ロココ

ロココ

ヴェネツィアのカ・レッツォーニコの舞踏室の天井には、ジョヴァンニ・バッティスタ・クロサートによる幻想的な四角形の絵画が描かれている（1753年）、シャルル・クレサンによる箪笥（1730年）、バルタザール・ノイマンによるヴュルツブルク宮殿の皇帝の間（1749年 - 1751年）
活動年数	1730年代から1760年代
位置	フランス、イタリア、中央ヨーロッパ

ロココ、あまり一般的ではありませんがロッココ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh、米国でも/ ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ;フランス語: [ʁɔkɔko]または[ʁokoko] ^ⓘ ）は、後期バロックとも呼ばれ、非対称性、渦巻状の曲線、金箔、白とパステルカラー、彫刻的なモールディング、トロンプ・ルイユのバロックの最終的な表現としてよく説明されます。^[1]

ロココ様式は、より形式的で幾何学的なルイ14世様式に対する反動として、1730年代にフランスで始まりました。それは「ロカイユ様式」または「ロカイユ様式」として知られていました。^[2]それはすぐにヨーロッパの他の地域、特に北イタリア、オーストリア、南ドイツ、中央ヨーロッパ、ロシアに広がりました。^[3]また、他の芸術、特に彫刻、家具、銀器、ガラス製品、絵画、音楽、演劇、^[4]文学にも影響を与えました。^[5] もともとは主に個人住宅の内装に使用されていた世俗的なスタイルでしたが、ロココには精神的な側面があり、特に中央ヨーロッパ、ポルトガル、南アメリカで教会の内装に広く使用されました。^[6]

ロココという言葉は、ピエール・モーリス・クエイス（1777-1803）がロカイユという言葉のユーモラスな変化形として初めて使用しました。 ^{[7] [8]}ロカイユはもともと装飾方法であり、小石、貝殻、セメントを使用し、ルネッサンス以来洞窟や噴水の装飾によく使用されていました。^{[9] [10]} 17世紀後半から18世紀前半にかけて、ロカイユは、アカンサスの葉を織り交ぜた貝殻の形をした、後期ルイ14世様式に登場した一種の装飾モチーフまたは飾りを指す用語になりました。 1736年、デザイナーで宝石商のジャン・モンドンは、家具や室内装飾の装飾品のデザイン集である「プレミア・リヴル・ド・フォルム・ロカイユ・エ・カルテル」を出版しました。 ^[11]貝殻の彫刻や成型モチーフは、ヤシの葉やねじれた蔓と組み合わされ、出入り口、家具、壁パネル、その他の建築要素を装飾しました。^[12]

ロココという言葉は、1825年に印刷物で初めて使われ、「時代遅れで時代遅れ」な装飾を表すために使われました。1828年には、「ねじれた装飾が多用された18世紀のスタイルに属する」装飾を表すために使われました。1829年、作家スタンダールはロココを「18世紀のロカイユ様式」と表現しました。^[13]

19世紀には、この用語は過度に装飾的な建築や音楽を説明するために使用されました。^{[14] [15]} 19世紀半ば以降、この用語は美術史家に受け入れられています。このスタイルの歴史的重要性についてはまだ議論がありますが、ロココは現在、ヨーロッパ芸術の発展における独特な時代と見なされることがよくあります。

ロココ様式は、曲線、逆曲線、起伏、自然を模した要素をふんだんに用いた、豪奢な装飾が特徴です。ロココ様式の建物の外観はシンプルなものが多いのに対し、内装は装飾で占められています。このスタイルは非常に演劇的で、一目見ただけで感動と畏敬の念を抱かせるように設計されています。教会のフロアプランは複雑で、楕円形が絡み合っています。宮殿では、大階段が目玉となり、装飾のさまざまな視点を提供しました。^[1]ロココ様式の主な装飾は、非対称の貝殻、アカンサスやその他の葉、鳥、花束、果物、楽器、天使、シノワズリ（仏塔、龍、猿、奇妙な花、中国人）です。^[16]

この様式では、絵画、成型スタッコ、木彫、クアドラトゥーラ（錯覚的な天井画）が組み合わされることが多く、部屋に入ると空を見上げ、天使やその他の人物が彼らを見下ろしているかのような印象を与えるようにデザインされていました。使用された材料には、塗装または白のままのスタッコ、異なる色の木材の組み合わせ（通常はオーク、ブナ、クルミ）、日本風の漆塗りの木材、金メッキのブロンズの装飾、大理石の箪笥やテーブルの天板などがありました。^[17]最初に見た時に驚き、畏敬の念、不思議さを感じさせることが目的でした。^[18]

ロココには、バロックにはない 次のような特徴があります。

• 対称性を部分的に放棄し、すべてが優美な線と曲線で構成されており、アールヌーボーに似ている。
• 非対称の曲線とC字型の渦巻き
• 装飾用の花、例えば花飾り
• 東アジアのモチーフ（シノワズリ、ジャポニスム）を時折使用する
• 暖色系のパステルカラー^[19]（白っぽい黄色、クリーム色、パールグレー、非常に薄い青）^[20]

ロカイユ様式、あるいはフランス・ロココは、ルイ15世の治世中にパリに現れ、 1723年から1759年頃に栄えた。^[21]この様式は特にサロンで用いられ、客人を感動させ楽しませるために設計された新しいスタイルの部屋であった。最も顕著な例は、ジェルマン・ボフランとシャルル・ジョゼフ・ナトワール（1735年 - 1740年）によって設計されたパリのスービーズ邸の王女のサロンである。フランス・ロココの特徴には、特に鏡や絵画のために作られた複雑な額縁（石膏で彫刻され、しばしば金メッキされていた）や、複雑なデザインに絡み合った植物の形（蔓、葉、花）の使用における並外れた芸術性が含まれていた。^[22]家具にもしなやかな曲線と植物のデザインが特徴的であった。このスタイルの主要な家具デザイナーや職人には、ジュスト＝オーレル・メッソニエ、シャルル・クレサン、ニコラ・ピノーなどがいた。^{[23] [24]}

