儚い芸術

エフェメラルアート^[1]とは、時間の流れの移ろい、物質的かつ保存可能な芸術作品としての非永続性という概念のもとに考え出されたすべての芸術表現に付けられた名称である。エフェメラルアート（またはテンポラリーアート）は、その消えやすく一時的な性質のため、永続的な作品を残すことはなく、あるいは、ファッションの場合のように永続的な作品を残すとしても、もはや創作された瞬間を代表するものではない。これらの表現においては、社会的な嗜好という基準が決定的なものであり、それがトレンドを設定するものであり、そのためにはメディアの仕事と芸術批評の仕事が不可欠である。^[2]

いかなる芸術的表現も時間の中で永続するかどうかはわからないという事実、そして耐久性の基準の下で考案された多くの作品が不確定な状況で短期間で消えてしまう可能性があるという事実にかかわらず、エフェメラルアートはその起源において、時間の中ではかない物体または表現という、はかない要素を持っています。それは瞬間的な消費のために考案された、過ぎ去る、つかの間の芸術です。この仮定に基づくと、エフェメラルアートとは、その性質が時間の中で永続しないもの、または常に変化し変動するものを指します。このジャンルでは、ファッション、ヘアスタイリング、香水、美食、花火などの表現、およびタトゥーやピアスなどのボディアートのさまざまな表現がエフェメラルアートと見なすことができます。エフェメラルアートの概念には、ハプニング、パフォーマンス、環境、インスタレーションなどのいわゆるアクションアート、ボディーアートや​​ランドアートなどのコンセプチュアルアート、グラフィティなどの大衆文化の表現など、さまざまな形式も含まれます。最後に、建築の中には、一定期間に限定された機能を果たす一時的な建物として考えられているため、通常エフェメラル建​​築として表現される構造の類型もあります。 ^[3]

一時的な芸術作品は通常、屋外の公共のランドマークや予想外の場所に展示されます。一時的な芸術作品は、都市によって推進されたり、イベントやフェスティバルに合わせて紹介されることがよくあります。

ある種の芸術的表現の短命な性質は、何よりも主観的な概念であり、芸術の定義そのものに左右されます。芸術は、さまざまな意味を持つ議論の多い用語であり、時間と地理的空間に応じて変化し、進化してきました。なぜなら、「芸術」という用語は、すべての時代と場所で同じように理解されているわけではないからです。芸術は文化の構成要素であり、その概念には、あらゆる人間の文化に固有の経済的および社会的基盤、およびアイデアと価値観の伝達が反映されています。しかし、芸術の定義はオープンで、主観的で、議論の余地があります。歴史家、哲学者、芸術家の間でも、全員一致の合意はありません。西洋文明の主要な揺りかごの 1 つであり、芸術について考察した最初の文化である古代ギリシャ・ローマでは、芸術はあらゆる生産分野における人間の能力、事実上「スキル」の同義語であると考えられていました。2 世紀にガレノスは、芸術が知的起源か手作業起源かによって、芸術を自由芸術と俗芸術に分けました。教養には、三学問を形成する文法、修辞学、弁証法と、四学問を形成する算術、幾何学、天文学、音楽が含まれ、俗芸には建築、彫刻、絵画のほか、現在では工芸と見なされる活動も含まれていた。^[4] 16世紀には、建築、絵画、彫刻は、工芸や技能だけでなく、他の種類の工芸よりも優れている一種の知的概念も必要とする活動であると考えられるようになった。こうして近代的な芸術の概念が生まれ、ルネサンス時代には、この活動（デザイン）が芸術作品の誕生における主要な活動であると理解されたため、デザインの芸術という名前が付けられた。^[5]その後、音楽、詩、舞踏などの表現が芸術活動とみなされ、1746年にシャルル・バトゥーは『芸術は一つの原理に還元される』で現在の芸術の概念を確立しました。この用語は成功し、今日まで生き残っています。^[6]しかし、どの表現が芸術とみなされ、どの表現が芸術ではないかという基本的な基準を確立しようとする試みは、ある意味では逆効果を生み、芸術の定義の欠如をさらに強調することになった。今日、芸術は、美的および表現的品質、ならびに創造性の要素に基づく最小限の共通分母は一般的に受け入れられているものの、多くの公式や概念が当てはまる、オープンで解釈可能な概念である。現在、一部の批評家や歴史家は、芸術の伝統的な分類に、写真、映画、漫画、演劇、テレビ、ファッション、広告、アニメーション、ビデオゲームなどの表現を追加しており、他の種類の表現活動についてはまだ意見の相違がある。^[要出典]

