar period. His works include: The Jeweled Woman (1905), Anita (1905), Naked Girl (1907), etc.[190]
Expressionism (1905–1923)
Emerging as a reaction to Impressionism, the Expressionists defended a more personal and intuitive art, where the artist's inner vision—the "expression"—predominated over the representation of reality—the "impression"—reflecting in their works a personal and intimate theme with a taste for the fantastic, deforming reality to accentuate the expressive character of the work. In Germany, his main centers of diffusion were organized around two groups: Die Brücke (founded in 1905) and Der Blaue Reiter (founded in 1911), although some artists did not belong to either group.[191]
The members of Die Brücke were interested in a type of subject matter centered on life and nature, reflected spontaneously and instinctively, so their main themes were the nude—whether indoors or outdoors—as well as circus and music hall scenes, where they found the maximum intensity they could extract from life. This subject matter was synthesized in works about bathers that its members made during their stays in the lakes near Dresden between 1909 and 1911: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. They are works in which they express an unabashed naturism—in line with the Wandervögel, life in the countryside stripped of taboos and prejudices—an almost pantheistic feeling of communion with nature, while technically refining their palette, in a process of subjective deformation of form and color, which acquires a symbolic meaning. In Kirchner's words, his objective was "to study the nude, the foundation of all the plastic arts, in a natural way".[192]
A precursor of expressionism was Edvard Munch: influenced in his beginnings by impressionism and symbolism, he soon drifted towards a personal style that would be a faithful reflection of his obsessive and tortured interior, with scenes of oppressive and enigmatic atmosphere—centered on sex, illness and death—characterized by the sinuosity of the composition and a strong and arbitrary coloring. In Madonna (1895–1904) he presented a female figure with a naked torso, in an ambiguous attitude, while the body suggests sensuality, the face with closed eyes turned upwards gives a sense of mysticism, of introspection; in the frame is a fetus, which together with a line of sperm suggest the artist's rejection of the traditional attitude of men towards women. In Puberty (1914), he portrayed an adolescent girl with a languid look, reflecting in her countenance the meditative and perplexed state that marks the passage from girl to woman, whose deep psychological introspection the artist has masterfully recreated with pure colors and distorting lines. It belongs to a series of works made between 1890 and 1908, with which Munch intended to develop a "frieze of human life", determined to analyze all the problems arising from loneliness, illness, addictions, unsatisfied love, and the anguish of age—especially in adolescence and old age. These works denote a great psychological analysis, but they reveal a certain morbid and disturbing component, exploring without qualms the deepest depths of man's interior.[193]
The work of Emil Nolde was also an antecedent: at the beginning of the century, he used the divisionist technique, with very thick impasto and short brushstrokes, and with strong chromatic discharge, of post-impressionist influence. Later, he abandoned the imitation of reality, denoting in his work an inner restlessness, a vital tension, a tension reflected in the work's internal pulse. This can be seen in nudes such as: Dance around the Golden Calf (1910), Still Life with Dancers (1914), and The Enthusiast (1919).[194] Another reference was Lovis Corinth: trained in impressionism—of which he was one of the main figures in Germany along with Max Liebermann and Max Slevogt—he drifted in his maturity towards expressionism with a series of works of psychological introspection, with a theme centered on the erotic and macabre. Although he remained anchored in the optical impression as a method of creating his works, the expressiveness became increasingly important, culminating in The Red Christ (1922), a religious scene of remarkable anguish, close to the visions of Nolde. Other works of his are Reclining nude (1895) and Salome (1899).[195]
Among the members of Die Brücke, Ernst Ludwig Kirchner stood out: a great draughtsman, since his visit to an exhibition of Dürer's woodcuts in 1898 he began to make woodcuts, material in which he also made carvings of African influence, with an irregular, unpolished finish, highlighting the sexual components (Ballerina, 1911). As a painter, he used primary colors, like the Fauvists, with a certain influence of Matisse, but with broken, violent lines—unlike Matisse's rounded ones—in closed, acute angles, with stylized figures, with an elongation of Gothic influence. Among his works it is worth mentioning: Couple on the Sofa (1908), Young Woman under a Japanese Umbrella (1909), Marzella (1909–1910), Bathers in the room (1909–1920), Bathers in Moritzburg (1909–1926), Reclining Nude in Front of a Mirror (1910), Nudes in the Sun (1910–1920), Nudes in the Country (1910–1920), Two Nudes with Bathtube and Oven (1911), Nude with a Black Hat (1911–1912), The Judgment of Paris (1912), Three Bathers (1913), etc.[196]
Other members of Die Brücke were: Erich Heckel, who, between 1906 and 1907, made a series of paintings with a Van Goghian composition, short brushstrokes, and intense colors—predominantly yellow—with dense paste. Later he evolved to more expressionist themes, such as sex, loneliness and isolation: Bathers in the Reeds (1909), Female Nudes by the Pond (1910), Seaside Scene (Bathing Women) (1912), The Crystalline Day (1913).[197]Karl Schmidt-Rottluff practiced macropointillism in his beginnings, to move on to an expressionism of schematic figures and sharp faces, with loose brushstrokes and intense colors: Woman in Tub (1912), After Swimming (1912), Four Bathers on the Beach (1913).[198]Max Pechstein made a trip to Oceania in 1914, receiving as many other artists of the time the influence of primitive and exotic art: Woman and Indian on a carpet (1909), Outdoors (Bathers in Moritzburg) (1910), Three nudes in a landscape (1911), Sunrise (1911), TheDance, dancers and bathers in the forest pond (1912), Triptych of Palau (1917).[199]Otto Mueller made works on landscapes and nudes with schematic and angular forms where the influence of Cézanne and Picasso can be perceived. His nudes are usually set in natural landscapes, showing the influence of Gauguin's exotic nature. His slender figures are inspired by Cranach, of whose Venus he had a reproduction in his studio. They are nudes of great simplicity and naturalness, without traits of provocation or sensuality, expressing an ideal perfection, the nostalgia of a lost paradise, in which the human being lived in communion with nature: Three nudes in the forest (1911), Girls sitting by the water (1913), Bathing Girls in the Forest Pond (1915), Young woman in the rose bushes (1918), Two girls sitting in the dunes (1922), Two girls in the grass (1926).[200]
Outside the main expressionist groups was the work of Paula Modersohn-Becker: in some visits to Paris between 1900 and 1906 she was influenced by Cézanne, Gauguin and Maillol, combining in a personal way the three-dimensional forms of Cézanne and the linear designs of Gauguin, mainly in portraits and maternal scenes, as well as nudes, evocative of a new conception in the relationship of the body with nature, as in Mother Kneeling with Child (1907).[201] In Vienna, Egon Schiele, a disciple of Klimt, stood out, whose work revolved around a theme based on sexuality, loneliness and isolation, with a certain air of voyeurism, with very explicit works for which he was even imprisoned, accused of pornography. Dedicated mainly to drawing, he gave the line an essential role, on which he based his compositions, with stylized figures immersed in an oppressive, tense space. He recreated a reiterative human typology, with an elongated, schematic canon, far from naturalism, with vivid, exalted colors, emphasizing the linear character, the contour. Some of his works among his extensive production are: Nude young woman with her arms on her chest (1910), Nude lying down with her arms backwards (1911), Two girls (1911), Seated female nude (1914), Two women embracing (1915), Nude lying down (1917), The embrace (1917), etc.[202]