ロカイユ様式はフランスで18世紀半ばまで存続し、曲線や植物的要素が増していったものの、バイエルン、オーストリア、イタリアのロココ様式のような派手な華やかさは達成されなかった。1738年にヘルクラネウムで始まったローマ時代の遺物の発見、特に1748年のポンペイでの発見により、フランス建築はより対称的で派手さの少ない新古典主義へと向かっていった。

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  パリのオテル・ド・スービーズのサロン（1735 – 1740）、ジェルマン・ボフラン作
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  ジュスト・オーレル・メッソニエによるテーブルデザイン（1730年）
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  大公室、オテル ド スービーズ (1735 – 1740)
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  ニコラ・ピノー作、オテル・ド・ヴァランジュヴィルの木工品(1735 年)
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  チャールズ・クレセント作のチェスト（1730年）、ワデスドン・マナー
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  パリのサミュエル・ベルナール邸のドアの詳細（1740 年代）
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  ジャン・ジョゼフ・ド・サンジェルマンと J. ブーレによる金メッキと打ち出し加工を施したブロンズの時計のコーベル(  1745年頃-  1749 年頃)
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  マルシリー邸の扉。2つのコーベルとその上にカルトゥーシュがあり、すべてロココ様式である。
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  ノートルダム教会、ボルドー(1684 – 1707)

イタリア、特にヴェネツィアの芸術家たちも、豊かなロココ様式を生み出した。ヴェネツィアの箪笥はフランスのロカイユの曲線と彫刻装飾を模倣したが、ヴェネツィア特有のバリエーションがあった。箪笥には、サロンを飾ったヴェネツィア派の画家たちの色彩に合わせた青や緑の背景に、グアルディや他の画家の描いた風景画や花や場面、あるいはシノワズリが描かれていた。著名な装飾画家には、教会と宮殿の両方で天井画や壁画を描いたジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロや、カ・レッツォーニコの舞踏室の天井をクアドラトゥーロ方式で描き、3次元の錯覚を起こさせたジョヴァンニ・バッティスタ・クロサートがいる。ティエポロは1752年から1754年にかけて息子とともにドイツを旅し、バイエルン・ロココの主要なランドマークの1つであるヴュルツブルクのレジデンツの天井を装飾した。ヴェネツィアの初期の著名な画家にはジョヴァンニ・バッティスタ・ピアッツェッタがおり、彼はいくつかの有名な教会の天井画を描いている。^[25]

ヴェネツィア・ロココ様式には、優れたガラス製品、特にムラーノガラスも特徴的であり、彫刻や着色が施されることが多く、ヨーロッパ全土に輸出されました。作品には、多色のシャンデリアや非常に華やかなフレームの鏡などがありました。^[25]

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  ヴェネツィア、サンティ・ジョヴァンニ・エ・パオロの天井、ピアツェッタ作（1727年）
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  ジュノーとルナジョヴァンニ・バティスタ・ティエポロ作（1735 – 1745）
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  カ・レッツォーニコのムラーノガラスのシャンデリア(1758 年)
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  ジョヴァンニ・バティスタ・クロサート作の天井を持つカ・レッツォーニコの宴会場の天井（1753年）

教会建築では、特に南ドイツ・オーストリア地域では、実用的な理由のみで巨大な空間創造物が作られることがあるが、それらは記念碑的に見えるのではなく、建築、絵画、スタッコなどが独自に融合し、芸術ジャンルの境界をなくすことが多く、光に満ちた無重力感、祝祭的な明るさ、動きが特徴です。ロココ装飾様式は、1730年代から1770年代にかけて南ドイツとオーストリアで頂点に達しました。そこでは、ロココ様式は今日まで教会の景観を支配し、大衆文化に深く根付いています。ロココ様式は、彫刻家クロード3世オードラン、インテリアデザイナーのジル＝マリー・オッペノルト、建築家ジェルマン・ボフラン、彫刻家ジャン・モンドン、製図工兼彫刻家のピエール・ルポートルなど、フランスの建築家や装飾家の出版物や作品を通じて最初にフランスから紹介されました。彼らの作品はドイツのロココ様式に大きな影響を与えたが、南ドイツの建築物のレベルには達しなかった。^[26]

ドイツの建築家はロココ様式を採り入れたが、フランスのオリジナルよりも非対称で、より華麗な装飾を施した。ドイツ様式は、壁に沿って流れ落ちる形の爆発が特徴であった。曲線や逆曲線に形成されたモールディング、ねじれたり曲がったりする模様、直角のない天井や壁、壁や天井を這い上がっているように見えるスタッコの葉などが特徴であった。装飾は、白や淡いパステルカラーの壁とのコントラストを出すために、金メッキや銀メッキされることが多かった。^[27]

ベルギー生まれの建築家でデザイナーのフランソワ・ド・キュヴィリエは、ドイツのロココ建築を最初に手がけた一人である。ミュンヘンのアマリエンブルク館（1734年 - 1739年）は、フランスのトリアノン宮殿やマルリー宮殿にインスピレーションを得たもの。狩猟小屋として建てられ、屋根にはキジを撃つための台があった。内部の鏡の間は、画家でスタッコ彫刻家のヨハン・バプティスト・ツィンメルマンが手がけたもので、フランスのロココ建築よりもはるかに華やかだった。^[28]

初期ドイツロココのもう一つの注目すべき例は、バルタザール・ノイマンがヴュルツブルクのヨハン・フィリップ・フランツ・フォン・シェーンボルン司教のために建設したヴュルツブルク宮殿（1737年 - 1744年）である。ノイマンはパリに赴き、フランスのロカイユ装飾芸術家ジェルマン・ボフランとロバート・ド・コットに相談した。外観はより地味なバロック様式であったが、内部、特に階段と天井ははるかに明るく装飾的であった。司教は1750年 - 1753年にイタリアのロココ画家ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロを招聘し、3層の儀式用階段の上に壁画を制作させた。^{[29] [30] [31]}ノイマンは宮殿の内部を「光の劇場」と表現した。この階段は、ノイマンがブリュールのアウグストゥスブルク宮殿に建てた邸宅（1743年 - 1748年）でも中心的な要素でした。この建物では、階段が訪問者を絵画、彫刻、鉄細工、装飾の漆喰ファンタジーの中へと導き、あらゆる角度から驚きの景色が広がりました。^[29]

