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ランドアートは、アースアート、環境アート、アースワークなどとも呼ばれ、1960年代から1970年代にかけて出現した芸術運動です。 [ 1 ]主にイギリスとアメリカ合衆国と関連付けられていますが[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]、他の多くの国の例も含まれています。トレンドとして、「ランドアート」は、使用される素材と作品の設置場所において、伝統的な芸術制作の境界を拡大しました。使用される素材は、その場所で見つかる土壌、岩石、植生、水など、地球の素材であることが多く、設置場所は人口密集地から遠く離れていることが多いです。アクセスがかなり困難な場合もありますが、写真による記録は一般的に都市の美術館に持ち込まれます。[ 3 ] [ 5 ] [ 6 ]
この芸術運動の関心は、芸術制作の商業化への拒絶と、台頭しつつあったエコロジー運動への熱意を中心に展開している。この運動の始まりは、都市生活とその対極にあるものへの拒絶、そして田園生活への熱意が広まった時期と重なっている。こうした傾向には、地球を人類の故郷とする精神的な憧れも含まれていた。[ 7 ] [ 8 ]
ランドアートは、当時の「大量生産された文化的残骸」とは異なり、簡単に商品化できるものではなかったため、1960年代と1970年代に注目を集めました。[ 2 ]この時期、ランドアートの提唱者たちは、美術館やギャラリーを芸術活動の場として拒否し、従来の持ち運び可能な彫刻や商業美術市場の手の届かない、記念碑的な景観プロジェクトを開発しました。ただし、写真による記録は、通常のギャラリースペースで展示されることがよくありました。ランドアートは、ミニマルアートやコンセプチュアルアートだけでなく、デ・ステイル、キュビスム、ミニマリズム、コンスタンティン・ブランクーシやヨーゼフ・ボイスの作品などの近代運動からも影響を受けています。 [ 9 ]初期のアースワークアーティストの一人は、 1955年にコロラド州アスペンにグラスマウンドを制作したハーバート・バイヤーです。[ 10 ] [ 2 ]
ランドアートは1960年代に正式な芸術運動として確立されましたが、そのルーツは丘陵に描かれた地上絵やジオグリフといった、はるか昔の伝統にあります。イースト・サセックス州にあるリトリントン・ホワイトホースは、丘の斜面を削り取って下の自然な白亜層を露出させる「減法」と呼ばれる手法で制作された20世紀の土木作品の一例です。場所固有の作品であるため、その形状は丘陵地の傾斜によって決まり、周囲の植生が作品を覆い隠してしまうのを防ぐために継続的なメンテナンスが必要となります。これは、ランドアートと自然環境との関係における重要なテーマと言えるでしょう。
ランドアートに関係するアーティストの多くは、ミニマルアートやコンセプチュアルアートに関わっていた。イサム・ノグチが1941年にニューヨーク市に設計したコンタード・プレイグラウンドは、アーティスト自身は自分の作品を「ランドアート」とは呼ばず、単に「彫刻」と呼んでいたにもかかわらず、重要な初期のランドアート作品として解釈されることがある。彼の影響は、現代のランドアート、ランドスケープアーキテクチャー、環境彫刻の多くの作品に見られる。[ 9 ]
アラン・ソンフィストは、歴史的な自然と持続可能なアートをニューヨーク市に取り戻すことで、自然と文化との関わり方に対する斬新なアプローチを採用した。彼の最もインスピレーションに満ちた作品は、ニューヨーク市に植えた在来種の森である「タイム・ランドスケープ」である。 [ 9 ]彼は、土地の歴史的な利用を記録したイタリアのフィレンツェの「サークルズ・オブ・タイム」や、ボストン郊外のデコルドバ彫刻公園美術館など、世界各地で他にもいくつかの「タイム・ランドスケープ」を制作した。1969年にアートフォーラム誌に寄稿した批評家のバーバラ・ローズによれば、彼はギャラリーに閉じ込められたアートの商品化と孤立に幻滅していたという。ダイアン・パーカーはアートネットで次のように書いている。「アーティストのエコロジーに関するメッセージは、今ほど時宜を得たものはないように思えます」と、ホイットニー美術館の名誉館長アダム・ワインバーグは述べている。「60年代以来、[ソンフィストは]土地に関する自身の考えを推し進めてきましたが、世界中で地球温暖化が進んでいる今、それは特に緊急性を帯びています。気候変動への解決策は、科学者や政治家だけでなく、より緑豊かで原始的な未来を構想し実現するアーティストからも必要とされています。」[ 11 ]
