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風景画、または風景芸術とも呼ばれるこの絵画は、山、谷、川、木々、森などの自然の風景を描いたもので、特に広い風景が主な主題であり、その要素が統一された構図に配置されている。他の作品では、人物の背景となる風景が作品の重要な部分を占めることもある。空はほぼ必ず風景の中に含まれ、天候はしばしば構図の要素となる。詳細な風景を独立した主題として描くことは、すべての芸術的伝統に見られるわけではなく、他の主題を表現する洗練された伝統がすでに存在する場合に発展する。[ 1 ]
西洋絵画と中国美術には、それぞれ1000年以上もの歴史を持つ二つの主要な伝統が存在する。風景画における精神的な要素の認識は、道教をはじめとする哲学的伝統に根ざした東アジア美術の黎明期から見られるが、西洋ではロマン主義の時代になって初めて明確になる。
美術における風景画は、完全に想像上のものもあれば、現実を様々な精度で模写したものもある。絵画の主な目的が、特に建物が目立つように描かれた実際の特定の場所を描写することである場合、それは地形図と呼ばれる。[ 2 ]西洋では版画として非常に一般的なこうした風景画は、美術の風景画よりも劣ると見なされることが多いが、その区別は必ずしも意味のあるものではない。同様の偏見は中国美術にも存在し、文人画は通常想像上の風景を描き、プロの画家は現実の風景を描いた。[ 3 ]
「landscape」という単語は、 17世紀初頭頃にオランダ語のlandschapを英語化したlandskip（綴りは様々）として現代英語に入り、純粋に芸術作品を表す言葉として、絵画を表す言葉として初めて使われたのは1598年である。 [ 4 ] 数十年以内に詩の中で景色を描写するのに使われるようになり、[ 5 ]最終的には実際の景色を表す言葉となった。しかし、開墾された土地を表す同根語のlandscaefまたはlandskipeは古英語には存在していたが、中英語には記録されていない。[ 6 ]
世界中の最も初期の芸術作品には、地面の線や、山、木、その他の自然の特徴を示す描写はあるものの、風景と呼べるものはほとんど描かれていない。人物像のない最も初期の「純粋な風景」は、紀元前1500年頃のミノア美術のフレスコ画である。 [ 7 ]
狩猟の場面、特に古代エジプトのナイル川デルタの葦原という閉鎖的な風景を舞台にした作品は、強い場所の感覚を与えることができるが、全体的な風景よりも、個々の植物の形や人物、動物の姿に重点が置かれている。現在大英博物館に所蔵されているネバムンの墓（紀元前1350年頃）のフレスコ画は、その有名な例である。
風景全体を首尾一貫して描写するには、遠近法や距離の縮尺といった大まかなシステムが必要であり、文献資料から判断すると、これは古代ギリシャのヘレニズム時代に初めて開発されたようだが、大規模な例は現存していない。紀元前1世紀以降の古代ローマの風景はより多く残っており、特にポンペイ、ヘルクラネウムなどの遺跡で保存されている部屋を飾る風景のフレスコ画やモザイク画などが挙げられる。[ 8 ]
山水画（「山水」）と呼ばれる中国の水墨画の伝統では、人間の生活の唯一の兆候は通常、賢者かその小屋の垣間見であり、洗練された風景の背景を用いて人物を描き、この時代の風景画は中国の伝統の中で古典的かつ模倣されやすい地位を保っている。 [ 9 ]
ローマと中国の伝統はいずれも、壮大な山々を背景にした想像上の風景のパノラマを描くのが特徴で、中国では滝が、ローマでは海、湖、川が描かれることが多い。こうした風景描写は、図に示された例のように、人物を描いた前景と遠景のパノラマ風景との間のギャップを埋めるために頻繁に用いられた。これは風景画家にとって長年の課題であった。中国様式では、遠景のみを描くか、あるいはその難しさを回避するために、枯れ地や霧を用いることが多かった。
