ゴシックアート

ゴシックアート

上:シャルトル大聖堂の西側 (王室側) の門( 1145年頃)。これらの建築彫像は、ゴシック彫刻の最も初期の作品であり、スタイルの革命であり、彫刻家の世代のモデルとなった。中央:パリのサント シャペル(1194-1248)。下:ウィルトンの二連祭壇画(1395-1459)
活動年数	12世紀後半-16世紀

ゴシック美術は、12世紀にロマネスク美術から北フランスで発展した中世美術の様式であり、同時期に発展していたゴシック建築に先導された。ゴシック美術は西ヨーロッパ全域、および北ヨーロッパ、南ヨーロッパ、中央ヨーロッパの大部分に広がり、イタリアのより古典的な様式を完全に消し去ることはなかった。14世紀後半には、国際ゴシックの洗練された宮廷様式が発達し、15世紀後半まで発展を続けた。多くの地域、特にドイツでは、後期ゴシック美術は16世紀まで続き、その後ルネサンス美術に組み込まれた。ゴシック時代の主な媒体には、彫刻、板絵、ステンドグラス、フレスコ画、装飾写本などがあった。ロマネスク様式からゴシック様式へ、ゴシック様式からルネサンス様式への建築における容易に認識できる移行は、通常、あらゆる媒体の美術の時代を定義するために用いられるが、具象美術は多くの点で異なるペースで発展した。

最も初期のゴシック芸術は、大聖堂や修道院の壁に描かれた記念碑的な彫刻でした。キリスト教芸術は、新約聖書と旧約聖書の物語を並べて表現するなど、典型的な性質を持つものが多くありました (中世の寓話を参照)。聖人の生涯がよく描かれました。聖母マリアの像は、ビザンチンの象徴的な形から、赤ん坊を抱きしめ、腰を揺らし、生まれながらの貴族の宮廷婦人の洗練されたマナーを示す、より人間的で愛情深い母親に変わりました。

世俗芸術はこの時期に、都市の勃興、大学の設立、貿易の増加、貨幣経済の確立、芸術を後援し作品を依頼できるブルジョア階級の創出とともに独自の地位を確立し、絵画や装飾写本が急増しました。識字率の向上と世俗的な俗語文学の増加により、芸術における世俗的なテーマの表現が促進されました。都市の成長に伴い、業界ギルドが結成され、芸術家は画家ギルドのメンバーになることを求められることが多かったです。その結果、記録の保存が改善されたため、この時期には以前のどの時期よりも多くの芸術家の名前が知られています。中には大胆にも署名する芸術家もいました。

ゴシック美術は、12世紀初頭、フランスのイル・ド・フランスで、シュジェール修道院長が建てたサン・ドニ修道院教会で生まれました。^[1]この様式は、建築に起源を持つものの、急速に広がり、記念碑的および個人的サイズの彫刻、織物芸術、そしてフレスコ画、ステンドグラス、装飾写本、板絵など、さまざまな形態をとった絵画へと広がりました。^[2] 修道会、特にシトー会とカルトジオ会は、この様式を広め、ヨーロッパ中に独特の変種を発達させた重要な建築者でした。14世紀後半までに国際ゴシックと呼ばれる首尾一貫した普遍的な様式が発達した後も、建築の地域的な違いは重要なままでした。国際ゴシックは15世紀後半まで続き、その後も多くの地域で続きました。

ゴシック美術は今日考えられているよりもはるかに世俗的なものが多かったが、一般的に宗教美術の存続率は世俗的な美術よりも高かったため、この時代に制作された美術の大部分は、教会の依頼であれ信徒の依頼であれ宗教的なものであった。ゴシック美術は典型的な性質を持つことが多く、旧約聖書の出来事が新約聖書の出来事を予見し、それがまさにゴシック美術の主要な意義であるという信念を反映していた。旧約聖書と新約聖書の場面は、『人間の救済のスペキュラム』などの作品や教会の装飾で並べて描かれた。ゴシック時代は、視覚芸術が大きな役割を果たしたマリア信仰の大きな復活と一致していた。聖母マリアの像は、ビザンチンのヒエラティックなタイプから聖母戴冠式を経て、より人間的で親密なタイプへと発展し、聖母の生涯の周期は非常に人気があった。イタリアのジョット、フラ・アンジェリコ、ピエトロ・ロレンツェッティなどの芸術家や、初期フランドル絵画は、芸術にリアリズムとより自然な人間味をもたらしました。西洋の芸術家とそのパトロンは、革新的な図像学にさらに自信を持つようになり、模倣された手法は依然としてほとんどの芸術家によって使用されていましたが、はるかに独創性が見られました。

