美術

ヨーロッパの学術的伝統では、美術は主に美学や創造的表現のために作られ、陶器やほとんどの金属細工のように何らかの実用的な機能も果たさなければならない装飾美術や応用美術とは区別される。イタリア・ルネサンスで発展した美学理論では、最高の芸術とは、例えばティーポットの製作や装飾などに含まれるいかなる実際的な考慮にも制限されずに、芸術家の想像力を最大限に表現し展示できる芸術であった[ 1 ^]。また、芸術作品の製作は、例えば家具の場合のように、専門的なスキルを持つ複数の個人に作業を分担する必要がないことも重要だと考えられていた^[2] 。美術の中にも、必要とされる創造的想像力の量に基づいてジャンルのヒエラルキーがあり、歴史画は静物画よりも上位に位置づけられていた。

歴史的に、5つの主要な美術は、絵画、彫刻、建築、音楽、詩であった。他の「マイナーまたは補助的な芸術」も含まれ、特に演劇やダンスなどの舞台芸術は「最も古く普遍的なものの一つ」に数えられた。^[3]実際には、教育以外では、この概念は通常、視覚芸術にのみ適用されます。古いマスター版画と素描は、散文文学が詩に関連するのと同様に、絵画に関連する形式として含まれていました。今日、美術と見なされる範囲（用語が使用されている限り）には、通常、映画、写真、ビデオ制作/編集などの追加の現代的な形式、およびスタジオ陶芸やスタジオグラスなどの美術の環境で作られる伝統的な形式と、他の材料による同等のものが含まれます。

美術の定義の一つは、「主に美的、知的な目的で創作され、その美しさや意義が評価される視覚芸術、具体的には絵画、彫刻、素描、水彩画、グラフィック、建築」である。^[4]その意味では、美術と装飾芸術または応用芸術（これら二つの用語はほぼ同じ媒体をカバーしている）の間には概念的な違いがある。芸術の消費者に関する限り、美的品質の認識には通常「良い趣味」と呼ばれる洗練された判断が必要であり、これが美術を大衆芸術や娯楽と区別するものであった。^[5]

「素晴らしい」という言葉は、その芸術作品の質を示すものではなく、伝統的なヨーロッパの規範に従ったその分野の純粋さを示すものである。^[7]実用性が認められた建築の場合を除き、この定義はもともと「有用な」応用芸術や装飾芸術、および工芸品と見なされる製品は除外していた。現代の実践では、表現手段に関係なく、芸術家の概念や意図が優先されるため、これらの区別や制限は本質的に無意味になっている。^[8]

この用語は、通常、ルネッサンス以降の西洋美術にのみ使用されますが、同様のジャンルの区別は、他の文化、特に東アジアの芸術にも適用できます。「美術」のセットは「主要美術」と呼ばれることもあり、「副次美術」は装飾美術に相当します。これは通常、中世および古代の美術に適用されます。

一部の作家によれば、美術の明確なカテゴリーという概念は、西洋における近世初期の発明である。ラリー・シャイナーは、その著書『芸術の発明：文化史』（2003年）の中で、その発明を18世紀に位置づけている。「18世紀以前の西洋には、伝統的な『芸術のシステム』があった。（他の伝統的な文化にも、同様のシステムが今でも存在している。）そのシステムでは、芸術家や職人は熟練した製作者または実践者であり、芸術作品は熟練した仕事の有用な産物であり、芸術の鑑賞は、残りの人生における役割と密接に結びついていた。言い換えれば、「芸術」は、ギリシャ語の「テクネ」、英語の「スキル」とほぼ同じ意味であり、その意味は「戦争の芸術」、「愛の芸術」、「医学の芸術」などのフレーズに残っている。^{[9]同様の考えは、}ポール・オスカー・クリステラー、ピエール・ブルデュー、テリー・イーグルトン（『美学のイデオロギー』など） によって表現されているが、発明のポイントは、イタリア・ルネサンスというよりもっと古い時代に位置づけられることが多い。アンソニー・ブラントは、同様の概念である「arti di disegno」という用語は、16世紀半ばにイタリアで登場しました。^[10]