西洋と東アジアの風景画の大きな違いは、西洋では19世紀まで風景画がジャンルのヒエラルキーの中で低い位置を占めていたのに対し、東アジアでは中国の古典的な山水画が伝統的に最も権威のある視覚芸術の形式であったことである。両地域の美学理論は、画家から最も想像力を必要とすると見なされる作品に最高の地位を与えた。西洋ではそれが歴史画であったが、東アジアではそれが想像上の風景画であり、その有名な画家は、少なくとも理論上はアマチュアの文人であり、中国と日本の数人の皇帝も含まれていた。彼らはまた、詩人であることも多く、彼らの詩と絵は互いに表現し合っていた。[ 10 ]
しかし、西洋では、歴史画には必要に応じて広大な風景の背景が必要とされるようになったため、この理論は風景画の発展に完全に反対するものではなかった。数世紀にわたり、風景画は、宗教的または神話的な物語の場面を構成するために小さな人物像を追加することによって、定期的に歴史画の地位に高められてきた。
西洋中世初期美術では風景への関心はほぼ完全に消え去り、ユトレヒト詩篇のような後期古代作品の複製にのみ生き残っている。この源泉の最後の再解釈である初期ゴシック版では、以前は広大だった風景は構図の隙間を埋める数本の木に縮小され、全体的な空間感覚は失われている。[ 11 ]自然への関心の復活は、当初は主にホルトゥス・コンクルススやミルフルール・タペストリーのような小さな庭園の描写に現れた。アヴィニョンの教皇宮殿にある、密集した木々を背景に働く人や遊ぶ人を描いたフレスコ画は、おそらく一般的な主題の唯一の現存例である。[ 12 ]リウィアの別荘のようなローマ時代の家屋からは、庭園のフレスコ画がいくつか現存している。[ 13 ]
14 世紀には、ジョット・ディ・ボンドーネとその追随者たちが作品の中で自然を認め始め、絵画の中の人物の動きの背景設定として風景の要素をますます取り入れるようになった。[ 14 ] 15 世紀初頭には、風景画はヨーロッパでジャンルとして確立され、人間の活動の舞台として、しばしば宗教的な主題で表現され、エジプトへの逃避途中の休息、東方の三博士の旅、砂漠の聖ヒエロニムスのテーマなどが挙げられた。豪華な装飾写本は風景画の初期発展において非常に重要であり、特にベリー公のいとも豪華な時祷書のような月ごとの労働のシリーズは、慣例的に、ますます大きな風景設定の中に小さな風俗人物を描いた。あまり知られていないトリノ・ミラノ時祷書には特別な進歩が見られ、現在は火災で大部分が失われているが、その発展は世紀の残りの初期ネーデルラント絵画に反映された。 「ハンドG」として知られる画家（おそらくファン・エイク兄弟の一人）は、光の効果を再現することや、前景から遠景への自然な流れを表現することに特に長けていた。[ 15 ]これは、他の画家たちが1世紀以上もの間困難に感じていたことであり、彼らはしばしば、かなりの高さから見ているかのように、手すりや窓枠の上から風景の背景を描くことでこの問題を解決していた。[ 16 ]
15 世紀には、さまざまなタイプの絵画の背景としての風景がますます重要かつ巧みになった。15 世紀末頃には、レオナルド ダ ヴィンチ、アルブレヒト デューラー、フラ バルトロメオなどによる純粋な風景の素描や水彩画が見られたが、絵画や版画における純粋な風景の主題は、まだ小規模で、16 世紀初頭にドイツのドナウ派のアルブレヒト アルトドルファーらによって初めて制作された。[ 17 ]しかし、ジェラール ダヴィッドによる三連祭壇画の翼の外側は、 「1510 年頃～15 年頃」のもので、低地諸国、そしておそらくヨーロッパ全体でも最古のものである。[ 18 ] 同時に、オランダのヨアヒム・パティニールは「世界風景」という、小さな人物像と高い視点を用いたパノラマ風景画のスタイルを発展させ、それは1世紀にわたって影響力を持ち続け、ピーテル・ブリューゲル（父）によって使用され、完成された。イタリアで開発された徹底した遠近法の体系はヨーロッパ中に知られるようになり、大きくて複雑な風景を非常に効果的に描くことが可能になった。