2010年代から2020年代にかけての環境理念や取り組みは、スパイラル・ジェッティのように、エントロピーの自然力に任せて環境の中にただ存在するというランドアートの意図に反する可能性があることが指摘されている。これは、これらの人工構造物を通して環境保護を逆説的に促進しているように見える。最近のランドアートの保存の取り組みは、その本来の目的と変化（消失を含む）への開放性に疑問を投げかけている。「スパイラル・ジェッティは確かに古風なモニュメントである…しかし、それを救出し保存しようとする衝動は、他に類を見ないファインアートとして定義づけている。誰かがそれをプラスチック製のバブルドームで覆いたいと思っても驚かないでほしい…さらに皮肉なことに、近くの石油掘削計画がアーティスト、環境活動家、地域住民を動揺させている中、不自然なジェッティの形状をアースアートの象徴として保存することは、この自然の土産物を地面から採取することに対する楔となっている。」[ 12 ]
2021年のフライ・ランチ展など、他の現代的な展覧会では、現代の環境理念を念頭に置き、アートが周囲にどのような影響を与えるかに焦点を当てています。この展覧会では、動物のシェルター、広大なスペースを必要としないソーラーファーム、プランター、浄水器としても機能するアート作品の制作に重点が置かれました。これは、作品をどのように実装するか、ひいては、作品が使用または表現するグリーンエネルギーについて批判的に考えることによって実現されました。[ 13 ]
1967年、ニューヨーク・タイムズ紙に寄稿した美術評論家のグレース・グルックは、スコウヘガン絵画彫刻学校でダグラス・ライヒターとリチャード・サバが行ったのが最初のアースワークであると宣言した。[ 14 ] 1968年に突然現れたランドアートは、主に20代後半の世代のアーティストたちが、その年の高まる政治活動と、台頭してきた環境運動や女性解放運動に反応した結果であると見なすことができる。
20世紀のランドアートの一例として、1968年にニューヨークのドワンギャラリーで開催された「アースワークス」というグループ展がある。 [ 15 ] 1969年2月、ウィロビー・シャープはニューヨーク州イサカのコーネル大学アンドリュー・ディクソン・ホワイト美術館で「アースアート」展を企画した。参加アーティストは、ウォルター・デ・マリア、ヤン・ディベッツ、ハンス・ハーケ、マイケル・ハイザー、ニール・ジェニー、リチャード・ロング、デイヴィッド・メダラ、ロバート・モリス、デニス・オッペンハイム、ロバート・スミッソン、ギュンター・ユッカーであった。展覧会のディレクターはトーマス・W・リーヴィットであった。当時イサカに住んでいたゴードン・マッタ＝クラークは、シャープに招かれ、「アースアート」展のアーティストたちが展覧会のために作品を現地で制作するのを手伝った。
このジャンルで活動したアーティストの中で最も有名なのはロバート・スミッソンだろう。彼の1968年のエッセイ「精神の沈殿：アース・プロジェクト」は、批評家クレメント・グリーンバーグが代表するモダニズムの社会問題からの離脱に対する反動として、この運動の重要な枠組みを提供した。[ 16 ]彼の最も有名な作品であり、おそらくすべてのランド・アートの中で最も有名な作品は、スパイラル・ジェッティ（1970年）である。スミッソンは岩、土、藻類を配置して、米国ユタ州北部のグレート・ソルト湖に突き出た長い（1500フィート）螺旋状の桟橋を形成した。作品のどの部分が見えるかは、変動する水位によって決まる。制作以来、この作品は完全に水に覆われ、その後再び露出した。ディア財団と共同でこの芸術作品を管理するユタ美術館は、[ 17 ]スパイラル・ジェッティに関するプログラムを定期的に企画しており、「ファミリー・バックパック」プログラムもその一つである。[ 18 ]
