アールデコ

アールデコ

上から下へ: ニューヨーク市のクライスラービル(1930 年)、シカゴ万国博覧会のポスター(1933 年)、ルネ ラリックのヴィクトワールフード装飾(1928 年)
活動年数	1910年代～1950年代頃
位置	グローバル

アールデコは、フランス語のArts décoratifs（装飾芸術）の略で、^[1]視覚芸術、建築、製品デザインのスタイルであり、1910年代（第一次世界大戦の直前）にパリで最初に登場し、 ^[2] 1920年代から1930年代初頭にかけて米国とヨーロッパで繁栄しました。アールデコは、大きな構造物から小さな物体まで、さらには人々の外見（衣服、ファッション、宝石）を含むあらゆるものの外装と内装のスタイリングとデザインを通じて、橋、建物（高層ビルから映画館まで）、船、定期船、電車、車、トラック、バス、家具、ラジオや掃除機などの日用品に影響を与えました。^[3] 

アールデコは、1925年にパリで開催された国際装飾産業美術博覧会にちなんで名付けられました。^[4]アールデコは、ウィーン分離派とキュビズムの大胆な幾何学的形態に起源を持ちます。当初から、フォーヴィスムやバレエ・リュスの明るい色彩、中国、日本、インド、ペルシャ、古代エジプト、マヤのエキゾチックな芸術様式の影響を受けていました。

全盛期のアールデコは、贅沢、華やかさ、活気、そして社会と技術の進歩への信頼を表していました。この運動は、黒檀や象牙などの希少で高価な素材と、精巧な職人技を特徴としていました。また、クロムメッキ、ステンレス鋼、プラスチックなどの新しい素材も導入しました。ニューヨークでは、エンパイアステートビル、クライスラービル、および1920年代と1930年代のその他の建物がこのスタイルの記念碑となっています。

1930年代の大恐慌の時代、アールデコは徐々に控えめになっていった。1930年代には、曲線的なフォルムと滑らかで磨かれた表面を特徴とする、ストリームライン・モダンと呼ばれるより洗練されたスタイルが登場した。 ^{[5]アールデコは真に国際的なスタイルであったが、}第二次世界大戦の勃発と、厳密に機能的で飾り気のない近代建築のスタイルとそれに続くインターナショナル・スタイルの台頭により、その優位性は終わった。^{[6] [7]}

アール・デコは、1925年にパリで開催された現代装飾産業美術国際博覧会にちなんで「アール・デコ（装飾芸術）」の略称で呼ばれていますが、^[4]アール・デコを特徴付ける多様なスタイルは、第一次世界大戦以前にすでにパリとブリュッセルで登場していました。

フランスで装飾美術という言葉が初めて使われたのは1858年の『フランス写真協会会報』である。^[8] 1868年、『フィガロ』紙はオペラ座のために制作された舞台背景用のオブジェに装飾美術という用語を使用した。^{[9] [10] [11]} 1875年、家具デザイナー、織物、宝石職人、ガラス職人、その他の職人はフランス政府によって正式に芸術家の地位を与えられた。これに応じて、 1766年にルイ16世のもとで美術に関する工芸の芸術家や職人を養成するために設立された王立デザイン無料学校（École royale gratuite de dessin ）は、国立装飾美術学校（École nationale des arts décoratifs）に改名された。 1920 年に現在の名前 ENSAD ( École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs ) になりました。

アールデコという用語が印刷物に登場するのは1966年で、パリ装飾美術館で開催されたこのテーマに関する初の現代美術展「アールデコ、バウハウス、スティル、エスプリ・ヌーヴォー」のタイトルに使われた。この展覧会では1920年代と1930年代のさまざまな主要な様式が取り上げられた。^[12]その後、この用語は1966年の新聞記事でヒラリー・ゲルソンがタイムズ紙（ロンドン、11月12日）に寄稿し、展覧会のさまざまな様式について説明した。^[13]

アール・デコは、1968年に歴史家ベヴィス・ヒリアーがアール・デコに関する最初の主要な学術書『20年代と30年代のアール・デコ』を出版したことにより、広く使われる様式的名称となった。^[3]彼は、この用語がすでに美術商によって使用されていたことを指摘し、タイムズ紙（1966年11月2日）やエル誌（1967年11月）の「Les Arts Déco」というエッセイを例として挙げている。^{[14] 1971年に彼は}ミネアポリス美術館で展覧会を企画し、その詳細は著書『アール・デコの世界』に記している。^{[15] [16]}

当時、アール・デコは、スタイル・モダン、モダニズム、スタイル・コンテンポラリーなど他の名称で呼ばれており、独特で均質なスタイルとしては認識されていませんでした。^[7]

新しい材料と技術、特に鉄筋コンクリートは、アールデコの発展と出現の鍵となった。最初のコンクリート造りの家は、1853年にフランソワ・コワニエによってパリ郊外に建てられた。1877年、ジョセフ・モニエは、鉄筋の網を格子状にしてコンクリートを強化するというアイデアを導入した。1893年、オーギュスト・ペレはパリで最初のコンクリートのガレージを建て、その後、アパート、住宅、そして1913年にはシャンゼリゼ劇場を建てた。この劇場は、ある批評家から「モンテーニュ通りのツェッペリン飛行船」と非難された。これは、ウィーン分離派を模倣したドイツの影響であるとされている。その後、アールデコの建物の大部分は鉄筋コンクリートで作られ、形状の自由度が高まり、柱や支柱の補強の必要性が減った。ペレは、保護と装飾の両方を目的として、コンクリートをセラミックタイルで覆う先駆者でもあった。建築家ル・コルビュジエは、ペレのスタジオで製図工として働きながら、初めて鉄筋コンクリートの用途を学んだ。^[17]

アール・デコにとって重要な他の新技術としては、安価でより大きく丈夫な窓を作ることができる板ガラスを製造する新しい方法と、建物や窓枠に使用され、後にコルビュジエやウォーレン・マッカーサーらによって軽量家具にも使用 されたアルミニウムを大量生産する新しい方法があった。

ウィーン分離派（1897年結成）の建築家、特にヨーゼフ・ホフマンは、アール・デコに顕著な影響を与えた。ブリュッセルのストックレー宮殿（1905-1911年）は、アール・デコ様式の原型であり、幾何学的なボリューム、対称性、直線、大理石の板で覆われたコンクリート、細かく彫刻された装飾、グスタフ・クリムトのモザイクのフリーズを含む豪華な内装を特徴としていた。ホフマンは、新しいスタイルで作業する職人とインテリアデザイナーの協会であるウィーン工房（1903-1932年）の創設者でもあった。これは、1919年に設立されたコンパニー・デ・ザール・フランセのモデルとなり、アンドレ・マーレとルイ・スーという、フランス初の主要なアール・デコのデザイナーと装飾家が集まった。 ^[18]

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  ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ設計によるウィーン分離派会館（1897-98年）
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  オットー・ワーグナー作、ウィーンの聖レオポルド教会（1903-1907年）
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  ワーグナーによるウィーンのオーストリア郵便貯金銀行（1904-1912）
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  ヨーゼフ・ホフマン（1905-1911）によるブリュッセルのストクレ宮殿
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  大理石の板で覆われた鉄筋コンクリートで作られたストクレト宮殿のファサードの詳細

アール・デコの出現は、19世紀後半まで単なる職人とみなされていた装飾芸術家の地位の向上と密接に関係していた。arts décoratifsという用語は1875年に発明され^[要出典]、家具、織物、その他の装飾品のデザイナーに公式の地位を与えた。Société des artistes décorateurs (装飾芸術家協会)、またはSADは1901年に設立され、装飾芸術家には画家や彫刻家と同じ著作権が与えられた。 同様の運動がイタリアでも展開された。 装飾芸術だけをテーマとした最初の国際博覧会である Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Modernaは、1902年にトリノで開催された。 Arts et décorationやL'Art décoratif moderneなど、装飾芸術をテーマとした新しい雑誌がいくつかパリで創刊された。装飾芸術部門は、フランス芸術家協会の年次サロンに導入され、後にはサロン・ドートンヌにも導入された。フランスのナショナリズムも装飾芸術の復活に一役買った。フランスのデザイナーたちは、より安価なドイツ家具の輸出増加に脅威を感じていたからである。1911年、SADは1912年に装飾芸術の新たな国際博覧会を開催することを提案した。古い様式の複製は認められず、現代作品のみが認められた。博覧会は1914年まで延期され、その後戦争のため1925年まで延期され、このとき「デコ」として知られる様式群全体にその名称が与えられた。^[19]

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  1912 年の装飾芸術家サロンでのモーリス・デュフレーヌのテーブルと椅子とポール・フォローのカーペット
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  ジョルジュ・バルビエがルイ・カルティエのために制作した『ヒョウを抱く女性』 （1914年）。カルティエの依頼による展示カードには、ポール・ポワレのガウンを着た女性が描かれている。
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  エミール・ジャック・ルールマン作の肘掛け椅子（1914年）、現在パリのオルセー美術館に所蔵

パリのデパートやファッションデザイナーもアール・デコの台頭に重要な役割を果たした。銀器メーカーのクリストフル、ガラスデザイナーのルネ・ラリック、宝石商のルイ・カルティエやブシュロンなどの有名企業は、よりモダンなスタイルの製品をデザインし始めた。^{[20] [21]} 1900年以降、デパートはデザインスタジオで働く装飾アーティストを採用した。1912年のサロン・ドートンヌの装飾はデパートのプランタンに委託され、^{[22] [23]}その年、プランタンは独自の工房であるプリマヴェーラを設立した。^[23] 1920年までにプリマヴェーラは300人以上のアーティストを雇用し、そのスタイルはルイ・スーとプリマヴェーラ工房で作られたルイ14世、ルイ16世、特にルイ・フィリップの家具の最新版から、オー・ルーブル百貨店の工房によるよりモダンな形式まで多岐にわたる。エミール＝ジャック・リュールマンやポール・フォロなどの他のデザイナーは大量生産を拒否し、一つ一つの作品を個別に作ることを主張した。初期のアールデコ様式は、黒檀、象牙、絹などの豪華でエキゾチックな素材、非常に明るい色彩、特にバスケットやあらゆる色の花束などの様式化されたモチーフが特徴で、モダニズム的な外観を与えていた。^[24]