In sculpture, Georg Kolbe stood out, especially dedicated to the nude, with dynamic figures, in rhythmic movements close to ballet, with a vitalist, cheerful, and healthy attitude. His most famous work was Morning, exhibited in the German Pavilion built by Ludwig Mies van der Rohe for the 1929 BarcelonaInternational Exposition. On the other hand, the NorwegianGustav Vigeland made between 1924 and 1942 an extraordinary sculptural ensemble in the Frogner Park in Oslo, called the Vigeland installation, with more than a hundred naked figures, representing human life analyzed in the various stages and ages of life, from childhood to old age, with a serene and confident style, healthy and optimistic, expressing without prejudice or moralizing the full and natural meaning of life.[203]
In France, the so-called School of Paris was formed, a heterodox group of artists who worked in the interwar period, linked to various artistic styles such as post-impressionism, expressionism, cubism, and surrealism. One of its main exponents was Amedeo Modigliani, an artist of bohemian life, immersed in sex, drugs, and alcohol. He received classical training, influenced by Mannerism and the Venetian school. In 1902, he studied at the Scuola Libera di Nuodo in Florence, dedicated especially to the nude.[204] In his works he strongly emphasized the outline, with fluid lines, heirs of the modernist arabesque, while the space was formed by juxtaposition of color planes, with elongated figures inspired by the Italian masters of the Cinquecento. Among his works are: Painful Nude (1908), Seated Nude (1910), Caryatid (1913–1914), Red Nude (1917), Nude Sitting on a Divan (1917), Nude with Necklace (1917), Nude Lying on a Blue Cushion (1917), Nude Lying on Her Back (1917), Reclining Nude (1919), etc.[205]
Other members of the School of Paris were: Marc Chagall, who made works of a dreamlike character, close to a certain surrealism, distorting reality at his whim, in scenes that are in an unreal space, outside the rules of perspective or scale, in a world where he evokes his childhood memories, mixed with the world of dreams, music and poetry: Nude over Vitebsk (1933), To my wife (1933), White Crucifixion (1938).[206]Georges Rouault was initially linked to symbolism (Stella matutina, 1895) and Fauvism, but his moral themes—centered on religion—and his dark colors brought him closer to expressionism. His most emblematic works are those of female nudes, which have a bitter, unpleasant air, with languid, whitish figures (Odaliscas, 1907). Between 1903 and 1904, he executed several paintings of naked prostitutes where he recreates the depravity of their trade, reflecting the materiality of the flesh horrendously, stripped of any ideal or moral component, with a sense of denunciation of the decadence of society coming from his neo-Catholic ideology, in an expressionist style of quick strokes and basic lines. His works are: Nude in the Mirror (1906), Young Woman (1906) and Autumn (1936).[207]Jules Pascin expressed in his work the rootlessness and alienation of the exiled, as well as the sexual obsessions that marked him since his adolescence. He had a delicate technique, with a finely suggested line and a color of iridescent tones, showing in his nudes a languid and evanescent air, with a certain Degasian influence: Manolita (1929).[208] We should also remember Marcel Gromaire, author of nudes of sensual and vigorous forms, with a predominance of ocher and yellow colors (Nude with an Oriental Tapestry, 1926; Blond Nude, 1926; Nude with Coat, 1929); and Tsuguharu Foujita, who made a synthesis of the Japanese and Western traditions, with precise graphics and a glossy finish, as if it were lacquer (The Salon of Montparnasse, 1928).
Cubism (1907–1914)
This movement was based on the deformation of reality through the destruction of the spatial perspective of Renaissance origin, organizing space according to a geometric grid, with simultaneous vision of objects, a range of cold and muted colors, and a new conception of the work of art, with the introduction of collage.[209] Its main exponent was Pablo Picasso: of academic training (Female nude from back, 1899; Seated female nude, 1899), he went through several periods before ending up in Cubism, of which it is worth remembering for the theme of the nude his "pink period", of a classicism influenced by Ingres, with themes set in the world of the circus and the Impressionist toilette: Saltimbanquis (1904), Harlequin's Family (1905), Dutchess with a Coif (1905), Boy Leading a Horse (1905), Woman, Fernande Olivier (1905), Two Nudes (1906), The Harem (1906), The Two Brothers (1906), NudeWringing Her Hair (1906), Nude with Joined Hands (1906). In 1907, he painted The Young Ladies of Avignon, which was a total break with traditional art, making a plea against conventional beauty, beauty based on rules and proportions. Already, the chosen theme—a brothel—is symptomatic of protest and rebellion, but also of the treatment of the figures, deformed and reduced to simple geometric bodies (cube, cylinder), which denotes his desire to demystify the classical concept of beauty. In this work, Picasso shows a strong influence of African sculpture, with stylized forms and simple lines of geometric construction, a more intuitive than realistic sense of the body's representation, and a style that evokes the soul's presence more than physical corporeality. However, the dismemberment of the bodies is not random, but subject to laws of refraction, framed in sharp contours and concave planes taken from the spatiality of African art.[210]
The Young Ladies of Avignon began the so-called "black period" of Picasso, a brief period until his fully cubist stage, in which he also made Nude with Cloths (1907), Three Women (1908), and The Dryad (Nude in the Forest) (1908). From the fully cubist period, Nude (1910) and Woman in a Shirt (1913) stand out, although at this stage he did not dedicate himself especially to the nude. Later, after a visit to Pompeii in 1917, he rediscovered the freshness and the vital component of primitive classical art. In his drawing of the Bathers that year, he composed more naturalistic forms, though stylized and treated with the artistic freedom of his original creativity. During the early 1920s, he made nudes in a more classical vein, as in his illustrations of Ovid and Aristophanes. Still, they were nudes of a voluntary objectivity that deprived them of vitality, which would be reaffirmed when he later returned to the deformation of his figures, as in his Nude Woman in a Red Armchair of 1929, whose distortion seems deliberately cruel and demystifying. This work is no longer an attempt against the classical nude, but against the contemporary nude, since the setting where the figure is located is reminiscent of Matisse's Odalisques painted a few years earlier. Here we can perceive the rebellious, iconoclastic Picasso, always in search of new paths and against all conventionalism, whether of the past or the present. In this sense, he made several versions of classic works of art history, such as Parody of Manet's "Olympia" (1901–1903), The Venus in the Mirror (1932) and Le Déjeuner sur l'herbe (1961). From here Picasso began an increasingly abstracted path of the human figure, subjected to an increasingly distorting process, as can be seen in the series of lithographsLes Deux Femmes nues (1945–1946), which presents a sleeping figure lying down and another sitting awake—perhaps an allusion to the myth of Cupid and Psyche—which in successive phases is shown from naturalistic forms to almost abstraction. Other works of his are: Seated Bathing Girl (1930), Nude (1932), The Muse (1935), Figures on the Beach (1937), Woman Combing Her Hair (1940), Massacre in Korea (1951), Women of Algiers (1955), Women Grooming (1956), Nude under a Pine Tree (1959), etc.[211]
Other representatives of Cubism were: Georges Braque, initiator of the style with Picasso, whose Large Nude (1908) has a great parallelism with The Young Ladies of Avignon, with African influence and a certain totemic air, with a rhythmic movement. Fernand Léger recreated in his works a volumetric structure of form based on tubes—which is why his style was called "tubism": Nude in the Forest (1910), Nude Model in the Studio (1912–1913), Three Women at Breakfast (1921), Nudes on a Red Background (1923), The Three Women on aRed Background (1927), Two Women Holding Flowers (1954). Robert Delaunay made in The City of Paris (1910) a curious mixture of figuration and geometric abstraction, with a space structured into blocks, and a nuanced chromaticism that blurs the forms in the surrounding environment. Joan Miró went through Fauvism and Cubism before arriving at Surrealism, his best known stage: Seated Nude Holding a Flower (1917), Nude with a Mirror (1919), Standing Nude (1921).
