ピエト・モンドリアン

ピエト・モンドリアン
1899年のモンドリアン
生まれる	ピーテル・コルネリス・モンドリアン ( 1872-03-07 )1872年3月7日 アメルスフォールト、オランダ
死亡	1944年2月1日（1944年2月1日）（71歳） ニューヨーク市、米国
教育	Rijksakademie (芸術アカデミー)、アムステルダム
知られている	絵画
注目すべき作品	夕方、赤い木、灰色の木、赤、青、黄色の構成、ブロードウェイ ブギウギ、勝利のブギウギ
動き	デ・スティル、抽象芸術
サイン

ピーテル・コルネリス・モンドリアン（オランダ語: [ˈpitər kɔrˈneːlɪs ˈmɔndrijaːn] ; 1872年3月7日 - 1944年2月1日）は、1911年以降はピエト・モンドリアン（/ p iː t ˈ m ɒ n d r i ɑː n / 、米国でも/- ˈ m ɔː n -/、オランダ語: [pit ˈmɔndrijɑn]）として知られるオランダの画家、美術理論家であり、20世紀最大の芸術家の一人とみなされている。彼は20世紀抽象芸術の先駆者の一人で、具象絵画からますます抽象的なスタイルへと芸術的方向性を変え、最終的には彼の芸術的語彙が単純な幾何学的要素にまで削減されるまでになった。

モンドリアンの芸術は極めてユートピア的で、普遍的な価値と美学の探求に取り組んでいました。彼は 1914 年に次のように宣言しました。「芸術は現実よりも高尚であり、現実とは直接関係がありません。芸術において精神に近づくには、現実をできるだけ利用しないようにします。なぜなら、現実は精神と対立するからです。私たちは抽象芸術の存在を感じています。芸術は現実よりも高尚であるべきです。そうでなければ、人間にとって価値がなくなります。」

彼は、テオ・ファン・ドゥースブルフと共同で設立したデ・スティル芸術運動およびグループに貢献しました。彼は、ネオプラスティシズムと名付けた非具象的な形式を生み出しました。これは、彼が「普遍的な美」を創造するために必要であると信じた新しい「純粋な造形芸術」でした。これを表現するために、モンドリアンは最終的に、形式的な語彙を3原色（赤、青、黄）、3原値（黒、白、灰色）、2つの主要な方向（水平と垂直）に限定することを決定しました。1912年にモンドリアンがオランダからパリに到着したことは、大きな変化の時代の始まりを示しました。彼はキュビズムの実験に遭遇し、パリの前衛芸術に溶け込む目的で、自分の名前のオランダ語の綴りから「a」を削除しました（Mondriaan）。

モンドリアンの作品は20世紀の芸術に多大な影響を与え、抽象絵画の進路や数多くの主要なスタイルや芸術運動（カラーフィールドペインティング、抽象表現主義、ミニマリズムなど）だけでなく、デザイン、建築、ファッションなど絵画以外の分野にも影響を与えました。デザイン史家のスティーブン・ベイリーは、「モンドリアンはモダニズムを意味するようになりました。彼の名前と作品はハイモダニズムの理想を要約しています。私は『象徴的』という言葉が好きではないので、彼はトーテム的存在、つまりモダニズムが目指したものすべてを表すトーテムになったと言っておきましょう」と述べています。

モンドリアンは、オランダのユトレヒト州アメルスフォールトで、両親の2番目の子供として生まれました。 ^[1]彼は、 1670年にハーグに住んでいたクリスチャン・ディルクゾーン・モンデリアンの子孫です。^[2]父のピーテル・コルネリウス・モンドリアンが地元の小学校の校長に任命されたため、家族はウィンタースウェイクに引っ越しました。 ^[3]モンドリアンは幼い頃から芸術に触れていました。父は資格を持ったデッサン教師で、叔父のフリッツ・モンドリアン（ハーグ芸術学校のウィレム・マリスの生徒）とともに、若いピートはゲイン川沿いでよく絵を描いたり、素描をしたりしていました。^[4]

