エドヴァルド・ムンク

エドヴァルド・ムンク
日付不明の写真のムンク
生まれる	( 1863-12-12 )1863年12月12日 オーダルスブルック、レーテン、スウェーデン - ノルウェー
死亡	1944年1月23日（1944年1月23日）（80歳） オスロ、ノルウェー
国籍	ノルウェー語
知られている	絵画・グラフィックアーティスト
注目すべき作品	叫び マドンナ 病気の子供
動き	表現主義、象徴主義

エドヴァルド・ムンク( / m ʊ ŋ k / MUUNK、^[1] ノルウェー語: [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ^ⓘ ; 1863年12月12日 - 1944年1月23日）はノルウェーの画家。1893年の作品『叫び』は西洋美術で最も高く評価されている作品の一つとなっている。

彼の幼少期は、病気、死別、そして家族に受け継がれた精神疾患の恐怖に悩まされた。クリスチャニア（現在のオスロ）の王立美術デザイン学校で学んだムンクは、ニヒリストのハンス・イェーガーの影響を受けてボヘミアンな生活を送り始めた。イェーガーはムンクに、自分の感情や心理状態を描くように勧めた（「魂の絵画」）。そこから彼の独特のスタイルが生まれた。

旅は新たな影響と表現の場をもたらした。パリでは、ポール・ゴーギャン、フィンセント・ファン・ゴッホ、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックから、特に色彩の使い方について多くを学んだ。ベルリンでは、スウェーデンの劇作家アウグスト・ストリンドベリと出会い、ストリンドベリの絵を描き、愛、不安、嫉妬、裏切りなど、情緒豊かな一連のテーマを描いた、後に「生命のフリーズ」と呼ぶことになる一連の大作に着手した。

叫びはクリスチャニアで着想を得た。ムンクによると、日没時に散歩していたとき、「自然の巨大で果てしない叫び声を聞いた」という。この絵の苦悩する顔は、現代人の不安と広く結び付けられている。1893年から1910年の間に、ムンクは2枚の油絵と2枚のパステル画、さらに数枚の版画を制作した。パステル画の1枚は、最終的にオークションで絵画作品の名目価格の4番目に高い値段で落札された。

名声と富が増すにつれ、彼の感情は不安定なままだった。彼は一時的に結婚を考えたが、決心することはできなかった。1908年に精神を病んだため、彼は大酒を断たざるを得なくなったが、クリスチャニアの人々からますます受け入れられ、市内の美術館で展示されるようになったことで、彼は励まされた。晩年は、平穏でプライベートな制作生活を送っていた。彼の作品はナチス占領下のヨーロッパでは禁止されていたが、そのほとんどは第二次世界大戦を生き延び、彼に遺産を残した。

エドヴァルド・ムンクは、ノルウェーのローテン県オーダルスブルク村の農家で、ローラ・キャサリン・ビョルスタッドと牧師の息子クリスチャン・ムンクの子として生まれた。クリスチャンは医者で医療官で、1861年に半分の年齢の女性であるローラと結婚した。エドヴァルドには、姉のヨハンネ・ゾフィーと、3人の妹、ピーター・アンドレアス、ローラ・キャサリン、インガー・マリーがいた。ローラは芸術的才能があり、エドヴァルドとゾフィーを励ましていたかもしれない。エドヴァルドは画家のヤコブ・ムンクや歴史家のペーター・アンドレアス・ムンクと親戚関係にあった。^[2]

1864年、クリスティアン・ムンクがアーケシュフース要塞の医務官に任命されると、家族はオスロ（当時はクリスチャニアと呼ばれ、1877年にクリスチャニアに改名）に移住した。エドヴァルドの母は1868年に結核で亡くなり、ムンクのお気に入りの妹ヨハンネ・ゾフィーも1877年に亡くなった。 ^[3]母の死後、ムンク姉弟は父と叔母カレンに育てられた。エドヴァルドは冬の間ずっと病気で学校に行けなかったため、暇つぶしに絵を描いたり、学校の友達や叔母に家庭教師をつけられた。クリスティアン・ムンクは息子に歴史と文学も教え、生き生きとした幽霊話やアメリカの作家エドガー・アラン・ポーの物語で子供たちを楽しませた。^[4]

エドヴァルドの記憶によれば、クリスティアンの子供たちに対する前向きな態度は、彼の病的な敬虔さによって影を潜めていた。ムンクは「父は神経質で、精神神経症になるほどの強迫観念にとらわれた。私は父から狂気の種を受け継いだ。生まれた日から、恐怖、悲しみ、死の天使たちが私のそばにいた」と書いている。 ^[5]クリスティアンは子供たちを叱責し、母親が天国から見下ろして子供たちの不品行を嘆いていると伝えた。抑圧的な宗教環境、エドヴァルドの不健康、そして鮮明な幽霊話が、彼の不気味な幻想や悪夢を刺激し、死が絶えず迫っていると感じていた。^[6]ムンクの妹の一人、ローラは幼い頃に精神疾患と診断された。5人兄弟のうち、アンドレアスだけが結婚したが、結婚から数ヶ月後に亡くなった。ムンクは後に「私は人類の最も恐ろしい敵である結核と狂気という遺産を受け継いだ」と書いている。^[7]

クリスチャン・ムンクの軍人としての給料は非常に低く、個人的な副業をしようとしたが失敗し、家族は上品ではあるが常に貧困だった。^[3]彼らは安いアパートから別のアパートへと頻繁に引っ越した。ムンクの初期のデッサンや水彩画には、こうした室内や、薬瓶や描画用具などの個々の物体、そして風景が描かれている。10代になると、ムンクの関心は芸術に大きく傾いた。^[8] 13歳のとき、ムンクは新しく結成された芸術協会で初めて他の芸術家と接し、ノルウェーの風景画派の作品に感銘を受けた。彼は絵画を模写するために戻り、すぐに油絵を描き始めた。^[9]

エドヴァルド・ムンクは、姉のローラ・カトリーヌが精神疾患に苦しみ施設に収容されていたこと、また当時一般的だった遺伝的精神異常の信念のせいで、自分が狂ってしまうのではないかという恐怖をしばしば表明していた。^[10]彼の芸術の批評家たちも彼を狂気と非難し、この言葉は完全に侮辱的な意味で使われた。1886年に彼の絵画『病める子供』が初めてオスロで展示されたとき、グスタフ・ヴェンツェルと他の若い写実主義者たちがムンクを取り囲み、「狂人」と非難した。別の批評家ヨハン・シャルフェンベルクは、ムンクが「精神異常の家族」の出身であるため、彼の芸術もまた「狂っている」と述べた。^{[11]彼には}境界性人格障害があったと主張する者もいる。境界性人格障害は、見捨てられることへの恐怖、慢性的な空虚感、衝動的な行動、その他さまざまな症状を特徴とする精神障害である。^{[12] [13]}ムンクはアルコール依存症も患​​っていたが、これはBPDの衝動性とよく関連する特徴である。 ^[a]