1740年代から1750年代にかけて、バイエルンでは、ロココ様式の独特なバリエーションで内装が装飾された有名な巡礼教会が数多く建設されました。最も有名な例の1つは、ドミニクス・ツィンメルマンが設計したヴィース教会（1745年 - 1754年）です。バイエルンの巡礼教会のほとんどと同様に、外観は非常にシンプルで、パステルカラーの壁とほとんど装飾がありません。教会に入ると、訪問者は驚くべき動きと光の劇場に遭遇します。楕円形の聖域と、同じ形の回廊が特徴で、教会全体に光が差し込みます。白い壁は、聖歌隊席の青とピンクのスタッコの柱と対照的であり、ドーム型の天井は、色とりどりの聖書の人物でいっぱいの天国を表すドームの下に、石膏の天使で囲まれています。その他の有名な巡礼教会としては、バルタザール・ノイマン（1743年 - 1772年）による十四聖人の聖堂がある。 ^{[32] [33]}

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  フランソワ・ド・キュヴィリエ作、ミュンヘンのアマリエンブルク・パビリオン（1734 – 1739）
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  ヨハン・バプティスト・ツィンメルマン（1734 – 1739）によるアマリエンブルクの鏡の間
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  バルタザール・ノイマン（1741年 - 1744年）によるブリュールのアウグストゥスブルク宮殿の中央階段を見上げる
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  ドミニクス・ツィマーマン作「ヴィース教会」（1745 – 1754）
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  バルタザール・ノイマン（1743 – 1772）による十四聖人の聖堂の内部
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  ヴュルツブルク邸内のカイザーザール、バルタザール・ノイマン作（1749 – 1751）
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  カール・アルベルト・フォン・レスピリエス（1765 – 1770）によるアウクスブルクのシェツラー宮殿の祝祭ホール
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  ロシア、オラニエンバウムの中国宮殿の金の戸棚。アントニオ・リナルディがエカチェリーナ2世（1762年 - 1778年）のために建造。

ヨハン・ミヒャエル・フィッシャーは、バイエルン地方のロココ様式のもう一つのランドマークであるオットーボイレン修道院（1748年 - 1766年）の建築家である。この教会は、ドイツのロココ様式の建築の多くと同様に、正面の規則性と内部の過剰な装飾の顕著な対比を特徴としている。^[29]

イギリスではロココは「フランス風」と呼ばれ、デザインや装飾芸術への影響は大陸ヨーロッパほどではなかったが、銀細工、磁器、絹などの分野では影響が感じられた。ウィリアム・ホガースはロココ美の理論的基礎を築くのに貢献した。ロココの名前は挙げなかったが、彼は『美の分析』 （1753年）の中で、ロココで顕著な波打つ線やS字カーブが芸術や自然における優美さと美しさの基礎であると主張した（古典主義の直線や円とは異なっている）。^[34]

ロココ様式がイギリスに伝わるのは遅かった。ロココ様式に入る前、イギリスの家具は一時期、デザイナーのウィリアム・ケントが手がけた新古典主義の パラディオ様式を踏襲していた。ケントはバーリントン卿やその他の重要な芸術パトロンのために家具をデザインしていた。ケントは1712年から1720年にかけてバーリントン卿とともにイタリアを旅し、パラディオから多くのモデルやアイデアを持ち帰った。彼はハンプトン・コート宮殿（1732年）、ロンドンのバーリントン卿のチズウィック・ハウス（1729年）、ノーフォークのトーマス・コークのホルカム・ホール、ロバート・ウォルポールのホートン・ホール、ロンドンのデヴォンシャー・ハウス、そしてルーシャム・ハウスの家具をデザインした。^[23]

マホガニーは1720年頃にイギリスに登場し、すぐにクルミ材とともに家具に人気を博した。ロココ様式は1740年から1750年の間にイギリスに登場し始めた。トーマス・チッペンデールの家具はロココ様式に最も近いもので、1754年に彼は「紳士と家具職人の目録」を出版した。これはロココ、シノワズリ、さらにはゴシック家具のデザインのカタログで、3版を重ねるほど人気を博した。フランスのデザイナーとは異なり、チッペンデールは家具に寄木細工や象嵌細工を採用しなかった。象嵌細工家具の主なデザイナーは、ジョージ3世の家具職人であるヴァイルとコブだった。イギリスの家具界でもう1人の重要人物はトーマス・ジョンソンで、彼は1761年、この時代末期にロココ家具デザインのカタログを出版した。これらには、中国の仏塔を冠した天蓋付きベッド（現在はヴィクトリア＆アルバート博物館に所蔵）など、かなり幻想的な中国とインドのモチーフに基づいた家具が含まれています。^[25]

英国ロココの他の著名人には、銀細工師のチャールズ・フリードリヒ・カンドラーがいます。

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  トーマス・チッペンデールによるステートベッドのデザイン（1753 – 1754）
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  トーマス・チッペンデールが提案した中国製ソファ（1753年 - 1754年）
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  トーマス・チッペンデールによる箪笥とランプスタンドのデザイン（1753 – 1754）
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  サイドチェア、トーマス・チッペンデール、 1755年頃～  1760年頃 、マホガニー、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  トーマス・ジョンソンによる「中国風」の燭台のデザイン（1756 年）
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  チッペンデールチェア（1772年）、メトロポリタン美術館
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  銀細工師チャールズ・フリードリヒ・カンダー作の火鉢（1735年）、メトロポリタン美術館

ロシアのロココ様式は、エリザベート皇后とエカチェリーナ2世^{[要出典]によって主に導入され、18世紀には}フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリなどの宮廷建築家によって導入されました。