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  レオン・バクスト作、ニコライ・リムスキー＝コルサコフのバレエ『シェヘラザード』のセット（1910年）
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  美術収集家ジャック・ドゥーセのために作られたアールデコ調のアームチェア（1912～13年）
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  1913 年のサロン ドートンヌで展示されたアトリエ フランセによる初期のアール デコ調家具。雑誌「アート エ デコレーション」 (1914 年)より

1910年から1914年の間に誕生したアール・デコは、色彩の爆発であり、明るくしばしば衝突する色調、花柄を特徴とし、家具の張り地、カーペット、衝立、壁紙、織物に表現された。モーリス・デュフレンヌの椅子とテーブル、ポール・フォロの鮮やかなゴブラン織りの絨毯など、多くの色彩豊かな作品が1912年の装飾家サロンで発表された。1912年から1913年にかけて、デザイナーのアドリアン・カルボウスキーは、美術収集家ジャック・ドゥーセの狩猟小屋のために、オウム柄の花柄の椅子を制作した。^[25]家具デザイナーのルイ・スーとアンドレ・マーレは、1912年の展示会でアトリエ・フランセの名で初めて登場し、多色の織物と黒檀や象牙などのエキゾチックで高価な素材を組み合わせた。第一次世界大戦後、彼らは最も著名なフランスのインテリアデザイン会社の一つとなり、フランスの大西洋横断定期船のファーストクラスのサロンや客室の家具を製作した。^[26]

アール・デコの鮮やかな色彩は、第一次世界大戦直前のパリでセンセーションを巻き起こしたレオン・バクストによるバレエ・リュスのエキゾチックな舞台装置など、多くの源から来ている。色彩の一部は、アンリ・マティスが主導した初期のフォーヴィスム運動、ソニア・ドローネーなどの画家のオルペウス主義、^{[27] 、}ナビ派として知られる運動、および暖炉の衝立やその他の装飾品をデザインした象徴主義画家オディロン・ルドンの作品に触発されたものである。明るい色合いは、ファッションデザイナーのポール・ポワレの作品の特徴であり、彼の作品はアール・デコのファッションとインテリアデザインの両方に影響を与えた。^{[26] [28] [29]}

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  パリのモンテーニュ通り 15 番地にあるオーギュスト・ペレ設計のシャンゼリゼ劇場(1910 年 - 1913 年)。鉄筋コンクリートにより、建築家は新しい形状とより広い空間を創造できるようになりました。
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  「ラ・ダンス」、シャンゼリゼ劇場のファサードの浅浮き彫り、アントワーヌ・ブールデル作（1912年）
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  シャンゼリゼ劇場の内部、舞台上にはブールデルの浅浮き彫りがある
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  モーリス・ドニによるアールデコ調のバラのデザインが施された劇場のドーム

オーギュスト・ペレが設計したシャンゼリゼ劇場（1910年 - 1913年）は、パリで完成した最初のランドマーク的なアールデコ建築でした。それ以前は、鉄筋コンクリートは工業ビルや集合住宅にしか使用されていませんでしたが、ペレは1903年から1904年にかけて、ベンジャミン・フランクラン通りにパリ初の近代的な鉄筋コンクリートの集合住宅を建てました。また、将来重要なアールデコ建築家となるアンリ・ソヴァージュは、1904年にトレテーニュ通り7番地に別の建物（1904年）を建てました。1908年から1910年まで、21歳のル・コルビュジエはペレの事務所で製図工として働き、コンクリート建築の技術を学びました。ペレの建物は、後のアールデコのトレードマークとなる、すっきりとした長方形、幾何学的な装飾、直線を備えていました。劇場の装飾も革命的でした。ファサードはアントワーヌ・ブールデルの高浮彫、モーリス・ドニのドーム、エドゥアール・ヴュイヤールの絵画、ケル＝グザヴィエ・ルーセルのアール・デコ調のカーテンで飾られていた。この劇場はバレエ・リュスの最初の公演の会場となった。^[30]ペレとソヴァージュは1920年代にパリを代表するアール・デコ建築家となった。^{[31] [32]}

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  レイモン・デュシャン・ヴィヨンによるラ・メゾン・キュビスト（キュビスト・ハウス）のファサードのデザイン（1912年）
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  1912 年のサロン ドートンヌのラ メゾン キュビストの入口の詳細
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  Le Sa​​lon Bourgeois は、1912 年のサロン ドートンヌの装飾芸術セクションにあるLa Maison Cubiste内のアンドレ マーレによって設計されました。メッツィンガーの「Femme à l'Éventail」が左側の壁にかかっています。
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  ヴィシェフラット(プラハ)のリブシナ通り 3-49 にあるキュビズムのヴィラ、ヨーゼフ チョチョル(1912 ～ 1913 年)作。チョチョルは、パーヴェル・ヤナーク、ヨーゼフ・ゴチャールとともにキュビズムの影響を受けた3人のチェコ建築家（マネス美術連盟の会員）のうちの1人でした。

キュビズムとして知られる芸術運動は1907年から1912年の間にフランスで出現し、アールデコの発展に影響を与えました。^{[30] [27] [28]アラステア・ダンカンは}『アールデコ完全版：1920年代と1930年代の装飾芸術の決定版ガイド』の中で、「キュビズムは、何らかの堕落した形で、当時の装飾芸術家の共通語となった」と書いています。^{[28] [33]}ポール・セザンヌの影響を受けたキュビストは、円筒、球、円錐などの幾何学的基本形に形状を単純化することに興味を持っていました。^{[34] [35]}

1912年、セクション・ドールのアーティストたちは、ピカソやブラックの分析的なキュビズムよりも一般大衆にかなり親しみやすい作品を展示した。キュビズムの語彙は、ファッション、家具、インテリアデザイナーを魅了する準備ができていた。^{[27] [29] [35] [36]}

1912年のサロン・ドートンヌの装飾美術部門では、 「キュビストの家」として知られる建築インスタレーションが展示された。^{[37] [38]}ファサードはレイモンド・デュシャン＝ヴィヨンが設計した。家の装飾はアンドレ・マーレが担当した。^{[39] [40]} 「キュビストの家」は、ファサード、階段、錬鉄製の手すり、寝室、リビングルームを備えた家具付きインスタレーションで、アルベール・グレーズ、ジャン・メッツァンジェ、マリー・ローランサン、マルセル・デュシャン、フェルナン・レジェ、ロジェ・ド・ラ・フレネの絵画が飾られた「サロン・ブルジョワ」であった。^{[41] [42] [43]}サロンの何千人もの観客が実物大の模型をくぐった。^[44]

デュシャン＝ヴィヨンが設計したこの家のファサードは、現代の基準からするとそれほど過激なものではなく、まぐさやペディメントは角柱の形をしていたが、それ以外は当時の普通の家と似ていた。2つの部屋のために、マーレは壁紙をデザインした。壁紙には様式化されたバラや花柄が描かれ、室内装飾品、家具、カーペットもすべて派手でカラフルなモチーフで飾られていた。これは伝統的な装飾とは明らかに異なるものだった。評論家のエミール・セデインは、雑誌「アート・エ・デコレーション」でマーレの作品を次のように評した。「彼はシンプルさに恥じることなく、どこにでも花を飾っている。彼が求めているのは明らかに絵画的で華やかな効果だ。彼はそれを実現している。」^[45]キュビズムの要素は絵画によってもたらされた。このインスタレーションは一部の評論家から極端に過激だと批判されたが、それが成功につながった。^[46]この建築インスタレーションはその後、1913年のアーモリーショー、ニューヨーク、シカゴ、ボストンで展示されました。^{[27] [35] [47] [48] [49]}この展覧会のおかげで、「キュビズム」という用語は、女性のヘアカットから衣服、演劇まで、あらゆる現代的なものに適用されるようになりました。" ^[46]

アール・デコが他の多くの方向に分岐しても、キュビズムの影響はアール・デコの中に継続しました。^{[27] [28]}

キュビズムの抽象化された幾何学は、1920年代に流行しました。アールデコはキュビズムの選択的幾何学をより幅広い形状に発展させ、絵画分類法としてのキュビズムをより幅広い聴衆に、より幅広い魅力を持つものにしました。（リチャード・ハリソン・マーティン、メトロポリタン美術館）^[50]

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  バレエ・リュスの影響 -パリのファッションアーティスト、ジョルジュ・バルビエによるダンサー、ヴァーツラフ・ニジンスキーの絵（1913年）
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  ロココ調– 箪笥、ジャック・デュボア作(1750–1755)、様々な木材と金箔ブロンズ製の台座、ワデスドン・マナー、バッキンガムシャー、イギリス
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  ロココ様式の影響 - ポール・イリバルヌ・ガライ作の箪笥（ 1912年頃）、マホガニーとチューリップウッドのフレーム、スレート天板、緑がかったシャグリーンの布張り、黒檀のノブ、ベース、花輪、パリ装飾美術館
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  ボザール建築– パリ、ディドロ通り 21 番地、建築家不明 (  1910年頃)
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  ボザール様式の影響 - パリのベルサイユ大通り 70 ～ 72 番地、確立された類型の「モダン」な装飾。ポール・デラプラスが設計し、ジャン・ブーシェが彫刻(1928 年)
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  ルイ16世様式– コーナーテーブル、ジャン＝フランソワ＝テレーズ・シャルグラン作（1770年）、金箔張りの木製、コーコラン美術館、ワシントンDC
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  ルイ16世様式の影響 -ポール・フォロ作の化粧台と椅子のセット（1919年）、大理石と木材で装飾され、漆塗りと金箔が施されている、パリ近代美術館
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  新古典主義-水銀または貿易、オーギュスタン・パジュー作（1780年）、大理石、ルーブル美術館、パリ
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  新古典主義の影響 -ポール・マンシップ作「プロメテウス」 （1936年）、金メッキブロンズ、ニューヨーク市ロックフェラーセンター
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  アールヌーボー–オテル ギマール(モーツァルト通り 122 番)、パリ、ヘクター ギマール作(1909 年)
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  アール・ヌーヴォーの影響 – ルイ・デュアヨンとマルセル・ジュリアンによるパリのモンテーニュ通り26番地のファサードの曲線（1937年）^[51]