1879年、ムンクは工学を学ぶために専門学校に入学し、物理学、化学、数学で優秀な成績を収めた。縮尺図や透視図法を学んだが、度重なる病気で勉強が中断した。^[14]翌年、父親の失望をよそに、ムンクは画家になる決意で大学を中退した。父親は芸術を「不道徳な商売」とみなし、近所の人々は激しく反発し、匿名の手紙を送った。^[15]父親の過激な敬虔主義とは対照的に、ムンクは芸術に対して独断的な姿勢をとらなかった。日記に自分の目標をこう記した。「私は芸術で人生とその意味を自分自身に説明しようと努める。」^[14]

1881年、ムンクはクリスチャニア王立美術デザイン学校に入学した。同校の創立者の一人は、彼の遠縁のヤコブ・ムンクである。彼の教師は彫刻家のユリウス・ミデルトゥンと自然主義画家のクリスティアン・クローグであった。^[16]その年、ムンクは学校で学んだ人物画をすぐに吸収したことを、父親の肖像画や最初の自画像を含む最初の肖像画で示した。1883年、ムンクは最初の公開展覧会に参加し、他の生徒たちとスタジオを共有した。^[17]悪名高いボヘミアン、カール・イェンセン＝イェルの全身肖像画は、批評家から「印象派の極みだ。芸術の茶番だ」と否定的な反応を招いた。^{[18]この時期のムンクの裸体画は、1887年の}「裸の立像」を除いてスケッチしか残っていない。それらは父親に没収されたのかもしれない。^[19]

印象派は若い頃からムンクに影響を与えた。^[20] 若い頃、彼は自然主義や印象派を含む多くのスタイルを試した。初期の作品のいくつかはマネを彷彿とさせる。これらの試みの多くはマスコミから不利な批判を招き、生活費として少額の援助をしていた父親からも絶えず叱責された。^[18]しかし、ある時点で、ムンクの父は、おそらくムンクの従兄弟であるエドヴァルド・ディリクス（定評のある伝統的な画家）の否定的な意見に影響されたのか、少なくとも1枚の絵画（おそらく裸婦画）を破壊し、画材のための資金をこれ以上前払いすることを拒否した。^[21]

ムンクはまた、地元のニヒリストで「破壊への情熱は創造への情熱でもある」という規範を掲げ、自由への究極の道として自殺を主張していたハンス・イェーガーとの関係で、父親の怒りを買った。 ^[22]ムンクは、彼の悪意に満ちた反体制の魔法にかかってしまった。「私の考えはボヘミアン、いやむしろハンス・イェーガーの影響下で発展した。多くの人が私の考えはストリンドベリやドイツ人の影響下で形成されたと誤って主張しているが、それは間違いだ。その時には既に形成されていたのだ。」^[23]当時、他の多くのボヘミアンとは対照的に、ムンクは女性に対してまだ敬意を持っており、控えめで礼儀正しかったが、仲間内の大酒と喧嘩に屈し始めた。彼は当時起こっていた性革命と、周囲にいる自立した女性たちに動揺していた。彼は後に性的な事柄に関して冷笑的になり、それは彼の行動や芸術だけでなく、著作にも表れ、その一例が『自由愛の都市』と呼ばれる長編詩である。^[24]

数多くの実験を経て、ムンクは印象派の表現方法では十分な表現ができないという結論に至った。彼はそれが表面的で、科学的な実験にあまりにも似ていると感じた。彼は、より深く掘り下げて、感情的な内容と表現力に満ちた状況を探求する必要性を感じた。ムンクは「自分の人生を書き記せ」、つまり自分の感情的、心理的状態を探求すべきだというイェーガーの命令の下、若い芸術家は反省と自己検討の期間を開始し、自分の考えを「魂の日記」に記録した。^[25]このより深い視点は、彼の芸術に対する新しい見方を導くのに役立った。彼は、妹の死を題材にした絵画「病める子供」（1886年）が最初の「魂の絵画」であり、印象派からの最初の離脱だったと書いている。この絵画は批評家や家族から否定的な反応を受け、コミュニティから「道徳的憤慨の激しい爆発」を再び引き起こした。^[26]

友人のクリスチャン・クローグだけが彼を擁護した。

彼は他の画家とは異なる方法で絵を描き、あるいは物事を見つめる。彼は本質だけを見ており、当然のことながら、彼が描くのは本質だけである。このため、ムンクの絵は一般に「完成していない」のだが、人々はそれを自分で発見して大いに喜ぶ。ああ、そうだ、それらは完成している。彼の完全な作品だ。芸術は、芸術家が自分の心にあることをすべて本当に表現したときに完成する。そして、これこそが、ムンクが他の世代の画家たちに対して持っている利点である。彼は自分が感じたこと、自分をとらえたことを私たちにどう見せるかを本当に知っており、他のすべてをこれに従属させているのだ。^[27]

ムンクは1880年代から1890年代初めにかけて、自身の作風を定義するのに苦闘しながら、様々な筆致の技法や色彩パレットを採用し続けた。^[28]彼の表現方法は、 『ハンス・イェーガーの肖像』に見られるような自然主義的なものと、『ラファイエット街』に見られるような印象主義的なものの間を行き来し続けた。またもや混乱と論争の嵐を巻き起こした『浜辺のインゲル』（1889年）は、簡素化された形式、太い輪郭、鋭いコントラスト、そして彼の成熟した作風の感情的な内容を暗示していた。^[29]彼は緊張と感情を生み出すために、慎重に構成を計算し始めた。作風的にはポスト印象派の影響を受けていたが、進化したのは、外部の現実ではなく心の状態を描く、象徴的な内容の主題であった。1889年、ムンクはそれまでのほぼすべての作品を展示した初の個展を開催した。この功績が認められ、フランスの画家レオン・ボナのもとでパリで2年間の国費留学が認められた。^[30]

ムンクは芸術形式としての写真に対する初期の批評家であったようで、「天国や地獄で写真が撮れるようになるまで、写真が筆やパレットと競合することは決してないだろう」と述べた。^[31]