芸術の起源における重要な側面は、その社会的要素、つまり芸術家と観客、作品と消費者の相互関係です。芸術作品は、社会的および文化的基準、空間と時間に対応します。その基準の外では、たとえ物理的オブジェクトとして存続したとしても、概念的な重要性、つまりそれが作成された理由を失います。それでも、人間は、これらのオブジェクトのユニークで再現不可能な性質、つまり記憶に残る時代の記録、そして時を経て次々と受け継がれてきた人々や文化の真の表現として、これらのオブジェクトを収集し、保持することに常に熱心でした。正確には、より早く消費される他のオブジェクトとは対照的に、特定のオブジェクトの収集可能な性質は、特定の表現を芸術として分類し、他の表現を芸術として分類しないという最初の障壁を表しました。これらの表現は、しばしば軽蔑的に「ファッション」、「装飾」、「娯楽」などと呼ばれます。美術館や美術アカデミーは、芸術作品の保存と普及に責任を負い、また、ある芸術表現を他の表現よりも後援し、優先する役割も担っていた。絵画や彫刻は問題なくこれらの機関に収蔵されたが、その他の様々な物や創作物は、一時的な役目を終えると忘れ去られるか、せいぜいその存在を証明する文書や証言によって記憶に残るだけであった。^[7]

はかない表現の芸術性、芸術や美のはかない性質がこれらの概念の価値を下げてしまうかどうかについては、長い間議論されてきました。はかないものの価値を下げることは、美しいものは永続しないと考えていたプラトンに始まります。なぜなら、唯一永遠のものは「美の理念」だからです。同様に、中世のすべての美学の源泉であるキリスト教は、唯一不変の美は神の美であるため、肉体的な美は一時的なものとして拒絶しました。しかし、19世紀から、はかない美に対する態度の変化が起こり始め、はかない美は、その本質的な性質によって評価されるようになりました。ロマン主義者は「二度と見られない」ものを評価し、ゲーテは、はかないものだけが美しいとまで主張しました。「ゼウスよ、なぜ私ははかないのか？と美は言う。ゼウスは、はかないものと同じように、私は美しくしないのだと言う」（四季）。^[8]

人間の芸術的表現が始まった当初から、エフェメラル・アートとみなせるさまざまな表現が存在し、ある種の芸術観に固有のものとさえ考えられてきましたが、こうした表現形式が大きなブームを巻き起こしたのは 20 世紀になってからのことでした。現代美学は、20 世紀の芸術で生み出されたスタイルの細分化と並行して、非常に多様な傾向を示してきました。今日の美学と芸術はどちらも、19 世紀から 20 世紀への変わり目に出現した、多くの場合矛盾する文化的、哲学的アイデアを反映しています。啓蒙主義の合理主義的アイデアの克服と、ロマン主義運動に始まりキルケゴールやニーチェなどの作家の作品に結晶化した、より主観的で個人的な概念への移行は、伝統との決別と古典的な美の拒絶を表しています。現実の概念は、時間の主観性（ベルクソン）、アインシュタインの相対性理論、量子力学、フロイトの精神分析理論などの新しい科学理論によって疑問視されました。一方、写真と映画はすでに現実を捉える役割を担っていたため、新しいテクノロジーは芸術の機能を変えました。これらすべての要因が、抽象芸術、アクションアート、コンセプチュアルアート、エフェメラルアートなど、現代アートの新しいトレンドの誕生を生み出しました。そこでは、アーティストはもはや現実を反映するのではなく、自分の内面世界を反映し、自分の感情を表現しようとします。^[9]