In sculpture, Alexander Archipenko was the creator of "construction", the sculptural variant of collage. In Woman Walking (1912), he introduced a new analysis of the human figure, broken down into geometric forms and perforated at certain points with holes that create a contrast between the solid and the hollow, in a new way of understanding matter. In Woman Combing Her Hair (1915) he followed the cubistic criteria of The Young Ladies of Avignon, and in Seated Woman (1916) he experimented with concave space, while in Female Torso (1922) he accentuated the stylization of the figure, a process that culminated in Torso in Space (1935). Julio González used iron plates in his sculpture to simulate the epidermis, in parts of the human body that denote the absence of what would be the body as a whole, an effect accentuated by the emptiness of the work (Female Bust, 1934; Torso, 1936). Henri Laurens worked in a variety of materials, from wood and metal to papiers collés and tableaux-objets, mixed methods and assemblages, often painted afterwards (sculpto-peintures). Along with other works, the female figure was one of his greatest sources of inspiration, as in Woman with a Fan (1921), Squatting Woman (1922), and Nude with Mirror (1922).[212]
Futurism (1909–1930)
An Italian movement that exalted the values of the technical and industrial progress of the 20th century, highlighting aspects of reality such as movement, speed, and simultaneity of action, Futurism aspired to transform the world, to change life, and to show an idealistic, somewhat utopian concept of art as the engine of society.[213] Although the Futurists were not particularly dedicated to the nude, it is worth remembering Umberto Boccioni and his Unique Forms of Continuity in Space (1913), a modern version of the classical "heroic nudity", with which he sought "the abolition of the finite line and the closed statue", giving his figure a centrifugal force. With this sculpture, Boccioni sought to go beyond the impression of movement, exploring the notion of speed and force in sculpture, seeking to assign luminous values to the carved surface. The sculpture exceeds the corporeal limits of the human being and resembles a flag waving in the wind. It seems that the body represented meanders, struggling against an invisible force. Although the (physical) result is a three-dimensional portrait, the moving body introduces a fourth dimension, time.[214]
Dadaism (1916–1922)
In response to the disasters of World War I, Dadaism meant a radical approach to art that rejected any component based on logic or reason, claiming doubt, chance, and the absurdity of existence. This translates into a subversive language, where both the themes and the traditional techniques of art are questioned, experimenting with new materials and new forms of composition, such as collage, photomontage and ready-made.[215] Its main factor was Marcel Duchamp, who after a Fauvist phase (Nude with Black Stockings, 1910; Young Girl and Man in Spring, 1911; The Thicket, 1910–1911), realized in Nude Descending a Staircase (1911) a synthesis between Cubism and Futurism, where the body has been decomposed into geometric volumes and serialized in various superimposed movements. In this work, Duchamp distances himself from reality, where the nude has no significance; it is only a means of experimentation. In The King and Queen with Swift Nudes (1912), he represented the human figure as chess pieces. One of his most famous works is The Large Glass (or The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, 1915–1923), abstract nude formed by two sheets of glass joined by a lead frame, and placed in a glass box, installed in the Philadelphia Museum of Art. According to the instruction book left by the author, the bride undresses to excite the bachelors who court he. However,h their physical separation prevents them from consummating their love, thereby conveying a clear message of the futility of human passions and how the human being transits through life in solitude. Another emblematic work of his was Given: 1. The Waterfall, 2. The Illuminating Gas (1944–1966), an installation with various materials (a wooden door, a gas lamp, bricks, leather, firewood, plexiglass), which presents a woman's body lying on some bushes, seen through a hole in the door, in reference to woman as something inaccessible, enigmatic.[216]
Other exponents of Dadaism were: Francis Picabia, a subversive artist with a strong individualistic temperament, author of nudes such as Woman and Idol (1940), The brunette and blonde (1941), Two Nudes (1941), Nudes (1942), and Five Women (1942). Man Ray was a painter, sculptor, and photographer, one of the most original of the movement, with an overflowing creative fantasy. One of his most famous sculptures is Venus Restored (1936), a woman's torso reminiscent of a Greek Venus, bound by ropes that encircle her entire body.
Surrealism (1924–1955)
Surrealism placed special emphasis on imagination, fantasy, and the world of dreams, with a strong influence of psychoanalysis, as can be seen in its concept of "automatic writing", by which they try to express themselves by freeing their minds from any rational bondage, to show the purity of the unconscious.[217] One of his precursors was Giorgio de Chirico, initiator of the so-called metaphysical painting, with works of disturbing atmosphere, with empty spaces and strange perspectives, and anthropoid figures resembling mannequins: Perseus and Andromeda (1910), Ariana, The Silent Statue (1913), Roman Women (1926), Nude Woman (1929), Nude Self-Portrait (1942), School of Gladiators (1953).
Salvador Dalí was one of the great geniuses of 20th-century art, with a megalomaniac and histrionic personality that turned him into a media figure, extolling him as a paradigm of the eccentric artist. He had an academic education, and his first works of adolescence were close to pointillist impressionism (The Picnic, 1921; Muse of Cadaqués, 1921; Nude in a Landscape, 1922–1923; Bathers of La Costa Brava, 1923). Later, he quickly went through various phases related to avant-garde movements, from Fauvism and Cubism to Futurism and metaphysical painting (Cubist Composition, 1923, inspired by Matisse's The Dance; Female Nude, 1925; Venus with Cupids, 1925). In 1928, he settled in Paris, where he entered surrealism, of which he would be one of its main representatives, and the following year, he met Gala Éluard, who would be his great muse, and whom he portrayed on numerous occasions, some of them nude. At that time, he began to show interest in Freudian psychoanalysis, inventing a method of dream interpretation that he called the "paranoiac-critical method". Much of his psychological reflections center on sex, a recurring theme in his work, which revolves around the Freudian struggle between the principle of pleasure and the principle of reality. Most of his works are from the surrealist phase: The Great Masturbator (1929), The Bleeding Roses (1930), Untitled (William Tell and Gradiva) (1931), Masochistic Instrument (1933–1934),The Dream places a Hand on a Man's Shoulder (1936), The Golden Age – Family of Marsupial Centaurs (1940–1941), Costume for a Nude with a Codfish Tail (1941), Honey is Sweeter than Blood (1941), Dream Caused by the Flight of a Bee Around a Pomegranate a Second Before Awakening (1944), Galarina (1944–1945, inspired by Raphael's La Fornarina), The Apotheosis of Homer (1944–1945), My Wife, Naked, Looking at her own Body (1945), The temptation of Saint Anthony (1946), etc.