ムンクの妹ローラは、1899年の室内画『憂鬱：ローラ』の題材となった。アマンダ・オニールはこの作品について、「この熱く閉所恐怖症を誘発する場面で、ムンクはローラの悲劇だけでなく、自分が受け継いだかもしれない狂気に対する自身の恐怖も描いている」と述べている。^[32]

ムンクは万国博覧会（1889年）の祝賀期間中にパリに到着し、2人のノルウェー人画家と同室となった。彼の絵画「朝」（1884年）はノルウェー館で展示された。^[33]彼は午前中をボナの忙しいスタジオ（女性モデルもいた）で過ごし、午後は展覧会、ギャラリー、美術館（そこでは生徒は技術と観察を学ぶ方法として模写をすることが求められた）で過ごした。 ^[34]ムンクはボナのデッサンの授業にあまり熱心ではなかったと記録している。「疲れるし退屈だ。感覚が麻痺する」。しかし美術館訪問の際には巨匠の解説を楽しんだ。^{[35] [36]}

ムンクは、ポール・ゴーギャン、フィンセント・ファン・ゴッホ、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックという、感情を伝えるために色彩を用いたことで有名な3人の芸術家を含む、ヨーロッパ近代美術の膨大な展示に魅了された。 ^[36]ムンクは特に、ゴーギャンの「リアリズムに対する反発」と「芸術は人間の営みであり、自然の模倣ではない」という彼の信条に触発された。この信念は、以前にホイッスラーが述べたものである。 ^[37]ベルリンの友人の一人が後にムンクについて述べたように、「彼は人間の本質の原始性を見て経験するためにタヒチに行く必要はない。彼は自分の中にタヒチを持っているのだ。」^[38]ゴーギャンやドイツ人芸術家マックス・クリンガーのエッチングに影響を受けたムンクは、作品のグラフィック版を作成する媒体として版画を試みた。 1896年に彼は最初の木版画を制作したが、これはムンクの象徴的なイメージに理想的な媒体であることが証明された。^{[39]同時代の}ニコライ・アストルプとともに、ムンクはノルウェーにおける木版画の革新者と考えられている。 ^[40]

1889年12月、父が亡くなり、ムンクの家族は貧困に陥った。ムンクは帰国し、裕福な親戚が援助してくれなかったため、裕福なノルウェーの収集家から多額の融資を受け、それ以降は家族の経済的責任を引き受けた。^[41]クリスティアンの死は彼を落ち込ませ、自殺願望に悩ませた。「私は死んだ人たちと一緒に生きている。母、姉、祖父、父…自殺したら終わりだ。なぜ生きるのか？」^{[42]翌年のムンクの絵画には、スケッチ風の居酒屋の風景や、}ジョルジュ・スーラの点描画法を試みた一連の明るい都市風景画が含まれていた。^[43]

1892年までに、ムンクは、色彩が象徴的な要素である『憂鬱』 （1891年）に見られるように、特徴的で独自の総合主義的 スタイルを形作っていた。画家でジャーナリストのクリスティアン・クローグは、ノルウェー人画家による最初の象徴主義絵画とみなした『憂鬱』は、1891年オスロの秋季展覧会で展示された。^[44] 1892年、ベルリン芸術家連合の代表であるアデルスティーン・ノーマンは、11月の展覧会にムンクを招待した。 ^[45]これは、協会初の個展であった。しかし、彼の絵画は激しい論争を引き起こし（「ムンク事件」と呼ばれた）、1週間後に展覧会は終了した。^[45]ムンクはこの「大騒ぎ」に満足し、手紙に次のように書いている。「こんなに楽しい時間を過ごしたことはなかった。絵画のような無邪気なものが、これほど騒ぎを起こすとは信じられない。」^[46]

ベルリンでムンクは国際的な作家、芸術家、批評家たちと交流を深め、その中にはスウェーデンの劇作家で著名な知識人アウグスト・ストリンドベリも含まれ、1892年にストリンドベリの絵を描いた^。[47]また、デンマークの作家で画家のホルガー・ドラハマンとも出会い、1898年に彼の絵を描いた。ドラハマンはムンクより17歳年上で、 1893年から1894年にかけてツム・シュヴァルツェン・フェルケル（黒豚の酒場）で飲み仲間だった。^[48] 1894年にドラハマンはムンクについてこう書いている。「彼は懸命に奮闘している。孤独なノルウェー人よ、あなたの奮闘に幸運を祈る」^[49]

ベルリンでの4年間で、ムンクは彼の主要作品である『生命のフリーズ』のほとんどのアイデアをスケッチした。この作品は当初は本の挿絵用にデザインされたものだったが、後に絵画で表現された。^[50]作品はほとんど売れなかったが、物議を醸した絵画を鑑賞するために入場料を徴収することでいくらかの収入を得た。^[51]ムンクは絵画に滴りが現れるようにし始め、それは「死の床で」（1895年）の絵画版で初めて微妙に見られた。この効果は、非常に薄めた絵の具を使用し、意図的に滴りを含ませたことから生まれた。^[52]当初、この効果は作品の端に見えたが、後に「死の床で」（1915年）に見られるように滴りはより中央に現れるようになった。絵の具が流れる効果は、後に多くの芸術家によって採用された。

カジノのシーンを含む他の絵画では、初期の成熟期のスタイルを特徴づける、形とディテールの単純化が見られる。^{[53]ムンクはまた、正面の人物像に対して浅い絵画空間と最小限の背景を好むようになった。『}灰』のように、心の状態や心理的状態を最も説得力のあるイメージにするためにポーズが選ばれたため、人物像は記念碑的で静的な性質を与えている。ムンクの人物像は劇場の舞台で役を演じているように見える (『病室の死』)。その固定された姿勢のパントマイムはさまざまな感情を意味している。『叫び』のように、各キャラクターが単一の心理的次元を体現しているため、ムンクの男性と女性は写実的というより象徴的に見えるようになった。彼は「もはや室内、読書をする人々、編み物をする女性を描くべきではない。そこには生きた人々がいて、呼吸し、感じ、苦しみ、愛するのだ」と書いている。^[54]

『叫び』には4つのバージョンがある。パステル画2種（1893年と1895年）と絵画2種（1893年と1910年）である。また、 『叫び』のリトグラフも数種存在する（1895年以降）。^[55]