風景は理想化され、主に古典詩から着想を得た牧歌的な理想を反映しており、それはジョルジョーネや若いティツィアーノによって初めて完全に表現され、何よりも丘陵地帯の森林に覆われたイタリアの風景と結びついていました。それは、中国や日本の平野に住む文人が険しい山々を描いたように、イタリアを訪れたことのない北ヨーロッパの画家たちによって描かれました。若い画家たちはイタリアの光を体験するためにイタリアを訪れるよう勧められることが多かったものの、多くの北ヨーロッパの画家は、わざわざイタリアに行くことなく、イタリア風の風景画を売って生計を立てることができました。実際、特定のスタイルは非常に人気があり、何度も模倣できる定型となりました。[ 19 ]
1559年と1561年にアントワープで出版された、匿名の画家（「小風景画の巨匠」と呼ばれる）の素描に基づく全48枚の版画からなる2つのシリーズ（「小風景画」）は、宗教的な内容を持つ想像上の遠景の世界風景画から、日常生活を送る人々が暮らす、識別可能な田舎の邸宅や村を目の高さでクローズアップした描写へと移行したことを示している。世界風景画のパノラマ的視点を捨て、質素で田舎風、さらには地形的な風景に焦点を当てることで、「小風景画」は17世紀のネーデルラント風景画の舞台を整えた。「小風景画」の出版後、低地諸国の風景画家たちは世界風景画を続けるか、「小風景画」によって提示された新しい様式に従うかのどちらかであった。[ 20 ]
異国情緒あふれる風景画の人気は、1636年から1644年にかけてブラジルを旅した後、残りの人生をブラジルの風景画を描くことに費やした画家フランス・ポストの成功からも見て取れる。アルプス山脈を越えたことのない画家たちもラインラントの風景画を売って生計を立てることができたし、また、コルネリス・デ・マンが1639年に描いたスミーレンブルクの風景画のように、特定の依頼を受けて幻想的な風景画を描くことで収入を得た画家もいた。
プッサン[ 21 ]やクロード・ロランなど、17世紀のローマに住み、主に古典的な主題や聖書の場面を同じ風景の中に描いたフランス人画家たちによって、現代の写真や絵画に影響を与え続けている構図の公式が発展した。オランダの同時代の画家たちとは異なり、イタリアとフランスの風景画家たちは、古典神話や聖書の場面を表す小さな人物像を入れることで、自分たちの作品を歴史画としてジャンルの階層内に分類することを望んでいた場合が多かった。サルヴァトール・ローザは、盗賊がしばしば住む南イタリアの荒涼とした風景を描くことで、風景画に絵画的な興奮を与えた。[ 22 ]
17世紀のオランダ黄金時代の絵画では、風景画が劇的に発展し、多くの画家が専門とするようになり、光や天候を描写するための極めて繊細な写実主義的技法が発展しました。海洋画や動物画にはさまざまな様式や時代、下位ジャンルがあり、イタリア風風景画という独特の様式もありました。オランダの風景画のほとんどは比較的小ぶりでしたが、フランドル・バロック絵画の風景画は、依然として人物が描かれていることが多く、特にピーテル・パウル・ルーベンスが自身の邸宅のために描いた一連の作品に見られるように、非常に大きなものが多かったのです。風景版画も人気があり、レンブラントの版画やヘラクレス・セーヘルスの実験的な作品が最高傑作とされています。
オランダ人は、小さな家のために小さな絵画を描く傾向があった。当時の目録に記されているオランダの風景画の専門分野には、バタルジェ（戦闘シーン）[ 23 ]、マネシャインチェ（月光シーン）[ 24 ]、ボスジェス（森林シーン）[25]、ブーデライチェ（農場シーン）[26]、ドルピエ（村のシーン）[27]などがある。当時特定のジャンルとして名付けられてはいなかったが、ローマ遺跡の人気は、当時の多くのオランダの風景画家が、ベールデンストーム後に破壊された修道院や教会など、自分たちの地域の遺跡を描くきっかけとなった。[ 28 ]
ヤコブ・ファン・ライスダールは、オランダ黄金時代の風景画家の中で最も多才な画家とみなされている。[ 29 ]オランダにおける風景画の人気は、カルヴァン主義社会における宗教画の事実上の消滅を反映したものであり、18世紀と19世紀にヨーロッパ全土で宗教画が衰退したこととロマン主義が相まって、風景画は19世紀の美術において、それまでよりもはるかに大きな、より権威ある地位を占めるようになった。