Between 1940 and 1955, he lived in the United States, where, from 1947, he became interested in religious mysticism, atomic physics, and perspectives based on the golden section. From this period are works such as: Leda Atomica (1949, on the myth of Leda and the swan, where Leda is his wife, Gala), The Judgment of Paris (1950), Crucifixion (Corpus Hypercubus) (1954), Dalí, nude (1954), Two Adolescents (1954). He later returned to Spain, where he devoted himself to the task of founding a museum, the Dalí Theater-Museum in Figueres, while continuing to work: Gala Nude From Behind Looking in an Invisible Mirror (1960), Untitled(St. John) (1964), Tuna Fishing (1966–1967), The Hallucinogenic Toreador (1968–1970), Three Hyper-Realist Graces (1973), Standing Female Nude (1974), Gala Contemplating the Mediterranean Sea Which at Twenty Meters Becomes the Portrait of Abraham Lincoln – Homage to Rothko (1974–1975),Dalí's Hand Drawing Back the Golden Fleece in the Form of a Cloud to Show Gala the Dawn, Completely Nude, Very, Very Far Away Behind the Sun (1977, inspired by Claude Lorrain's Landscape with St Paula of Rome Embarking at Ostia), Imperial Monument to the Child Woman (1977, based on Bouguereau's Les Oréades). Dalí was also a sculptor (The Bust of a Retrospective Woman, 1933; Hysterical and Aerodynamic, Nude – Woman on the Rock, 1934; Venus de Milo with Drawers, 1936; Michelin's Slave, 1964, with Michelangelo's Dying Slave pierced by a Michelin wheel; Homage to Newton, 1969; Christ Twisted, 1976), and collaborated with photographer Philippe Halsman on several photographic compositions: Cosmic Dali (1948), Human Skull Consisting of Seven Naked Women's Bodies (1951).[218]
Paul Delvaux was framed in a type of figurative painting, but strangely disturbing, where figures that seem to sleepwalk wander through architectural or landscape spaces of perfect artistry, influenced by Piero della Francesca and Renaissance perspective, and where naked women coexist with men who look at them with avid voyeurism, or with skeletons reminiscent of the Baroque genre of vanitas, managing to recreate an atmosphere of nightmarish eroticism. Delvaux conveys a pessimistic vision of love, often relating it to death, in a conjunction of Eros and Thanatos. Thus, in The Sleeping City (1938), he presents a nocturnal city, with classical architecture, where naked women wander like sleepwalkers, representing the myth of the dream woman, unattainable, while a man watches them helplessly. In Pygmalion (1939), he reverses the roles, with a naked woman embracing a male statue. The Congress (1941), despite the realism of the image, recreates a disturbing atmosphere, where naked women walk among a group of men who discuss their affairs without noticing them. In The public road (1948), he presents a reclining Venus reminiscent of those by Giorgione or Titian, but set in the middle of the street, in front of a streetcar advancing towards her. Other works of his are: The Joy of Life (1929), Crisis (1930), Nymphs Bathing (1938), The Visit (1939), Entry into the City (1940), Mermaid in Moonlight (1940), Wedding (1941), Venus Sleeping (1944), The Conversation (1944), Woman before the Mirror (1945), The Enigma (1946), Mermaids (1947), Leda (1948), Dryads (1966), etc.[219]
René Magritte developed a body of work in which the ordinary and banal coexist with the fantastic and strange, often with strong erotic connotations, in disturbing atmospheres with a recurring iconography, thereby highlighting the ambiguity of the objects he portrays. In The Magician's Accomplices (1927), despite the realistic figuration, the artist creates a dreamlike atmosphere, leaving interpretation open to the imagination. In Delusions of Grandeur (1961), he elaborated a female torso sectioned into three parts, which narrow as they ascend, creating a ziggurat shape, like the famous Tower of Babel. Rape (1934) is a face where a naked torso replaces the face, the eyes being the breasts and the mouth the pubis. Other works of his are: Dangerous Liaisons (1926), The Forest (1926), Polar Light (1927), The gigantic days (1928), Collective Invention (1934), Bathing between Light and Darkness (1935), Flowers of the Devil (1946), Sea of Flames (1946), Olympia (1947), The Freedom of the Spirit (1948), The Dress of the Night (1954), etc.[220]
Óscar Domínguez made automatic associations of objects, where figures elongate and acquire a gelatinous consistency, combining humor and desire as motors of human activity. In The electro-sexual sewing machine (1935) he shows a dreamlike delirium where the sexual component is combined with the mechanicity of the industrial era, through a naked woman's body lying face down, with a carnivorous plant devouring her feet and a stream of blood falling on her back through a funnel coming from a bull's head. It is a representation of sadistic eroticism, where sex is mixed with death. The bull represents the primitive, the struggle between life and death, while the machine represents the rational, the triumph of man's will over the surrounding environment.[221]
Other surrealists who practiced the nude were: Max Ernst, who used to work in collage because of his Dadaist training, and who showed a great interest in irrationality and art made by the insane: The Great Lover (1926), Young Nudes (1926), Attirement of the Bride (1940); and André Masson, interested in the automatic way (free association of ideas), with a gesturalist, aggressive work, with interest in sadomasochism: Mathematical Nude (1928), influenced by Miró.
In sculpture, Constantin Brâncuşi carried out a process of reduction of the human figure towards the strictest simplicity, close to abstraction (Sleeping Muse, 1911). Alberto Giacometti followed in his wake, with figures reduced to simple filaments, which he called "transparent constructions", very elongated and emaciated, showing the isolation of man: Standing Nude (1953), Tall Woman (1960). Hans Bellmer practiced a sadomasochistic eroticism, with articulated mannequins in various postures, such as The Doll (1934). Henry Moore was inspired by the human body in many of his works, which feature an abstraction of form in which the body is outlined by simple, dynamic, undulating lines that suggest rather than describe its basic shape. Some of his works, such as Lying Figure (1938) and Reclining Figure (1951), are vaguely reminiscent of Parthenon figures such as Ilyissus and Dionysus, but schematized into elongated, flowing forms with meandering lines that evoke the erosion of the sea on a rock.[222]
Frida Kahlo's otherwise personal and unclassifiable work is related to surrealism, reflecting in her canvases her life tormented by an accident that destroyed her spine and her husband's infidelities. One of her first nudes was Desnudo de Mujer India (1929), in which she already shows her style: fantastic figuration and intense chromatism, with an abundance of anecdotal elements. In Unos cuantos piquetitos (1935) she represented a brutal real murder that had occurred shortly before, committed out of jealousy, where the murderer defended himself by saying "but it was only a few piquetitos!", a scene in which the author projects her pain for her husband's infidelity with her little sister, a fact corroborated by the stab wounds she inflicted on the work as soon as she finished it.[223] In Two Nudes in a Forest (1939) two naked women appear, one with lighter skin and the other with darker skin, reclining one on top of the other, and observed by a monkey, symbol of sin, in a scene that can have two interpretations: the first would be that of lesbian love, while the second would be a double self-portrait of Frida, capturing her two natures, the European and the Mexican.[224]The Broken Column (1944) is a self-portrait that shows the steel corset she had to wear for a while because of the accident that had destroyed her spine, represented by an Ionic column, while her whole body is pierced with nails, in an image of intense drama; in this painting she initially appeared nude, but finally only her breasts were exposed.[225]
Art Deco (1925–1945)
Art Deco[Note 16] was a movement that emerged in France in the mid-1920s and was a revolution in interior design and the graphic and industrial arts. Aimed mainly at a bourgeois public—that of the so-called Belle Époque—it stood out for ostentation and luxury. It developedd notably in advertising illustration (Erté) and poster design (Cassandre). In painting, the work of Tamara de Lempicka stood out: she trained with the nabí Maurice Denis and the cubist André Lhote, while she felt a great fascination for Ingres, which earned her work the nickname "Ingresian cubism". Later, she had a surrealist phase and then moved towards a certain neoclassicism. Her nudes present women who are a product of their time, elegant and sophisticated, luxurious and glamorous, as if they were out of a fashion magazine, but subjected to the dictates of a macho society, from which they sometimes seem to rebel, becoming modern heroines whose bodies reveal a vibrant inner power. In contrast to the classical dichotomy between the heavenly Venus and the worldly Venus, Lempicka creates a third type of woman, neither divine nor unapproachable, but neither vulgar nor vilifiable, a modern woman who assumes her sexuality without hindrance, and who is admired and respected by men, a woman of high society who follows the dictates of fashion. Among her works stand out: The Two Friends (1923), Perspective (1923), Sleeping Girl (1923), SeatedNude (1923), Rhythm (1924), Nude on a Terrace (1925), The Model (1925), Group of Four Female Nudes (1925), The Dream (1927), Andromeda (1927), The Pink Shirt (1927), The Beautiful Rafaela (1927), Women Bathing (1929), TwoFriends (1930), Nude with Buildings (1930), Adam and Eve (1932), Susanna in the Bath (1938), etc.[226]