アール・デコは単一の様式ではなく、異なる、時には矛盾する様式の集合体でした。建築において、アール・デコはアール・ヌーヴォーの後継（および反動）でした。アール・ヌーヴォーは1895年から1900年の間にヨーロッパで栄え、ヨーロッパとアメリカの建築で主流であったボザール様式や新古典主義と共存していました。1905年にウジェーヌ・グラッセは『装飾構成法、直線的要素^』[52]を執筆・出版し、その中でグラッセは、数年前にパリで非常に人気があったエクトル・ギマールの波打つアール・ヌーヴォー様式とは対照的（かつ出発点）に、幾何学的要素、形状、モチーフとそのバリエーションの装飾的側面を体系的に探求しました。グラッセは、三角形や正方形などのさまざまな単純な幾何学的形状が、すべての構成的配置の基礎であるという原則を強調しました。オーギュスト・ペレとアンリ・ソヴァージュの鉄筋コンクリートの建物、特にシャンゼリゼ劇場は、世界中で模倣された新しい建築と装飾の形式を提供しました。^[53]

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  古代エジプト美術–イシス神殿の中庭にある植物柱頭、エジプト、フィラエ、建築家不明（紀元前380年-紀元後117年）^{[54] ：30}
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  エジプトの影響 - 古代エジプトの装飾にインスピレーションを得た蓮の花のドレス。ジェニー（クチュリエ）とルサージュ（刺繍師）作（1925年）、シルク、メタリック糸、かぎ針編みの刺繍、パリ、ガリエラ美術館
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  メソポタミア美術–イラク、ディカール県テル・エル・ムカイヤルのウルのジグラット、建築家不明（紀元前21世紀）^[55]
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  メソポタミアの影響 –ニューヨーク市のウェスタン ユニオン ビル(ハドソン ストリート60 番地) 、ヴォーヒーズ、グメリン、ウォーカー(1928–1930)作
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  先コロンブス期の美術（マヤ） -ヤシュチランのまぐさ石24（紀元702年）、石灰岩、大英博物館、ロンドン^[56]
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  プレコロンブス期の影響（この場合はマヤ） -カリフォルニア州サンフランシスコのサッターストリート 450 号の内部詳細、ティモシー L. プルーガ​​ー作（1929 年）
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  サハラ以南のアフリカ（この場合は現在のコンゴ民主共和国のクバ王国で制作） –ミシェ・ミシャアン・マンブル王（1760～1780年）のンドップ、木製、ブルックリン美術館、ニューヨーク市
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  サハラ以南のアフリカの影響 - 1930 年冬、レオン・ベニーニ作、キャンバスに油彩、個人所蔵

装飾においては、アール・デコはさまざまなスタイルを借用して使用した。それらには世界中の近代以前の芸術が含まれており、ルーブル美術館、人類博物館、アフリカ・オセアニア美術館で鑑賞できる。また、ポンペイ、トロイ、第18王朝のファラオ、ツタンカーメンの墓の発掘により、考古学への関心も高まった。芸術家やデザイナーは、古代エジプト、アフリカ、メソポタミア、ギリシャ、ローマ、アジア、メソアメリカ、オセアニアのモチーフを機械時代の要素と融合させた。^{[57] [58] [59] [60] [61] [62]}

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  プリミティヴィズム-女性の頭部、アメデオ・モディリアーニ作（1910-11年）、石灰岩、ナショナル・ギャラリー、ワシントンD.C.
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  原始主義の影響 - 店のショーウィンドウ用の胸像、匿名のベルギー人芸術家（ 1920年頃）、彩色された張り子、個人コレクション、ドイツ、ケルン
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  デ・ステイル–オランダ、ユトレヒトのリートフェルト・シュレーダー邸、ゲリット・リートフェルト作（1924年） ^[63]
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  デ・スティルの影響 -ロバート・マレ・ステヴァンスによる観光パビリオン、現代装飾美術・産業美術国際博覧会、パリ（1925年）^[64]
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  キュビズム–フォートゥイユの人物像（座るヌード、女性としての美しさ）、パブロ・ピカソ作（1909–10）、キャンバスに油彩、テート・モダン、ロンドン
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  キュービズムの影響 - キュービック コーヒー サービス、エリック マグヌッセン作 (1927 年)、銀製、米国クリーブランド美術館の「ジャズ エイジ」特別展に展示
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  構成主義-赤いくさびで白人を殴る、エル・リシツキー（1919-1920年）、石版画ポスター、ロシア国立図書館、モスクワ
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  構成主義の影響 - 平面幾何学図形で装飾された時計、ジャン・グールドン作（1928年）、エナメル加工を施した銀メッキのブロンズ、スティーブン・E・ケリーコレクション^[65]
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  表現主義演劇と映画-フリッツ・ラング作『メトロポリスの一場面』 （1927年）
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  表現主義演劇と映画の影響 -ロンドンのアポロ・ヴィクトリア劇場の内部、アーネスト・ワムズリー・ルイス（1928-1930）^[66]
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  未来派- 4つの通りからエレベーター付きの階段の家、ラ・チッタ・ヌオーヴァの一部、アントニオ・サンテリア作（1914年）、紙にインクと鉛筆、コモ市立美術館、イタリア^[67]
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  未来派の影響 – パリのラオス通り25番地、シャルル・トーマス（1930年）^[67]
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  表現主義建築-ベルリンのルドルフ・モス印刷出版会社ビル、エーリヒ・メンデルゾーン（1921-1923）^[68]
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  表現主義建築の影響 -パリのオー・トロワ・カルティエ百貨店、ルイ・フォーレ＝デュジャリック作（1932年）^[68]

借用された他のスタイルには、未来派、オルペウス主義、機能主義、およびモダニズム全般が含まれていました。キュビズムは、キャンバスから織物素材や壁紙に移されたときに、アールデコの美学の中に装飾の可能性を発見しました。ソニア・ドローネーは、ドレスモデルを抽象的で幾何学的なスタイルで、「生きた形のライブペインティングまたは彫刻」として構想しました。ルイ・バリレは、ダックスのアトリウムカジノのアメリカンバーのステンドグラスの窓にキュビズム風のデザインを作成しました(1926 年)。また、流行のカクテルの名前も含まれています。建築では、ロシア構成主義とフランク・ロイド・ライト-ウィレム・マリヌス・デュドックのラインの両方に特有の水平方向と垂直方向のボリュームの明確なコントラストが、個人の家や長屋から映画館や石油ステーションまで、アールデコのファサードを表現する一般的な手段になります。^{[69] [35] [57] [70] [71]}アールデコは、アンリ・マティスやアンドレ・ドランの作品に見られるフォーヴィスムの対照的な色彩やデザインも取り入れ、アールデコのテキスタイル、壁紙、彩色陶器のデザインに影響を与えた。^[35]幾何学模様、V字型、ジグザグ、様式化された花束を特徴とする当時のハイファッションの語彙からアイデアを得た。エジプト学の発見や、東洋やアフリカ美術への関心の高まりに影響を受けた。1925年以降は、飛行船、自動車、定期船などの新しい機械への情熱に触発されることが多く、1930年までにこの影響からストリームライン・モダンと呼ばれるスタイルが生まれた。^[72]

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  パリ現代装飾美術・産業美術国際博覧会のポストカード（1925年）
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  ピエール・パトゥーによるコンコルド広場からの 1925 年の博覧会の入口
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  ユゼフ・チャコフスキとヴォイチェフ・ヤストジェンボウスキが設計したポーランド・パビリオン
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  ギャラリー・ラファイエット百貨店のパビリオン
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  オテル・デュ・コレクショナーのサロン、エミール・ジャック・ルールマンの家具、ジャン・デュパの絵画、ピエール・パトゥのデザイン

このスタイルの頂点を極め、その名称の由来となったイベントは、1925年4月から10月にかけてパリで開催された現代装飾美術・産業美術国際博覧会であった。この博覧会はフランス政府が公式に後援し、セーヌ川の右岸のグラン・パレから左岸のアンヴァリッドまで、パリの55エーカーの敷地を覆った。市内で最大のホールであるグラン・パレは、参加国の装飾美術の展示で埋め尽くされた。オーストリア、ベルギー、チェコスロバキア、デンマーク、イギリス、イタリア、日本、オランダ、ポーランド、スペイン、スウェーデン、そして新生ソ連を含む20か国から15,000の出展者がいた。ドイツは戦後の緊張関係のため招待されず、米国は博覧会の目的を誤解して参加を辞退した。このイベントには7か月の会期中に1,600万人が訪れた。博覧会の規則では、すべての作品が現代的であることが求められた。歴史的なスタイルは認められませんでした。博覧会の主な目的は、高級家具、磁器、ガラス、金属細工、織物、その他の装飾品を製造するフランスのメーカーを宣伝することでした。さらに製品を宣伝するため、パリの主要デパートや有名デザイナーはすべて独自のパビリオンを設置しました。博覧会には、象牙やエキゾチックな木材など、アフリカやアジアのフランス植民地からの製品を宣伝するという副次的な目的もありました。

コレクショヌール館は博覧会で人気のあった施設で、エミール＝ジャック・リュールマンによる新しい家具デザインや、アールデコ調の織物、カーペット、ジャン・デュパによる絵画が展示されていた。内装は、アール・ヌーヴォーとは一線を画す対称性と幾何学的形状、そしてモダニズム様式の厳格な機能性とは一線を画す鮮やかな色彩、優れた職人技、希少で高価な素材といった同じ原則に従っていた。ほとんどのパビリオンは豪華に装飾され、手作りの高級家具で満たされていたが、ソビエト連邦のパビリオンと、ル・コルビュジエが経営する同名の雑誌によって建てられたレスプリ・ヌーヴォー館の2つのパビリオンは、白壁で装飾のない簡素なスタイルで建てられており、モダニズム建築の最も初期の例の一つであった。^[73]