しかし、芸術に関する理論的な著作がほとんど残っていない古典世界でも、実際には同様の区別があったと主張することもできる。文学資料に残る芸術家の名前は、ギリシャの画家や彫刻家、そしてそれほど多くはないが宝石の彫刻家である。これらのグループには、非常に有名な人物が数人おり、死後何世紀にもわたって模倣され、記憶に残っていた。個々の芸術的才能の崇拝は、ルネッサンス期の「優れた」芸術とその他の芸術との区別の理論的基礎の重要な部分であり、特に大プリニウスが記録した古典的な先例に基づいていた。他の種類の物品、特に古代ギリシャの陶器には、おそらく製品の宣伝も兼ねて、製作者や工房の所有者の署名が付けられていることが多い。

ジョージ・キューブラーらは、「ファインアート」という概念の衰退は1880年頃としている。1900年頃までに「廃れ」たと同時に、フォークアートも重要視されるようになった。^[11] 最後に、少なくとも芸術理論に関心のある界隈では、「1920年頃までに、工業デザインの推進者らによって「ファインアート」は使われなくなった。彼らは、芸術作品と実用品に対する二重の判断基準に反対した」。^[12]これは理論家の間でのことで、美術業界や一般の意見が追いつくには、はるかに長い時間がかかった。しかし、19世紀後半から20世紀初頭の同時期には、美術市場の価格の動きは逆方向に進み、ファインアートの作品は装飾芸術の作品よりはるかに優位に立った。

美術業界では、この用語は1900年頃以前の作品を指すために今でも使われており、オークションやオークションハウスの部門などの範囲を定義するために使用されることがあります。また、高等教育でもこの用語は使用され続けており、大学、学部、コースの名前に使用されています。英語圏では主に北米で使用されていますが、フランス語のbeaux-artsやスペイン語のbellas artesなど、他のヨーロッパ言語の同等の用語でも同様です。

ヨーロッパや米国でしばしば支配的であった芸術と装飾芸術または工芸品の概念的な分離は、他のすべての文化で共有されているわけではありません。しかし、伝統的な中国美術にも同様の区別があり、中国絵画内で、学者紳士によるほとんどが風景画の文人画と、宮廷絵画や彫刻の流派の職人とを区別していました。西洋で工芸品と見なされる多くのもの、特に陶磁器、玉彫り、織物、刺繍にも高い地位が与えられていましたが、これはこれらの作品を制作した労働者にまで及ぶことは決してなく、彼らは通常、西洋よりもさらに無名のままでした。同様の区別が日本と韓国の美術でもなされていました。イスラム美術では、一般に書道家、建築家、ペルシャのミニアチュールや関連伝統の画家に最高の地位が与えられていましたが、これらは依然として宮廷に雇われていることが非常に多かったです。彼らは通常、西洋よりも一貫して、 最高級のペルシャ絨毯、建築タイル、その他の装飾媒体のデザインも提供していました。

ラテンアメリカの芸術は、20 世紀までヨーロッパの植民地主義に支配されていましたが、社会主義の原則に基づいて芸術と工芸を再統合した構成主義運動に触発されて、先住民の芸術が再び存在感を示し始めました。アフリカでは、ヨルバの芸術はしばしば政治的、精神的な機能を持っています。中国人の芸術と同様に、ヨルバの芸術も、西洋では通常工芸品と見なされるもので構成されています。織物など、最も賞賛されている表現のいくつかは、このカテゴリに分類されます。