Spain
In Spain, the artistic avant-garde developed more slowly, although many Spanish artists were pioneers of the international avant-garde (Picasso, Dalí, Miró). At the beginning of the century, the Spanish artistic scene was still dominated by academicism, coexisting to a lesser extent with impressionism and modernism (especially in Catalonia), which was replaced in the 1910s by noucentisme, a classicist movement of Mediterranean inspiration. Even so, little by little, the new currents were introduced, especially cubism, expressionism, and surrealism. In this environment, the nude was a much more frequent theme than in all the previous art practiced in the peninsula, and many Spanish artists competed in international competitions with nude works. Thus, for example, Julio Romero de Torres owed much of his fame to his academic nudes, but with a certain Leonardesque influence—in his beginnings he was tempted by pointillism, as in Vividoras del amor (1906), but he soon abandoned it—tinged with a dramatic and sensualist feeling typical of his Cordovan origin, as can be seen in The Gypsy Muse (1908), The Altarpiece of Love (1910), The Sin (1913), Venus of Poetry (1913), The Grace (1915), Rivalry (1925–1926), A Present to the Bullfighting Art (1929), Cante Jondo (1929), Trini's granddaughter (1929), etc. Ignacio Zuloaga was influenced by Toulouse-Lautrec, but his work is nourished by the masters of the Prado, with works in a costumbrist style, including The Italian, the Nude of the Mantilla and the Carnation (1915), and La Oterito (1936). Other outstanding artists are: José Gutiérrez Solana (Las chicas de la Claudia, 1929), Marceliano Santa María (Angélica y Medoro, 1910; Figuras de romance, 1934), Fernando Álvarez de Sotomayor (Orfeo atacado por las bacantes, 1904; El rapto de Europa, 1907; Leda y el cisne, 1918), Francisco Soria Aedo (Pasión, Fauno galante, Fruto de amor, Juventud de Baco), Gabriel Morcillo (Alegoría a Baco, Fantasía morisca), Eduardo Chicharro (Los amores de Armida y Reinaldo, 1904; Las tentaciones de Buda, 1922), Eugenio Hermoso (El baño de las zagalas, 1923; Tierra, Fauna y Flora, 1923; Melancolía, 1926; Madreselvas, 1926), Roberto Fernández Balbuena (Desnudo de espaldas, 1926; Desnudo Pittsburgh, 1926; Desnudos luz sombra, 1929), Néstor Martín-Fernández de la Torre (Adagio, 1903; Calma, Pleamar y Borrasca de la serie Poema del Atlántico, 1918–1924), Juan de Echevarría (La mestiza desnuda, 1923), Francisco Iturrino (Mujeres en el campo, Mujeres en la playa), Hermenegildo Anglada Camarasa (Gitana bajo una parra, 1909), Joaquim Sunyer (Pastoral, 1911; Paisaje con cuatro desnudos, 1915; Desnudo en el campo, 1925), Aurelio Arteta (Bañistas, 1930; Hombres del mar, 1932), Josep Maria Sert (Francisco de Vitoria Room at the Palais des Nations in Geneva), Rafael Zabaleta (Nocturno del desnudo, 1954), etc. In the sculptural field, we could mention: Mariano Benlliure (Maja desnuda, 1902), Enric Clarasó (Eva, 1904), Josep Llimona (Desconsuelo, 1907), Miguel Blay (Eclosión, 1908), Mateo Inurria (Deseo, 1914; Forma, 1920), Josep Clarà (El Crepúsculo, 1907–1910; La Diosa, 1909; Ritmo, 1910; Juventud, 1928), Julio Antonio (Venus Mediterránea, 1914), Victorio Macho (Monument to Santiago Ramón y Cajal, 1926), Pablo Gargallo (Gran bailarina, 1929; El profeta, 1933), etc.[227]
Since World War II, art has undergone a vertiginous evolutionary dynamic, with styles and movements that have followed each other more and more rapidly over time. The modern project originated with the historical avant-gardes. It culminated in various anti-material styles that emphasized the intellectual origins of art over its material realization, such as action art and conceptual art. Once this level of analytical prospection of art was reached, the inverse effect was produced—as is usual in the history of art, where different styles confront and oppose each other, the rigor of some succeeding the excess of others, and vice versa—returning to the classical forms of art, accepting its material and esthetic component, and renouncing its revolutionary and society-transforming character. This is how postmodern art emerged: the artist shamelessly transitions between different techniques and styles, without a vindictive character, returning to artisanal work as the essence of the artist. Finally, at the end of the century, new techniques and supports appeared in the field of art: video, computing, internet, laser, holography, etc.[228]
Informalism (1945–1960)
Informalism is a group of tendencies that emphasize the artist's expressiveness, renouncing any rational aspect of art (structure, composition, or preconceived application of color). It is an eminently abstract art, although some artists retain figuration, in which the material support of the work becomes relevant and assumes the leading role over any theme or composition. It includes various currents such as tachisme, art brut, matter painting or abstract expressionism in the United States. Informalist artists have experienced first hand the horrors of war, so their work is imbued with pessimism, with a vital despair that translates into aggressive works, where the human figure is mutilated, deformed, crushed, highlighting the fragility and vulnerability of the human being, as seen in the work of artists like Dubuffet, who crushes the figures, opening them up like an ox; Fautrier, who disfigures the human form, reducing it to a formless nudity; or Antonio Saura, who creates monsters in black and white, even of beauties like Brigitte Bardot. These authors seek to destroy the idea of Beauty, Nude, Harmony, all those ideals that academic art treated with capital letters. They distance themselves from Western culture, which has engendered these horrors, returning to primitivism, to the infancy of humanity. To do so, they also use new materials considered dirty, detritic, and unworthy, such as mud, plaster, sacks, etc. Instead of using brushes, they even use their hands to scratch the canvas, emphasizing the gestural effect.[229]
Jean Fautrier made nudes where the figure is deformed, made from different color textures, on paper supports, treated with plaster and glue, on which he applies a raw substance, made with inks and powders, on which he draws or scratches, until he achieves the desired image. Jean Dubuffet began in 1950 his series of Bodies of a Lady—an antinomian title, since it contrasts the materiality of the body with the spirituality of the meaning of "lady", which gives a high dignity to women—made with raw materials, drawing the figure with scratches, and treating the body as a mass that is crushed on the support, as in a butcher's board.[230]Willem de Kooning made female nudes, but distorted to the maximum, with great color. His Women series (1945–1950) is halfway between figuration and abstraction, in which the female figure is reduced to spots of color, applied aggressively and expressively, with contours that evoke prehistoric fertility goddesses as well as obscene street paintings.[231]
Antoni Tàpies is basically an abstract painter, although in his works he sometimes introduces parts of the human body, especially the genitals, in schematic forms, often with the appearance of deterioration; the body appears torn, assaulted, pierced. This can be seen in The inner fire (1953), a human torso in the form of a burlap cloth decomposed by burns; Ochre and pink relief (1965), a kneeling female figure; Matter in the form of an armpit (1968), in which he adds real hair to the figure of a torso showing the armpit; Body (1986) reflects a recumbent figure, evocative of death—which is accentuated by the word "Tartaros", the Greek hell; in Days of Water I (1987) we see a body submerged in waves of gray paint, evoking the legend of Hero and Leander. Other works of his are: Two Figures (1947), Varnish Nude (1980), Torso (1985), Prajna = Dhyana (1993), Man (2002), Black Jersey (2008), etc.[232]
New figuration (1945–1960)
In response to informalist abstraction, a movement arose that recovered figuration, with a certain expressionist influence and a total freedom of composition. Although it was based on figuration, this did not mean it was realistic; it could be deformed or schematized to the artist's taste. The existentialist philosophy and its pessimistic vision of the human being had a decisive influence on the genesis of this style, and it was linked to the beat movement and the angry young men. One of its main exponents was Francis Bacon, an artist with a personal, solitary trajectory, alien to the avant-garde—in the 1930s, when he began to paint, he was rejected for not being a surrealist or abstract artist. In 1944, he destroyed all his previous work. He began his most personal style with Three Studies of Figures at the Base of a Crucifixion, where he used a traditional medium, the triptych, to expose figures whose nudity is deformed, vulnerable, mocked, framed in unreal spaces, which resemble boxes that enclose the figures in an oppressive, anguished atmosphere. His nudes, both male and female, look like lumps of amorphous flesh, writhing and fighting a desperate struggle for existence. They have an oily consistency and a cadaverous pallor, accentuated by the artificial, bulb-like light, resembling butcher's meat rather than human flesh. A great lover of art—he often visited the Museo del Prado—he made versions of many works by Velázquez or Rembrandt. Other works of his are: Study forCrouching Nude (1952), Nude (1960), Reclining Figure (1966), etc.[233]