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  Piaśa Sfântul Řtefan no.ブカレストの 1 号、建築家不明 (  1930年頃)
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  モレンベーク（ブリュッセル）の聖ヨハネ洗礼者教会、ジョセフ・ディオングル（1930-1932）作
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  フロリダ州マイアミビーチのリンカーン劇場、トーマス・W・ラム作（1936年）
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  ルイ・イポリット・ボワロー、ジャック・カルリュ、レオン・アゼマによるパリのシャイヨー宮、1937 年のパリ万国博覧会より
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  パリの経済社会評議会の階段。元々は公共事業博物館だったが、1937 年の博覧会のためにオーギュスト・ペレによって建てられた(1937 年)
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  カリフォルニア州キングシティにある高等学校。公共事業促進局のためにロバート・スタントンが建設(1939 年)

1925年、アール・デコの中には2つの異なる競合する流派が共存していた。伝統主義者は装飾芸術家協会を設立した。家具デザイナーのエミール＝ジャック・リュールマン、ジャン・デュナン、彫刻家アントワーヌ・ブールデル、デザイナーのポール・ポワレが含まれ、現代的な形態を伝統的な職人技と高価な材料と組み合わせた。もう一方の側はモダニストで、彼らはますます過去を拒絶し、新しい技術の進歩、シンプルさ、装飾の欠如、安価な材料、大量生産に基づいたスタイルを求めた。モダニストは1929年に独自の組織であるフランス現代芸術家連合を設立した。そのメンバーには建築家のピエール・シャロー、フランシス・ジュールダン、ロベール・マレ＝ステヴァンス、コルビュジエ、ソ連ではコンスタンティン・メルニコフ、アイルランド人デザイナーのアイリーン・グレイ、フランス人デザイナーのソニア・ドローネ、宝石商のジョルジュ・フーケとジャン・ピュイフォルカが含まれていた。彼らは、富裕層だけのために作られた伝統的なアールデコ様式を激しく攻撃し、よくできた建物は誰もが利用できるものでなければならない、そして形は機能に従うべきだと主張した。物や建物の美しさは、その機能を果たすのに完璧に適合しているかどうかにかかっていた。現代の工業的手法により、家具や建物は手作りではなく大量生産が可能になった。^{[74] [75] [ページが必要]}

アールデコのインテリアデザイナー、ポール・フォロは、アールデコを次のように擁護した。「人間は不可欠なものでは決して満足せず、余分なものは常に必要だということを私たちは知っている...そうでなければ、音楽、花、香水を捨て去らなければならないだろう...！」^[76]しかし、ル・コルビュジエはモダニズム建築の優れた広報担当者であり、家は単に「住むための機械」であると述べ、アールデコは過去であり、モダニズムは未来であるという考えを精力的に推進した。ル・コルビュジエの考えは徐々に建築学校に取り入れられ、アールデコの美学は放棄された。アールデコが当初人気を博したのと同じ特徴、つまり職人技、贅沢な素材、装飾が、アールデコの衰退を招いた。1929年に米国で始まり、その後まもなくヨーロッパにまで広がった大恐慌により、家具や美術品を購入できる裕福な顧客の数が大幅に減少した。大恐慌の経済情勢では、新しい高層ビルを建設する準備ができている企業はほとんどなかった。^[35]リュールマン社ですら、家具を手作りで作るのではなく、シリーズで生産するようになった。パリで新しい様式で建てられた最後の建物は、オーギュスト・ペレ（現フランス経済社会環境評議会）による公共事業博物館、ルイ＝イポリット・ボワロー、ジャック・カルリュ、レオン・アゼマによるシャイヨー宮、そして1937年のパリ万国博覧会の東京宮殿である。これらの建物は、アルベルト・シュペーアが設計した壮大なナチス・ドイツのパビリオンを見渡すことができ、その向かいにはスターリンのソ連の同様に壮大な社会主義リアリズムのパビリオンがあった。

第二次世界大戦後、支配的な建築様式は、ル・コルビュジエとミース・ファン・デル・ローエが開拓したインターナショナル・スタイルとなった。第二次世界大戦後、マイアミビーチには数軒のアール・デコ様式のホテルが建てられたが、他の地域ではアール・デコ様式はほぼ消滅した。工業デザインでは、自動車のスタイリングやジュークボックスなどの製品に引き続き使用された。1960年代には、ビーヴィス・ヒリアーなどの建築史家の著作のおかげもあって、学術的にささやかな復活を遂げた。1970年代には、米国とヨーロッパでアール・デコ建築の最良の例を保存するための取り組みが行われ、多くの建物が修復され、再利用された。1980年代に初めて登場したポストモダン建築は、アール・デコと同様に、純粋に装飾的な特徴を含むことが多い。 ^{[35] [57] [77] [78]}デコはデザイナーにインスピレーションを与え続け、現代のファッション、ジュエリー、トイレタリー製品によく使用されている。^[79]

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  郵便物を仕分ける労働者、ワシントン D.C. のアリエル・リオス連邦ビルの壁画、レジナルド・マーシュ作(1936 年)
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  熱帯地方の芸術、ワシントン D.C. のウィリアム・ジェファーソン・クリントン連邦ビルの壁画、ロックウェル・ケント作(1938 年)
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  ニューヨーク市ロックフェラープラザ30番地のロビーの天井壁画「時間」の詳細、ジョゼップ・マリア・セルト作（1941年）

1925年の博覧会には絵画のためのセクションは設けられなかった。アールデコ絵画は定義上装飾的であり、部屋や建築物を飾るためにデザインされたものであったため、この様式のみで制作した画家はほとんどいなかったが、アールデコと密接な関係にある画家が2人いる。ジャン・デュパは1925年にパリで開催された装飾美術博覧会のボルドー館にアールデコ調の壁画を描き、また1925年の博覧会でメゾン・デュ・コレクショナー展の暖炉の上の絵も描いた。この博覧会では、ルールマンや他の著名なアールデコデザイナーによる家具が展示されていた。彼の壁画はフランスの豪華客船ノルマンディー号の装飾にも使われた。彼の作品は純粋に装飾的なもので、背景や他の装飾要素の添え物としてデザインされた。^[80]

このスタイルと密接な関係のあるもう一人の画家はタマラ・ド・レンピッカです。ポーランド生まれで、ロシア革命後にパリに移住しました。彼女はモーリス・ドニとアンドレ・ロートに師事し、彼らのスタイルから多くの要素を借用しました。彼女は写実的でダイナミック、そして色彩豊かなアールデコスタイルの肖像画を描きました。^[81]

1930 年代、アール デコ絵画の劇的な新形式が米国に登場した。大恐慌の間、失業中の芸術家に仕事を与えるために公共事業促進局の連邦芸術プロジェクトが設立された。多くの芸術家が政府の建物、病院、学校の装飾の仕事を与えられた。壁画には特定のアール デコ様式は使用されておらず、政府の建物の壁画を描くために雇われた芸術家は、アメリカの地域主義から社会リアリズムまで、さまざまな流派から来ており、レジナルド マーシュ、ロックウェル ケント、メキシコの画家ディエゴ リベラが含まれていた。壁画がアール デコと呼ばれたのは、すべて装飾的で、描かれた建物や都市での活動に関連していたからである。レジナルド マーシュとロックウェル ケントはともに米国の郵便局の建物を装飾し、働く郵便局員を描いた。一方、ディエゴ リベラはデトロイト美術館のために自動車工場の労働者を描いた。ロックフェラープラザ 30 番地のディエゴ リベラの壁画「十字路の男(1933)」^{[82] [83]}リベラがレーニンの撤去を拒否したため、絵画は破壊され、スペインの芸術家ホセップ・マリア・セルトによって新しい壁画が描かれた。^{[84] [85] [86]}

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  パリのフォリー・ベルジェール・ キャバレー 音楽ホールのファサードの金細工、モーリス・ピコ作（1926年）
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  コルコバードの丘にある鉄筋コンクリートと石鹸石の彫刻、コルコバードのキリスト像、ポール・ランドウスキー作（1931年）
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  交通の守護者、オハイオ州クリーブランドのホープ記念橋の鉄塔、ヘンリー・ヘリングとフランク・ウォーカー作(1932 年)
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  イギリス、ロンドンの旧デイリー・エクスプレスビルのロビーにあるレリーフ彫刻、ロナルド・アトキンソン作（1932年）
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  ニューヨーク州シラキュースのナイアガラ モホーク ビルの正面にある金属彫刻「スピリット オブ ライト」または「スピリット オブ パワー」、クレイトン フライ作 (1932 年)
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  ニューヨーク市ロックフェラーセンターの入り口の装飾「ウィズダム」 、リー・ローリー作（1933年）
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  ワルシャワの郵便局の正面にあるポーランドの紋章（非公式）、ジュリアン・プテルマン＝サドウォフスキ作（1934年）
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  アトラス、ロックフェラー センター前のブロンズ彫刻、ローリー作 (1936–37)
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  ペンシルベニア州のニックス連邦ビルにある 4 つの浅浮彫彫刻のうちの 1 つである「郵便配達東」 、エドモンド アマティス作(1937 年)
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  ワシントン DCの連邦取引委員会ビルで貿易を管理する男、マイケル・ランツ作(1942 年)

彫刻はアールデコ建築において非常に一般的で不可欠な要素でした。フランスでは、アントワーヌ・ブールデルによるダンスと音楽を表現した寓意的な浅浮き彫りが、1912年にパリの最も古いアールデコのランドマークであるシャンゼリゼ劇場を飾りました。1925年の博覧会では、会場のあちこちに主要な彫刻作品が配置され、パビリオンは彫刻のフリーズで飾られ、いくつかのパビリオンは小さなスタジオ彫刻専用でした。1930年代には、著名な彫刻家の大集団が、1937年にシャイヨーで開催された近代生活の芸術と技術の国際博覧会のために作品を制作しました。アルフレッド・ジャニオは、パレ・ド・トーキョーのファサードのレリーフ彫刻を制作しました。パリ市立近代美術館と、エッフェル塔に面したシャイヨー宮前の広場には、シャルル・マルフレー、ヘンリー・アーノルド、その他多くの作家による新しい彫像が展示されていた。^[87]

パブリックアールデコの彫刻は、ほとんどの場合、建物や部屋の目的に関連した英雄的または寓意的な人物を描いた具象的なものでした。テーマは通常、芸術家ではなくパトロンによって選択されました。装飾用の抽象彫刻は非常にまれでした。^{[88] [89]}