美術としての絵画とは、平らな面に絵の具を塗ること（たとえば彫刻や陶器に絵を描くこととは対照的）を意味し、通常は複数の色を使用する。現存する先史時代の絵画は自然の岩の表面に描かれ、壁画、特にフレスコ画技法で湿った石膏に描かれた壁画は最近まで主要な形式であった。木製パネルやキャンバスに描かれた持ち運び可能な絵画は、数世紀にわたって西洋世界で最も重要であり、そのほとんどはテンペラ画や油絵である。アジアの絵画は紙を使用することが多く、東アジアではモノクロの水墨画と水彩画の伝統が主流である。本やアルバムに収めることを意図した絵画は、西洋の装飾写本であれ、ペルシャのミニアチュールやそのトルコ版であれ、さまざまな種類のインド絵画であれ、「ミニアチュール」と呼ばれる。水彩画は紙に描く絵画の西洋版であり、グアッシュ、チョーク、およびブラシを使わない類似の媒体を使用する形式は、実際には描画形式である。

描画は視覚芸術の主要な形態の 1 つであり、画家には描画スキルも必要です。一般的な道具には、鉛筆、 ペンとインク、筆、ワックス色鉛筆、クレヨン、木炭、チョーク、パステル、マーカー、スタイラス、またはシルバーポイントなどのさまざまな金属があります。描画には、漫画やコミックの作成など、多数のサブカテゴリがあります。

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  快楽の園;ヒエロニムス・ボス作;  1504年頃; 板に油彩、プラド美術館
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  アダムの創造;ミケランジェロ; 1508–1512; フレスコ画;システィーナ礼拝堂
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  ペルシアのスルタン・モハメッドによる預言者のミラージュのミニアチュール、1539-1543年、大英図書館
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  ブランコ;ジャン＝オノレ・フラゴナール; 1767–1768年 ; キャンバスに油彩 ;ウォレス・コレクション

モザイクは、テッセラと呼ばれる石やガラスの小片で作られた像である。装飾的または機能的である。モザイクを設計し製作する芸術家は、モザイク芸術家またはモザイク師と呼ばれる。古代ギリシャ人やローマ人は写実的なモザイクを作成した。神話の主題、または狩猟やその他の富裕層の追求の場面は、強調された境界線を持つより大きな幾何学的デザインの中心的作品として人気があった。^[13] 4世紀以降の初期キリスト教のバシリカは、壁と天井のモザイクで装飾されていた。モザイクで装飾された最も有名なビザンチンのバシリカは、ラヴェンナ（イタリア）のサン・ヴィターレ大聖堂とイスタンブール（トルコ）のアヤソフィアである。

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  ディオニュソスの顕現、紀元2世紀、ディオニュソスの別荘より、ディオン考古学博物館
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  パリスの審判; 西暦 115-150 年、アンティオキア・ナ・テ・オロンテスのアトリウムハウスのトリクリニウムより
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  ローマのサンタ・マリア・マッジョーレ教会の後陣。5世紀にこの華やかなモザイクで装飾された。
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  精巧なモザイクで飾られたラヴェンナ（イタリア）のサン・ヴィターレ大聖堂の内部

版画とは、印刷工程で何度も複製できる画像を紙に描くことです。西洋と東アジアでは、数世紀にわたって重要な芸術媒体となってきました。主要な歴史的技法には、西洋では彫刻、木版画、エッチング、東アジアでは木版印刷があり、東アジアでは日本の浮世絵スタイルが最も重要です。19 世紀に発明されたリトグラフと写真技法は、歴史的技法に部分的に取って代わりました。古い版画は、美術作品であるオールドマスター版画と大衆版画に分けられ、本の挿絵や地図などの実用的な画像はその中間に位置します。

モノタイピングの場合を除き、このプロセスでは同じ作品を複数作成することができ、これをプリントと呼びます。各プリントはコピーではなくオリジナルと見なされます。その理由は、プリントは別の媒体 (たとえば絵画) で別の芸術作品を複製したものではなく、最初からプリントとしてデザインされた画像だからです。個々のプリントは、インプレッションとも呼ばれます。プリントは、技術的にはマトリックスと呼ばれる単一のオリジナル表面から作成されます。一般的なマトリックスの種類には、彫刻やエッチング用の銅または亜鉛の金属板、石版印刷用の石、木版画用の木のブロック、リノリウム版画用のリノリウム、スクリーン印刷の場合は布などがあります。しかし、他にも多くの種類があります。ほぼ同じプリントが複数ある場合は、エディションと呼ぶことができます。現代では、各プリントに署名と番号が付けられ、「限定版」となることがよくあります。プリントは、アーティストブックなどの本の形で出版されることもあります。1 枚のプリントが、1 つまたは複数の技法の産物である可能性があります。