図像学は神学の変化の影響を受け、聖母被昇天の描写は古い『聖母の死』に取って代わるようになり、また『デボティオ・モデルナ』などの信仰心の慣習においても、 『悲しみの人』、 『物思いにふけるキリスト』、『ピエタ』などキリストの人間としての苦しみと脆弱性を強調する主題で新たなキリストの描写が生み出され、聖母の描写と並行した動きとなった。『最後の審判』でさえ、キリストは受難の傷を見せるために胸をさらけ出すのが普通になった。聖人はより頻繁に描かれ、祭壇画には特定の教会や寄進者と関連のある聖人が磔刑に立ち会ったり、玉座に座る聖母子像が描かれたり、聖人自身が中央の空間を占めたりした（これは通常、側礼拝堂用に設計された作品の場合）この間、新約聖書外典に由来する多くの古代の図像的特徴は、聖職者の圧力により徐々に排除されていった。例えば、キリスト降誕の助産婦などである。しかし、他のものはあまりにも定着しており、無害であると考えられていた。^[3]

芸術における「ゴシック」という言葉は、当初は「野蛮な」の同義語として使われ、そのため軽蔑的に使われていた。^{[4]批評家たちは、このタイプの中世芸術は洗練されておらず、}古典芸術の美的バランスや形状からかけ離れているとみなした。^[5] ルネッサンスの作家たちは、410年のゴート族によるローマ略奪が、古典世界と彼らが大切にしていたすべての価値観の崩壊のきっかけになったと信じていた。15世紀には、さまざまなイタリアの建築家や作家が、アルプスの北から伝わってきた新しい「野蛮な」スタイルが、初期ルネッサンスによって推進された古典復興に同様の脅威を与えていると不満を述べた。^[6]この芸術に対する「ゴシック」という修飾語が初めて使われたのは、 1840年頃、ラファエロが教皇レオ10世に宛てた手紙の中でだった。 1518年にイタリアの芸術家・作家ジョルジョ・ヴァザーリによって広められ、^[7]ヴァザーリは1530年に早くもこの用語を使い、ゴシック芸術を「怪物的で野蛮な」「無秩序」と呼んだ。^[8]ラファエロは、北方建築の尖頭アーチは、ゲルマン人の森の住人が木を曲げて作った原始的な小屋の反響であると主張した。この神話は、ずっと後になってドイツ・ロマン主義運動の著作の中で、より肯定的な意味で再び浮上することになる。「ゴシック芸術」は、芸術形式として認知され、言葉遣いが固定される前に、ボワロー、ラ・ブリュイエール、ルソーなどのフランスの作家から激しく批判された。 ^[5]モリエールはゴシックについて次のように有名なコメントをしている。

ゴシック建築の酔った趣味、
無知な世紀のこれらの忌まわしい怪物、
野蛮の激流が吐き出したもの。^[5]

ゴシック美術は当初「フランス作品」（Opus Francigenum）と呼ばれており、この様式の創造においてフランスが優先的であったことを証明している。^[5]

ゴシック様式の絵画は、ゴシック建築と彫刻の始まりから 50 年以上経った 1200 年頃まで存在しませんでした。ロマネスク様式からゴシック様式への移行は非常に曖昧で、決して明確な断絶ではなく、人物や構図自体のスタイルに大きな変化が見られる前に、ゴシック様式の装飾的なディテールが導入されることがよくあります。その後、人物のポーズや表情はより生き生きとし、場面の背景に対して小さくなる傾向があり、余裕のある絵画空間ではより自由に配置されるようになります。この移行は、最初に 1200 年頃のイギリスとフランスで発生し、その後、1220 年頃にドイツ、1300 年頃にイタリアで発生します。ゴシック時代の絵画は、フレスコ画、板絵、写本装飾、ステンドグラスの 4 つの主要な媒体で制作されました。