スミソンの「ひび割れと埃のある砂利の鏡」（1968年）は、自然環境ではなくギャラリー空間に存在するランドアートの一例です。これは、部分的に鏡張りのギャラリーの壁の横に砂利の山が積み上げられたものです。その形態の単純さと素材そのものへの集中という点で、この作品や他のランドアート作品はミニマリズムと親和性があります。また、伝統的に「非芸術的」または「価値がない」と考えられてきた素材の使用という点で、アルテ・ポーヴェラとの関連性もあります。アルテ・ポーヴェラの創始者であるイタリア人のジェルマーノ・チェラントは、ランドアートを推進した最初のキュレーターの一人でした。[ 19 ]
「ランドアーティスト」はアメリカ人が多い傾向があり、[ 2 ]この分野で著名なアメリカ人アーティストには、カール・アンドレ、アリス・アイコック、ウォルター・デ・マリア、ハンス・ハーケ、マイケル・ハイザー、ナンシー・ホルト、[ 20 ]ピーター・ハッチンソン、アナ・メンディエタ、デニス・オッペンハイム、アンドリュー・ロジャース、チャールズ・ロス、アラン・ソンフィスト、ジェームズ・タレルなどがいる。タレルは1972年に、おそらくこれまでで最大のランドアート作品である、アリゾナ州の休火山ローデン・クレーター周辺の地形を再構築する作業を開始した。アメリカ人以外の著名なランドアーティストとしては、イギリス人のクリス・ドルーリー、アンディ・ゴールドスワーシー、リチャード・ロング、オーストラリア人のアンドリュー・ロジャースなどがいる。[ 21 ]アメリカ西部はランドアーティストにとって重要な場所であり、この国が提供する広大なフロンティアと砂漠は、ランドアーティストのキャンバスまたは実験場と見なされていた。[ 22 ]
1973年、ヤツェク・ティリツキは、自然が芸術を生み出すように、自然環境に空白のキャンバスや紙シートを敷き始めました。記念碑、建物、風景を布で包むことで有名なアーティスト、クリストとジャンヌ＝クロードによるいくつかのプロジェクトも、アーティスト自身はこれを誤りと考えていましたが、一部の人々からはランドアートと見なされています。[ 23 ]ジョセフ・ボイスの「社会彫刻」の概念は「ランドアート」に影響を与え、1982年の彼の7,000本のオークの木を植えるプロジェクト「 7000 Eichen 」は、ランドアートのプロセスと多くの類似点があります。ロジャースの「Rhythms of Life」プロジェクトは、世界最大の現代ランドアートプロジェクトであり、海面下から標高4,300m/14,107フィートまでのさまざまなエキゾチックな場所に、世界中に12か所の石の彫刻、つまりジオグリフの連鎖を形成しています。各遺跡には、最大3つの地上絵（大きさは最大40,000平方メートル／430,560平方フィート）が存在する。
アメリカのランドアーティストは、高額なプロジェクトの資金を調達するために主に裕福なパトロンや民間の財団に頼ったり、これらのパトロンや財団から作品制作を依頼されたりしていました。ウォルター・デ・マリアのライトニング・フィールド（1977年）はディア芸術財団から依頼されたものです。[ 24 ] 1970年代半ばの急激な経済不況と、ランドアートが商業美術市場で本質的に売れるものではないことから、[ 22 ]これらの資金源からの資金はほぼ途絶えました。1973年にロバート・スミッソンが飛行機事故で亡くなったことで、この運動は最も重要な指導者の1人を失い、著しい衰退を余儀なくされました。
ランドアート作品は完成までに長い時間を要する傾向があり、未完成のままのものも多い。チャールズ・ロスは1971年に始めたスター・アクシス・プロジェクトに取り組み続けている。 [ 25 ] [ 26 ]マイケル・ハイザーは2022年にシティを完成させ、ジェームズ・タレルはローデン・クレーター・プロジェクトに取り組み続けている。ほとんどの点で、「ランドアート」は主流のパブリックアートの一部となっており、時には「ランドアート」という用語は、自然界のあらゆる種類のアートを指すのに誤用されることがある。たとえ概念的にはランドアートの先駆者たちの前衛的な作品とは関係がなくても。
1960年代のアースアートは、ストーンヘンジ、ピラミッド、ネイティブアメリカンの墳丘、ペルーのナスカの地上絵、カルナックの石、ネイティブアメリカンの埋葬地など、はるか昔のランドアートを彷彿とさせるものもあり、しばしばそのような考古学的遺跡の精神性を喚起した。[ 8 ] [ 3 ]