アメリカ合衆国において、パブリックアートにおける最も著名なアールデコ彫刻家はポール・マンシップであり、彼は古典的および神話的な主題やテーマをアールデコ様式で現代風にアレンジした。彼の最も有名な作品は、ニューヨーク市のロックフェラーセンターにあるプロメテウス像で、古典的な主題を20世紀風にアレンジしたものである。ロックフェラーセンターの他の重要な作品は、彫刻のファサードやアトラス像など、リー・ローリーによって作られたものである。

アメリカ合衆国の大恐慌の間、公共事業促進局（WPA）の資金提供により、多くの彫刻家が連邦政府の建物の装飾のための作品制作を依頼された。その中には、連邦政府のオフィスビルのために労働者とその仕事の様式化され理想化されたイメージを制作した彫刻家シドニー・ビーラー・ウォーも含まれている。^[90]サンフランシスコでは、ラルフ・スタックポールが新しいサンフランシスコ証券取引所の建物のファサードに彫刻を提供した。ワシントンDCでは、マイケル・ランツが連邦取引委員会の建物のために作品を制作した。

英国では、 BBC放送局のためにエリック・ギルがデコ様式の公共彫像を制作し、一方、ロンドンの旧デイリー・エクスプレス・ビルのロビーをロナルド・アトキンソンが装飾しました（1932年）。

最も有名で、間違いなく最大の公共アールデコ彫刻の一つは、フランスの彫刻家ポール・ランドウスキーによる「コルコバードのキリスト像」です。1922年から1931年にかけて完成し、ブラジルのリオデジャネイロを見下ろす山頂にあります。

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  テット（正面と側面）、石灰岩、ジョセフ・チャキー作（ 1920年頃）、クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー、オランダ
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  ピエール・ル・ファゲイ作『狩人』（1920年代）
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  ポール・マンシップ作「アクタイオン」 （1925年）は、米国クリーブランド美術館の「ジャズ・エイジ」と題された特別展で展示されている。
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  スピード、ハリエット・ホイットニー・フリシュマスによるラジエーター装飾のデザイン（1925年）
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  ポール・マンシップ作「エウロパの飛行」金箔ブロンズ（1925年）、ホイットニー美術館、ニューヨーク市
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  タナラ（少女）、ブロンズ、象牙、オニキス、デメトレ・チパルス作（ 1925年頃）
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  ダンサトアレ（ダンサー）、ブロンズと象牙、チパルス作（ 1925年頃）

初期のアールデコ彫刻の多くは小型で、サロンの装飾用にデザインされました。この彫刻のジャンルの 1 つは、金と象牙で作られた古代ギリシャの寺院の彫像のスタイルにちなんで名付けられたクリセレファンティネ小像と呼ばれています。それらは青銅で作られることもあれば、象牙、オニキス、アラバスター、金箔 など、より豪華な素材で作られることもありました。

最も有名なアール・デコのサロン彫刻家の一人は、ルーマニア生まれのデメトル・チパルスで、色鮮やかな小さなダンサーの彫刻を制作しました。他の著名なサロン彫刻家には、フェルディナンド・プライス、ヨーゼフ・ロレンツル、アレクサンダー・ケレティ、ドロテア・シャロル、グスタフ・シュミットカッセルなどがいます。^[91]スタジオ形式のもう一人の重要なアメリカ人彫刻家は、パリでオーギュスト・ロダンに学んだハリエット・ホイットニー・フリシュムスです。

ピエール・ル・パゲイは、1925年の博覧会で作品が展示された、アールデコの著名なスタジオ彫刻家でした。彼は、ブロンズ、大理石、象牙、オニキス、金、アラバスターなどの貴重な素材を使って作品を制作しました。^[92]

フランソワ・ポンポンは、近代様式化された動物彫刻の先駆者であった。彼が芸術的業績を完全に認められたのは、現在パリのオルセー美術館に所蔵されている作品『白熊』としても知られる『Ours blanc 』が1922年のサロン・ドートンヌで発表されてからであった。^[93]

これらのアールデコ彫刻家と並行して、より前衛的で抽象的なモダニズムの彫刻家たちがパリとニューヨークで活動していた。最も著名な彫刻家はコンスタンティン・ブランクーシ、ジョセフ・チャキー、アレクサンダー・アルキペンコ、アンリ・ロランス、ジャック・リプシッツ、ギュスターヴ・ミクローシュ、ジャン・ランベール＝リュッキ、ヤン・マルテルとジョエル・マルテル、チャナ・オルロフ、パブロ・ガルガリョである。^[94]

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  レオン・バクスト作曲『牧神の午後』バレエ・リュス公演（1912年）のプログラムデザイン
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  ペーター・ベーレンスによるドイツ工作連盟展のポスター（1914年）
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  ジョルジュ・ルパプによる『ヴァニティ・フェア』の表紙（1919年）
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  ウィノルド・ライスによるハーレム・ジャズの解釈 I (  1920年頃)
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  エルテによるハーパーズ バザーの表紙(1922 年)
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  ホレス・テイラーによるロンドン地下鉄のポスター（1924年）
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  シャルル・ジェスマールによるムーラン・ルージュのポスター（1925年）
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  コロンビアの道化師の表紙、出典不明 (1931)

アール・デコ様式は、グラフィックアートの早い段階、第一次世界大戦の直前に登場した。パリでは、レオン・バクストによるバレエ・リュスのポスターや衣装デザイン、ファッションデザイナーのポール・ポワレのカタログに登場した。^[95]ジョルジュ・バルビエやジョルジュ・ルパプのイラストレーションや、ファッション雑誌『ラ・ガゼット・デュ・ボントン』に掲載された画像は、この様式の優雅さと官能性を完璧に捉えている。1920年代には、外見が変わり、強調されたファッションはよりカジュアルでスポーティで大胆になり、女性モデルはたいていタバコを吸っていた。アメリカのファッション雑誌『ヴォーグ』、『ヴァニティ・フェア』、『ハーパーズ・バザー』はすぐにこの新しい様式を取り上げ、アメリカで普及させた。また、ロックウェル・ケントなどのアメリカの挿絵画家の作品にも影響を与えた。ドイツでは、この時期の最も有名なポスター芸術家はルートヴィヒ・ホールヴァインであり、彼は音楽祭やビール、そして晩年にはナチ党のために色鮮やかでドラマチックなポスターを制作した。^[96]

アール・ヌーヴォーの時代には、ポスターは通常、劇場の公演やキャバレーなどを宣伝するものであった。1920年代には、蒸気船会社や航空会社向けに作られた旅行ポスターが大人気となった。1920年代にはスタイルが著しく変化し、宣伝対象の商品に注意を向けさせるようになった。画像はよりシンプルで正確、より直線的でダイナミックになり、単色の背景に配置されることが多かった。フランスで人気のあったアール・デコのデザイナーには、シャルル・ルーポやポール・コリンなどがおり、コリンはアメリカの歌手でダンサーのジョセフィン・ベーカーのポスターで有名になった。ジャン・カルリュは、チャーリー・チャップリンの映画、メロドラマ、劇場のポスターをデザインし、1930年代後半にアメリカに移住し、第一次世界大戦中には軍需生産を促すポスターをデザインした。デザイナーのシャルル・ジェスマールは、歌手のミスタンゲットやエールフランスのポスターを制作して有名になった。最も有名なフランスのアールデコのポスターデザイナーの一人はカッサンドレで、彼は1935年に豪華客船SSノルマンディー号の有名なポスターを制作しました。 ^[96]

1930 年代、大恐慌のアメリカで新しいジャンルのポスターが登場しました。連邦芸術プロジェクトは、観光や文化イベントを宣伝するためのポスターを作成するためにアメリカ人アーティストを雇いました。

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  パリのラ・サマリテーヌ百貨店アンリ・ソヴァージュ(1925–1928)
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  ロサンゼルス市庁舎、ジョン・パーキンソン、ジョン・C・オースティン、アルバート・C・マーティン・シニア設計( 1928)
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  カリフォルニア州ロサンゼルスのイースタン・コロンビア・ビルの入り口、クロード・ビールマン作（1930年）
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  ミシェル・ポラック（1930-1934）によるイクセル（ブリュッセル）のヴィラ・アンパンの入口
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  オハイオ州シンシナティのシンシナティユニオン ターミナル、アルフレッド T. フェルハイマーとローランド A. ワンク作(1933)
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  フランス、ニースのジャンヌ・ダルク教会、ジャック・ドローズ作（1934年）
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  東京の国会議事堂、渡辺福造の設計（1936年）
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  アレクセイ・ドゥシュキン作、モスクワのマヤコフスカヤ地下鉄駅（1936年）

アール・デコの建築様式は、1903年から1904年にかけてパリで2棟のアパートが建設されたことで初めて登場した。1棟はオーギュスト・ペレがベンジャミン・フランクラン通りに、もう1棟はアンリ・ソヴァージュがトレテーニュ通りに建てた。2人の若い建築家は、パリの住宅建築に初めて鉄筋コンクリートを使用した。新しい建物は、すっきりとしたラインと長方形の形状で、ファサードには装飾がなく、アール・ヌーヴォー様式との決別を示した。^[97] 1910年から1913年にかけて、ペレはコンクリートのアパート建築での経験を生かして、アベニュー・モンテーニュ15番地にあるシャンゼリゼ劇場を建設した。1925年から1928年にかけて、ソヴァージュはパリのラ・サマリテーヌ百貨店の新しいアール・デコ様式のファサードを建設した。 ^[98]

アールデコ様式は陸上の建物に限られず、1935年に初航海を行った豪華客船SSノルマンディー号には、アールデコ様式のデザインが採用されており、そのダイニングルームの天井と装飾はラリックのガラスで作られていた。^[99]

アールデコ建築は、ジグザグ[モダン]（別名ジャズモダン^[100]）、クラシックモダン、ストリームラインモダン^[101]の3つのタイプに分類されることがあります。

ジグザグ・モダン（別名ジャズ・モダン）は、アメリカに最初に伝わったスタイルです。「ジグザグ」とは、高層ビルの高さを誇張するために高層ビルの輪郭を段状にすることを指し、^{[101] [100]}主にホテル、映画館、レストラン、高層ビル、デパートなどの大規模な公共施設や商業施設に使用されました。^[102]