ラストレッリが手がけたサンクトペテルブルクの冬宮殿やツァールスコエ・セローのエカテリーナ宮殿などの宮殿には、西ヨーロッパのロココ建築の特徴が数多く取り入れられており、内部は金箔や鏡、自然光を取り入れる大きな窓で飾られた豪華な部屋、外部はロカイユ様式のモチーフ（非対称の貝殻や岩）をあしらった大きな庇付き窓やコーニスで囲まれた柔らかなパステルカラーなどがある。 ^[35]プラフォンには、古代ギリシャやローマの神や女神の寓意画を囲むロココ調の渦巻き模様がよく描かれている。^[36]床には、木工細工に精巧なデザインを施すため、さまざまな木材で作られた寄木細工のデザインがはめ込まれることが多かった。

ロシア正教会の建築も18世紀のロココ様式の影響を強く受けており、等間隔に4つの翼を持つ四角いギリシャ十字のデザインが特徴的であることが多い。外装は青やピンクなどの淡いパステルカラーで塗装され、鐘楼の上には金メッキの玉ねぎ型のドームが載っていることが多かった。^[37]

フリードリヒ・ロココは、フリードリヒ大王の治世中にプロイセンで発展し、フランス、ドイツ（特にザクセン）、ネーデルラントの影響を受けたロココ様式の一種である。^[38]最も有名な支持者は建築家ゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフである。さらに、画家のアントワーヌ・ペーヌやフリードリヒ大王自身もクノーベルスドルフのデザインに影響を与えた。フリードリヒ様式の有名な建物には、サンスーシ宮殿、^[39]ポツダム市宮殿、シャルロッテンブルク宮殿の一部などがある。

フランソワ・ブーシェやその時代の他の画家たちの芸術は、装飾的な神話や勇敢さを強調しており、すぐに反動を呼び起こし、より「高貴な」テーマを求める声も上がった。ドイツやオーストリアではロココ様式が続いていたが、ローマのフランス美術アカデミーでは古典様式を教え始めた。これは、1738年にジャン・フランソワ・ド・トロイがアカデミーのディレクターに任命され、その後1751年にシャルル＝ジョゼフ・ナトワールがディレクターに任命されたことで確認された。

ルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人はロココ様式の衰退に一役買った。1750年、彼女は弟のアベル＝フランソワ・ポワソン・ド・ヴァンディエールをイタリアの芸術と考古学の発展を研究するために2年間の任務に派遣した。彼には彫刻家のシャルル＝ニコラ・コシャンや建築家のスフロなど数人の芸術家が同行した。彼らは古典芸術への情熱を抱いてパリに戻った。ヴァンディエールはマリニー侯爵となり、王室建築局長に任命された。彼はフランスの公式建築を新古典主義へと転換した。コシャンは重要な美術評論家となり、ブーシェのプチ様式を非難し、絵画と建築のアカデミーで古代と貴族に新たな重点を置いた壮大な様式を求めた。^[40]

ロココ様式の終焉の始まりは、1760年代初頭、ヴォルテールやジャック・フランソワ・ブロンデルのような人物が、ロココ芸術の浅薄さと退廃性を批判し始めたときに始まった。ブロンデルは、当時の室内装飾における「貝殻、ドラゴン、葦、ヤシの木、植物のばかげた寄せ集め」を非難した。^[41]

1785 年までに、フランスではロココ様式は廃れ、ジャック＝ルイ・ダヴィッドのような新古典主義芸術家の秩序と真剣さが取って代わった。ドイツでは、18 世紀後半のロココ様式は「おさげ髪とかつら」と揶揄され、この時代は「ツポフスティル」と呼ばれることもある。ロココ様式は、ナポレオン政権の到来とともに新古典主義の第二段階である「帝政様式」が到来し、ロココ様式を駆逐するまで、ドイツの一部の州とイタリアで人気を保った。

ロカイユと呼ばれる装飾様式は、1710年から1750年にかけて、主にルイ15世の摂政時代と統治時代にフランスで出現し、ルイ・カンゼとも呼ばれた。その主な特徴は、絵画的なディテール、曲線と逆曲線、非対称性、演劇的な華やかさである。パリの新しいサロンの壁には、通常金メッキまたは塗装されたスタッコで作られたねじれた曲がりくねったデザインが、つる植物のようにドアや鏡に巻き付いていた。最も初期の例の1つはパリのスービーズ館（1704年-1705年）で、その有名な楕円形のサロンはブーシェやシャルル・ジョゼフ・ナトワールによる絵画で飾られていた。^[42]

この時代の最も有名なフランス人家具デザイナーはジュスト＝オーレル・メッソニエ（1695年 - 1750年）で、王室御用達の彫刻家、画家、金細工師でもありました。彼はルイ15世の宮殿と内閣の公式デザイナーの称号を持っていました。彼の作品は、ヨーロッパ中にそのスタイルを広めた彼の作品の膨大な数の彫刻により、今日よく知られています。彼はザクセン王室とポルトガル王室のために作品をデザインしました。

イタリアは、ロココ様式が初期から後期にかけて栄えたもう一つの地です。ローマ、ミラノ、ヴェネツィアの職人たちは、豪華に装飾された家具や装飾品を製作しました。

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  ジュスト・オーレール・メソニエ作「キャンドルラブラ」（1735 – 1740）
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  ビエリンスキー伯爵の天井画に描かれたアポロンの馬車のデザイン（ポーランド、ワルシャワ、メッソニエ作、1734年）
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  ビエリンスキ伯爵のためにメッソニエがデザインしたカナッペ、ワルシャワ、ポーランド（1735年）
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  コンソールテーブル、ローマ、イタリア（ 1710年頃）