フレスコ画は、初期キリスト教とロマネスク様式の伝統の継承として、南ヨーロッパの教会の壁の主要な絵画的物語技法として引き続き使用されました。偶然の生存により、デンマークとスウェーデンには、最近建設された十字形の天井まで広がるビブリア・パウペルム様式の教会壁画の最大の現存するグループが生まれました。デンマークとスウェーデンの両国では、宗教改革後にそれらのほとんどが石灰洗浄剤で覆われて保存されましたが、作成以来手つかずのまま残っているものもあります。デンマークの最も優れた例の中には、デンマークのモーン島出身のエルメルンデの巨匠によるもので、ファネフィヨルド、ケルドビー、エルメルンデの教会を装飾しました。^[9]アルベルトゥス・ピクトルは、おそらくスウェーデンで活動していたこの時期のフレスコ画家の中で最もよく知られています。保存状態の良いフレスコ画があるスウェーデンの教会の例としては、テンスタ、ゴケム、アンガ教会などがあります。

北ヨーロッパでは、ステンドグラスは15世紀まで重要かつ高貴な絵画様式であったが、その後板絵に取って代わられた。ゴシック建築では、大きな建物にガラスが大量に使用されたが、これはバラ窓のようにガラスを広く使うためでもあった。この時代の前半は主に黒の塗料と透明または明るい色のガラスが使用されていたが、14世紀初頭にはガラスに銀の化合物を塗ってから焼くことで、黄色を中心としたさまざまな色彩を透明ガラスで1枚に使うことができるようになった。この時代の終わりには、黄色を主色とした大きなガラスに塗装したものと、比較的少数の他の色の小さなガラスがデザインに使われるようになった。^[10]

装飾写本はゴシック絵画の最も完全な記録であり、記念碑的な作品が残っていない場所の様式の記録を提供します。フランスゴシックの挿絵が付いた最古の完全な写本は13世紀中頃のものです。^[11]こうした装飾写本の多くは王室の聖書でしたが、詩篇にも挿絵が含まれていました。1253年から1270年にかけてのパリの聖ルイ詩篇には、テンペラ絵の具と金箔で描かれた78ページ分の彩色画があります。 ^[12]

13世紀後半、写字生は平信徒のための祈祷書を作り始めました。これは、一日の定められた時刻に使用されていたため、時祷書としてよく知られていました。 ^{[12]最も初期のものには}、ウィリアム・ド・ブレイルによるものがあり、1240年頃にオックスフォード近郊の小さな村に住む無名の平信徒女性のために書かれたものと思われます。貴族は頻繁にこのような本を購入し、装飾的な挿絵に多額のお金を払っていました。最も有名な挿絵の作者にはジャン・ピュセルがいます。ピュセルの『ジャンヌ・デヴルーの時祷書』は、シャルル4世が王妃ジャンヌ・デヴルーへの贈り物として依頼したものです。^[13]このような作品に見られるフランス・ゴシックの要素には、細長くて詳細な人物像で当時の建築を彷彿とさせる装飾的なページ枠の使用が含まれます。^[12]建物の要素や木や雲などの自然の特徴などの空間指標の使用も、フランス・ゴシック様式の照明を表しています。^[12]

14世紀半ば以降、木版で切り抜かれた文字と絵が入ったブロックブックは、低地諸国の教区司祭にとって手頃な価格だったようで、最も人気がありました。世紀の終わりまでには、イラスト付きの印刷された本（まだほとんどが宗教的な主題でしたが）が裕福な中流階級の人々にも急速に手に入るようになり、また、イスラヘル・ファン・メッケネムやマスター・ESなどの版画家によるかなり高品質の彫刻も手に入りました。15世紀には、主に木版画による安価な版画が導入されたため、農民でも自宅に宗教的な絵を持つことが可能になりました。市場の底辺では小さく、粗雑に着色されていることも多いこれらの絵は、何千枚も売れましたが、現在ではほとんどが壁に貼り付けられており、非常に希少になっています。