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  この技法の発明者ジョヴァンニ・ベネデット・カスティリオーネによるモノタイプ作品『アダムの創造』、 1642年頃
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  神奈川沖浪裏1829–1833年 彩色木版画
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  ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーのエッチング「太陽の外で」、1858年
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  ディバン・ジャポネ;アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック著; 1893 ～ 1894 年。クレヨン、筆、スパッタ、転写スクリーンリトグラフ。

書道は視覚芸術の一種です。書道の現代的な定義は、「表現力豊かで調和のとれた巧みな方法で記号に形を与える芸術」です。^[14]現代の書道は、機能的な手書きの碑文やデザインから、手書きのマークの抽象的な表現が文字の読みやすさを損なうかどうかわからない美術作品まで多岐にわたります。^[14]古典的な書道は、タイポグラフィや非古典的な手書き文字とは異なりますが、書道家はこれらすべてを作成することができます。文字は歴史的に規律されていますが、流動的で自発的であり、書いている瞬間に即興で作られます。^{[15] [16] [17]}

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  リンディスファーン福音書のフォリオ 27r ; 8 世紀;コットン ライブラリー(大英図書館、ロンドン)
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  中国宋代米芾の書道について
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  イスラム書道：コーラン（8～9世紀）のフォリオ、アッバース 朝クーフィー体書道
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  アルメニアの 装飾写本のページ; 1637-1638年;ゲッティ センター(ロサンゼルス、米国)

芸術写真とは、アーティストの創造的ビジョンを実現するために作成された写真を指します。芸術写真は、フォトジャーナリズムや商業写真とは対照的です。フォトジャーナリズムは、主に印刷物やデジタル メディアで、ストーリーやアイデアを視覚的に伝えます。芸術写真は、主にアーティストのビジョンを表現するために作成されますが、特定の目的を推進する上でも重要です。ヌードの描写は、芸術写真の主要なテーマの 1 つです。

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  アルフレッド・スティーグリッツのヌード、1916年頃
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  マン・レイ『ランプシェード』、1920年7月、 391、n.13に複製
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  パリの室内。1910年頃にウジェーヌ・アジェが撮影。
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  ティトン山脈とスネーク川; 1942年;アンセル・アダムス

建築は、構造工学や建設管理の要素とは対照的に、特にその美的要素が注目される場合、しばしば美術と見なされる。建築作品は、文化的、政治的なシンボル、および芸術作品として認識されている。歴史上の文明は、主にその建築的業績を通じて知られることが多い。エジプトのピラミッドやローマのコロッセオなどの建物は文化的シンボルであり、学者が他の手段で過去の文明について多くを発見した場合でも、公衆の意識の中で重要なつながりとなっている。都市、地域、文化は、建築記念碑と自らを同一視し、それによって知られている。^[18]

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  アテネのアクロポリスにあるパルテノン神殿は、女神アテナに捧げられたものです。
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  ローマのコロッセオ​
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  赤の広場から見た聖ワシリイ大聖堂（モスクワ）
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  ロココ建築の一例であるヴィルヘリング修道院（ヴィルヘリング、オーストリア）の内部

現代のいくつかの例外を除き、陶器は美術品とはみなされていないが、「高級陶器」は特に考古学において有効な専門用語として残っている。「高級陶器」は高品質の陶器で、多くの場合、絵付けや成型、その他の装飾が施されており、多くの時代において、より正式な目的ではなく、一般大衆や台所で使用される基本的な実用的な鍋である「粗雑な陶器」とは区別されている。