1895年のパステル画は、2012年5月2日のオークションで、手数料込みで1億1992万2500ドルで落札された。この版画は最も色彩豊かで^[56]、背景の人物の一人が下を向いているのが特徴的である。また、ノルウェーの美術館に所蔵されていない唯一の版画でもある^{[57] 。}

1893年版は1994年にオスロ国立美術館から盗まれ、回収された。1910年版は2004年にオスロのムンク美術館から盗まれたが、2006年に損傷は限定的ながら回収された。^[58]

『叫び』はムンクの最も有名な作品であり、あらゆる芸術作品の中でも最もよく知られている絵画の一つである。現代人の普遍的な不安を表現していると広く解釈されている。^[54]派手な色彩の広い帯と非常に単純化された形で描かれ、高い視点を採用したこの作品は、苦悩する人物像を感情的危機の苦しみに苦しむ頭蓋骨にまで縮小している。^[要出典]

この絵によって、ムンクは「魂の研究、つまり自分自身の研究」という自らの目標を達成した。^[59]ムンクは、この絵が描かれた経緯について次のように書いている。「私は2人の友人と道を歩いていたが、日が沈んだ。突然、空が血のように赤くなった。私は立ち止まり、言い表せないほどの疲労を感じ、柵にもたれかかった。炎と血の舌が青黒いフィヨルドに広がった。友人たちは歩き続け、私は恐怖に震えながら遅れていった。その時、自然の巨大で無限の叫びが聞こえた。」^[60]彼は後に、この絵の背後にある個人的な苦悩について次のように述べている。「数年間、私はほとんど気が狂っていた... 私の絵『叫び』を知っていますか? 私は限界まで引き伸ばされ、自然が私の血の中で叫んでいた... その後、私は再び愛することができるという希望を捨てた。」^[61]

2003年、美術史家マーサ・テデスキは、この絵画を他の偉大な作品と比較して、次のように書いています。

ホイッスラーの『母』、ウッドの『アメリカン・ゴシック』、レオナルド・ダ・ヴィンチの『モナ・リザ』、エドヴァルド・ムンクの『叫び』は、美術史的重要性、美しさ、金銭的価値にかかわらず、ほとんどの絵画が成し遂げていないことを成し遂げている。つまり、ほぼすべての鑑賞者に特定の意味を即座に伝えるということである。これらの数少ない作品は、美術館を訪れるエリート層の世界から、大衆文化の巨大な舞台へと移行することに成功した。 ^[62]

1893年12月、ベルリンのウンター・デン・リンデンでムンクの展覧会が開催され、他の作品とともに「愛の連作のための習作」と題された6点の絵画が展示された。これが、後に彼が「生命のフリーズ ― 生命、愛、死についての詩」と呼んだ連作の始まりであった。「嵐」や「月光」などの「生命のフリーズ」のモチーフは雰囲気に満ちている。「バラとアメリ」や「愛と痛み」など、他のモチーフは愛の夜行性の側面を照らしている。 「病室の死」では、妹ゾフィーの死が主題となっており、彼は後にこのテーマを何度も手直ししている。家族全員を描いたこの絵画の劇的な焦点は、悲しみを表すばらばらでばらばらの人物像に分散している。1894年、彼は「不安」 、「灰」、 「聖母」、 「 3段階の女性（無邪気さから老年期まで）」を追加して、モチーフの範囲を広げた。^[65]

20世紀初頭、ムンクは「フリーズ」の完成に取り組んだ。彼は多数の絵画を描いたが、そのうちのいくつかはより大きなサイズで、当時のアール・ヌーヴォーの美学をある程度反映していた。彼は当初「アダムとイブ」と呼ばれていた大作「メタボリズム」（1898年）のために、レリーフを彫った木枠を作った。この作品は、ムンクの「人間の堕落」へのこだわりと、愛に対する悲観的な哲学を明らかにしている。「空の十字架」や「ゴルゴタ」（どちらも 1900年頃）などのモチーフは形而上学的な志向を反映しており、ムンクの敬虔な生い立ちも反映している。フリーズ全体が初めて公開されたのは、1902年にベルリンで開催された分離派展であった。 ^[66]

「生命のフリーズ」のテーマはムンクの作品全体に繰り返し現れているが、彼は1890年代半ばに特にこのテーマに力を入れた。スケッチ、絵画、パステル画、版画で、彼は感情の奥底に触れ、人生の段階、ファム・ファタール、愛の絶望、不安、不貞、嫉妬、性的屈辱、生と死の分離といった主要なモチーフを探求した。^[67]これらのテーマは、『病める子供』（1885年）、『愛と痛み』（『吸血鬼』に改題、1893年 - 1894年）、『灰』（1894年）、『橋』などの絵画に表現されている。『橋』には、特徴のない、または顔を隠したぐったりした人物が描かれており、その上には重々しい木々と陰気な家々の不気味な形が迫りくる。ムンクは、女性を、か弱く無邪気な苦しみを抱く女性（『思春期』および『愛と痛み』を参照）として、あるいは、大きな憧れ、嫉妬、絶望の原因となる女性（『別離』、『嫉妬』および『灰』を参照）として描写した。

ムンクは、恐怖、脅迫、不安、性的激しさなどのオーラを強調するために、人物の周囲に影や色の輪をよく用いている。^[68]これらの絵画は、アーティストの性的不安の反映であると解釈されてきたが、愛そのものに対する彼の不安定な関係や、人間の存在に対する彼の一般的な悲観主義を表していると主張することもできる。^{[69]これらのスケッチや絵画の多くは、} 『マドンナ』、『手』、『思春期』など、いくつかのバージョンで描かれ、木版画やリトグラフとしても転写された。ムンクは、自分の作品をひとつの表現体と考えていたため、自分の絵画を手放すことを嫌がった。そのため、生産を活用して収入を得るために、彼はグラフィックアートに目を向け、このシリーズを含む多くの絵画を複製した。^[70]ムンクは自分の作品の個人的な目的を認めていたが、より広い目的のためにも自分の芸術を提供した。「私の芸術は実際には自発的な告白であり、人生との関係を自分自身に説明しようとする試みです。したがって、それは実際には一種のエゴイズムですが、私はこれを通じて他の人が明晰さを達成できるように常に望んでいます。」^[71]

強い否定的な反応を引き起こしながらも、1890年代にはムンクは自身の芸術的目標についてある程度理解され始め、ある批評家は「形式、明瞭さ、優雅さ、全体性、写実性に対する容赦ない軽蔑をもって、彼は直感的な才能の強さで魂の最も微妙なビジョンを描く」と書いている。^[72]ベルリンでの彼の偉大な支持者の一人は、後にドイツ外務大臣となるヴァルター・ラーテナウであり、彼の成功に大きく貢献した。