イギリスでは、風景画は当初、肖像画の背景として描かれることがほとんどで、地主の公園や邸宅を暗示するものでした。しかし、その多くはロンドンで、モデルの広大な土地を訪れたことのない画家によって描かれていました。イギリスの風景画の伝統は、アンソニー・ヴァン・ダイクをはじめとする、イギリスで活動していたフランドル出身の画家たちによって築かれましたが、18世紀にはクロード・ロランの作品が熱心に収集され、風景画だけでなく、ケイパビリティ・ブラウンらのイギリス式庭園にも影響を与えました。
18世紀には、水彩画、特に風景画がイギリスの専門分野となり、プロの作品に対する活況な市場と、アレクサンダー・コゼンスなどの著書に見られる人気の技法に従うアマチュア画家が多数存在した。19世紀初頭には、近代で最も高い評価を得ていたイギリスの画家は、ほとんどが風景画に専念しており、ジョン・コンスタブル、JMWターナー、サミュエル・パーマーの作品に見られるような、イギリスの風景に対するロマン主義的な解釈の幅広さを示した。しかし、彼らは皆、歴史画や肖像画が依然として好まれていた当時の美術市場で地位を確立するのに苦労した。[ 30 ]
ジョン・ラスキンが述べたように[ 31 ]、サー・ケネス・クラークが確認したように、ヨーロッパでは風景画が「19世紀の主要な芸術作品」であり「支配的な芸術」であったため、その後の時代には人々は「自然の美しさの鑑賞と風景画を描くことは、私たちの精神活動の正常で永続的な部分であると考える傾向があった」[ 32 ]。クラークの分析では、風景の複雑さをアイデアに変換するヨーロッパの根底にある方法は、4つの基本的なアプローチであった。記述的シンボルの受容、自然の事実に対する好奇心、自然に対する根深い恐怖を和らげるための空想の創造、そして取り戻せるかもしれない調和と秩序の黄金時代への信念である。
18世紀は地形版画にとっても黄金時代であり、風景画では滅多に見られないほど、実際の風景をほぼ正確に描写していた。当初は主に建物を題材としていたが、世紀が進むにつれてロマン主義運動の隆盛とともに、純粋な風景画がより一般的になった。額装して壁に掛けることを想定して作られた地形版画は、20世紀まで非常に人気のある媒体であり続けたが、想像上の風景画よりも格下の芸術形式とみなされることも多かった。
紙に水彩で風景を描くことは、特にイギリスで独特の専門分野となり、他の国とは異なり、風景水彩画だけ、あるいはほぼ風景水彩画だけを描く才能ある画家たちの特別な伝統が発展した。これらの作品は多くの場合、実際の風景を描いたものであったが、時には芸術的効果のために構図が調整されることもあった。絵画は比較的安価で売れたが、制作時間ははるかに短かった。これらのプロの画家たちは、同じく絵を描く「アマチュアの軍団」を訓練することで収入を増やすことができた。[ 33 ]
18世紀後半には、ジョン・ロバート・コゼンス、フランシス・タウン、トーマス・ガーティン、マイケル・アンジェロ・ルーカー、ウィリアム・パース、トーマス・ハーン、ジョン・ワーウィック・スミスといった著名な画家がおり、19世紀初頭には、ジョン・グローバー、ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナー、ジョン・ヴァーリー、ジョン・セル・コットマン、アンソニー・コプリー・フィールディング、サミュエル・パーマーなどがいた。[ 34 ]
ロマン主義運動は風景画への既存の関心をさらに高め、それまで風景画に繰り返し登場していた辺境の荒涼とした風景がより顕著になった。ドイツのカスパー・ダーヴィト・フリードリヒは、17世紀のオランダの例に倣った独特の国民様式が発展していたデンマークでの修業に影響を受けた独特のスタイルを持っていた。彼はこれに準神秘主義的なロマン主義を加えた。フランスの画家たちは風景画の発展が遅かったが、1830年代頃からジャン＝バティスト＝カミーユ・コローやバルビゾン派の他の画家たちがフランスの風景画の伝統を確立し、それは1世紀にわたってヨーロッパで最も影響力のあるものとなり、印象派とポスト印象派は初めて風景画をあらゆる種類の絵画における一般的な様式革新の主要な源泉とした。