磁器の置物のように、陶器に実用的な目的がない場合でも、その製作は一般的に、さまざまなスキルを持つ多くの参加者が関わる共同作業かつ半工業的な作業です。

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  古代ギリシャの渦巻き型クラテル。紀元前 320-310 年。陶器。高さ 1.1 m。ウォルターズ美術館(米国ボルチモア)
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  デイヴィッドの花瓶; 1351年（元朝）; 磁器、釉薬の下にコバルトブルーの装飾; 高さ：63.8 cm;大英博物館（ロンドン）
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  ルネサンス時代の楕円形の盆または皿、ガリアのアマディス作、1559～1564年頃、マヨリカ焼き、全体：6 × 67.3 × 52.4 cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  古典的な要素を擬人化したロココ調の作品。1760 年代。チェルシー磁器工場作。インディアナポリス美術館(インディアナポリス、米国)

彫刻は、硬質または可塑性の素材、一般的には石（岩石または大理石）、金属、または木材を成形して作られる3 次元の芸術作品です。彫刻の中には、直接彫り込むことによって作られるものもあれば、組み立てて焼成、溶接、成型、鋳造して作られるものもあります。彫刻は成型または調整可能な素材を使用するため、造形芸術の 1 つと見なされます。パブリックアートの大部分は彫刻です。庭園内に多数の彫刻が集まっている場合は、彫刻庭園と呼ばれることがあります。

石の彫刻は、腐りやすい素材で作られた芸術作品よりもはるかによく保存されており、古代文化から残っている作品（陶器を除く）の大部分を占めています。逆に、木彫りの伝統はほぼ完全に消滅した可能性があります。しかし、ほとんどの古代彫刻は鮮やかな色で塗装されていましたが、これは失われています。^[19]

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  ダビデ像、ミケランジェロ作、1501-1504年、大理石、517 cm × 199 cm、アカデミア美術館（フィレンツェ）
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  ネフェルティティの胸像; 紀元前1352-1332年; 彩色石灰岩; 高さ: 50 cm;新美術館(ベルリン、ドイツ)
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  ミロのヴィーナス; 紀元前130～100年; 大理石; 高さ203cm（80インチ）; ルーブル美術館
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  ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作ルイ14世の胸像、1665年、大理石、105 × 99 × 46 cm、ヴェルサイユ宮殿

コンセプチュアルアートとは、作品に含まれる概念やアイデアが伝統的な美的および物質的な懸念よりも優先されるアートである。1960年代にこの用語が使われ始めたとき、テキストとしての表現において視覚芸術に関連する伝統的な視覚基準を無視することが多かった、厳格で集中的なアイデアベースのアートの実践を指していた。しかし、 1990年代にヤング・ブリティッシュ・アーティストやターナー賞と関連して、特に英国で、絵画や彫刻の伝統的な技術を実践しないすべての現代アートの同義語として普及した。^[20]

音楽は、時間に沿って構成された音を媒体とする芸術形式および文化活動です。音楽の共通要素は、ピッチ (メロディーとハーモニーを左右する)、リズム (およびそれに関連する概念であるテンポ、拍子、アーティキュレーション)、ダイナミクス (音量と柔らかさ)、音色とテクスチャ (音楽の音の「色」と呼ばれることもあります) です。音楽のスタイルやタイプによって、これらの要素の一部が強調されたり、強調されなかったり、省略されたりすることがあります。

音楽は、歌からラップまで、さまざまな楽器と発声技法で演奏されます。楽器のみの曲、ボーカルのみの曲（楽器伴奏のない曲など）、歌と楽器を組み合わせた曲などがあります。