ムンクの作品の半分以上が風景画であるにもかかわらず、ムンクが風景画家であると見られることはめったにありません。しかし、ムンクは自然のいくつかの要素に執着しており、それが作品全体に繰り返し登場するモチーフとなりました。海岸線と森はどちらもムンクの作品の重要な舞台です。ムンクが感情を伝えるために自然をどのように利用したかに焦点を当てたのが、クラーク美術館で開催されている「エドヴァルド・ムンク：震える大地」展のテーマです。

1896年、ムンクはパリに移り、そこで「生命のフリーズ」のテーマのグラフィック表現に集中した。彼はさらに木版画とリトグラフの技法を発展させた。ムンクの「骸骨の腕を持つ自画像」（1895年）は、パウル・クレーも使用したエッチング針とインクの手法で描かれている。^{[73]ムンクはまた、}結核を題材にした「病める子供」の多色版を制作し、よく売れたほか、数枚のヌードと「接吻」（1892年）の複数のバージョンを制作した。^[73] 1896年5月、ジークフリート・ビングはビングのアール・ヌーヴォーの家の中でムンクの作品展を開催した。この展覧会では、「接吻」、「叫び」、「聖母」、「病める子供」、「死の部屋」、「翌日」を含む60点の作品が展示された。ビングの展覧会は、ムンクをフランスの観客に紹介するのに役立った。^[74]それでも、パリの批評家の多くは、ムンクの展覧会が真剣に注目され、観客も多かったにもかかわらず、ムンクの作品を「暴力的で残酷」だとみなしていた。^[75]経済状況はかなり改善し、1897年にムンクはクリスチャニアのフィヨルドに面した夏の別荘を購入した。ノルウェーの小さな町オースゴーストランドに18世紀後半に建てられた小さな漁師の小屋だった。彼はこの家を「幸福な家」と名付け、その後20年間、ほぼ毎年夏にここに帰った。^[76]海外にいるときや、落ち込んで疲れたときに彼が恋しかったのはこの場所だった。「オースゴーストランドを歩くのは、自分の絵の間を歩いているようなものだ。ここにいると、絵を描くインスピレーションが湧いてくる」。

1897年、ムンクはクリスチャニアに戻り、そこでも渋々受け入れられた。ある批評家は「これらの絵のかなりの数は以前にも展示されている。私の意見では、これらは知り合いよりも優れている」と書いている。 ^[76] 1899年、ムンクは「解放された」上流階級の女性、トゥッラ・ラーセンと親密な関係を始めた。彼らは一緒にイタリアを旅し、帰国後、ムンクは風景画や「生命のフリーズ」シリーズの最後の絵画である「生命のダンス」（1899年）を含む、芸術の新たな豊穣期を迎えた。^[78]ラーセンは結婚を熱望していたが、ムンクはそうではなかった。飲酒と体調不良が彼の恐怖を強め、彼は三人称で次のように書いている。「彼は子供の頃から結婚を嫌っていた。彼の病弱で神経質な家庭は、彼に結婚する資格がないと感じさせていた。」^[79]ムンクはトゥッラに屈しそうになったが、1900年に彼女から逃げ出し、彼女の莫大な財産も捨ててベルリンに移住した。^[79] 18の異なるバージョンが制作された彼の「桟橋の娘たち」 ^{[説明が必要]}は、否定的な意味合いなしに女性の若さというテーマを表現した。^[70] 1902年、彼はベルリン分離派のホールでテーマに沿って作品を展示し、「シンフォニックな効果を生み出し、大きな騒ぎを引き起こし、多くの反対と多くの賛同を生み出した」。^[80]ベルリンの批評家たちは、一般の人々がまだ彼の作品を異質で奇妙だと感じていたにもかかわらず、ムンクの作品を評価し始めていた。

好意的な報道により、ムンクは影響力のあるパトロンであるアルベルト・コールマンとマックス・リンデの注目を集めた。彼は日記に、この出来事の展開を「20年間の苦闘と悲惨の後、ついに善の力がドイツで私を助けにやって来て、明るい道が開けた」と記している。^[81]しかし、この前向きな変化にもかかわらず、ムンクの自滅的で突飛な行動は、まず他の芸術家との激しい口論につながり、次に和解のために一時戻ってきたトゥッラ・ラーセンの前で誤って銃を撃ち、2本の指を負傷することになった。ムンクは後に、銃撃とその後の出来事の結果、自分とラーセンを描いた自画像を半分に切断した。 ^[82]ラーセンは最終的に彼のもとを去り、ムンクの年下の同僚と結婚した。ムンクはこれを裏切りと受け止め、しばらく屈辱に囚われ、その苦悩の一部を新しい絵画に注ぎ込んだ。^[83] 1906年から1907年にかけて描かれた彼の絵画「静物画（殺人者）」と「マラーの死I」は、銃撃事件と感情的な余波を明確に表現している。^[84]

1903年から1904年にかけて、ムンクはパリで展覧会を行った。大胆な色彩で知られるフォーヴィスムの画家たちが、おそらくムンクの作品を見てインスピレーションを得たのであろう。1906年にフォーヴィスム派が独自の展覧会を開いたとき、ムンクは招待され、彼らの作品と一緒に自分の作品を展示した。 ^[85]ロダンの彫刻を研究した後、ムンクはデザインの助けとして粘土を試したかもしれないが、彫刻はほとんど制作しなかった。 ^[86]この間、ムンクは肖像画や版画の注文を多く受け、それによっていつも不安定だった彼の経済的状況が改善された。^[87] 1906年、ムンクはベルリンのドイツ劇場にあった小さなカンマーシュピーレ劇場でイプセンの劇のスクリーンを描いた。そこには『生命のフリーズ』が掛けられていた。劇場長マックス・ラインハルトが後にそれを売却し、現在はベルリン国立美術館に所蔵されている。^[88]初期の風景画の時期を経て、1907年にムンクは再び人物や状況に目を向けた。^[89]