20 世紀には、未来派などの運動が芸術の儚い性質を称賛し、マリネッティは「芸術作品の創造において不滅性を考えることほど卑劣でつまらないことは私にはない」と書いている (未来派、1911 年)。先見の明のある建築家アントニオ・サンテリアでさえ、「建築家よりも長持ちしない」家を建てることを提唱した (未来派建築宣言、1914 年)。こうして、芸術作品が独自の自律性を獲得し、鑑賞者の認識と並行して時間とともに進化し、変化するという新しい感覚が生まれた。この文脈では、芸術家は単に、作品が独自の運命をたどるための条件を設定する職人である。^[8]

現代アートは社会と密接に結びついており、機械主義や時間や美の軽視といった社会的概念の進化とも密接に結びついています。現代アートは瞬時に伝わる芸術であり、知覚にほとんど時間を必要としません。今日のアートは、絶え間なく変化する嗜好を持ち、同時に変化します。古典芸術が不変の理念の形而上学に基づいていたのと同様に、カント主義に根ざした今日のアートは、快楽の社会的認識 (大衆文化) に嗜好を見出しています。より物質主義的で消費主義的な社会では、アートは知性ではなく感覚に訴えます。そのため、コミュニケーションのスピードと今日の文明の消費主義的側面を組み合わせたファッションの概念が特に重要になりました。消費のスピードは芸術作品を消耗させ、嗜好を揺さぶり、普遍性を失い、個人の嗜好が優勢になります。そのため、最新の芸術のトレンドは芸術対象への関心さえ失っています。伝統的な芸術は対象の芸術でしたが、今日の芸術は概念の芸術です。能動的な芸術、行動的な芸術、自発的で一時的な非商業的な芸術が再評価されています。^[10]

最後に、西洋芸術では、はかないものの認識が他の分野や他の文化と同じようには評価されていないことを覚えておく価値があります。それは、すべての文明が同じ芸術の概念を持っているわけではないのと同じです。人生のはかない瞬間的な性質とその文化的表現が最も高く評価されている国の一つが日本です。日本文化の芸術には、内省と人間と自然の相互関係の感覚が大きく表れており、最も華麗で強調されたものから最もシンプルで日常的なものまで、周囲の物体に等しく表されています。これは、不完全さ、物事のはかない性質、日本人が周囲と築く感情的な感覚に与えられる価値に明らかです。したがって、たとえば茶道では、日本人は、単純な要素と非対称で未完成の空間から生まれる調和に基づいた単純な儀式で達成するこの瞑想状態の静けさと平穏を高く評価しています。日本人にとって、平和と調和は暖かさと心地よさと結びついており、それは美の概念を反映する性質である。食事に関しても、重要なのは食べ物の量や盛り付けではなく、食べ物の感覚的認識と、あらゆる行為に付随する美的感覚である。^[11]

一時的な芸術は、一般の人々に芸術を紹介する方法です。一時的な芸術の設置は、イベントやフェスティバルと組み合わせて使用​​されることもあります。^[12]一時的な芸術は、一般の人々の意識を高めるために使用することも、つかの間の美しさを生み出すために使用することもできます。予期しない場所に展示されることもあります。^[13]

時折、イベントやフェスティバルが一時的な芸術を招待することもあります。2022年の国際自然環境フェスティバルは、ハンガリーのゲデレーで開催されるゴミアート国際フェスティバルと連動しています。これは、環境をテーマにした一時的な芸術を招待する映画祭の一例です。^[14]

1970年代半ばから後半にかけて、 ニュージーランドではウェリントンを中心に、オークランドやクライストチャーチでも、大学の美術学校、ニュージーランド国立美術館、アーティスト協同組合出身の学生による作品を中心に、一時的なコンセプチュアルアート、介入アート、パフォーマンスアート、環境アートが急増した。[ 15 ] ^{[ 16]}