この単語はギリシャ語の μουσική ( mousike、「ミューズの芸術」) に由来します。

ダンスは、一般的にはリズミカルな身体の動きと音楽を指す芸術形式であり、^[21]表現、社会的交流の形態として使用され、精神的またはパフォーマンスの場で披露されます。ダンスはまた、人間や動物（ミツバチのダンス、求愛ダンスなどの行動パターン）間の非言語的コミュニケーションの方法（ボディランゲージを参照）、無生物の動き（「風に舞う葉」）、および特定の音楽ジャンルを説明するためにも使用されます。スポーツでは、体操、フィギュアスケート、シンクロナイズドスイミングがダンスの分野であり、武道の型はダンスによく比較されます。

現代の西洋演劇は、ドラマやコメディを含め、リアリズムが主流です。もう一つの人気のある西洋演劇はミュージカルです。ギリシャやローマの演劇、古典的なイギリス演劇（シェークスピアやマーロウを含む）、フランス演劇（モリエールを含む）などの古典的な演劇は、今日でも上演されています。さらに、西洋では、頻度は低いものの、 能や歌舞伎などの古典的な東洋の演劇も見られます。

芸術映画とは、映画と、芸術の一形態としての映画の分野を包括する用語である。芸術映画館は、そのような映画を鑑賞するための会場であり、通常は建物である。映画は、世界中の画像をカメラで記録するか、アニメーション技術や特殊効果を使用して画像を作成することによって制作される。映画は特定の文化によって作成された文化的遺物であり、それらの文化を反映し、今度はそれらに影響を与えている。映画は重要な芸術形態、大衆娯楽の源、そして国民を教育（または教化）するための強力な手段であると考えられている。映画の視覚的要素は、映画に普遍的なコミュニケーション力を与える。一部の映画は、セリフを 翻訳する吹き替えや字幕を​​使用することで、世界中で人気を博している。

映画撮影法は、映画用の写真画像を撮影する際に照明とカメラを選択する分野です。静止写真の技術と密接に関連していますが、カメラとシーンの要素の両方が動いている場合には、さらに多くの問題が生じます。

独立系映画製作は、ハリウッドや他の大手スタジオシステムの外で行われることが多い。独立系映画（またはインディーズ映画）とは、当初は大手映画スタジオからの資金提供や配給を受けずに製作された映画である。20世紀後半から21世紀初頭にかけて、創造的、ビジネス的、技術的な理由のすべてがインディーズ映画シーンの成長に貢献した。

詩（この用語はギリシャ語のποίησις（ poiesis 、「作る」）の変形に由来する）は、音の象徴、音声美学、韻律などの言語の美的およびリズム的性質を使用して、散文的な表面的な意味に加えて、またはその代わりに意味を呼び起こす文学形式である。^[22]

• 前衛音楽は、舞台芸術であると同時に美術でもあるとみなされることが多い。
• 電子メディア– 制作からプレゼンテーションまでコンピューターなどの最新技術を活用するため、おそらく美術作品の最も新しい媒体です。ビデオ、デジタル写真、デジタル印刷、インタラクティブ作品などが含まれます。
• キルトアートや「着用可能な」または「着用前の」作品を含む織物は、美術品の範疇に入ることが多く、時には美術展示の一部のようになることもあります。
• 西洋芸術（またはクラシック）音楽は、しばしば美術と見なされる舞台芸術です。
• 折り紙– 前世紀は、芸術家や科学者の貢献により、折り畳み物の挙動を理解することへの関心が新たに高まった。折り紙は他の芸術とは異なります。絵画は物質の追加を必要とし、彫刻は減算を伴うのに対し、折り紙は追加も減算もしません。折り紙は変形します。折り紙アーティストは、テクノロジーと宇宙船に血統が続く、時代とますます結びついている芸術の限界を押し広げています。折り紙の計算的側面と共有可能な性質（ソーシャルネットワークによって強化）は、折り紙を21世紀の典型的な芸術にしているパズルの一部です。^{[23] [24] [25]}

• 広州美術学院は、広州に拠点を置く中国の国立大学であり、美術とデザインの博士号、修士号、学士号を授与しています。
• コルカタ美術アカデミーは、インド西ベンガル州コルカタにある美術大学です。