彫刻による装飾には、木彫りのフルレット、パルメット、貝殻、葉などがありました。最も贅沢なロカイユ様式は、壁際に立てかけるように設計されたテーブルであるコンソールに見られました。ルイ14世の治世下で初めて登場した箪笥は、金メッキのブロンズ製のロカイユ装飾で豪華に飾られていました。これらは、ジャン＝ピエール・ラツなどの熟練した職人によって作られ、異なる色の木材の寄木細工も特徴としており、時には明るい木材と暗い木材で作られた目地の立方体パターンに配置されていました。この時代には、シノワズリの到来も見られ、フランスにこの技法を紹介したエベニストにちなんで、ヴェルニ・マルタンのファルコン・ド・シンと呼ばれる、漆塗りと金メッキの箪笥の形でよく見られました。金メッキのブロンズ製オルモルは、ジャン＝ピエール・ラツなどの熟練した職人によって使用されました。ラッツは、ポツダムのフリードリヒ大王の宮殿のために、特に装飾的な時計を木箱の上に載せて製作した^[要説明]。中国から輸入された磁器は、サロンのテーブルやコンソールに飾るために、しばしばオルモル（金メッキのブロンズ）ロココ調の台座に載せられた。他の職人は日本の漆塗りの家具を模倣し、日本のモチーフの箪笥を製作した。^[18]

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  ベルナルド2世・ファン・リザンバーグ作ミュンヘン・レジデンツの机（1737年）
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  フリードリヒ大王の時計箱（1742年）
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  金メッキの青銅に埋め込まれた中国の磁器のボウルと2匹の魚、フランス（1745年 - 1749年）
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  王室家具職人ジャン・ピエール・ラッツによるエンコニニュル（ 1750年頃）
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  シノワズリ様式の漆塗りの箪笥、ベルナール・ヴァン・リザンバラ作、ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館（1750年 - 1760年）

英国ロココはより抑制された傾向がありました。トーマス・チッペンデールの家具デザインは曲線と感触を保っていましたが、フランスの奇抜さの極みには及びませんでした。英国ロココの最も成功した代表者は、おそらく18 世紀半ばにロンドンで活躍した才能ある彫刻家であり家具デザイナーでもあったトーマス・ジョンソンでしょう。

ロカイユ様式の要素は、一部のフランス人画家の作品に現れており、細部にまで絵画的な趣向、曲線と反対曲線、バロックの動きを活気に置き換えた非対称性などがあるが、フランスのロカイユはドイツのロココほどの贅沢さには達しなかった。^[43]主導的な提唱者はアントワーヌ・ヴァトーで、特にルーブル美術館所蔵の『キティラ島への出航』（1717年）は、田園風景の中で祝うために集まった若い貴族たちの場面を描いた「フェット・ギャラント」と呼ばれるジャンルの作品である。ヴァトーは1721年に37歳で亡くなったが、その作品は世紀の残りの期間を通じて影響力を持ち続けた。ヴァトーの絵画の『キティラ島への巡礼』と題されたバージョンは、1752年または1765年にプロイセンのフリードリヒ大王によって購入され、ベルリンのシャルロッテンブルク宮殿の装飾に使用された。^[43]

装飾絵画におけるヴァトーとフェット・ガラント派の後継者は、ポンパドゥール夫人のお気に入りの画家、フランソワ・ブーシェ（1703年 - 1770年）である。彼の作品には、この様式の最もよく知られた例の一つとなった官能的な『ヴィーナスのトイレ』（1746年）が含まれる。ブーシェは当時のあらゆるジャンルに参加し、タペストリー、磁器彫刻のモデル、パリ・オペラ座とオペラ・コミック座の舞台装飾、サンローランのフェアの装飾をデザインした。^[44]フェット・ガラント派の他の重要な画家には、ニコラ・ランクレとジャン＝バティスト・パテールがいる。このスタイルは特にフランソワ・ルモワーヌに影響を与え、彼は1735年に完成したヴェルサイユ宮殿のヘラクレスの間の天井の豪華な装飾を描きました。 ^{[43]ブーシェ、}ピエール＝シャルル・トレモリエール、シャルル＝ジョゼフ・ナトワールによる勇敢な祝典や神話をテーマにした絵画は、パリの有名なスービーズ館（1735年 - 1740年）のサロンを飾っていました。 ^[44]他のロココ画家には、ジャン・フランソワ・ド・トロワ（1679年 - 1752年）、ジャン＝バティスト・ヴァン・ロー（1685年 - 1745年）、彼の2人の息子ルイ＝ミシェル・ヴァン・ロー（1707年 - 1771年）とシャルル＝アメデ＝フィリップ・ヴァン・ロー（1719年 - 1795年）、彼の弟シャルル＝アンドレが含まれる。ファン・ロー（1705 – 1765）、ニコラ・ランクレ（1690 – 1743）、ジャン・オノレ・フラゴナール（1732 – 1806）。

オーストリアと南ドイツでは、イタリア絵画がロココ様式に最も大きな影響を与えた。ヴェネツィアの画家ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロは、息子のジョヴァンニ・ドメニコ・ティエポロの助けを借りて、ヴュルツブルクのレジデンツ（1720年 - 1744年）のフレスコ画を描くよう招かれた。バイエルンのロココ教会の最も著名な画家は、ヴィース教会の天井画を描いたヨハン・バプティスト・ツィンメルマン（1745年 - 1754年）である。

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  アントワーヌ・ヴァトー『キティラ島への出航』（1717年）
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  ニコラ・ランクレ作「ハムディナー」 （1735年）
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  フランソワ・ルモワーヌ作「ヘラクレスの間」の天井画（1735年）
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  フランソワ・ブーシェ作「ヴィーナスの化粧」（1746年）
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  ヴュルツブルク邸の天井フレスコ画(1720 – 1744) 作：ジョヴァンニ・バティスタ・ティエポロ
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  ヨハン・バプティスト・ツィンメルマン（1745 – 1754）によるヴィース教会の天井画

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  アントニオ・コッラディーニ作「ヴェールド・ダム（ピューリタス）」（1722年）
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  エドメ・ブシャルドン作「キューピッド」、ナショナル・ギャラリー（1744年）
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  ニコラ・セバスチャン・アダン作『プロメテウス』（1762年）
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  ジャン＝バティスト・ルモワーヌ作『ヴェルトゥムヌスとポモーヌ』（1760年）
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  エティエンヌ＝モーリス・ファルコネ作『ピグマリオンとガラテ』（1763年）
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  クロード・ミシェル（クロディオン）作「ワインの酩酊」テラコッタ、1780年代～1790年代