For Lucian Freud the nude was one of his main themes, which he treated in a realistic, stark, detailed way, without omitting any detail, from veins and muscles to wrinkles and any imperfection of the skin. They are raw, epidermal, expressive, intimate nudes, the human being stripped of any accessory, pure and free as he comes into the world. They are somewhat distressing nudes, as they reflect the vulnerability of mortal flesh, the loneliness of our worldly transit, and they remind us of the perishability of life. His first nudes have an academic tone, still idealized, like his Sleeping Nude (1950), but little by little they become more expressive, with loose brushstrokes and a more intense chromatism, as in MNaked girl laughing (1963), which is one of his daughters. Between the 1960s and 1970s he reaches his definitive style, with figures in intimate, carefree postures, in frames reminiscent of photography, with a linear drawing and marked contours, with an intense light and a strong chromaticism where the carnal tones stand out, arranged in colored spots: Naked girl sleeping (1968), Naked man with a rat (1977–1978), Rose (1979), Seated figure (1980–82), Naked man on a bed (1987), Naked man seen from behind (1992), Two women (1992), And the groom (1993), Painter at work, reflection (1993, self-portrait of the artist nude), Flora with blue toenails (2000–2001), The Painter Surprised by a Naked Admirer (2005).[234]
Balthus was a painter obsessed by a theme, the sexual awakening of young adolescents, which he used to represent in interiors of languid appearance and intense illumination, with a somewhat naive eroticism, but denoting a certain air of perversity: The Guitar Lesson (1934), The Living Room (1941–1943), Girl Sleeping (1943), The Bedroom (1947), The Room (1952), Nude Before the Mirror (1955), Young Woman Preparing for the Bath (1958), Cat in the Mirror (1977–1980), Nude Lying Down (1983), Latent (1995).[235]Ivan Albright was framed in the so-called magical realism, with a meticulously detailed style, portraying with rigorous precision the decadence, corruption and spoils of age, with great emotional intensity (And Man Created God in His Own Image, 1929–1930).
In sculpture, Germaine Richier, who followed in the footsteps of Giacometti in stylized figures with elongated limbs, resembling insects, with a lacerated and tattered appearance, as if in decomposition, giving equal importance to emptiness and matter (Shepherd on the Landes, 1951); and Fernando Botero, author of large figures that resemble swollen dolls (Female Torso(La Gorda), 1987; Woman with Mirror, 1987; The Rape of Europe, 1994).
Pop-art (1955–1970)
It emerged in Great Britain and the United States as a movement to reject abstract expressionism, encompassing a series of authors who returned to figuration, with a marked popular component, drawing on images from advertising, photography, comics, and mass media. Pop-art assumed sex as something natural, unabashedly, within the framework of the sexual liberation of the 1960s advocated by the hippie movement. The first work considered pop art was Richard Hamilton's Just What is It That Makes Today's Homes So Different, so Appealing? (1956), which was the poster for the This is Tomorrow exhibition at the White Chapel Art Gallery in London; it was a photomontage, which exalted consumerism as a modernizing element, where everyday objects become works of art, and where a bodybuilder and a half-naked woman appeared as objects in the scene.[236]
Tom Wesselmann made in the series Great American Nudes (1960s) a set of works where the nude is shown as a consumer product, with an advertising aesthetic and close to Playboy-type erotic magazines, accentuated by the flatness of the works and the simplification of colors with Matissian roots, highlighting the most "objectual" body parts (red lips, white teeth, blond hair, prominent breasts), along with various decorative objects, fruits or flowers. The bodies have a cold, artificial consistency, like inflatable dolls, and usually present the typical white areas left by bikinis in contrast with the rest of the more tanned body. In the series Bathrooms (1963), he moved into three-dimensionality, in which his typical nude paintings appeared with real objects such as curtains, towels, detergents, or nail polish, or were seen through a half-open door, thereby emphasizing the voyeuristic effect. In Still Life (1963), a nude woman appears with a concave ashtray—symbol of the female sex—and a cigarette—phallic symbol—in a somewhat kitsch environment, with pure colors.[237]
Mel Ramos produced works of a more evident eroticism, close to pornography, with female figures that look like Pin-Ups, as in Miss Corn-Flakes (1964) or Philip Morris. Tobacco Rose (1965). Roy Lichtenstein specialized in images similar to those of comics, even highlighting the characteristic stippling of the printing processes. Between 1993 and 1994, he made his series of Nudes: Nude Thinking, Two Nudes, Nude with Blue Hair.
New Realism (1958–1970)
French movement inspired by the world of surrounding reality, consumerism and industrial society, from which they extract—unlike pop-art—its most unpleasant aspects, with a special predilection for harmful materials. One of its main exponents was Yves Klein, a revolutionary artist who was a precursor of conceptual and action art. During his "blue period", when he painted monochromatic paintings in an intense ultramarine blue—which he baptized as InternationalKlein Blue (IKB), a registered trademark—he made several nude sculptures inspired by the classical Venus, but dyed blue, as well as a version of Michelangelo's Dying Slave. He also made several plaster casts of his friends, all nude and painted blue, such as Relief Portrait of Claude Pascal (1962) and Relief Portrait of Arman (1962). In 1958 he began his "anthropometries", where a nude model—which he called his "living brushes"—smeared with paint, lay down on a canvas, leaving the imprint of her body painted on the canvas, in various imprints that varied according to the position of the body, or according to the movement, as he sometimes rotated the models on the canvas. Sometimes, he also made "negative anthropometries", that is, by placing the model in front of the canvas and spraying paint, thus marking her silhouette. These experiences mark the point of origin of body-art, at the same time that they prelude the happenings, because of the staging that Klein conferred to these realizations, often developed in galleries in front of the public, in evenings with music and tasting an aperitif.[238]
Action art (since 1960)
These are diverse tendencies in artistic creation, where the important thing is not the work itself but the creative process, in which, in addition to the artist, the public often intervenes, with a large component of improvisation. It encompasses various artistic manifestations such as happening, performance, environment, installation, etc. The members of the Gutai group in Japan could be considered pioneers: Katsuō Shiraga performed in Back to the Mud, an action in which he submerged himself naked in the mud, as an idea of death, of the return to the primordial matter. These artists were very marked by the experience of the Second World War. In Europe, the Fluxus group and artists like Wolf Vostell stood out, who made several happenings where he intervened the nude: in Disasters (Vagina cement formwork) (1972) he immobilized a train carriage and a naked woman with reinforced concrete for 24 hours; in Fandango (1975) he made a "concert for two violins, operator and model": while he played the violin, the operator with a mountain chain cut car doors, and the naked model listened with her eyes covered. Vostell's actions had a strong political component, denouncing social injustice, the destruction of nature, the arms race, discrimination against women, and other similar causes.[239]
Hyperrealism (from 1965)
As a reaction to the minimalism in vogue in the 1950s and 1960s, this new figurative current emerged, characterized by a superlative, exaggerated vision of reality, captured with great accuracy in all its details, with an almost photographic aspect. John Kacere paints fragments of female bodies, especially sexes and buttocks with tight panties. In sculpture, John De Andrea makes nudes with a strong sexual charge (The Artist and his Model, 1976). In Spain, Antonio López García is the author of academic works, but where the most meticulous description of reality is combined with a vague, unreal aspect close to magical realism. Some of his nudes are: Woman in the bathtub (1968), a work of photographic effect, a woman takes a bath in an environment of electric light that is reflected in the bathroom tiles, creating an intense and vibrant composition; Man and woman (1968–1990), a work on which he worked more than twenty years and left unfinished, aims to create common prototypes of man and woman, for which he took multiple notes of various models, synthesized in a standard forms that could correspond to any person in the street.[240]
Conceptual art (1965–1980)
After the material stripping of minimalism, conceptual art renounced the material substratum to focus on the mental process of artistic creation, affirming that art is in the idea, not in the object. It includes several tendencies, such as linguistic conceptual art, Arte Povera, body-art, land-art, bio-art, etc. Various genres of social vindication, such as feminist art and homoerotic art, could also be included in this trend. In relation to the nude, of special relevance is body-art, a movement that emerged in the late 1960s and developed in the 1970s, which touched on various themes related to the body, especially in relation to violence, sex, exhibitionism or bodily resistance to certain physical phenomena. Two lines are evident in this movement: the American, more analytical, where the action is more valued, the vital, instantaneous component, valuing more the perception and the relationship with the viewer, and documented with Videos; and the European, more dramatic, which tends more to treat the body objectually and touch on issues such as transvestism, tattooing or pain, documenting the results through photographs, notes or drawings.[241]