新しく成立したネーデルラント連邦共和国のナショナリズムは、17世紀のオランダの風景画の人気の一因であり、19世紀には、他の国々が独自の国民的絵画流派を発展させようと試みる中で、祖国の風景の特別な性質を表現しようとする試みが一般的な傾向となった。ロシアでは、アメリカと同様に、絵画の巨大なサイズ自体がナショナリズムの表明であった。19世紀後半のポーランドにおける風景画の主な代表者は、マクシミリアン・ギェリムスキ、ユゼフ・ヘウモンスキ、スタニスワフ・マスウォフスキであった[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]。
スペインでは、このジャンルの主な推進者はベルギー生まれの画家カルロス・デ・ハエスで、1857年以来マドリードのサン・フェルナンド美術アカデミーで最も活発な風景画教授の一人であった。偉大なフランドルの風景画の巨匠たちに師事した後、彼は屋外で絵を描く技法を開発した。[ 38 ]スペインに戻ったハエスは、生徒たちを連れて田園地帯で絵を描き、彼の指導の下、「画家たちは増え、新しい鉄道システムを利用して国の地形の隅々まで探検した」。[ 39 ] [ 40 ]
アメリカ合衆国において、19世紀中頃から後半にかけて隆盛を極めたハドソン・リバー派は、おそらく最もよく知られたアメリカ独自の風景画の潮流と言えるでしょう。これらの画家たちは、インスピレーションの源となった風景の壮大なスケールを捉えようと、巨大なスケールの作品を制作しました。ハドソン・リバー派の創始者と広く認められているトーマス・コールの作品は、ヨーロッパの風景画の哲学的理想、すなわち自然の美しさを鑑賞することで得られる精神的な恩恵に対する一種の世俗的な信仰と多くの共通点を持っています。アルバート・ビアスタットなど、後期のハドソン・リバー派の画家の中には、自然の荒々しく、時には恐ろしい力に（ロマン主義的な誇張を大いに用いて）より重点を置いた、より穏やかな作品を制作した者もいます。コールの弟子であったフレデリック・エドウィン・チャーチは、同時代の画家たちの思想とヨーロッパの巨匠たちの思想、そしてジョン・ラスキンやアレクサンダー・フォン・フンボルトの著作を融合させ、20世紀を代表するアメリカの風景画家となりました。[ 41 ]カナダの風景画の最高の例は、1920年代に活躍したグループ・オブ・セブンの作品に見ることができる。 [ 42 ]
第一次世界大戦後の時代には確かに以前ほどの影響力はなかったものの、エドヴァルド・ムンク、ジョージア・オキーフ、チャールズ・E・バーチフィールド、ニール・ウェリヴァー、アレックス・カッツ、ミルトン・エイブリー、ピーター・ドイグ、アンドリュー・ワイエス、デイヴィッド・ホックニー、シドニー・ノーランといった画家をはじめとする多くの著名な芸術家が、多様なスタイルで風景画を描き続けた。
山水画は「世界の芸術に対する中国の最大の貢献」[ 45 ]と呼ばれており、その特別な特徴は中国文化における道教の伝統に由来する[ 46 ] 。ウィリアム・ワトソンは、「中国絵画における山水画の役割は、西洋における裸体画の役割に相当すると言われている。つまり、それ自体は不変の主題でありながら、無限のニュアンスを持つ視覚と感情の媒体となっている」と述べている[ 47 ] 。
漢王朝以降、狩猟、農業、動物などを描いた人物画の背景には、ますます洗練された風景が描かれるようになり、現存する例のほとんどは墓から出土した石や粘土のレリーフで、当時の絵画の流行様式に従っていると考えられているが、オリジナルの絵画の完全な効果を捉えているとは言えないだろう。[ 48 ] 10世紀以前の有名な画家（その多くは文献に記録されている）による作品の後世の模写の正確な位置づけは不明である。一例として、皇帝のコレクションにある有名な8世紀の絵画「明皇蜀旅行図」がある。これは、後世の絵画に典型的な、めまいがするような山々を馬で駆け抜ける一行を描いているが、明らかに人気があり流行していた宮廷様式で、フルカラーで描かれており、「全体的にペルシャ風のパターン」を作り出している。[ 49 ]