厳格なプロテスタント教育を受けた後、1892年にモンドリアンはアムステルダムの美術アカデミーに入学した。^[5]彼はすでに教師の資格を持っていた。^[3]彼は初等教育の教師としてキャリアをスタートさせたが、絵画の制作も行っていた。この時期の作品のほとんどは自然主義的または印象派的で、主に風景画である。故郷の田園風景には風車、野原、川などが描かれており、最初はハーグ派のオランダ印象派の手法で描かれ、その後は独自のスタイルを模索していたことを証明するさまざまなスタイルや技法が用いられた。これらの絵画は具象的で、点描画法やフォーヴィスムの鮮やかな色彩など、さまざまな芸術運動がモンドリアンに与えた影響を示している。1893年に彼は初の展覧会を開催した。^[6]

ハーグ美術館には、この時期の絵画が数多く展示されており、その中には『赤い風車』や『月の出の木々』といったポスト印象派の作品も含まれています。夕暮れ時の野原の木を描いた『夕べ（Avond）』（1908年）は、赤、黄、青のみで構成されたパレットを使用することで、将来の展開を予感させるものでもあります。『Avond』は抽象表現は限定的ですが、原色を強調したモンドリアンの絵画としては最も初期の作品です。

モンドリアンの初期の絵画で、ある程度の抽象性を示したのは、1905年から1908年にかけて制作された一連のキャンバス作品で、静かな水面に映るぼんやりとした木々や家々の光景が描かれています。その結果、鑑賞者は内容よりも形に注目するようになりますが、これらの絵画は依然として自然にしっかりと根ざしており、モンドリアンのその後の業績を知って初めて、これらの作品の中に彼の抽象性のルーツを探ることができるのです。

モンドリアンの芸術は、彼の精神的、哲学的研究と密接に関係していた。1908年、彼は19世紀後半にヘレナ・ペトロヴナ・ブラヴァツキーが始めた神智学運動に興味を持ち、1909年に神智学協会のオランダ支部に入会した。ブラヴァツキーの作品と、それと並行する精神的運動であるルドルフ・シュタイナーの人智学は、彼の美学のさらなる発展に大きな影響を与えた。^{[7]ブラヴァツキーは、}経験的手段によって得られるものよりも深い自然知識を得ることが可能であると信じており、モンドリアンの残りの人生の作品の多くは、その精神的知識の探求に触発されたものである。1918年、彼はブラヴァツキーの著書に言及して「私はすべてを『秘教の教義』から得た」と書いた。 1921年、モンドリアンはシュタイナーに宛てた手紙の中で、彼の新造形主義は「真の人智学者と神智学者のすべてにとって近い将来の芸術」であると主張した。彼はその後も献身的な神智学者であり続けたが、自身の芸術的潮流である新造形主義は、最終的にはより大規模でエキュメニカルな精神性の一部になると信じていた。^[8]

モンドリアンとその後の作品は、 1911年にアムステルダムで開催されたキュビスムの現代美術展に深く影響を受けている。彼の単純化の探求は、2つのバージョンの『ジンジャーポットのある静物画』 （Stilleven met Gemberpot ）に表れている。1911年バージョン^[9]はキュビスム的であり、1912年バージョン^{[10]では、対象は}三角形と長方形の円形に簡素化されている。

1912年、モンドリアンはパリに移り、名前を変えた。「Mondriaan」から「a」を抜いて、オランダを離れたこととパリの前衛芸術家としての自分の位置を強調した。^{[12] [13]パリにいる間、}パブロ・ピカソやジョルジュ・ブラックのキュビズムの影響が、モンドリアンの作品にすぐに現れた。^[14] 「海」 （1912年）やその年の様々な樹木の習作などの絵画には、まだある程度の表現が含まれているが、次第に幾何学的な形や絡み合う平面が目立つようになってきた。モンドリアンはキュビズムの影響を作品に取り入れることに熱心だったが、キュビズムを目的地ではなく、芸術の旅の「寄港地」と見ていたことは明らかである。ピエト・モンドリアンのキュビズム時代は1912年から1917年まで続いた。