ロココ彫刻は演劇的で、官能的で、ダイナミックで、あらゆる方向に動きを感じさせます。教会の内部で最もよく見られ、通常は絵画や建築と密接に融合しています。宗教彫刻はイタリアのバロック様式に従っており、ウィーンのカールス教会の演劇的な祭壇画がその例です。

フランスにおける初期のロココまたはロカイユ彫刻は、ルイ14世の古典様式よりも軽快で動きがあった。特にルイ15世の愛妾ポンパドゥール夫人によって奨励され、彼女は自身の城や庭園のために多くの作品を発注した。彫刻家エドメ・ブシャルドンは、ヘラクレスの棍棒から愛の矢を彫ろうとするキューピッドを表した。ロココの彫像は、ランベール＝シジスベール・アダムとニコラ＝セバスチャン・アダムによるネプチューンの噴水（1740年）など、ヴェルサイユの後期の噴水にも数多く見られる。ヴェルサイユでの成功に基づき、彼らはフリードリヒ大王からプロイセンに招かれ、プロイセンのサンスーシ公園の噴水彫刻を制作した（1740年代）。 ^[45]

エティエンヌ＝モーリス・ファルコネ（1716年 - 1791年）もこの時期のフランスを代表する彫刻家である。ファルコネはサンクトペテルブルクのピョートル大帝の青銅の騎士像で最も有名であるが、裕福な収集家向けにテラコッタで複製したりブロンズで鋳造したりできる小作品シリーズも制作した。フランスの彫刻家、ジャン＝ルイ・ルモワーヌ、ジャン＝バティスト・ルモワーヌ、ルイ＝シモン・ボワゾ、ミシェル・クロディオン、ランベール＝シジベール・アダン、ジャン＝バティスト・ピガールは皆、収集家向けに彫刻シリーズを制作した。^[46]

イタリアでは、アントニオ・コラディーニがロココ様式を代表する彫刻家の一人であった。ヴェネツィア出身の彼はヨーロッパ中を旅し、サンクトペテルブルクのピョートル大帝やオーストリア、ナポリの宮廷で働いた。彼は感傷的なテーマを好み、顔をベールで覆った女性の巧みな作品を数多く制作した。そのうちの1つは現在ルーブル美術館にある。^[47]

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  ウィーン、ベルヴェデーレ宮殿上階のアトランティス、ヨハン・ルーカス・フォン・ヒルデブラント（1721年 - 1722年）作
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  エギッド・クイリン・アサム（1722 – 1723）による聖母被昇天の場面、ニーダーバイエルンのロールにある旧修道院教会
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  ナルシソ・トメ作、トレド大聖堂のエル・トランスパレンテ祭壇（1721 – 1732）
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  スペイン、バレンシアのドス アグアス侯爵宮殿のポータル(1740 – 1744)
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  ヴェルサイユ宮殿のネプチューンの噴水とアンフィトリテ、ランベール＝シジスベール・アダムとニコラ＝セバスチャン・アダム作（1740年）
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  プロイセンのサンスーシ宮殿にあるランベルト・シギスベルト・アダム作の噴水のニンフたち（1740 年代）
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  十四聖助聖堂の十四聖助聖像を描いた慈悲の祭壇

ロココ彫刻の最も精巧な例は、スペイン、オーストリア、南ドイツの宮殿や教会の装飾に見られる。彫刻は建築と密接に一体化しており、どちらがどこで終わってどちらがどこから始まるのかを知ることは不可能だった。ウィーンのベルヴェデーレ宮殿（1721年 - 1722年）では、アトランティスのホールの丸天井は、ヨハン・ルーカス・フォン・ヒルデブラントがデザインした筋肉質の人物像の肩で支えられている。バレンシアのドス・アグアス侯爵宮殿（1715年 - 1776年）の入り口は、イポリト・ロヴィラ・ブロカンデルのデザインによる大理石の彫刻で完全に覆われていた。^[48]

トレド大聖堂の主礼拝堂にあるエル・トランスパレンテ祭壇は、多色大理石と金箔の漆喰で作られたそびえ立つ彫刻で、絵画、彫像、シンボルが組み合わされています。ナルシソ・トメ（1721年 - 1732年）によって制作されました。そのデザインは光を透過し、変化する光の中で動いているように見えます。^[49]

小さな彫刻の新しい形式、磁器の像、または小さな像のグループが登場しました。これらは、最初は豪華なダイニングルームのテーブルの上の砂糖の彫刻に取って代わりましたが、すぐにマントルピースや家具の上に置くのに人気がありました。ヨーロッパの工場の数は世紀を通じて着実に増加し、拡大する中流階級が購入できる磁器を製造する工場もありました。磁器に使用された色鮮やかな上絵付けの量も増加しました。それらは通常、彫刻の訓練を受けた芸術家によって作られました。一般的な主題には、コンメディア・デラルテの人物、街の露天商、流行の服を着た恋人たちや人物、つがいの鳥などがありました。

ヨハン・ヨアヒム・ケンドラーは、ヨーロッパ最古の磁器工房であり、1760年頃まで最も重要な磁器工房であり続けたマイセン磁器の最も重要なモデラーでした。スイス生まれのドイツ人彫刻家フランツ・アントン・ブステリは、バイエルンにあるニンフェンブルク磁器製作所のために、多種多様な色鮮やかな像を制作し、それらはヨーロッパ中で販売されました。フランスの彫刻家エティエンヌ・モーリス・ファルコネ（1716年 - 1791年）もこの例に倣いました。彼は、大型の作品も制作する一方で、セーヴル磁器製作所の所長となり、主に愛と陽気さをテーマにした小規模な作品をシリーズで制作しました。

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  音楽のレッスン、チェルシー磁器、メトロポリタン美術館（ 1765年頃）
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  ウィーンのカールス教会の主祭壇（1737年）
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  カップとソーサー、 1753年頃、釉薬とエナメルを施した軟質磁器、ロサンゼルス郡立美術館
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  メゼティン、ヨハン・ヨアヒム・ケンドラー作、マイセン、c.  1739年
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  ハーレクインとコロンビーヌ、カポディモンテ磁器、  1745年頃
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  ニンフェンブルク磁器の恋人たちのペアのグループ、 1760年頃、フランツ・アントン・ブステリによるモデル
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  フランツ・アントン・ブステリ作「チーズ売りの像」ニンフェンブルク磁器（1755年）