クラシック・モダンはより優雅な外観で、装飾は少ない。クラシック・モダンは、大恐慌時代に公共事業局（PWA ）によって実施されたため、PWAモダンや大恐慌時代モダンとも呼ばれる。^{[102] [100] [101]}

1930 年代後半には、アールデコ建築の新しい種類が一般的になった。これはストリームライン・モデルヌまたは単にストリームラインと呼ばれ、フランス語ではスタイル・パケボ、またはオーシャン・ライナー様式と呼ばれていた。この様式の建物は角が丸く、水平線が長く、鉄筋コンクリートで建てられ、ほぼ常に白色であった。また、船の手すりや舷窓に似た海事の特徴を備えていることもあった。丸い角はまったく新しいものではなく、1923 年にベルリンでエーリッヒ・メンデルゾーンによるモッセハウスに、後にはロンドン郊外ペリヴェールの工業団地フーバービルに登場していた。米国では、それは輸送と最も密接に結び付けられるようになった。ストリームライン・モデルヌはオフィスビルではまれだったが、バス停や空港ターミナルではよく使われた。例えば、パンナム クリッパー飛行艇による初の大西洋横断便を扱ったニューヨーク市のラガーディア空港のターミナルなどである。ガソリンスタンドや食堂車などの道路沿いの建築物にも使われました。1930年代後半には、流線型の鉄道車両をモデルにした食堂車シリーズがニューイングランドの町々に作られ、設置されました。少なくとも2つの例が現在も残っており、歴史的建造物として登録されています。^[103]

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  ロンドンのブロードキャスティング ハウスの海事風の丸い角(1931 年)
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  パリ、ヴィクトル大通り 3 番地にある、パケボ様式または遠洋定期船様式の建物。ピエール パトゥー設計(1935 年)
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  カリフォルニア州ロサンゼルスのパンパシフィック・オーディトリアム、ウルデマン＆ベケット設計（1936年）
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  ラガーディア空港のマリンエア ターミナル(1937 年) は、ニューヨーク市のパンナム クリッパー飛行艇のヨーロッパ行きのターミナルでした。
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  ロンドン郊外のペリヴェールにあるフーバービルの食堂。ウォリス、ギルバート、パートナーズ社による設計（1938 年）
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  ジョセフ・ディオングル作、イクセル（ブリュッセル）の旧ベルギー国立ラジオ放送研究所（1938 年）
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  1939年ニューヨーク万国博覧会のフォード館
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  流線型のモダンな教会、イリノイ州シカゴのファースト・デリバランス教会、ウォルター・T・ベイリー設計(1939 年)。塔は 1948 年に増築されました。

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  レイモンド・フッドによるニューヨーク市のアメリカン・ラジエーター・ビル（1924年）
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  イリノイ州シカゴのカーバイド＆カーボンビル、バーナム兄弟設計（1929年）
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  ウィリアム・ヴァン・アレンによるニューヨーク市のクライスラービル（1930年）
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  ニューヨーク市のエンパイア ステート ビル(シュリーブ、ラム & ハーモン作、1931 年)
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  ペンシルベニア州ピッツバーグのガルフタワー、トローブリッジ＆リビングストンとエドワード・メロン設計（1932年）
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  ニューヨーク市のゼネラル・エレクトリック・ビル（別名レキシントン・アベニュー570番地）の頂上、クロス＆クロス（1933年）
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  ニューヨーク市のロックフェラープラザ30番地（現在はコムキャストビル）レイモンド・フッド（1933年）

アメリカの高層ビルはアールデコ様式の頂点を極め、世界で最も高く、最も目立つ近代建築となった。高さ、形、色、夜間のドラマチックな照明を通して、建築者の威信を示すように設計された。^[104]レイモンド・フッドによるアメリカン・ラジエーター・ビル（1924年）は、建物のデザインにゴシックとデコモダンの要素を組み合わせた。建物の正面に選ばれた黒いレンガ（石炭を象徴）は、堅牢さを感じさせ、建物に重厚感を与えるために選ばれた。ファサードの他の部分は金色のレンガ（火を象徴）で覆われ、入り口は大理石と黒い鏡で飾られていた。もう一つの初期のアールデコ様式の高層ビルは、1929年にオープンしたデトロイトのガーディアン・ビルである。モダニストのワート・C・ローランドによって設計されたこの建物は、装飾要素としてステンレス鋼を採用し、伝統的な装飾品の代わりに色付きデザインを多用した最初の建物であった。

ニューヨーク市のスカイラインは、ウィリアム・ヴァン・アレンが設計したマンハッタンのクライスラービル（1930年完成）によって劇的に変化した。クライスラー自動車の巨大な77階建ての広告塔だった。最上部にはステンレススチールの尖塔がそびえ立ち、ステンレススチールのラジエーターキャップをかたどったデコ調の「ガーゴイル」で飾られていた。地上33階の高さにあるタワーの基部は、色鮮やかなアールデコ調のフリーズで飾られ、ロビーはアールデコ調のシンボルや現代性を表現したイメージで飾られていた。^[105]

クライスラービルは、ウィリアム・F・ラム設計のエンパイア・ステート・ビル（1931年）とレイモンド・フッド設計のRCAビル（現在のロックフェラープラザ30番地）（1933年）に高さで抜かれ、ニューヨーク市のスカイラインは完全に様変わりした。ビルの上部は、ステンレススチールで覆われたアールデコ調の冠​​と尖塔で飾られ、クライスラービルの場合は、ラジエーターの装飾を模したアールデコ調のガーゴイルで飾られ、入り口とロビーはアールデコ調の彫刻、陶器、デザインで豪華に飾られていた。同様の建物は、それほど高くはないが、すぐにシカゴや他のアメリカの大都市に現れた。ロックフェラーセンターは、新しいデザイン要素を加えた。それは、中央に噴水があるオープンな広場を囲むようにいくつかの高層ビルが集まっているというものだった。^[106]

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  ミシガン州デトロイトのフィッシャービル、ジョセフ・ナサニエル・フレンチ作（1928年）
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  デトロイトのガーディアンビルの下層ロビー、ワート・ローランド作(1929)
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  カリフォルニア州サンフランシスコのサッターストリート 450 番地のロビー、ティモシー フルーガー作(1929 年)
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  ニューヨーク市のクライスラービルのロビー、ウィリアム・ヴァン・アレン作（1930年）
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  クライスラービルの内部ドア（1930年）
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  オハイオ州シンシナティのカルータワーのロビーの天井とシャンデリアの詳細。ウォルター・W・アールシュラガー作(1930 年)
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  パリのポルト・ドレ宮のサロン・ダフリク、ジャック＝エミール・ルールマンの家具とルイ・ブーケのフレスコ画がある（1931年）
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  アムステルダムのトゥシンスキー劇場のホワイエ、ヒジュマン・ルイ・デ・ヨング作（1921年）

アメリカのアールデコ調のインテリアデザインの見事な見本となったのは、政府機関の建物、劇場、そして特にオフィスビルのロビーでした。インテリアは極めて色彩豊かでダイナミックで、彫刻、壁画、大理石、ガラス、陶器、ステンレス鋼の華麗な幾何学模様が組み合わされていました。初期の例としては、ジョセフ・ナサニエル・フレンチが設計したデトロイトのフィッシャービルが挙げられます。ロビーは彫刻と陶器で豪華に飾られていました。デトロイトのガーディアンビル(元はユニオントラストビル) は、ワート・ローランドが設計 (1929 年) したもので、赤と黒の大理石と鮮やかな色の陶器で装飾され、磨き上げられた鋼鉄のエレベーターのドアとカウンターが目を引きます。壁に施された彫刻の装飾は、勤勉と貯蓄の美徳を象徴しており、この建物はすぐに「商業の大聖堂」と呼ばれるようになりました。サンフランシスコのティモシー・フルーガーが設計した医療歯科ビル(450 サッターストリート) は、高度に様式化された形でマヤの建築に触発されています。ピラミッド型をしており、内部の壁は高度に様式化された象形文字の列で覆われていた。^[107]

フランスでは、この時期のアールデコ調の内装の最も優れた例は、アルベール・ラプラード、レオン・ジョセリ、レオン・バザンによるポルト・ドレ宮殿（1931年）である。この建物（現在は国立移民博物館、地下に水族館がある）は、1931年のパリ植民地博覧会のために、フランス植民地の人々と製品を記念して建てられた。外観は彫刻で完全に覆われ、ロビーは幾何学模様の木製の寄木細工の床、フランス植民地の人々を描いた壁画、垂直のドアと水平のバルコニーの調和のとれた構成でアールデコ調のハーモニーを醸し出していた。^[107]

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  アムステルダムのトゥシンスキー劇場、ヒジマン・ルイ・デ・ヨングとウィレム・クロムハウト作（1921年）
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  カリフォルニア州ハリウッド（ロサンゼルス）のグローマンズ・エジプシャン・シアター、マイヤー＆ホラー社（1922年）
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  カリフォルニア州オークランドにあるパラマウント劇場の 4 階建てのグランド ロビー。ティモシー プルーガ​​ー作(1932 年)
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  ニューヨーク市のラジオシティミュージックホールの講堂とステージ、エドワード・デュレル・ストーンとドナルド・デスケイ作（1932年）
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  オーギュスト・ブルーイセン、ジョン・エバーソン、アンリ＝エドゥアール・ナヴァール、モーリス・デュフレーヌによるパリのグラン・レックス（1932年）
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  中国上海のパラマウント、SJヤング作（ 1933年）
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  ジョージ・コールズによるロンドンのゴーモント国立映画館（1937年）