1908 年の秋、ムンクの不安は過度の飲酒と喧嘩によって悪化し、深刻化していた。後に彼は「私の状態は狂気の瀬戸際だった。危うい状態だった」と書いている。^[90]幻覚と迫害感に悩まされた彼は、ダニエル・ヤコブソンの診療所に入院した。その後 8 か月間、ムンクが受けた治療には、食事療法と「電気療法」（当時神経疾患の治療に流行していたもので、電気けいれん療法と混同しないように）が含まれていた。^[91]ムンクは入院生活で性格が安定し、1909 年にノルウェーに帰国した後、作品はより色彩豊かになり、悲観的ではなくなった。ムンクの気分がさらに明るくなり、クリスチャニアの一般大衆はついに彼の作品に好感を持ち、美術館が彼の絵画を購入するようになった。彼は「芸術への貢献」により、聖オーラヴ王立騎士団の騎士に叙せられた。 ^[92]彼のアメリカでの最初の展覧会は 1912 年にニューヨークで行われた。^[93]

回復の一環として、ジェイコブソンはムンクに親しい友人とだけ付き合い、公共の場で飲酒しないようにアドバイスした。ムンクはこのアドバイスに従い、その過程で友人やパトロンの質の高い全身肖像画を数点制作した。お世辞のない正直な描写だった。 ^[94]また、ムンクは風景画や仕事や遊びの場面も制作した。その際、新しい楽観的なスタイル、つまり、白を多用し黒を稀に使う、鮮やかな色彩の広く緩やかな筆遣いを用いた。彼の病的なテーマは時折しか触れられなかった。収入が増えたムンクは、芸術に新たな展望を与える不動産をいくつか購入することができ、ついに家族を養うことができた。^[95]

第一次世界大戦の勃発により、ムンクは忠誠心が二分され、「私の友人は皆ドイツ人だが、私が愛しているのはフランスだ」と述べた。 ^[96] 1930年代、彼のドイツ人パトロンの多くはユダヤ人であったが、ナチ運動の台頭により財産を失い、中には命を落とした者もいた。^[97]ムンクは、彼のグラフィック作品を印刷していたドイツ人の代わりにノルウェーの印刷業者を見つけた。^[98]健康状態が悪かったため、1918年、ムンクはその年に世界的大流行となったスペイン風邪を生き延びられたのは幸運だったと感じていた。^[99]

ムンクは、オスロのスコイエンにあるエケリーのほぼ自給自足の邸宅で、最後の20年間のほとんどを孤独に過ごした。 ^[100]晩年の作品の多くは農場生活を讃えたもので、そのなかには愛馬「ルソー」をモデルにした作品もいくつかある。^[101]ムンクは努力しなくても、女性モデルを次々と惹きつけ、多数のヌード画の題材にした。おそらく、そのうちの何人かと性的関係を持ったと思われる。^{[102]ムンクは、}フライア・チョコレート工場のために描いたものを含め、依頼を受けて壁画を描くためにときどき家を離れた。^[103]

ムンクは生涯を通じて容赦なく自画像を描き続け、生涯にわたる自己探求のサイクルと、感情的および肉体的状態に対する断固たる一連の解釈に付け加えた。1930年代から1940年代にかけて、ナチスはムンクの作品を「退廃芸術」と名付け（ピカソ、クレー、マティス、ゴーギャン、その他多くの現代芸術家の作品とともに）、ドイツの美術館から82点の作品を撤去した。 ^[104] アドルフ・ヒトラーは1937年に「先史時代の石器時代の文化の野蛮人と芸術にどもる連中は、祖先の洞窟に戻って原始的な国際的なひっかき傷を負わせてもいい」と宣言した。^[105]

1940年、ドイツ軍がノルウェーに侵攻し、ナチ党が政権を握った。ムンクは76歳だった。自宅の2階にほぼ全てのコレクションを所蔵していたムンクは、ナチスによる没収を恐れて暮らしていた。ナチスに奪われた絵画のうち71点は、収集家による購入を通じてノルウェーに返還されたが（残りの11点は回収されず）、その中には『叫び』や『病める子供』も含まれていた。これらもナチスから隠されていた。^[106]

ムンクは1944年1月23日、80歳の誕生日の約1か月後にオスロ近郊のエケリーにある自宅で亡くなった。ナチスが仕組んだ彼の葬儀はノルウェー人に彼がナチスの同調者であることを示唆し、独立した芸術家の一種の盗用となった。^[107]オスロ市は1946年にムンクの相続人からエケリーの土地を購入し、彼の家は1960年5月に取り壊された。^[108]

ムンクが亡くなったとき、残された作品はオスロ市に遺贈され、市はトイエンにムンク美術館を建設した（1963年に開館）。この美術館には約1,100点の絵画、4,500点の素描、18,000点の版画のコレクションがあり、世界で最も広範なムンクのコレクションとなっている。^[110]ムンク美術館はムンクの公式遺産であり、^[110]著作権侵害への対応や作品の著作権クリアランスにも積極的に取り組んでおり、例えば2006年のM&Mの広告キャンペーンにムンクの「叫び」が登場した。^{[111]ムンク美術館とエドヴァルド・ムンク財団の米国著作権代理人は}アーティスト権利協会である。^[112]

ムンクの芸術は非常に個人的なものであり、彼はほとんど教育をしませんでした。彼の「私的な」象徴主義は、ギュスターヴ・モローやジェームズ・アンソールなどの他の象徴主義の画家のそれよりもはるかに個人的なものでした。ムンクは、特に彼の哲学「私は、人間が心を開こうとする衝動から生まれたものではない芸術を信じない」に従っていたドイツ表現主義者に非常に大きな影響を与えました。^[54] 『叫び』を含む彼の絵画の多くは、非常に個人的な意味に加えて、普遍的な魅力を持っています。

ムンクの作品は現在、ノルウェー国内外の数多くの主要な美術館やギャラリーに展示されています。彼の小屋「幸福の家」は 1944 年にオースゴーストストランドの自治体に寄贈され、小さなムンク美術館として機能しています。作品の目録は彼が残した当時の状態のまま維持されています。

1994年、ナショナル・ギャラリーから『叫び』の1つのバージョンが盗まれた。2004年には、ムンク美術館から大胆な白昼の強盗により『叫び』の別のバージョンとマドンナの1つが盗まれた。これらはすべて最終的に回収されたが、2004年の強盗で盗まれた絵画は大きな損傷を受けていた。それらは細心の注意を払って修復され、再び展示されている。2005年にはホテル・レフスネス・ゴッズからムンクの作品3点が盗まれたが、そのうち1点は強盗の際に損傷を受けたものの、すぐに回収された。^[113]