キュビズムの画家たちと違って、モンドリアンは依然として絵画と精神的な追求を調和させようとし、1913年に芸術と神智学の研究を融合させ、具象絵画からの最終的な決別を示す理論を作り上げ始めた。1914年にモンドリアンがオランダを訪れていたとき、第一次世界大戦が勃発し、戦争が続く間、彼はオランダに留まらざるを得なくなった。この間、彼はラーレンの芸術家コロニーに滞在し、そこで抽象化への個人的な旅を続けていたバート・ファン・デル・レックとテオ・ファン・ドゥースブルフに出会った。ファン・デル・レックが作品に原色のみを使用したことは、モンドリアンに大きな影響を与えた。1916年にファン・デル・レックと会った後、モンドリアンは「多かれ少なかれキュビズム的で、したがって多かれ少なかれ絵画的な私の技法は、彼の正確な方法の影響を受けた」と書いている。^[15]モンドリアンはファン・ドゥースブルフとともにデ・ステイル・グループの雑誌『デ・ステイル（様式）』を創刊し、その中で彼が新造形主義と呼んだ理論を定義するエッセイを初めて発表した。

モンドリアンは1917年から1918年にかけて「絵画における新しい視覚化」^[16]を12回に分けて出版した。これは彼が自身の芸術理論を文章で表現しようとした最初の大きな試みだった。しかし、モンドリアンのこの理論に関する最も優れた、そして最も頻繁に引用される表現は、1914年にH.P.ブレマーに宛てた手紙の中にある。

私は、最大限の意識をもって一般的な美を表現するために、平面上に線と色の組み合わせを描きます。自然（あるいは、私が見るもの）は、他の画家と同様に、私にインスピレーションを与え、感情的な状態に私を導き、何かを描きたいという衝動にかられますが、私はできる限り真実に近づき、そこからすべてを抽象化して、物事の基礎（それでも外的な基礎にすぎません！）に到達したいと考えています...意識をもって、しかし計算ではなく、高度な直感に導かれ、調和とリズムに導かれた水平線と垂直線を通して、これらの基本的な美の形は、必要に応じて他の直線や曲線で補完され、真実であるほどに強力な芸術作品になる可能性があると私は信じています。^[17]

その後20年間にわたり、モンドリアンは古典的、プラトン的、ユークリッド的世界観を取り入れた独自のスタイルを系統的に発展させ、今では象徴的な水平と垂直の黒い線が原色で満たされた正方形と長方形を形成することに焦点を当てました。^[18]

1918 年に第一次世界大戦が終結すると、モンドリアンはフランスに戻り、1938 年までそこに留まりました。戦後のパリの芸術革新の文化に浸り、彼は生涯を通じて純粋抽象芸術を熱心に受け入れ、開花しました。モンドリアンは 1919 年後半にグリッドベースの絵画を制作し始め、1920 年には、彼が有名になるスタイルが現れ始めました。

モンドリアンは、「純粋な抽象芸術は、自然主義的な外観から完全に解放される。それはもはや自然の調和ではなく、同等の関係を生み出す。同等の関係の実現は、人生にとって最も重要である」と信じていました。^[19]

このスタイルの初期の絵画では、長方形の輪郭を描く線は比較的細く、黒ではなく灰色です。また、線は突然止まるのではなく、絵画の端に近づくにつれて薄くなる傾向があります。後の絵画よりも小さく数が多い長方形自体は、原色、黒、灰色で塗りつぶされており、ほとんどすべてが色付きで、白のままになっているのはほんのわずかです。

1920 年後半から 1921 年にかけて、モンドリアンの絵画は、一般の観察者にとって決定的で成熟した形に到達しました。太い黒い線が形を区切るようになり、形は大きくなり、数も減り、形の多くは白のままになりました。しかし、これは彼の芸術的進化の頂点ではありませんでした。改良はより微妙になりましたが、モンドリアンの作品はパリ滞在中も進化し続けました。

