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デニス・オッペンハイム（1938年9月6日 - 2011年1月21日）は、アメリカのコンセプチュアル・アーティスト、パフォーマンス・アーティスト、アース・アーティスト、彫刻家、写真家であった。
オッペンハイムの初期の芸術活動は、ミニマリストの戦略に呼応する芸術の認識論的調査であり、場所と文脈に焦点を当てるように拡大した。彼の作品は、ギャラリーの物理的特性の認識から社会的および政治的文脈へと発展した。[ 1 ]
オッペンハイムの父親はロシアからの移民で、母親はカリフォルニア出身だった。[ 2 ]彼はワシントン州エレクトリック・シティで生まれたが、父親はグランド・クーリー・ダムで技師として働いていた。[ 3 ] [ 4 ]その後まもなく、一家はサンフランシスコ湾岸地域の自宅に戻った。オッペンハイムはリッチモンド高校に通った。[ 5 ]
彼は後にカリフォルニア美術工芸大学に入学し、そこで最初の妻カレン・マリー・キャケットと出会った。[2 ]オッペンハイムとキャケットはホノルルに移り住み、彼はハワイ大学で教鞭を執り、 1959年に長女クリスティンが生まれた。[ 2 ] 1962年には次男エリックが生まれた。[ 2 ] 1964年にオークランドのカリフォルニア美術工芸大学で美術学士号を取得し、 1965年にはパロアルトのスタンフォード大学で美術修士号を取得した。 [ 7 ] 1966年にニューヨークに移り住み、ノースポートの保育園とロングアイランドのスミスタウンの中学校で美術を教えながら、30歳だった1968年にニューヨークで初の個展を開催する準備を進めた。彼の3番目の子供であるチャンドラ[ 2 ]は、その年にフィリス・ジャルベールとの間に生まれた[ 8 ] 。 1972年、オッペンハイムは美術部門でグッゲンハイム・フェローシップ[ 9 ]を授与された。
1981年に彫刻家のアリス・エイコックと結婚し、彼女はその後も親しい友人であり続けた。1998年にエイミー・プランブと結婚し、その後も夫婦関係は続いた。[ 10 ] オッペンハイムは1967年から2011年1月21日に72歳で癌で亡くなるまで、トライベッカの住居兼アトリエのロフトに住んでいた。[ 2 ]
コンセプチュアル作品： ニューヨーク、パリ、アムステルダムで制作され、写真で記録されたシリーズ「インデンテーションズ」（1968年）は、物体を取り除き、その場所にある各物体の印象を露出させることで構成されていました。 「ビューイング・ステーションズ」 （1967年）は、陸地の景色を観察するためのプラットフォームとして構築され、視覚の具現化された概念を示唆しています。[ 1 ]アーティストは土台をアートそのものとして提示し、鑑賞者は見られる対象となり、[ 1 ]コンセプチュアルな反転が起こります。
土塁： オッペンハイムの土塁では、社会システムが自然システムに重ね合わされていました。[ 1 ]『年輪』 （1968年）では、米国とカナダの国境であるセントジョンズ川の両岸で雪を耕すことで、木の年間成長を示す線の図式が描かれました。この土塁は、地政学的境界、時間帯、木の成長、エントロピー的崩壊[ 1 ]を関連付けた、先駆的なサイトスペシフィック作品です。
身体 – パフォーマンス作品： オッペンハイムの身体芸術は、アースワークを制作する際の自身の身体への意識から生まれた。これらの作品では、アーティストの身体が主題であると同時に客体でもあり、自己の外ではない表面上で作業する機会を与え、作品に対する完全なコントロールを可能にした。これらの身体芸術行為は後にパフォーマンスアートの規範に取り込まれた。[ 1 ]「第二度熱傷のための読書姿勢」 （1970年）では、オッペンハイムは開いた本を胸に乗せて5時間ビーチに横たわり、太陽に身をさらした。オッペンハイムはこの作品を絵画の身体的な実践と表現し、「赤くなる行為を感じることができた」と述べている。[ 11 ]