2006年10月、色彩豊かな木版画 『二人。孤独な人』（To mennesker. De ensomme）がオスロのオークションで810万クローネ（127万米ドル、2023年の価値で190万ドルに相当）で落札され、彼の版画作品の新記録を樹立した。また、ノルウェーのオークションで支払われた最高額の記録も樹立した。^[114] 2008年11月3日、絵画『吸血鬼』がニューヨークのサザビーズで3816万2000米ドル（2023年の価値で5400万ドルに相当）で落札され、彼の絵画作品の新記録を樹立した。

ムンクの肖像は、彼の作品に触発された絵とともに、ノルウェーの1,000クローネ紙幣（シリーズVII、2001年から2020年まで有効）に掲載されました。 ^[115]

2012年2月、フランクフルトのシルン美術館でムンクの大規模な展覧会「エドヴァルド・ムンク。現代の眼」が開幕し、ノルウェーのメッテ＝マーリット皇太子妃がオープニングを飾った。^{[116] [117]}

2012年5月、『叫び』は1億1,990万ドル（2023年の価値で1億5,910万ドルに相当）で落札され、公開オークションで落札された美術作品の中で2番目に高額となった。（2013年11月には『ルシアン・フロイドの三つの習作』が1億4,240万ドルで落札され、この記録を上回った。） ^[118]

2013年、ノルウェー郵便局はムンクの生誕150周年を記念して、ムンクの絵画4点を描いた切手シリーズを発行した。^[119]

2016年11月14日、ニューヨークのサザビーズでムンクの「橋の上の娘たち」が5,450万ドル（2023年の価値で6,920万ドルに相当）で落札され、ムンクの絵画としては2番目に高い価格となった。^[120]

2019年4月、大英博物館は「エドヴァルド・ムンク：愛と不安」展を開催し、 83点の作品が展示されたが、その中には『叫び』の珍しいオリジナルプリントも含まれていた。^[121]

2022年5月、コートールド美術館は「エドヴァルド・ムンク。ベルゲンの傑作」展を開催し、ノルウェーの実業家ラスムス・マイヤーのコレクションから18点の絵画を展示した。 ^[122]

2023年6月、クラーク美術館は「エドヴァルド・ムンク：震える大地」展を開催した。これはムンクが自然を利用して絵画の中でより深い意味を伝えた方法に焦点を当てた米国初の展覧会であった。「震える大地」には、ムンク美術館のコレクションからの作品が多く含まれる75点以上の作品と、めったに見られない個人コレクションからの絵画や版画が40点以上展示された。^[123]

2023年9月、ベルリン近代美術館はオスロのムンク美術館と共同で「エドヴァルド・ムンク。北の魔法」展を開催した。この展覧会にはエドヴァルド・ムンクの作品約80点が展示され、19世紀末のベルリンのシュプレー川沿い​​の北の概念と近代美術シーンを形作った他の芸術家の作品も展示された。^[124]

2023年11月には、ポツダムのバルベリーニ美術館もオスロのムンク美術館と共同で「エドヴァルド・ムンク：震える大地」展を開催した。この展覧会はベルリニシェ・ギャラリー展と8週間重なっており、両展覧会はフランク＝ヴァルター・シュタインマイヤードイツ大統領とノルウェー国王ハーラル5世陛下の共同後援を受けていた。展覧会には他の機関からの110点以上の貸出作品が含まれていた。^[125]

1911年、オスロ大学アウラ（集会所）の大壁の装飾をめぐる最終コンペがムンクとエマヌエル・ヴィーゲランの間で行われた。このエピソードは「アウラ論争」として知られている。1914年、ムンクは最終的にアウラの装飾を依頼され、作品は1916年に完成した。ノルウェーの記念碑的絵画のこの主要な作品には、223平方メートル^（ 2,400平方フィート）に及ぶ11枚の絵画が含まれている。太陽、歴史、母校がこの一連の主要な作品である。ムンクは次のように宣言した。「私は装飾が完全で独立した思想の世界を形成することを望み、その視覚表現がノルウェー特有のものであり、普遍的な人間性を持つことを望みました」。2014年、アウラの絵画の価値は少なくとも5億クローネあると示唆された。^{[126] [127]}

2007年、ムンクの『浜辺の夏の夜』は、ヒトラーのオーストリア併合後の1938年3月にユダヤ人の夫とともにナチスから逃れることを余儀なくされたアルマ・マーラーの孫娘に返還された。^{[128] [129]} 2008年、バーゼル美術館は、ユダヤ人収集家カート・グレイザーの相続人からの、黒、赤、青で描かれた裸婦リトグラフであるムンクのマドンナの請求を却下した。 ^[130] 2012年、ベルリンのクプファーシュティヒカビネットは、ナチスによって追放されたユダヤ人収集家カート・グレイザーの相続人に、ムンクの素描3点を返還した。 ^{[131] 2012年、}フーゴ・シモンの相続人からの『叫び』の請求は、オークションにかけられたため却下された。^[132] 2023年にムンクの『浜辺のダンス』はグレイザー家の相続人とノルウェーの船主でムンクの隣人であり収集家でもあったトーマス・オルセンの相続人との間で合意の対象となった。^[133]

• 1885–1886:病気の子供
• 1892年:カール・ヨハンの夕べ
• 1893年:叫び
• 1894年:アッシュ
• 1894年:絶望
• 1894年:三段階の女性
• 1894–1895:マドンナ
• 1894–1896:憂鬱
• 1895年:思春期
• 1895年:タバコを吸う自画像
• 1895年:病室での死
• 1899–1900:人生のダンス
• 1899–1900:亡き母
• 1903年:月明かりの村
• 1940年〜1942年:自画像。時計とベッドの間。