音楽史においてロココ時代が存在したが、それ以前のバロックやその後の古典派ほどよくは知られていない。ロココ音楽のスタイル自体は、フランスでは新しいスタイルがstyle galant （「勇敢な」または「優雅な」スタイル）と呼ばれ、ドイツではempfindsamer Stil （「繊細なスタイル」）と呼ばれていた、バロック音楽から発展したものである。それは、極めて精巧で洗練された装飾形式を伴う、軽妙で親密な音楽として特徴づけられる。その代表例としては、フランスではジャン・フィリップ・ラモー、ルイ＝クロード・ダカン、フランソワ・クープランが挙げられ、ドイツでは、このスタイルの主な提唱者はJ.S.バッハの2人の息子、C.P.E.バッハとヨハン・クリスティアン・バッハであった。

18世紀後半には、ロココ様式に対する反発が起こり、主に装飾や装飾の過剰使用が問題となった。クリストフ・ヴィリバルト・グルックが主導したこの反発は、古典主義時代の到来を告げた。19世紀初頭までに、カトリックの意見は、ロココ様式が「信仰の感情にまったく役立たない」という理由で、教会の文脈に適していないと反対するようになった。^[50]

ロマン派時代のロシアの作曲家ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーは、 1877年にチェロと管弦楽のための『ロココの主題による変奏曲』作品33を作曲しました。この主題はロココ風ではありませんが、ロココ様式で書かれています。

ロココ様式のファッションは、贅沢、優雅、洗練、装飾を基本としていました。17世紀の女性のファッションは、18世紀のファッションとは対照的で、18世紀のファッションは華麗で洗練されており、まさにロココ様式そのものでした。^[51] これらのファッションは、王宮を越えて、台頭してきたブルジョワジーのサロンやカフェにまで広がりました。^[52]現在「ロココ」と呼ばれる、華やかで遊び心のある優雅な装飾とデザインのスタイルは、当時はロカイユ様式、モダン様式、痛烈なスタイルとして知られていました。^[53]

18世紀初頭に登場したスタイルは、ローブ・ヴォラント^[51]と呼ばれるゆったりとしたガウンで、ルイ14世の治世の終わり頃に人気が高まりました。このガウンは、背中から地面まで流れるような大きなプリーツの付いたボディスと、丸いペチコートが特徴です。色彩は豊かで暗い色の生地に、凝った重厚なデザインが特徴です。ルイ14世の死後、衣服のスタイルは変化し始めました。ファッションはより軽く、より軽薄なスタイルへと変わり、バロック時代からよく知られたロココ様式へと移行しました。^[54]後期は、パステルカラー、より露出度の高いフロック、フリル、リボン、レースの飾りが多用されることで知られています。典型的な女性用ロココドレスであるローブ・ア・ラ・フランセーズ^[51]が導入されて間もなく、ローカットのネックラインとタイトなボディス、通常中央前面に大きなリボンの蝶結び、幅広のパニエがあり、大量のレース、リボン、花で贅沢に装飾されたドレスが誕生しました。

ヴァトープリーツ^[51]も人気が高まり、画家のジャン=アントワーヌ・ヴァトーにちなんで名付けられました。ヴァトーは、ガウンの細部をレースの縫い目やその他の装飾に至るまで非常に正確に描きました。その後、「パニエ」と「マントヴァ」が1718年頃に流行しました。これらは、ヒップを横に広げるためにドレスの下に付ける幅広のフープで、すぐにフォーマルウェアの定番となりました。これにより、ロココ時代は、衣服に大量の装飾と組み合わされた幅広のヒップの象徴的なドレスになりました。幅広のパニエは特別な機会に着用され、直径が最大16フィート (4.9メートル) に達することもありました^[55]。より小さなフープは日常の場面で着用されました。これらの特徴は、もともと17世紀のスペインのファッションに由来するもので、ガルダンファンテとして知られ、最初は妊娠中のお腹を隠すためにデザインされ、後にパニエとして再考されました。^{[55] 1745年は、フランスで}「ア・ラ・トルコ風」と呼ばれるよりエキゾチックな東洋文化が導入され、ロココの黄金時代となった。^{[51]これはルイ15世の愛妾}ポンパドゥール夫人によって人気となり、彼女は芸術家シャルル・アンドレ・ファン・ローにトルコのスルタナとして描くよう依頼した。

1760年代には、よりフォーマルでないドレスのスタイルが登場し、その1つがポーランドからインスピレーションを得たポロネーズでした。フランスのドレスよりも短く、アンダースカートと足首が見えるため、動きやすかったです。流行したもう1つのドレスは、男性のファッションからインスピレーションを受けた要素、つまり短いジャケット、広い襟、長い袖を含むローブ・ア・ラングレーでした。 ^[54]また、ぴったりとしたボディス、パニエのないフルスカートですが、後ろが少し長くて小さなトレーンを形成し、首の周りにはレースのスカーフのようなものが巻かれていました。もう1つのアイテムは、ケープとオーバーコートの中間のような「レダンゴート」でした。

アクセサリーもこの時代、すべての女性にとって重要でした。アクセサリーはドレスに合わせて身体を豪華に飾り立てるものでした。公式の儀式では、女性は袖なしの服を着る場合は手袋で手と腕を覆うことが義務付けられていました。^[54]

文学において、この用語は「役に立たないほど曖昧だが、通常は明るい軽快さと親密な調子、そして上品な遊び心を意味する」。^[5]ロココ文学の主なジャンルは、エロティックな軽詩（フランス語：poésie légèreまたはpoésie fugitive）、ソネット、マドリガーレやその他の歌、田園詩、おとぎ話、中編小説などの短い形式であったが、クリストフ・マルティン・ヴィーラントのドイツ語の傑作『オベロン』などの長い物語詩もあった。