遺伝的作品： オッペンハイムは、自身の一部とみなしていた子供たちと共同で一連の作品を制作した。2部作「2- ステージ転送ドローイング（未来の状態へ進む）」では、息子が父親の背中にその絵を再現しようとするのと同時に、オッペンハイムが壁に絵を描いている。この手順は「2- ステージ転送ドローイング（過去の状態へ戻る）」（1971年）で逆転し、オッペンハイムが息子の背中に絵を再現する。静止画、フィルム、ビデオテープで記録されたこれらのパフォーマンスは、最初に床から天井までループするフィルム投影として展示された。また、最初の妻と「フォーミング・サウンズ」 （1972年）で共同制作し、 「ポラティーズ」（1972年）と「アイデンティティ・トランスファー」（1970年）では父親のデイヴィッド・オッペンハイムに言及している。
映画／ビデオ・インスタレーション：オッペンハイムは1970年代初頭にインスタレーション・アートの 制作を始めた。これらの作品はしばしば自伝的な内容を含んでいた。 『リコール』 （1974年）では、ビデオモニターがインスタレーションの構成要素として、テレピン油の入った鍋の前に設置されている。モニターには、テレピン油の匂いに誘われて、1950年代の美術学校での経験について、オッペンハイムが意識の流れをそのまま言葉にする様子がクローズアップで映し出されている。
ポストパフォーマンスの伝記的作品： オッペンハイムが「ポストパフォーマンス」と呼んだ8つの作品シリーズでは、アーティストは代理のパフォーマンス人物を通して、アヴァンギャルドの終焉、自身の芸術制作について、対立する対話、あるいは『Theme for a Major Hit』（1974年）のように、ソーホーのアーティストのバンドが録音した自身の歌詞「何をするかではなく、何をさせるか」のロックソングに合わせてモーター制御で演技する形で語った。ポストモダンの根底にある内容を反映して、それは「自身の起源の分析」[ 12 ]であり、「その脆弱性への認識」[ 12 ]でもある。
機械作品： 1980年代初頭、部屋サイズの彫刻インスタレーションは、作品が形になる前の起源を視覚化するために、工場や機械の形をとりました。『ファイナル・ストローク - ガラス工場プロジェクト』 （1981年）は、思考パターンを可動部品に例えました。掃除機や電動ヒーターは、アイデアの生産における加工段階として、ふるい、樋、積み重ね、通気口を通して原材料を活性化させました。機械は花火の投影構造となり、 『ニュートンの重力発見』 （1984年）のように、空中に思考の線を描き出しました。
彫刻： 1980年代後半も彫刻作品において音、光、動きを使い続けているが、そのイメージには様々なスケールの日常的な物体や、物体同士の衝突が見られる。いくつかの作品には動物が登場する。『消化。石膏のジプシー』（1989年）では、剥製の鹿の群れが角の先端から炎を噴き出している。
公共彫刻：オッペンハイムは、Device to Root Out Evil (1997) で傾斜と片持ち梁の形態を実験的に試みました。ヴェネツィア・ビエンナーレの一部として出品されたこの作品は、田舎の教会の屋根と尖塔に手吹きのヴェネツィアングラスを使用しています。1999年には、半透明の波形グラスファイバーを使用したバージョンがパルマ・デ・マヨルカに恒久作品として設置されました。その後に行われた委託公共作品では、オッペンハイムは建物や場所の機能を作品自体に統合しました。Jump and Twist (1999) は、3つの部分からなる工業的かつ人類学的な作品です。広場、建物のファサード、アトリウムの天井から半透明の回転する形態として吊り下げられています。デンバーの司法センターにある公共作品Light Chamber (2011) は、多くの花びらから派生した半透明の壁を持つ開放的な部屋です。