• 
  灰、1894年、キャンバスに油彩、120.5 cm × 141 cm（ 47+1 ⁄ 2 インチ ×  55+1 ⁄ 2 インチ）。ナショーナルギャラリー、オスロ
• 
  生命のダンス、1899–1900年、キャンバスに油彩、126 cm × 191 cm（ 49+1 ⁄ 2 インチ × 75 インチ)、 Nasjonalgalleriet、オスロ
• 
  モンテカルロのルーレットテーブルにて、1892年、74.5 cm × 116 cm（29+1 ⁄ 4 インチ ×  45+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  病室の死1893年134 cm × 160 cm ( 52+3 ⁄ 4 インチ × 63 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  星月夜1893年135.6 cm × 140 cm ( 53+1 ⁄ 2 インチ × 55 インチ）、 J. ポール ゲティ美術館
• 
  不安1894年94 cm × 74 cm (37 in ×  29+1 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  絶望1894年92 cm × 72.5 cm ( 36+1 ⁄ 4 インチ ×  28+1 ⁄ 2 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  愛と痛み（ヴァンパイア）、1895年、91 cm × 109 cm（ 35+3 ⁄ 4 インチ × 43 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  病室での死、c。 1895 年、キャンバスに油彩、150 cm × 168 cm (59 インチ × 66 インチ)、ナショーナルギャラリー、オスロ
• 
  分離、1896年、96 cm × 127 cm（37+3 ⁄ 4 インチ × 50 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  声 / 夏の夜、1896年、90 cm × 119 cm（35+1 ⁄ 2 インチ ×  46+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  赤と白1899–1900年93 cm × 129 cm ( 36+1 ⁄ 2 インチ ×  50+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  ゴルゴタ、1900年、キャンバスに油彩、ムンク美術館、オスロ
• 
  キスIV、1902年、木版画、47 cm × 47 cm（18+1 ⁄ 2 インチ ×  18+1 ⁄ 2 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  オースガルドストランドの4人の少女、1903年、87 cm × 111 cm（34+1 ⁄ 4 インチ ×  43+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  ブローチ、エヴァ・ムドッチ、1903年、紙にリトグラフ印刷、76 cm × 53.2 cm（30インチ × 21インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  フリードリヒ・ニーチェの肖像、1906年、ティールギャラリー、ストックホルム
• 
  嫉妬1907年75 cm × 98 cm ( 29+1 ⁄ 2 インチ ×  38+1 ⁄ 2 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  太陽、1910-1911年、450 cm × 772 cm（177+1 ⁄ 4 インチ × 304 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  疾走する馬、1910-12年、148 cm × 120 cm（58+1 ⁄ 4 インチ ×  47+1 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  黄色い丸太、1912年、129.5 cm × 159.5 cm（51インチ ×  62インチ）+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  帰宅途中の労働者たち、1913-14年、227 cm × 201 cm（89+1 ⁄ 4 インチ ×  79+1 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ

• 
  手、1893年、キャンバスに油彩、91 x 77 cm、ムンク美術館、オスロ
• 
  思春期、1894–1895年、キャンバスに油彩、151.5 x 110 cm、国立美術館（ノルウェー）
• 
  海から来た女性（部分）、1896年、キャンバスに油彩。100 cm × 320 cm（39+1 ⁄ 2 インチ × 126インチ)
• 
  メタボリズム、1898–1899年、172 cm × 142 cm（67+3 ⁄ 4 インチ × 56 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  マラーの死 I 1907年、150 x 199 cm、ムンク美術館、オスロ
• 
  水浴する男たち、1907–1908年、キャンバスに油彩、206 x 227.5 cm、アテネウム、ヘルシンキ
• 
  泣く女、1907–1909年、キャンバスに油彩、個人蔵
• 
  朝のあくび、1913年、キャンバスに油彩、108 × 98 cm、ベルゲン美術館
• 
  泣く裸婦1913–1914年110 cm × 135 cm ( 43+1 ⁄ 4 インチ ×  53+1 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  籐椅子のそばのモデル、1919–1921年、キャンバスに油彩、122.5 × 100 cm、ムンク美術館、オスロ

• 
  自画像、1882年、26 cm × 19 cm（10+1 ⁄ 4 インチ ×  7+1 ⁄ 2 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  地獄の自画像、1903年、82 cm × 66 cm（32+1 ⁄ 4 インチ × 26 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  筆を持つ自画像、1904年、197 cm × 91 cm（77+1 ⁄ 2 インチ ×  35+3 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  ワインボトルを持った自画像、1906年、110 cm × 120 cm（43+1 ⁄ 4 インチ ×  47+1 ⁄ 4 インチ）、ムンク美術館、オスロ
• 
  スペイン風邪にかかった自画像、1919年、キャンバスに油彩、150 x 131 cm、国立美術館（ノルウェー）
• 
  自画像。時計とベッドの間。1940～1943年頃、ムンク美術館、オスロ

• 
  小さな湖とボート、1880年、油彩、紙、板、12 x 18 cm、ムンク美術館、オスロ
• 
  サンドビケンより、c。 1882年、厚紙に油彩、20 ​​x 25 cm、フラットン美術館
• 
  サクセゴーズゲートより、c。 1882年、キャンバスに油彩、リレハンメル美術館、リレハンメル
• 
  「灰」のスケッチ、1894年、キャンバスに油彩、ベルゲン美術館
• 
  列車の煙、1900年、84 cm × 109 cm（33 in × 43 in）、ムンク美術館、オスロ
• 
  赤い家のある海岸、1904年、キャンバスに油彩、69 × 109 cm、ムンク美術館、オスロ
• 
  海辺の風景、1918年、キャンバスに油彩、120.9 x 160、バーゼル美術館
• 
  星月夜、1922-1924年、キャンバスに油彩、120.5 x 100 cm、ムンク美術館、オスロ
• 
  冬の夜、エケリー、1930-1931年、キャンバスに油彩

• 
  ヴァルネミュンデの午前53時の自画像、1907年、ムンク美術館、オスロ
• 
  ヴァルネミュンデの海岸にいるエドヴァルド・ムンク、1907年、ムンク美術館、オスロ
• 
  自画像「マラット」、1908 ～ 1909 年、ムンク美術館、オスロ
• 
  自画像 大陸のどこかにて I、1906年、ムンク美術館、オスロ
• 
  26歳の時のポートレート
• 
  エドヴァルド・ムンクの肖像 1902年
• 
  エドヴァルド・ムンクの肖像
• 
  1912年のムンク
• 
  ヴァーネミュンデのホテル・ローンのローザ・マイスナー、1907年、写真、ムンク美術館、オスロ

• エドヴァルド・ムンク、1974年の伝記映画
• ナチスが略奪した美術品の賠償請求リスト

ウィキメディア・コモンズには、エドヴァルド・ムンクに関連するメディアがあります。

Wikiquote にはエドヴァルド・ムンクに関する引用があります。

• 近代美術館のエドヴァルド・ムンク
• オスロは「オールド・ムンク」で盛り上がる
• オルガのギャラリーでのムンク 2007 年 8 月 31 日、 Wayback Machineにアーカイブ— ムンクの作品の大規模なオンライン コレクション (200 点以上の絵画)
• artcyclopedia の Munch
• WikiGallery.org の Edvard Munch
• 展覧会「エドヴァルド・ムンク L'oeil moderne」—ポンピドゥー・センター、パリ 2011
• ノルウェー国立美術館、建築デザイン博物館のエドヴァルド・ムンク 2019年3月25日アーカイブ、Wayback Machineより