主に18 世紀のフランス文学スタイルで、17 世紀のプレシュース派の影響を受けており、 『愛の芸術』の著者アンヌ・クロード・ド・カイリュ、 P・J・ベルナール、アレクサンドル・マッソン・ド・ペゼ（物語詩『ゼリスの入浴』）、アベなどに代表される。ド・ファーヴル（詩『レ・キャトル・ウール・ド・ラ・トイレット・デ・ダム』）、エヴァリスト・ド・パルニー、ジャン＝バティスト・ルーヴェ・ド・クーヴレー、その他の作家。ロココ派はイタリア（パオロ・ロッリ、ピエトロ・メタスタージオ）やドイツ（フリードリヒ・フォン・ハーゲドルン、 ヨハン・ヴィルヘルム・ルートヴィヒ・グレイム、ヨハン・ウツ、 ヨハン・ニコラウス・ゲッツ）にも信奉者がいた^[56] 。また、英語やロシア語にも信奉者がいた（イッポリト・ボグダノヴィッチ）の著作。

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  サンフランシスコ・デ・アシス教会、オウロ・プレト、ブラジル、1749 – 1774、アレイジャジーニョ作
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  ポーランドのワルシャワにあるチャプスキ宮殿（1712年 - 1721年）は、ロココ様式の東洋建築への関心を反映している。
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  聖アンドリュー教会、キエフ、1744年 - 1767年、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリ設計
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  ツヴィンガー宮殿（ドレスデン）
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  ハンガリー、フェルトゥードのエステルハーザ、1720 ～ 1766 年、「ハンガリーのベルサイユ」とも呼ばれる
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  ビャウィストクのロココ様式のブラニツキ宮殿は、「ポーランドのベルサイユ」とも呼ばれています。
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  トリーア選帝侯宮殿
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  ペルー、リマのサント ドミンゴ大聖堂、1766 年にマヌエル デ アマティ イ ジュニエントによって完成
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  フュルステンツェル修道院教会、1739 ～ 1744 年

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  作者不明。天文学と地理学の寓意。フランス（？）、 1750 年代頃
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  モンドン・ル・フィスの後のA.アヴェリン。ルールーの瞬間。 1736年
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  モンドン・ル・フィスの後のA.アヴェリン。中国の神。大作の彫刻「Quatrieme livre des formes、orneė des rocailles、carteles、Figures oyseaux et Dragon」1736 年

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  アントワーヌ・ワトー、ピエロ、1718 – 1719
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  アントワーヌ・ヴァトー『シテラ島への出航』1718年-1721年
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  ジャン＝バティスト・ヴァン・ロー、 『ガラテアの勝利』、1720年
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  ジャン・フランソワ・ド・トロワ、モリエールの朗読、1728
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  フランシス・ヘイマン『踊る牛乳を注ぐ女たち』1735年
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  シャルル＝アンドレ・ヴァン・ロー、狩猟の停止、1737
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  フランソワ・ブーシェ『ヴィーナスの勝利』1740年
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  グスタフ・ルンドベリ、フランソワ・ブーシェの肖像、1741
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  フランソワ・ブーシェ『浴室から出るダイアナ』1742年
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  ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロ、クレオパトラの晩餐会、1743年
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  フランソワ・ブーシェ、マリー・ルイーズ・オマーフィー、1752年
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  モーリス・カンタン・ド・ラ・トゥール、 『ポンパドゥール侯爵夫人の全身肖像』、1748年 - 1755年
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  フランソワ・ブーシェポンパドゥール侯爵夫人の肖像、1756年
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  ジャン＝オノレ・フラゴナール、ブランコ、1767
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  ジャン＝オノレ・フラゴナール、インスピレーション、1769
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  ジャン＝オノレ・フラゴナール、かつてはドニ・ディドロと誤って特定されていた男性の肖像、1769年
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  ホセ・カンペチェ、ドニャ・マリア・デ・ロス・ドロレス・グティエレス・デル・マゾ・イ・ペレス、c.  1796年 ^[57]
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  エリザベート・ヴィジェ＝ルブラン、薔薇を持つマリー・アントワネット、1783年
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  ジャン＝オノレ・フラゴナール、ラ・ギンブレット、 1770–1775

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  ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン『ガラスのフラスコと果物のある静物画』 1750年頃
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  トーマス・ゲインズバラ、アンドリュース夫妻、1750年
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  ジャン＝バティスト・グルーズ『甘やかされた子供』 1765年頃
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  ジョシュア・レイノルズ、「ジョージ・クライヴとその家族とインディアンのメイド」、 1765年
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  アンジェリカ・カウフマン『デイヴィッド・ギャリックの肖像』 1765年頃
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  ルイ＝ミシェル・ヴァン・ロー、ドゥニ・ディドロの肖像、1767
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  トーマス・ゲインズバラ『青い少年』 1770年
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  トーマス・ゲインズバラ、メアリー・グラハム夫人の肖像、1777年

• イタリアのロココ美術
• ロココ絵画
• ポルトガルのロココ
• スペインのロココ
• 文化運動
• 金箔木彫り
• 絵画の歴史
• 1800 年までのイタリアの芸術家のタイムライン
• 幻想的な天井画
• ルイ15世様式
• ルイ15世時代の家具
• リエージュ・アーヘンのバロック家具 [de]

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ウィキメディア・コモンズには、ロココ建築に関連するメディアがあります。

ウィキメディア・コモンズには、ロココ美術に関連するメディアがあります。

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• All-art.org: 「美術史」におけるロココ
• 「ロココ スタイル ガイド」。イギリスのギャラリー。ヴィクトリア アンド アルバート博物館。2007 年7 月 16 日閲覧。
• ロココの歴史。芸術、建築、贅沢。2021年5月21日アーカイブ。ラトガレ歴史文化アカデミー
• Bergerfoundation.ch: ロココ様式の例
• Barock- und Rococo- Architektur、第 1 巻、第 1 部、1892 年 (ドイツ語) Kenneth Franzheim II 貴重書室、William R. Jenkins 建築・美術図書館、ヒューストン大学デジタル図書館。