アールデコの最も優れた現存例の多くは、1920年代と1930年代に建てられた映画館です。アールデコの時代は、無声映画から音声付き映画への転換と重なり、映画会社は映画を見に来た膨大な観客を取り込むために大都市に大規模な映画館を建設しました。1920年代の映画館では、エキゾチックなテーマとアールデコ様式が組み合わされることがよくありました。ハリウッドのグローマンズ・エジプシャン・シアター（1922年）は、古代エジプトの墓とピラミッドに触発され、カリフォルニア州ベーカーズフィールドのフォックス・シアターは、アールデコのホールにカリフォルニア・ミッション様式の塔を併設しました。最大のものは、 1932年にオープンしたニューヨーク市のラジオシティ・ミュージックホールです。もともとは演劇のパフォーマンススペースとして設計されたが、すぐに映画館に変身し、6,015人の顧客を収容できるようになりました。ドナルド・デスケイによるインテリアデザインでは、ガラス、アルミニウム、クロム、革を使用し、現実からの視覚的な逃避を演出しました。ティモシー・フルーガーが設計したカリフォルニア州オークランドのパラマウント劇場は、色鮮やかな陶器のファサード、4階建てのロビー、男性と女性に分かれたアールデコ調の喫煙室を備えていた。ヨーロッパにも同様の壮大な劇場が登場した。堂々とした塔を持つパリのグラン・レックス（1932年）は、6,000席のゴーモン・パレス（1931年～1973年）に次ぐヨーロッパ最大の映画館だった。ロンドンのゴーモン・ステート・シネマ（1937年）は、エンパイア・ステート・ビルをモデルにした塔を持ち、クリーム色の陶器タイルで覆われ、内装はアールデコ・イタリアン・ルネッサンス様式だった。中国の上海にあるパラマウント劇場（1933年）は、もともと「百の喜びの門」と呼ばれるダンスホールとして建てられたが、1949年の共産主義革命後に映画館に改装され、現在は舞踏会とディスコになっている。 1930年代、イタリアの建築家が現在のエリトリアのアスマラに小さな映画館「シネマ・インペロ」を建設した。今日、多くの映画館は複合映画館に分割されているが、他の映画館は修復され、地域社会の文化センターとして使用されている。^[108]

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  鳥 –パリのオルセー河岸55番地、ルイ＝イポリット・ボワローがデザインし、レオン・ビネが彫刻（1913年）
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  寓意的表現 –ブカレストのミハイ・ジスマン邸のペディメント(Calea Călărařilor no. 44) 、ソル作 (1920)
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  様式化された花（特に螺旋状の花と収束する束） - ジョルジュ・ベアルによるパリのオルセー香水店の建築要素（1922年）
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  壺 -象嵌象牙のバラ籠模様が施されたマホガニー製のコーナーキャビネット、ジャック＝エミール・リュールマン作（1923年）、ブルックリン美術館、ニューヨーク市
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  花かご –パリのモンテーニュ通り41番地のバルコニーとペディメント、建築家または彫刻家不明（1924年）^[109]
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  繰り返し模様 –ニューヨーク市マディソン・ベルモントビル（マディソン・アベニュー181-183番地）の装飾鉄細工、フェロブラント（1925年）^[110]
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  パピルスの花 -パリ国際現代装飾美術工芸博覧会のポルト・ドヌール、エドガー・ブラント作（1925年） ^[111]
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  葉の巻物- エレベーターのドア、ブラント作（1926年）、錬鉄、ガラス、緑青と金メッキのブロンズ、カルースト・グルベンキアン美術館、リスボン^[112]
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  ドーリア式の柱の簡略化された再解釈（基本的な長方形の柱頭または基部、または単なる柱頭） - フランス、ナンシーのプレヴィル墓地にあるギュスターヴ・シモンの墓、建築家不明（1926 年以降）
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  装飾は装飾品だけでなく、ボリュームの組み合わせによっても行われる -ベルギー、ブリュッセルのウィチュイス（シャルル・ウォエステ通り183番地） 、ジョセフ・ディオングル（1927年）^[113]
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  光と闇の巧妙な遊び - ヴィクトル・フョードロフ（1927-28）による「マノーレ大工の巨匠」の舞台デザイン、ブカレスト国立劇場所蔵
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  八角形のメダリオン– パリのラ・サマリテーヌ百貨店の看板、アンリ・ソヴァージュ作（1928年）^[114]
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  モザイク – フランスのアンジェにあるメゾン・ブルー（アルザス通り 28 番地）は、ロジェ・ジュスランが設計し、オドリコ兄弟のモザイクで装飾されています（1928 年）。
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  垂直モールディング –ロンドンのグレイブルックハウス（ブルックストリート28番地）、サー・ジョン・バーネット＆パートナーズ（1928–29年）^[115]
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  水平方向のモールディング –ロッテルダムのアトランティック ハウス(ウェストプレイン no. 51) 、PG Buskens (1928–1930) 作
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  階段状のモチーフ -ニューヨーク市のクライスラービルのエントランスホール、ウィリアム・ヴァン・アレン作(1928-1930)
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  The artesian fountain – Lamp, by Paul Kiss (c. 1930), glass and metal, in a temporary exhibition called the "Jazz Age" at the Cleveland Museum of Art, US
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  The cornucopia – Avenue des Champs-Élysées no. 77 in Paris, unknown architect (c. 1930)
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  Complex zigzags – Foot of a console table, by Paul Fehér (c. 1930), metal, in a temporary exhibition called the "Jazz Age" at the Cleveland Museum of Art
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  Streamlining – Rue Gramme no. 17–21 in Paris, by Marcel Chappey (1930)
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  The sunburst – Detail above the entrance of the Eastern Columbia Building (S. Broadway no. 849) in L.A., by Claud Beelman (1930)
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  An aesthetic of artificial lighting – Maison de France (now showroom for Louis Vuitton), Avenue des Champs-Élysées no. 101 in Paris, by Louis-Hippolyte Boileau and Charles-Henri Besnard (1931)^[116]
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  Ziggurat – Union Hotel (Strada Ion Câmpineanu no. 11) in Bucharest, by Arghir Culina (1931)^[116]
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  Vertical and horizontal luminous surfaces – Entrance hall of the Villa Cavrois in Croix, France, by Rob Mallet-Stevens (1932)^[117]
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  The undulating line – Relief on the Grave of the Străjescu Family in Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel (1934)^[118]
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  Decorative stylized lettering – Edificio del Parque in Mexico City, by Ernesto Buenrostro (1935)

Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colours of the artistic movement known as the Fauves and by the colourful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as nickel or chrome-plated steel, aluminium and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.^[119]

Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the décor expressed the function of the building. Theatres were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.^[120]

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  Curvy – Avenue Montaigne no. 26, Paris, by Louis Duhayon and Marcel Julien (1937)^[51]
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  Angular – Entrance of the Chrysler Building in New York City, by William Van Allen (1928–1930)
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  Asymmetric - Ministry of Justice (Bulevardul Regina Elisabeta no. 53), Bucharest, by Constantin Iotzu (1929–1932)
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  Symmetric – Rue Chomel no. 14, Paris, designed by Émile Boursier and sculpted by Raymond Delamarre (1934)
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  Maximalist – Fire screen, by Edgar Brandt (1925), wrought iron, in a temporary exhibition called the "Jazz Age" at the Cleveland Museum of Art, US
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  Minimalist – William K. Nakamura Federal Courthouse in Seattle, US, by Gilbert Stanley Underwood (1940)

Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.^[121]

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  Chair by Paul Follot (1912–1914)
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  Armchair by Louis Süe (1912) and painted screen by André Mare (1920)
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  Dressing table and chair of marble and encrusted, lacquered, and gilded wood by Follot (1919–20)
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  Corner cabinet of Mahogany with rose basket design of inlaid ivory by Émile-Jacques Ruhlmann (1923)
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  Cabinet covered with shagreen or sharkskin by André Groult (1925)
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  Cabinet by Ruhlmann (1926)
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  Cabinet design by Ruhlmann
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  Furniture by Gio Ponti (1927)
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  Desk of an administrator, by Michel Roux-Spitz for the 1930 Salon of Decorative Artists
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  Art Deco club chair (1930s)
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  Late Art Deco furniture and rug by Jules Leleu (1930s)
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  A Waterfall style buffet table

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.^[122]

The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.^[123]

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.^[124] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.^[125]

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered Art Deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.^[126] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.^[127]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.^[128] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.

The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.^[129]

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  Parker Duofold desk set (c. 1930)
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  Beau Brownie camera, design by Walter Dorwin Teague for Eastman Kodak (1930)
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  Philips radio set (1931)
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  Chrysler Airflow sedan, designed by Carl Breer (1934)
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  Bugatti Aérolithe (1936)
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  Philco table radio (c. 1937)
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  Electrolux vacuum cleaner (1937)
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  Cord automobile model 812, designed by Gordon M. Buehrig and staff (1937)
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  Phantom Corsair, designed by Rust Heinz (1938)
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  New York Central's 20th Century Limited Hudson 4-6-4 Streamlined locomotive (c. 1939)

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.^[59] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.^{[130][131][132][133]}

New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.^[35]

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  Abundance textile design by André Mare (1911), Metropolitan Museum of Art, New York City
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  Design of birds from Les Ateliers de Martine by Paul Iribe (1918)
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  Rose pattern textiles designed by Mare (c. 1919), Metropolitan Museum of Art
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  Rose Mousse pattern for upholstery, cotton and silk (1920), Metropolitan Museum of Art

Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.^[134]

The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.^[135]

Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.^[135]

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  Evening coat by Paul Poiret (c. 1912), silk and metal, Metropolitan Museum of Art, New York City
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  Evening dress from the Journal des Dames et des Modes, illustrated by George Barbier (1913), Chester Beatty Library, Dublin
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  Illustration by Barbier of a gown by Paquin (1914). Stylised floral designs and bright colours were a feature of early Art Deco.
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  Cécile Sorel at the Comédie-Française (1920)
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  Evening dress by the Maison Agnès (1920–1930), silk, pearls, strass, cabochon, and other materials, Musée Galliera, Paris
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  Desiree Lubovska in a dress by Jean Patou (c. 1921)
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  Skirt by the Maison Agnès (1925–1927), silk, Musée Galliera
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  Coco Chanel in a sailor's blouse and trousers (1928)
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  Louise Brooks with an à la garçonne hairstyle, in a publicity photo for Diary of Lost Girl (1929)
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  Advertisement for pyjamas in Lisières Fleuries fabric, from Le Jardin des Modes (1930)

The new woman of pre-WW1 days became the Amazon of the Art Deco era. Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.^[136] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.^[136] His styles offered structural simplicity^[136] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.^[136] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.^[137]

A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.^[138]

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  Cigarette case of leather and gold leaf by Pierre Legrain (1922), presenting a polychrome geometric decoration, Metropolitan Museum of Art, New York City
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  Bracelet of gold, coral and jade (1925), Museum of Decorative Arts, Paris
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  Gold buckle set with diamonds and carved onyx, lapis lazuli, jade, and coral, by Boucheron (1925)
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  Molded glass pendants on silk cords by René Lalique (1925–1930)
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  Mackay Emerald Necklace, emerald, diamond and platinum, by Cartier (1930), Smithsonian National Museum of Natural History, Washington, D.C.