1921 年の絵画では、すべての黒い線ではないものの、多くの黒い線がキャンバスの端から一見すると不自然な距離で止まっていますが、長方形の境界線はそのまま残っています。ここでも、長方形はほとんど色付きのままです。年月が経ち、モンドリアンの作品がさらに進化するにつれて、彼はすべての線をキャンバスの端まで伸ばし始め、色付きの形の使用はますます少なくなり、代わりに白が好まれるようになりました。

これらの傾向は、モンドリアンが 1920 年代半ばから定期的に制作し始めた「菱形」の作品に特に顕著です。「菱形」の絵画は、正方形のキャンバスを 45 度傾けて、ダイヤモンドの形にしたものです。その代表的な作品が、シルデライ No. 1: 2 本の線と青の菱形(1926 年) です。モンドリアンのキャンバスの中でも最もミニマルな作品の 1 つであるこの絵画は、2 本の垂直な黒い線と小さな青い三角形のみで構成されています。線はキャンバスの端まで伸びており、まるでこの絵画がより大きな作品の一部であるかのような印象を与えます。

ガラスで保護されていることや、キャンバスに明らかに経年劣化や取り扱いによるダメージが加わっていることから、絵画の見栄えは悪いが、この絵画をじっくりと観察すると、画家の手法が少しずつ見えてくる。この絵画は、予想通り、完全に平らな色面だけで構成されているわけではない。全体に微妙な筆遣いが見られる。画家は、さまざまな要素に異なる技法を用いているようだ。^[20]黒い線は最も平らで、奥行きが最も少ない。色付きの形は、最もはっきりとした筆遣いで、すべて一方向に流れている。しかし、最も興味深いのは、明らかに異なる方向に流れる筆遣いで層状に描かれている白い形である。これにより、白い形に奥行き感が生まれ、線や色を圧倒しているように見える。実際、この時期のモンドリアンの絵画は、白い空間がますます多くを占めるようになっていった。

1926年、ニューヨーク市の独立芸術家協会（マルセル・デュシャン、マン・レイとともに）の共同創設者であるキャサリン・ドレイアーは、パリのピエト・モンドリアンのスタジオを訪れ、彼のダイヤモンド作品の1つである「絵画I」を購入した。この作品は、ブルックリン美術館で独立芸術家協会が開催した展覧会で展示された。これは、アーモリー・ショー以来、アメリカで最初の大規模な現代美術展であった。彼女はカタログで「オランダは、自国の論理的表現でありながら、個性の活力によってそれを超えた3人の偉大な画家を輩出した。1人目はレンブラント、2人目はゴッホ、3人目はモンドリアンである」と述べている。^[21]

年月が経つにつれ、モンドリアンの絵画では線が形よりも優先されるようになった。1930年代には、より細い線や二重線をより頻繁に使い始め、小さな色付きの形がいくつか、あるいはまったく使われなくなった。二重線はモンドリアンを特に魅了した。二重線は彼の絵画に新しいダイナミズムをもたらし、彼が探求したいと思っていたからだ。彼の作品に二重線が導入されたのは、友人で同時代人だったマーロウ・モスの作品の影響を受けた。^{[22] [ページが必要]}

1934年から1935年にかけて、モンドリアンの絵画3点が英国のオックスフォード、ロンドン、リバプールで開催された「抽象と具象」展で展示されました。^[23]

1938 年 9 月、モンドリアンはファシズムの台頭に直面してパリを離れ、ロンドンに移住した。1940 年にオランダが侵略されパリが陥落すると、彼はロンドンを離れ、ニューヨーク市のマンハッタンに向かい、そこで死ぬまで過ごした。モンドリアンの後期の作品のいくつかは、彼の芸術的発展という観点から位置づけるのが難しい。なぜなら、パリやロンドンで描き始め、数か月または数年後にマンタンで完成させたキャンバスがかなりあるからである。この後期の完成作品は視覚的に忙しく、1920 年代以降のどの作品よりも線が多く、重なり合う配置で描かれており、見た目はまるで地図のようである。彼は手に水ぶくれができるまで、一人で長時間絵を描き、時には泣い​​たり気分が悪くなったりした。^[要出典]