• 1966年オノ・ヨーコのリンゴ - 展示品はプレキシガラスの上に置かれたリンゴです。オノは「リンゴが腐っていくのを見るのはワクワクするし、リンゴがなくなった後の美しさを考えるだけで、新しいリンゴを置くかどうか決めなければならない」と語っています。^{[17] [18]}
• 1990年、ダミアン・ハーストは一時的な芸術作品またはインスタレーションを制作した。それは「千年」と題され、腐った牛の頭を食べるウジ虫やハエを入れた大きなガラスケースだった。^[19]
• 2000年代、ブラジルの彫刻家ネレ・アゼベドは、氷でできた小さな人形をランドマークに設置した。この芸術家は地球温暖化について発言していると考える人もいる。^[17]彼はまた、溶けた人形を使って第一次世界大戦を記念したこともある。^[20]
• 2011年、彫刻家ウルス・フィッシャーは無題の蝋人形を制作した。5ヶ月の間に、この彫刻は溶けてしまった。^[17]
• 2015年、ハンガリーの芸術家エルヴィン・エルヴェ＝ロランスは、ポリスチレンで一時的な巨大な人間の像を作り（ポップアップを参照）、それを「公衆の驚き」の作品と呼んでいます。^{[21] [22]}
• バンクシーは一時的な芸術作品を制作するアーティストの一例です。その多くはグラフィティの形をとっており、多くの人が目にした後、自治体によって撤去されたり、他のグラフィティによって台無しにされたりします。時には、彼の作品は販売のために他の人によって撤去されることもあります。バンクシーの有名な一時的な芸術作品は、額装された作品で、サザビーズのオークションにかけられ、購入後すぐに細断されました。^[23]

• 一時的な建築
• スペインのバロック様式の一時的な建築
• ファリャ記念碑は、スペインのバレンシアのファリャス祭りで燃やされる風刺的な彫刻です。

• アスカラテ・リストーリ、ホセ・マリア・デ。ペレス・サンチェス、アルフォンソ・エミリオ。ラミレス・ドミンゲス、フアン・アントニオ（1983年）。ヒストリア デル アルテ。アナヤ、マドリッド。ISBN 84-207-1408-9。{{cite book}}: CS1 maint: 複数の名前: 著者リスト (リンク)

• イアン・チルヴァーズ (2007)。ディッチョナリオ・デ・アルテ。アリアンサ出版社、マドリッド。ISBN 978-84-206-6170-4。
• デンプシー、エイミー (2002)。エスティロス、エスクエラス、モビミエントス。ブルーメ、バルセロナ。ISBN 84-89396-86-8。
• エコ、ウンベルト (2004)。ベレーザの歴史。ルーメン、バルセロナ。ISBN 84-264-1468-0。
• フェルナンデス・アレナス、ホセ（1988年）。技術とエスパーシオエステティコ。アントロポス、バルセロナ。ISBN 84-7658-078-9。
• ジョルジ、ローザ (2007)。エル・シグロ XVII。エレクタ、バルセロナ。ISBN 978-84-8156-420-4。
• ゴンサレス、アントニオ・マヌエル (1991)。ラス・クラベス・デル・アルテ。ウルティマス・テンデンシアス。プラネタ、バルセロナ。ISBN 84-320-9702-0。
• マルティネス・ムニョス、アマリア (2001)。XX の芸術と建築。 Vol. II: 前衛的な制度。エド。モンテシノス。ISBN 84-95580-14-4。
• スリオ、エティエンヌ (1998)。ディチョナリオ・アカル・デ・エステティカ。アカル、マドリッド。ISBN 84-460-0832-7。
• スタンリー・ベイカー、ジョアン (2000)。日本の芸術。マドリッド、デスティーノ。ISBN 84-233-3239-X。
• タタルキェヴィチ、ヴワディスワフ (2000)。エステティカの歴史 I. エステティカ アンティグア。アカル、マドリッド。ISBN 84-7600-240-8。
• タタルキェヴィチ、ヴワディスワフ (2002)。歴史のアイデア。テクノス、マドリッド。ISBN 84-309-3911-3。

• オニール、メアリー（2011）。「エフェメラルアート：死者に物語を語る | イメージと物語」。イメージと物語。12 （3）。

• テンポラリーアート ポートランド メイン
• テンポラリーアート サンタクラリタ
• ニューヨーク市テンポラリーアートプログラム