キャンバスに油絵を描くことは、15世紀と16世紀まで人気が出ませんでしたが、ルネサンス芸術の特徴でした。北ヨーロッパでは、初期フランドル絵画の重要で革新的な流派は基本的にゴシック様式ですが、北方ルネサンスの一部と見なすこともできます。これは、イタリアで古典主義への関心が復活し、それが北方に大きな影響を与えるまでに長い時間がかかったためです。ロバート・カンピンやヤン・ファン・エイクなどの画家は、油絵の技法を利用して、遠近法が正しく、微細なディテールが描かれた作品を制作しました。この作品では、見かけのリアリズムと、小さな作品にさえ含めることができるようになったリアリズムのディテールから生じる豊かで複雑な象徴主義が組み合わされています。北ヨーロッパの最も裕福な都市で描かれた初期フランドル絵画では、油絵の新しい微細なリアリズムが、宗教的な場面の非常に詳細な設定を通して正確に表現された、微妙で複雑な神学的な暗示と組み合わされました。ロベール・カンピンの『メロードの祭壇画』（1420年代）やワシントン・ファン・エイクの『受胎告知』または『ローラン大法官の聖母』（ともに1430年代、ヤン・ファン・エイク作）などがその例である。^[14]裕福な人々の間では、小さな板絵、さらには油絵の多翼祭壇画がますます人気を集め、寄進者の肖像画が並んで描かれることが多かったが、描かれた聖母マリアや聖人よりもはるかに小さいことが多かった。これらは通常、家庭に飾られていた。

ゴシック時代は本質的にゴシック建築によって定義され、その始まりと終わりのどちらにおいても彫刻のスタイルの発展とは完全には一致しません。大きな教会のファサード、特に扉の周りには大きなティンパヌムが置かれ続けましたが、その周囲には彫刻された人物像の列も広がっていました。

シャルトル大聖堂（ 1145年頃）の西（王）門の彫像は、優雅だが誇張された円柱状の延長を示しているが、1215年から1220年にかけての南翼廊の彫像は、より自然主義的なスタイルと、背後の壁からの分離の増加、そして古典的な伝統への意識を示している。これらの傾向は数年後のランス大聖堂の西門にも引き継がれ、そこでは人物はほぼ円形であり、ゴシックがヨーロッパ中に広まるにつれて一般的になった。^[15]バンベルク大聖堂には、おそらく13世紀の彫刻の最大の集合体があり、1240年のバンベルクの騎士で最高潮に達し、これは6世紀以来の西洋美術における 最初の等身大の騎馬像である。

「イタリアではゴシック福音書はティンパナではなく説教壇から説かれ、彫刻家の思考の単位は自律的で自己一貫した芸術作品であった」（ジョン・ポープ＝ヘネシー）。^[16] ニコラ・ピサーノ（1258–78）とその息子ジョヴァンニは、ローマの石棺から紛れもなく影響を受け、ヌードの共感的な扱いを含む洗練された密集した構成を持つ、しばしばプロト・ルネサンスと呼ばれるスタイルを発展させた。そのレリーフパネルには、シエナ大聖堂（1265–68）の説教壇、ピサ洗礼堂の説教壇、ペルージャのマッジョーレ噴水、そして1301年のピストイアのジョヴァンニの説教壇がある。 ^[17]

古典様式のもう一つの復興は、1400年頃のブルゴーニュとフランドルのクラウス・スルターとその追随者たちによる国際ゴシックの作品に見られる。 ^[18]後期ゴシック彫刻は北部で継続され、非常に大きな木製の祭壇画が流行し、彫刻の名人芸がますます進み、多数の感情豊かな人物が激しく動き回るようになった。現存する作品のほとんどは、他の地域で多くの偶像破壊が起こった後、ドイツにある。ティルマン・リーメンシュナイダー、ファイト・シュトースらは16世紀までこの様式を継続し、徐々にイタリア・ルネサンスの影響を吸収していった。^[19]