モンドリアンは、黒線の代わりに太い色付きの線を革新的に使ったシンプルな絵画「菱形の構成と4本の黄色い線」 （1933年）を制作した。この1枚の絵画の後、この手法はモンドリアンの作品には見られなくなったが、マンハッタンに着いた時に、彼はそれを思い切り受け入れ始めた。この新しい方向性を示すいくつかの例、 「構成」（1938年）/コンコルド広場（1943年）では、パリで未完成の黒線の絵画を持ち帰り、ニューヨークで、より長い黒線の間や黒線からキャンバスの端まで、異なる色の短い垂直線を追加して完成させたようだ。新たに着色された部分は厚く、線と形の間の隙間を埋めるほどで、黒で囲まれていないモンドリアンの絵画に色が見られるのは驚くべきことだ。他の作品では、おなじみの黒線の中に長い赤の線を混ぜ、黒線の上に色の層を追加することで新たな奥行き感を生み出している。原色、白地、黒のグリッド線を特徴とする彼の絵画「コンポジションNo.10」（1939年 - 1942年）は、モンドリアンの長方形に対する急進的でありながら古典的なアプローチを明確に定義しています。^[要出典]

1940年9月23日、モンドリアンはリバプールを出港したキュナード・ホワイト・スター・ラインの船RMS サマリア （1920年）に乗り、ヨーロッパを離れニューヨークに向かった。^[25]モンドリアンがマンハッタンで始めた新しいキャンバスはさらに驚くべきもので、アーティストの死によって中断された新しい表現法の始まりを示している。ニューヨーク市（1942年）は、赤、青、黄色の線が複雑に格子状に組み合わさったもので、時折絡み合って以前の作品よりも深みのある感覚を生み出している。^[26]この作品の1941年の未完成バージョンであるニューヨーク市Iは、塗装された紙テープの細片を使用しており、アーティストはそれを自由に再配置してさまざまなデザインを試すことができた。 2022年10月、 1945年にニューヨーク近代美術館（MoMA）で初めて展示されたこの作品が、現在所蔵されているドイツのノルトライン＝ヴェストファーレン州立美術館で少なくとも1980年以降、上下逆さまに展示されていたことが明らかになった。美術館は、作品の損傷を避けるため、今後も逆さまのまま展示すると説明した。^{[27] [28]}

ニューヨーク近代美術館にある彼の絵画「ブロードウェイ・ブギウギ」 （1942年 - 1943年）は、抽象幾何学絵画の流派に大きな影響を与えました。この作品は、キャンバスから飛び出し、きらめくように見える明るい色の多数の正方形で構成されており、鑑賞者をネオンの光の中に引き込みます。この絵画と未完成の「ビクトリー・ブギウギ」（1942年 - 1944年）では、モンドリアンは以前の実線を、小さな隣接する色の長方形で作成した線に置き換えました。この長方形は、さまざまな色の小さな紙テープを使用して作成されました。より大きな境界のない色の長方形がデザインを強調し、いくつかの長方形の中には、内部に小さな同心円状の長方形があります。1920年代と1930年代のモンドリアンの作品はほとんど科学的で厳格である傾向がありますが、これらは明るく生き生きとした絵画であり、インスピレーションの元となった明るい音楽と、制作された都市を反映しています。

これらの最後の作品では、形が線の役割を奪い、抽象主義者としてのモンドリアンの発展に新たな扉を開きました。ブギウギの絵画は明らかに進化的変化というよりも革命的変化であり、1913 年に具象芸術を放棄して以来、モンドリアンの作品における最も深遠な発展を表しています。

2008年、オランダのテレビ番組「Andere Tijden」がモンドリアンが出演している唯一の映画映像を発見した。^{[29]この映像の発見は、2年間に渡る「} Victory Boogie Woogie」の研究プログラムの終わりに発表された。研究により、絵画は非常に良好な状態で、モンドリアンはこの構成を1回のセッションで描いたことが判明した。また、モンドリアンが死の直前に小さな色付きテープを使用して構成を大幅に変更したことも判明した。