One of its greatest exponents, Dennis Oppenheim, experimented with tanning, leaving parts of the body white. Stuart Brisley made spots on his body to imitate blood. The Viennese Actionism group (Günther Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch and Rudolf Schwarzkogler) performed self-mutilations, incising their own bodies. Youri Messen-Jaschin focused on body painting, integrally covering naked bodies with psychedelic and biological colors. Urs Lüthi uses various media (photography, painting, sculpture, video), exploring his own body in kitsch self-portraits, with a strong ironic charge, which constitute a reflection on the body, time, and life, as well as the relationship with others. In 2001, he presented two installations at the Venice Biennale that are among his best-known works (Run for your life and Placebos and surrogates), in which the central theme is the excessive cult of the body.[242]
Feminist art has sought to vindicate the image of woman as a person rather than an object, focusing on her essence, both material and spiritual, and highlighting aspects of her sexual condition, such as menstruation, motherhood, etc. An essential aspect is the message, the attempt to make the viewer reflect, if necessary, through provocation, with shocking works that stir the conscience. One of the ways of diluting gender differences has been through the degradation or mutilation of the body: thus, Donna Haraway creates neutral, transhuman bodies, which she calls "cyborg bodies".[243]Cindy Sherman makes deliberately ugly, repulsive female nudes to demystify gender.[244]Judy Chicago defends the value of women as more than just beautiful bodies, in works such as Red Flag (1971).[245]Zoe Leonard shows the body in its crudest reality, as in her series Vagina (1990), inspired by Courbet's The Origin of the World.[246]Kiki Smith makes fragile sculptures of fragmented bodies, highlighting the processes of reproduction, with scatological elements.[247]
In the 1970s, the organization Women Against Rape criticized—among other aspects of Western culture—the female nude in painting, considering that the representation of the naked female body is a form of rape. In the 1980s, the Guerrilla Girls group launched a campaign under the slogan "Do women have to be naked to enter the Metropolitan Museum?", highlighting the fact that less than 5% of the contemporary artists in this museum are women, but 85% of the nudes are female.[141]
One of the most successful artists in recent times has been Jenny Saville, who creates large works with figures seen from unusual perspectives, where the bodies resemble mountains of flesh that seem to fill the entire space, with a predilection for showing the genital areas, or imperfections and wounds of the skin, with bright, intense colors, arranged by spots, predominantly red and brown tones. They are generally obese bodies—she frequently portrays herself—where the flesh forms folds and wrinkles, with monumental forms that resemble the vision that a child has of an adult. Inspired by Courbet and Velázquez, she paints the real woman of today, without any idealization, without looking for beauty, only truthfulness, creating—as she calls herself—"landscapes of the body".[248]
Postmodern art (since 1975)
As opposed to the so-called modern art, it is the art proper to postmodernity. Postmodern artists assume the failure of the avant-garde movements as the failure of the modern project: the avant-garde intended to eliminate the distance between art and life, to universalize art; the postmodern artist, on the other hand, is self-referential, art speaks of art, and does not intend to do social work. Among the various postmodern movements, the Italian transavantgarde and German neo-expressionism stand out, as well as neo-mannerism, free figuration, etc.[249]
In Italy, Sandro Chia creates an autobiographical work that portrays moments of his own existence, along with references to the history of art, especially the artists he is most interested in, such as Cézanne, Picasso, and Chagall. In The Slave (1980) he made a symbiosis of Michelangelo's Dying Slave and Botticelli's The Birth of Venus, as a way of demystifying art.[250]
In Germany, Markus Lüpertz creates highly expressive works that emphasize the grandeur of his formats and the fascinating colors that permeate his paintings. Thematically, he usually starts from figurative themes to derive them towards abstraction, gathering diverse influences from the art of the past; in particular, he is often inspired by the landscape and the human body, which he reinterprets in a personal and spontaneous way: St. Francis prevents the extermination of rats (1987). Georg Baselitz is characterized by his images of inverted figures and objects, with rotund, heavy forms, inspired by Rubens: Bedroom (Elke and Georg) (1975) and Male Nude (1975). Rainer Fetting uses bodily elements to reproduce his vision of reality, using bright colors, with an acid aspect and Vangoghian influence: 2 Figures (1981).[251]
In the United States, David Salle has been ascribed to various American postmodern trends, such as simulationism or Bad Painting. One of his first works, in a pornographic magazine, was one of his most recurrent sources of inspiration: eroticism, images of naked women treated realistically, without modesty. The main characteristic of Salle's style is the juxtaposition of images, a disorganized and incoherent superposition of images coming from art history, design, advertising, media, comics, popular culture, etc. Some of his works are: Zeitgeist Painting Nr. 4 (1982), King Kong (1983), The Miller's Tale (1984).[252]Eric Fischl cultivates a realistic style inspired by the American pictorial tradition (Winslow Homer, Edward Hopper), portraying naked women who seem to refer to the figure of the mother, in disturbing images enhanced by the intense chromatic ranges: The Old Man's Dog and the Old Man's Boat (1982).[253]
In Spain, Miquel Barceló evokes the heritage of the past, from the Spanish baroque to Goya, in his work, interpreted in a free and personal way, with a certain primitivist air derived from his stays in Mali: Venus bruta (1980).[254]
The nude has had a special significance in Western art, and has been a frequent theme in art since Ancient Greece. However, not in all cultures has it had the same significance, and its importance has varied by region, from the practical nullity of its representation to its occurrence with even greater intensity than in the West, as in the case of India. The social consideration of nudity varies according to the geographical area, generally in accordance with the religious concepts of that area, and just as in some places it is contemplated naturally and without inhibitions, in others it is something forbidden and a source of shame. In China, for example, sexuality is considered a private sphere, so that the nude is rare in Chinese art except in art created for sex education or stimulation, or for medical consultations, such as chungongtu.
In pre-Columbian art, the nude is also practically nonexistent, despite the frequent social nudity of the peoples of the area.[255] In Islamic culture not only the naked body, but also clothing is the object of rejection, since according to Islam the works of art are intrinsically defective in comparison with the work of God, so it is believed that trying to describe realistically any animal or person is insolence to God. Even so, in reality human or animal depiction is not totally forbidden in Islamic art: in fact, the image can be found in all Islamic cultures, with varying degrees of acceptance by religious authorities; it is only human depiction for worship that is uniformly considered idolatry and forbidden in sharia law.[256]
In African art, sexuality tends to be ritualized and is generally related to the cult of fertility. African art has always had a marked magical-religious character, intended more for rites and ceremonies of the various African animist and polytheistic beliefs than for aesthetic purposes. Most of his works are made of wood, stone, or ivory, in masks and free-standing figures of a more or less anthropomorphic character, with a typical canon of large head, straight trunk, and short limbs. African art had a powerful influence on the European artistic avant-garde of the early 20th century, due to colonialism and the opening of numerous museums of ethnology in most European cities. In particular, young European artists were very interested in the geometric stylization of African sculpture, its expressive character, and its primitive, original, spontaneous, subjective air, the product of a strong interrelation between nature and the human being.[257]
Indian art has a mainly religious character, serving as a vehicle for the transmission of the different religions that have marked India: Hinduism, Buddhism, Islam, Christianity, etc. It should also be noted as a distinctive feature of Indian art its desire to integrate with nature, as an adaptation to the universal order, taking into account that most natural elements (mountains, rivers, trees) have a sacred character for the Indians.