富裕層の間では石やアラバスターで作られた等身大の墓の彫像が人気となり、壮大な多層の墓が作られるようになった。ヴェローナのスカリゲルの墓は大きすぎて教会の外に移さなければならなかった。15世紀までには、石造りの祭壇画を買う余裕のない経済的な教区のために、ノッティンガムのアラバスター製の祭壇レリーフをパネルにまとめてヨーロッパの多くの地域に輸出する産業があった。^[20]

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  シャルトル大聖堂の南の入り口（ 1215年頃～1220年）。
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  ランス大聖堂の西の入り口、受胎告知のグループ。
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  ニコラ・ピサーノ、『降誕と東方三博士の礼拝』 、ピサ洗礼堂の説教壇より、1260年。
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  クラウス・スルートル、ダビデ、そしてモーセの井戸からの預言者。
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  聖なる茨の聖骨箱の台座、フランス (パリ)、1390 年代、金、エナメル、宝石で作られた死者の復活。
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  ハンス・ムルチャー作、ウルム大聖堂の正面玄関にある「悲しみの人」（1429年）。
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  キリストの復活を描いたパネル張りの祭壇画の一部、イギリス・ノッティンガム産アラバスター、1450～1490年、色の残りあり。
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  ストラスブール大聖堂の東方三博士の礼拝を描いた後期ゴシック様式の絵画。
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  ティルマン・リーメンシュナイダーの『聖血の祭壇』の最後の晩餐の詳細、1501～05年、菩提樹の彫刻、ローテンブルク・オプ・デア・タウバー、バイエルン。

パリやその他の都市では、主に一般の信徒や女性を対象とする小彫刻が大きな産業となった。象牙製品の種類には、小さな宗教的な多翼祭壇画、特に聖母マリアを描いた単独の像、鏡箱、櫛、ロマンスの場面を描いた精巧な小箱などがあり、婚約の贈り物として使われた。^[21]裕福な人々は、ベリー公の聖茨の聖骨箱のような、贅沢に精巧で宝石やエナメルをちりばめた世俗的・宗教的な金属細工を収集したが、資金が底をつくと、再び溶かされて現金化された。^[22]

建築装飾から独立したゴシック彫刻は、主に家庭向けの信仰の対象として、または地元の教会への寄贈品として制作されたが^{[23] 、}象牙、骨、木材で作られた小さなレリーフは、宗教的および世俗的な主題の両方をカバーし、教会と家庭での使用を目的としていた。これらの彫刻は都市の職人によって制作され、立体的な小さな彫像の最も一般的なテーマは、聖母マリア一人、または子供と一緒にいる聖母マリアである。^[24]パリは象牙工房の主な中心地であり、北ヨーロッパのほとんどの地域に輸出されていたが、イタリアでもかなりの生産があった。これらの独立した彫刻の代表例は、サン・ドニ修道院教会のコレクションの中にある。銀メッキの聖母子は1339年のもので、流れるようなマントに包まれたマリアが幼児キリスト像を抱いている。^[24]マントの簡素さと子供の若さは、14世紀から15世紀初頭にかけて北ヨーロッパで発見された他の彫刻を予感させる。^[24]こうした彫刻は、以前の硬直した細長いスタイル（まだ部分的にロマネスク様式）から、12世紀後半から13世紀初頭にかけての空間的で自然主義的な感覚への進化を示している。^[24]その他のフランスゴシック彫刻の主題には、当時の人気文学の人物や場面が含まれていた。^[24]吟遊詩人の詩のイメージは、女性が使用すると思われる鏡箱や小箱の職人の間で特に人気があった。^[24] 1330年から1350年にかけての『ロマンスの場面を描いた小箱』（ウォルターズ71264）は、さまざまな文学作品からの多くの場面を収めるスペースがある、非常に大きな例である。