人物がほとんど描かれないモノクロームの風景画への決定的な転換は、詩人としても有名な王維（699-759）によるものとされているが、彼の作品はほとんどが写本のみである。 [ 50 ] 10世紀以降、オリジナルの絵画がますます多く残るようになり、宋王朝（960-1279）南派の最高傑作は、今日まで途切れることなく続く伝統の中で最も高く評価されている作品群の一つとなっている。中国の慣習では、アマチュアの学者や君子（しばしば詩人でもある）の絵画が、プロの画家による絵画よりも高く評価されていたが、状況はそれほど単純ではなかった。[ 51 ]人物が描かれている場合、それは山々を瞑想する人物や賢人であることが非常に多い。有名な作品には数多くの赤い「鑑賞印」が押されており、しばしば後世の所有者によって詩が書き加えられている。乾隆帝（1711年～1799年）は、先代の皇帝に倣い、自らの詩を数多く書き加えた。
山水画の伝統は、八景画の慣習のように、実際の場所の名前が付けられていても、実際の場所を表現することを意図したものではありませんでした。[ 52 ]専門の宮廷画家の工房で制作された別の様式では、皇帝の巡視や儀式の公式な風景が描かれ、高い視点から混雑した都市や壮大な儀式の非常に詳細な場面に重点が置かれていました。これらは、非常に長い巻物に鮮やかな色で描かれました（下の例）。
中国の彫刻は、効果的な三次元風景を創造するという難題も成し遂げています。「観石」を鑑賞する長い伝統があり、山河の岸辺から流れ出る石灰岩などの自然に形成された巨石が、風化によって幻想的な形に加工され、文人たちの庭や中庭に運ばれました。おそらくこれらと関連して、翡翠などの半貴石の小さな巨石を山の形に彫刻し、僧侶や賢者の小さな像を添える伝統も生まれました。中国の庭園は、西洋の庭園よりもはるかに早く、高度に洗練された美意識を発展させました。禅宗の枯山水庭園は、庭園をさらに彫刻作品に近づけ、高度に抽象化された風景を表現しています。
日本の美術は当初、物語的なテーマへの関心を反映するために中国の様式を取り入れ、風景画と宮殿や都市の風景を同じ高い視点から描いた絵を混ぜ合わせ、必要に応じて屋根を切り取った。これらは、源氏物語やその他の題材を描いた非常に長い大和絵巻物に現れ、主に12世紀と13世紀に制作された。紳士のアマチュア画家という概念は封建時代の日本にはほとんど響かず、画家は一般的に、中国の画家がインスピレーションを得ていた遠い過去の古典的な画家ではなく、主人とその流派に強い絆を持つ専門家であった。[ 56 ]絵画は当初、完全に彩色されており、しばしば鮮やかな色彩で、風景が人物を圧倒することはなく、人物はしばしばかなり大きく描かれている。
下に示した『僧侶一平伝』の一場面は、全長37.8cm ×802.0cmの巻物から取られたもので、仏教 僧の生涯を描いた12巻のうちの1巻に過ぎません。西洋の寺院や僧院と同様に、これらの作品は数多く制作され、宮廷のものよりも現存する可能性が高くなっています。[ 57 ]さらに稀少なのは、宮廷で一般的だったと思われる風景屏風や掛け軸です。 『源氏物語』には、宮廷の人々がコレクションの中から最高の絵画を競い合うエピソードがあります。これらは中国の山水画に近いものでしたが、それでも彩色されていました。[ 58 ]
15世紀以降、純粋な風景画が数多く残されています。主要な画家の中には禅宗の僧侶もおり、中国風の筆致を重視したモノクロームのスタイルで制作しました。一部の流派は、より洗練されていないスタイルを採用し、より小さな画面で前景を強調しました。日本の画家にとって長く愛され、「日本画」と呼ばれるようになったタイプの絵画は、実は中国で最初に発見されました。これは、通常、横長の構図で片側に、1つまたは複数の大きな鳥、動物、または木を前景に配置し、その背後に広い風景を描き、多くの場合、背景の一部のみを覆います。このスタイルの後期のバージョンでは、風景の背景を完全に省略することもありました。
16世紀以降に発展した浮世絵は、最初は絵画、その後は安価で広く入手可能な彩色木版画として、当初は人物像（個人または集団）に焦点を当てていました。しかし、18世紀後半からは北斎や広重のもとで風景画が発展し、日本の風景画の中で最もよく知られた様式となりました。[ 59 ]