In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:

• emerald cut, with long step-cut facets;
• asscher cut, more square-shaped than emerald with a high crown and the first diamond cut to ever be patented;
• marquise cut, to give the illusion of being bigger and bolder;
• baguette cut: small, rectangular step-cut shapes often used to outline bolder stones;^[139]
• old European cut, round in shape and cut by hand so sparks of color (called fire) flash from within the stone.^[140]

The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.^[141]

Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.^[141]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.^[142]

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.^[142] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.^[142] Suzanne Belperron contributed sculptural designs using materials like rock crystal and semi-precious stones, exploring the period's emphasis on non-traditional elements. Jean Fouquet, influenced by Cubism, worked with materials such as ebony and chrome-plated steel, bringing a distinctly modernist approach to Art Deco jewelry.^[143] Other notable names in the Art Deco movement include Boucheron, Lacloche, and Danish silversmith Georg Jensen, known for his work with silver and less expensive gemstones. American jewelry houses such as Tiffany & Co., Black, Starr & Frost, and Marcus & Co. also made significant contributions, producing pieces that included clocks and objets d'art, as well as jewelry.^[144]

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  Bottles, unknown designer or producer (1920s)
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  The Firebird by René Lalique (1922), Dayton Art Institute, US
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  Parrot vase by Lalique (1922), Cincinnati Art Museum, US
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  Window for a steel mill office by Louis Majorelle (1928), Grands bureaux des Aciéries de Longwy, Longlaville, France
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  Skyscraper Lamp, designed by Arnaldo dell'Ira (1929), Arnaldo dell'Ira Collection
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  Angular chandeliers by Lanchester & Lodge (c. 1929–1936), Brotherton Library, University of Leeds, West Yorkshire, UK^[145]
• 
  Vase by Daum (c. 1930–1935), Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Stained glass windows by Jean Gaudin (1932–1934), Amiens Cathedral, Amiens, France

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.^[146]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.^[146]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.^[146]

The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.^[146] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.^[147]

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  A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
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  Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
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  Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)
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  Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).^[148]

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.^[149] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.

Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.

For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.

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  Jardin Majorelle in Marrakesh, Morocco, by Paul Sinoir (1931)
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  Fiat Tagliero Building in Asmara, Eritrea, by Giuseppe Pettazzi (1938)^[150]
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  St. Peter's Cathedral in Rabat, Morocco (1938)
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  Railway Station in Ressano Garcia, Mozambique (1945)

Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.

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  Kologdam Building in Bandung, Indonesia (1920)
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  Tokyo Metropolitan Teien Art Museum in Tokyo, Japan (1933)
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  New India Assurance Building in Mumbai, India (1936)
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  National Diet Building in Tokyo, Japan (1936)
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  Ankara railway station in Ankara, Turkey (1937)
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  Cebu Provincial Capitol in Cebu City, Philippines (1938)
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  Dare House in Chennai, India (1940)
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  General Post Office in Bangkok, Thailand (1940)

Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano, Pablo Antonio and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.

The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.^[151] Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.^[151] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.^[151]

Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.^[152] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.^[153][154]

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  Grace Building in Sydney, Australia (1930–31)
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  Sound Shell in Napier, New Zealand (1931)
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  Façade of the Castlemaine Art Museum, Australia (1931), architect Percy Meldrum, frieze by Orlando Dutton
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  Elmslea Chambers in Goulburn, Australia (1933)
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  Anzac Memorial in Sydney, Australia (1934)
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  Holyman House in Launceston, Tasmania, Australia (1936)
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  Century Building in Melbourne, Australia (1939)

Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.

Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.^[155][156] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.^[157]

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  Verizon Building in New York City, USA (1923–1927)
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  Miami Art Deco District in South Beach, Florida, USA (1925–1940s)
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  KiMo Theater's Pueblo Deco architecture in Albuquerque, New Mexico, USA (1927)
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  Bullocks Wilshire in Los Angeles, California, USA (1929)
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  The Price Building in Quebec City, Quebec, Canada (1930)
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  Louisiana State Capitol in Baton Rouge, Louisiana, USA (1930–1932)
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  Buffalo City Hall in Buffalo, N.Y., USA (1931)
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  Jefferson County Courthouse in Beaumont, Texas, USA (1931)
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  Niagara Mohawk Building in Syracuse, N.Y., USA (1932)
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  Cincinnati Union Terminal in Cincinnati, Ohio, USA (1933)
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  Interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts) in Mexico City, Mexico (1934)
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  Vancouver City Hall in Vancouver, British Columbia, Canada (1935)
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  Edificio El Moro in Mexico City, Mexico (1936)
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  Monumento a la Revolución in Mexico City, Mexico (1938)

In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).

In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.

In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.

Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.

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  Bacardi Building in Havana, Cuba (1930)
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  Hotel Nacional de Cuba in Havana, Cuba (1930)
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  Lopez Serrano Building in Havana, Cuba (1932)
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  A rundown Art Deco building in Havana, Cuba
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  Plaza del Mercado de Ponce in Ponce, Puerto Rico, US (1941)

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  Théâtre des Champs-Élysées in Paris, France (1910–1913)
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  Helsinki Central Station in Helsinki, Finland (1919)
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  National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg (Brussels), Belgium (1919–1969)
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  Mossehaus with Art Deco elements by Erich Mendelsohn in Berlin, Germany (1921–1923)
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  Radio Kootwijk in Kootwijk, Netherlands (1927)
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  Capitol Building in Madrid's Gran Vía, Spain (1931)
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  Milano Centrale railway station in Milan, Italy (1931)
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  Éden Theatre in Lisbon, Portugal (1931)
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  Embassy of France in Belgrade, Serbia (1933)
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  Daily Express Building in Manchester, UK (1936–1939)
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  Palais de Tokyo, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, France (1937)
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  Ventilation tower of the Maastunnel in Rotterdam, Netherlands (1937)^[158]
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  Rivoli Theater in Porto, Portugal (1937)
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  Mayakovskaya Station in Moscow, Russia (1938)

The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower [de] in Hanover and the Borsig Tower [af] in Berlin.^[159]

One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.^[160]

Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).

During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,^[57] as well as the design of various public buildings.^[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.^{[78][161][162]}

The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,^[163] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.

Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new design after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more Art Deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The Art Deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.^[164]

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  Lacerda Elevator in Salvador, Bahia, Brazil (1930)
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  Kavanagh Building in Buenos Aires, Argentina (1934–1936)
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  Viaduto do Chá in São Paulo, Brazil (1938)
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  Pacaembu Stadium in São Paulo, Brazil (1940)
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  Palácio Duque de Caxias in Rio de Janeiro, Brazil (1941)
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  Central do Brasil Station in Rio de Janeiro, Brazil (1943)
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  Abasto Market in Buenos Aires, Argentina (c. 1945)
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  Entrance of the Higher University of San Andrés in La Paz, Bolivia (1946)
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  Altino Arantes Building in São Paulo, Brazil (1947)
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  Palacio Municipal and fountain in Laprida (Buenos Aires), Argentina

Art Deco in South America is especially present in countries that received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh Building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed and is a notable example of late Art Deco style.

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  The Miami Beach Architectural District in Miami, Florida, protects historical Art Deco buildings.
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  Telephone Company Building on Calea Victoriei in Bucharest (1929–1934) by Walter Froy, Louis S. Weeks and Edmond van Saanen Algi, qualified as a monument istoric (Romanian for historic monument)
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  Strada Romulus no. 75 in Bucharest (1930s) by unknown architect, in a state of decay
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  U-Drop Inn, a roadside gas station and diner on U.S. Highway 66 in Shamrock, Texas (1936), now a historical monument
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  Messeturm in Frankfurt, Germany, by Helmut Jahn (1990), a Postmodern building that is reminiscent of Art Deco architecture^[165]
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  Rue Henri Heine no. 3–5 in Paris by J.J. Ory (2001), a neo-Art Deco building^[166]
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  Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, by David M. Schwarz (2012), a neo-Art Deco building
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  Capella Hanoi in Vietnam (2021), a neo-Art Deco building

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic Art Deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest Art Deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an Art Deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.^[167] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes Art Deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.^{[167][168][169][170]}

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  Municipal Auditorium of Kansas City, Missouri: Hoit Price & Barnes, and Gentry, Voskamp & Neville (1935)
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  Niagara Mohawk Building, Syracuse, N.Y.. Melvin L. King and Bley & Lyman, architects, completed in 1932
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  Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Federico Mariscal, completed in 1934
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  Women's Smoking Room at the Paramount Theatre, Oakland. Timothy L. Pflueger, architect (1931)
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  Henryk Kuna, Rytm ("Rhythm"), in Skaryszewski Park, Warsaw, Poland (1925)
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  Snowdon Theatre, Montreal, Quebec, Canada. Daniel J. Crighton, architect. Opened 1937, closed in 1984
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  Federal Art Project poster promoting milk drinking in Cleveland (1940)
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  Lobby, Empire State Building, New York City. William F. Lamb, opened in 1931
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  U.S. Works Progress Administration poster, John Wagner, artist, ca. 1940
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  Rotunda ceiling of Union Terminal in Cincinnati, Ohio; Paul Philippe Cret, Alfred T. Fellheimer, Steward Wagner, Roland Wank(1933)
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  U.S. postage stamp commemorating the 1939 New York World's Fair (1939)
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  The Statue of Hygieia in Art Deco style in Kraków, Poland (1932)

• Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). Design of the 20th Century (25th anniversary ed.). Köln: Taschen. pp. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

• Art Deco Miami Beach
• Art Deco Mumbai
• Art Deco Montreal
• Art Deco Society of Washington
• living room interior design
• Art Deco Rio de Janeiro
• Art Deco Shanghai
• Art Deco Museum in Moscow
• Art Deco Society New York
• Art Deco Society of Los Angeles Archived 17 May 2015 at the Wayback Machine
• Art Deco Walk in Montreal