One of the most surprising facets of Indian art for Westerners is the unabashed representation of eroticism: according to the Hindu religion, sex is a form of prayer, a channel between the human and the divine, a sign of transcendence and spirituality. A good example of this is the cult of the liṅgam (male sex symbol) and the yoni (female sex symbol), both deriving from ancient Neolithic fertility rites and taken over by Hinduism. The liṅgam represents the creative power of the god Śiva, and is the main object of veneration in the chapels of the temples dedicated to this god. It is usually represented by a pillar (stambha) ending in the form of a glans (mani), although it can vary from the most naturalistic form to an abstract form consisting of a cylinder, or various manifestations such as a phallus with eyes (ambaka-liṅgam), with a face (ekamukha-liṅgam) or four faces (chatur-mukha-liṅgam). For its part, the yoni represents Śakti (the Mother goddess), as well as Pārvatī (goddess of nature and fertility), wife of Śiva. It can also be represented in naturalistic form as a vagina, or geometrized in the form of a triangle. The liṅgam often appears next to the yoni, forming a concave-shaped vessel from which the liṅgam protrudes. This symbol expresses the unity within the duality of the universe, the creative energy, as well as the transmutation of the sexual impulse into mental energy, the ascension from the world of the senses to spiritual transcendence, achieved through yoga meditation. These ancient rites merged with tantra, a philosophy that seeks truth in the energy emanating from the body, which is a spiritual enhancer, as even sexual energy (kuṇḍalinī). Along with the tales of the Kāma Sūtra ("Book of Love"), these cults had a great representation in Indian art, especially in sculpture, where mithuna or erotic scenes abound, as in the temples of Khajurāho and Koṇārak.[258]
The first great Indian civilization, of Neolithic sign, occurred around 2500–1500 BC in the Indus River area, around the cities of Mohenjo-Dāro (present-day Pakistan) and Harappa (Punjab). Various terracotta figures have been found representing chariots, animals, and human figures, some of them naked and with sexual symbols (the male liṅgam and the female yoni), related to the cult of fertility. There have also been found bronze pieces such as The Dancing Girl of Mohenjo-Dāro, with rounded anatomical forms, highlighting the work both before and after, offering a global image of the figure.[259]
Between the 3rd and 1st centuries BC the mauryaart developed, where the first Indian iconographic typologies emerged with the representation of the yakṣīs (nature spirits), generally in the form of nude women adorned with jewels, as can be seen in the east door of the stūpa of Sānchī. These figures were usually depicted in tribhaṅga ("triple bending"), a pose with a sinuous movement that forms three curves, a pose typical of Indian sculpture ever since. This type of representation initiated the genre of erotic art in India, with a curious synthesis of sensuality and spirituality.[260]
In Guptaart (4th–8th centuries) sculpture was characterized by the smoothness of the lines, the perfection of the faces, which denote an ideal beauty, but of a somewhat mystical tone, and a slight tribhaṅga-like movement, as glimpsed in the Torso of bodhisattva from Sānchī (5th century), which together with the smoothness of the skin manifests a great precision in the jewelry and clothing.[261]
The 8th-13th centuries were the golden age of Hindu art, with great profusion of erotic sculpture in temples such as Sūrya in Koṇārak (1240–1258) and the set of Khajurāho (Madhya Pradesh, 10th-11th centuries), which are the most profusely represented scenes of tantric eroticism, with various groups (mithunas) arranged in friezes (kāma-bandha) developing various erotic postures. This type of erotic sculpture was also developed outside India, as in Angkor Wat (Cambodia), where most of the walls of the temple are decorated with friezes in bas-relief where the abundance of female figures stands out, among devatas (or Hindu female goddesses), of which 1500 are counted throughout the temple, and apsaras (or celestial dancers), counting about 2000.[262]
The nude also has a special significance in Jainism, where its two main sects differ precisely in that some are dressed (shvetambara) and others naked (digambara), since they consider that clothes imprison the soul. Thus, their art naturally reflects this fact, with the common representation of naked monks and ascetics, as the statue of Gomateśvara (978–993), an imposing figure of 17 meters high representing the great Jain master Bahubali.[263]
Japanese art has been marked by its insularity, although at intervals it has been influenced by continental civilizations, especially China and Korea. In Japanese culture, art has a strong sense of introspection and interrelation between man and nature, also reflected in the objects that surround him, from the most ornate and emphatic to the simplest and everyday. This is evident in the value placed on imperfection, on the ephemeral nature of things, and on the emotional sense that the Japanese establishes with his environment. In Japan, art seeks to achieve universal harmony, going beyond matter to find the life-generating principle. Japanese aesthetics seeks to find the meaning of life through art: beauty is equivalent to harmony and creativity; it is a poetic impulse, a sensory path that leads to the realization of the work, which has no purpose in itself but goes beyond.[264]
The nude in Japanese art was not widely represented in official media, even though it was seen as something natural; everything related to sexuality was considered to be related to private life. Even if a nude body could appear in a Japanese image, it would be in the context of an intimate, everyday scene, such as a public bath, but the human body itself was not considered worthy of representation for a work of art.[265] There was, however, an artistic genre devoted especially to erotic images, called shunga (春画, "spring prints"), generally linked to Japanese ukiyo-e prints (浮世絵, "prints of the floating world"), although it also occurred with other typologies.[266] These images were mainly in vogue during the Edo period (1603–1867), usually in woodcut format, being practiced by some of the best artists of the time, such as Hishikawa Moronobu, Isoda Koryūsai, Kitagawa Utamaro, Keisai Eisen, Torii Kiyonaga, Suzuki Harunobu, Katsushika Hokusai and Utagawa Hiroshige. The scenes depicted sexual relations of all kinds, featuring a wide range of characters, from actors and merchants to samurai, Buddhist monks, and even fantastic and mythological beings. Although their production was subject to government regulations and prohibitions, the production of this type of work continued until the end of the Meiji era, with the prohibition of "obscene" material in the Civil Code of 1907.[267] After the opening of Japan to the West in the mid-19th century, Japanese art contributed to the development of the movement known as Japonisme, and several European artists collected shunga, including Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin, Vincent van Gogh and Pablo Picasso.[268]Shunga is often considered an antecedent of hentai, the erotic side of manga comics.[269]
This term has been used in both ethnography and anthropology research, as well as in documentaries and in the United States in National Geographic magazine. In some cases, the media may show nudity in a "natural" or spontaneous setting in documentaries or news programs, while blurring or censoring nudity in theatrical works. The ethnographic focus provided an exceptional framework for painters and photographers to show people whose nudity was, or still is, acceptable within the conventions, or within certain specific framings, of their traditional culture.[270]
Detractors of the ethnographic nude often dismiss it as merely a colonialist gaze preserved as ethnographic imagery. Yet the ethnographic works of some painters and photographers, such as Irving Penn, Casimir Zagourski,[271]Hugo Bernatzik and Leni Riefenstahl, have been acclaimed worldwide for preserving what is perceived as a document of the dying customs of "paradises" subject to the onslaught of mediocre modernity.[272]