ペルシャ細密画の風景画の伝統は、初期の作品にも風景の要素が見られるものの、本格的に始まったのはイルハン朝時代であり、その影響は主に中国から受けている。岩山が好まれ、そこには動物や植物が数多く描かれ、岩の造形と同様に、それぞれが丁寧に個別に描写されている。この伝統の中で発展した高所からの視点という独特の表現様式により、縦長の画面の大部分が風景で埋め尽くされるが、雲も中国美術から取り入れた渦巻き状の表現で空に描かれるのが一般的である。通常、描かれているものはすべて鑑賞者からかなり近い距離にあり、遠景はほとんど描かれない。風景画は通常、人物が登場する物語的な場面を描いているが、アルバムの中には純粋な風景画もいくつか存在する。
ヒンドゥー教の絵画は、描かれる物語の多くが要求するように、古くから豊かな植生の中に情景を描いてきた。ムガル絵画はこれにペルシャ様式を融合させ、王室の狩猟を描いた細密画では広大な風景がしばしば描かれた。暗い雲と稲妻が走るモンスーンの雨の情景は人気が高い。その後、ヨーロッパの版画の影響が顕著に見られるようになった。
初期の風景画のほとんどは明らかに想像上のものですが、都市景観画はごく初期の頃から、実際の都市を様々な精度で表現することを意図していました。想像上の構図で自然の形態のランダム性をシミュレートするために様々な技法が用いられました。中世のチェンニーノ・チェンニーニの助言である、小さな粗い岩からギザギザの岩山を模写するという方法は、プッサンとトーマス・ゲインズバラの両方に採用されたようです。一方、ドガは光にかざしたくしゃくしゃのハンカチから雲の形を模写しました。[ 62 ]アレクサンダー・コゼンスの手法では、ランダムなインクの染みを使って想像上の風景の基本的な形を作り、それを画家が仕上げました。[ 63 ]
コンラート・ヴィッツの『奇跡の魚の収穫』 （1444年）に描かれた、レマン湖越しにル・モール峰を望む特徴的な背景風景は、特定の情景を描いた最初の西洋の田園風景としてしばしば挙げられる。[ 64 ]デューラーの風景習作は、多くの場合特定できる実際の情景を明確に表現しており、少なくとも部分的にはその場で描かれたものである。フラ・バルトロメオの素描もまた、明らかに自然からスケッチされたものと思われる。デューラーの完成作品は、一般的に想像上の風景を使用しているようだが、彼の版画『ネメシス』の壮大な鳥瞰図は、アルプスの実際の景色に要素を追加したものである。何人かの風景画家が自然から素描や水彩スケッチを描いたことは知られているが、初期の油絵が屋外で描かれたという証拠は限られている。ラファエル前派はこの方向で特別な努力を払ったが、1870年代にチューブ入りの既調合油絵具が導入され、それに続いて持ち運び可能な「箱型イーゼル」が登場するまで、戸外での絵画制作は広く行われることはなかった。
ローマの広大な風景画では、背景に山々の連なりが描かれるのが一般的で、中国の風景画ではさらに顕著である。どちらの伝統においても、初期の作品では空に割かれるスペースは比較的少なく、中国では山々の間に霧や雲がよく用いられ、また、西洋の画家が当初は主に神々や天体の支えや覆いとして雲を用いたのよりもはるかに早く、空に雲を描くこともあった。板絵や写本の細密画では、1400年頃までは地平線の上に模様や金色の「空」や背景が描かれるのが一般的だったが、ジョットや他のイタリアの画家によるフレスコ画では、すでに青空が描かれていた。メルキオール・ブローデルラムが1399年にシャンモルのために完成させた唯一現存する祭壇画には、神や天使だけでなく、飛ぶ鳥も描かれた金色の空が描かれている。トリノ・ミラノ時祷書の海岸風景では、注意深く観察された雲が空を覆っている。木版画では、大きな空白があると印刷中に紙がたるんでしまうことがあるため、デューラーをはじめとする画家たちは、これを避けるために雲や鳥を表す曲線などを作品に取り入れることが多かった。
中国のモノクローム絵画の伝統は、その始まり以来、絹や紙に墨を用いて描かれており、山肌の「しわ」や風景のその他の特徴を表現するために、個々の筆遣いが非常に重視されてきた。一方、西洋の水彩画は、下絵が見える場合でも、より濃淡を表現する媒体である。
伝統的に、風景画は地球の表面を描写するものだが、月面風景など、他の種類の風景も存在する。