聖地巡礼の記念品として、粘土や鉛でできたバッジ、メダル、絵柄が刻印されたアンプルラなども人気があり、安価だった。これらと同等の世俗的なバッジである制服バッジは、封建的、政治的な忠誠心や同盟のしるしを示しており、非合法な封建制下のイングランドでは社会的脅威と見なされるようになった。より安価なバッジは無料で配られることもあった。例えば、1483年にイングランド王リチャード3世が息子のエドワードをプリンス・オブ・ウェールズに叙任するために、白い猪の紋章が入ったファスチアン布製のバッジ13,000個を注文したが、これは当時の人口を考えると膨大な数だった^{[25] 。}ダンスタブルの白鳥の宝石は、エナメル加工を施した金で完全に円形に作られた、はるかに高級なバージョンで、寄贈者に非常に近い人や重要な人に贈られたものと思われる。

ウィキメディア・コモンズにはゴシック美術に関連するメディアがあります。

ウィキメディア・コモンズには、ゴシック画家に関連するメディアがあります。

• ブラックレター（ゴシック体とも呼ばれる）
• デンマークの教会のフレスコ画
• スウェーデンの教会のフレスコ画
• 死の舞踏
• ゴシック様式の大聖堂と教会
• 絵画の歴史
• ゴシック芸術家一覧
• プルール
• 12世紀のルネサンス
• 十人の処女
• 1800 年までのイタリアの芸術家のタイムライン
• 西洋絵画

• カルキンス、ロバート G.;中世美術の記念碑、ダットン、1979 年、ISBN 0525475613 
• チェリー、ジョン。『聖なる茨の聖遺物箱』、2010年、大英博物館出版（大英博物館所蔵品に焦点）、ISBN 0-7141-2820-1 
• チェリー、ジョン、マークス、リチャード、ウィリアムソン、ポール編『ゴシック：1400-1547年のイングランドの芸術』、2003年、V&A Publications、ロンドン、ISBN 1-85177-401-7 
• フォシヨン、アンリ（1980年）。中世西洋美術：第2巻 - ゴシック。イサカ、ニューヨーク：コーネル大学出版局。ISBN 978-0801491924。
• ヘンダーソン、ジョージ。ゴシック、1967年、ペンギン、ISBN 0-14-020806-2 
• ヒュー・オナーとジョン・フレミング著『世界美術史』第 1 版、1982 年（その後多数の版あり）、マクミラン社、ロンドン、ページ参照は 1984 年マクミラン第 1 版ペーパーバックを参照。ISBN 0333371852 
• オルソン、ロベルタ JM、イタリアルネサンス彫刻、1992 年、テムズ & ハドソン (ワールド オブ アート)、ISBN 978-0-500-20253-1 
• ポープ・ヘネシー、ジョン、イタリア彫刻入門、第 1 巻、イタリアゴシック彫刻、1955 年、第 4 版 1996 年、ファイドン プレス、ISBN 0-7148-3014-3 
• ロビンソン、ジェームズ、中世美術の傑作、2008年、大英博物館出版、ISBN 978-0-7141-2815-3 
• ルドルフ・コンラッド編『中世美術入門：北ヨーロッパのロマネスクとゴシック』 2006年、ISBN 978-1405198783 
• ルドルフ、コンラッド、「ゴシックポータルの発明：シュジェール、サン・ヴィクトールのヒュー、そしてサン＝ドニの新しいパブリックアートの建設」、美術史33 (2010) 568–595
• ルドルフ、コンラッド、「解釈的ステンドグラスの窓の発明：シュガー、ヒュー、そして新しいエリートアート」、アート速報93 (2011) 399–422
• スナイダー、ジェームズ.北方ルネサンス美術、1985年、ハリー・N・エイブラムス、ISBN 0136235964 

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• 「ゴシック：1400年から1547年のイングランドの芸術」。ヴィクトリア＆アルバート博物館。2007年6月8日閲覧。
• フランスの後期ゴシック彫刻におけるピエタ：地域的差異、メトロポリタン美術館図書館の書籍（PDFで完全にオンラインで利用可能）、ゴシック美術に関する資料が含まれています。