• ブラジル：ブラジリア芸術研究所には演劇、視覚芸術、工業デザイン、音楽の部門がある。^[26]

米国では、美術の学術課程には、美術学士号（Bachelor of Arts in Fine Art）や美術学士、および/または美術修士号（伝統的にこの分野の最終学位）が含まれる場合があります。ただし、名誉学位ではなく、実際に取得する美術博士号が米国の一部の学術機関で登場し始めています。米国の主要な美術学校:

• イェール大学、コネチカット州ニューヘイブン – MFA、BA。^[27]
• ロードアイランド・スクール・オブ・デザイン、プロビデンス、ロードアイランド州 – MFA、BFA。^[28]
• シカゴ美術館附属美術大学、イリノイ州シカゴ、スタジオMFA、ライティングMFA。^[29]
• カリフォルニア大学ロサンゼルス校、カリフォルニア州ロサンゼルス – MFA ^[30]
• カリフォルニア芸術大学、カリフォルニア州バレンシア^[31]
• カーネギーメロン大学、ピッツバーグ、ペンシルバニア州^[32]
• クランブルック美術アカデミー、ブルームフィールドヒルズ、ミシガン州^[33]
• メリーランド美術大学、メリーランド州ボルチモア^[34]
• フォーダム大学、（BFA）^[35]
• コロンビア大学、MFA、JD/MFA共同学位、博士号。^[36]
• ニューヨーク州ニューヨーク市にあるジュリアード音楽院は、1905年に設立された舞台芸術の音楽院です。学部生と大学院生にダンス、演劇、音楽の教育と訓練を行っています。世界有数の音楽学校の一つとして広く知られており、最も権威のある芸術プログラムを提供しています。^{[37] [38] [39]}
• カリフォルニア州パサデナにあるアートセンター・カレッジ・オブ・デザインは、1930年に設立された非営利の私立大学です。アートセンターは、幅広い芸術とデザインの分野で学部および大学院プログラムを提供しているほか、子供や高校生向けの公開プログラムも提供しています。US News & World Reportは、アートセンターのアート、インダストリアルデザイン、メディアデザインプラクティスプログラムを米国の大学院のトップ20にランク付けしています^[40]

• 芸術
• パフォーマンスアート
• 視覚芸術

• ブラント・アンソニー『イタリアの芸術理論、1450-1600』、1940年（1985年版参照）、OUP、ISBN 0198810504 

• Ballard, A. (1898)。『矢、あるいは、美術の教授法』ニューヨーク：AS Barnes & Company。
• カフィン、チャールズ・ヘンリー（1901）。「芸術としての写真：アメリカにおける写真芸術の成果と可能性」ニューヨーク：ダブルデイ、ペイジ＆カンパニー。
• クレイン、L.、ホワイティング、CG（1885）。芸術と趣味の形成：6つの講義。ボストン：チャタクア・プレス。第4章：美術
• ヘーゲル、GWF、ボサンケット、B. (1905)。ヘーゲルの美術哲学入門。ロンドン：K.ポール、トレンチ＆。
• ヘーゲル、GWF（1998）。『美学：美術講義』オックスフォード：クラレンドン・プレス。
• ネヴィル、H. (1875)。舞台：その過去と現在と美術との関係。ロンドン：R.ベントレー・アンド・サン。
• ロセッティ、WM（1867）。主に現代美術：改訂を加えた再版通知。ロンドン：マクミラン。
• シャイナー、ラリー（2003年）。「芸術の発明：文化史」シカゴ：シカゴ大学出版局。ISBN 978-0-226-75342-3 
• トーリー、J. (1874)。『美術理論』ニューヨーク：スクリブナー・アームストロング社。
• ALBA (2018). [1] 2020年9月20日アーカイブ、Wayback Machineにて。
• アントニオ・ルイス・ラモス・モリーナ、La magia de la quimica 写真: El quimigrama。 Conceptos、técnicas y procedimientos del quimigrama en la expresión artística、In: Tesis Doctoral、Universidad de Granada 2018.