1919年、47歳のピエト・モンドリアンがオランダを離れ、自由の身となったパリに2度目にして最後の旅に出たとき、彼はすぐにアトリエを、2年間書き続けてきた新造形主義の原理をますます表現するであろう自分の頭の中の絵画を育てる環境とすることに着手した。アトリエの構造上の欠陥を迅速かつ安価に隠すために、彼は単色または中間色の大きな長方形のプラカードを釘で留めた。小さな色紙の正方形と長方形を組み合わせて壁のアクセントにした。その後、集中的な絵画制作期間が訪れた。彼は再び壁に取り組み、色の切り抜きの位置を変え、その数を増やし、色と空間の力学を変え、新しい緊張と均衡を生み出した。やがて彼は、絵画制作期間と、壁に貼った小さな紙を実験的に再編成する期間を交互に繰り返す創作スケジュールを確立し、そのプロセスは次の絵画制作期間に直接影響した。それは、1938年と1940年に戦時中にパリからロンドンのハムステッドに移り、大西洋を渡ってマンハッタンに移ったときも含め、彼が生涯にわたって続けたパターンだった。

1943 年秋、71 歳になったモンドリアンは、マンハッタンのイースト59 丁目 15 番地にある 2 番目で最後のスタジオに移り、長年かけて学んだ、自分の質素な生活に最も適し、自分の芸術に最も刺激を与える環境の再現に取りかかった。高い壁は、廃棄されたオレンジやリンゴの木箱からデザインし、細心の注意を払って作ったイーゼルや椅子、テーブル、収納ケースに使ったのと同じオフホワイトで塗装した。白い金属製のスツールの天板は、愛するジャズを世界中を旅したレコードから流すラジオ蓄音機用に作ったボール紙製のカバーに使ったのと同じ鮮やかな原色の赤で光沢を放った。この最後のスタジオを訪れた人は、新しいキャンバスを 1 枚か 2 枚しか見ることはほとんどなかったが、壁に何度も貼り直し、絶えず変化する関係で貼り付けた 8 つの大きな色紙の作品が、逆説的にも同時に躍動的でありながら静穏で、刺激的でありながら安らぎのある環境を作り上げていることに驚きを覚えることが多かった。モンドリアンは、ここが自分が住んだ中で最高の空間だったと語った。1944 年 2 月に亡くなったため、彼はわずか数か月しかそこにいなかった。

モンドリアンの死後、マンハッタンの友人でスポンサーでもあったアーティストのハリー・ホルツマンと、もう一人の友人で画家のフリッツ・グラーナーが、スタジオを 6 週間の展覧会で一般に公開する前に、フィルムと静止写真でスタジオを注意深く記録しました。スタジオを解体する前に、ホルツマン (モンドリアンの相続人でもありました) は壁の構成を正確にトレースし、それぞれの壁が占めていた空間の正確な持ち運び可能な複製を作成し、それぞれに元の切り抜き部品を取り付けました。これらの持ち運び可能なモンドリアンの構成は、「ウォール ワークス」として知られるようになりました。モンドリアンの死後、作品はマンハッタンの近代美術館（1983年と1995-96年）で2度展示され、^[30]ソーホーのカーペンター+ホックマンギャラリー（1984年）、東京のギャラリートコロ（1993年）、第22回サンパウロビエンナーレ（1994年）、ミシガン大学（1995年）で各1度展示され、ヨーロッパでは初めてベルリンのアカデミー・デア・クンステ（2007年2月22日-4月22日）で展示された。また、1955年8月から9月にかけてロンドンのホワイトチャペルギャラリーで開催された回顧展でも作品が展示された。

モンドリアンの抽象化理論は彼の永続的な遺産となっているが、彼は花の画家でもあった。彼は世紀の変わり目に花を描き始め、厳格な芸術的訓練と観察力を精神的、ロマンチックな憧れと融合させた個々の花の肖像画を作成した。^[31]モンドリアンは1920年代まで秘密裏に花を描き続け、友人には商業的な理由だけで描いていると主張した。^[31]花の絵は、抽象化の勝利に巻き込まれた時代全体が伝統的な風俗画や具象画に投げかけたタブーの下で作成された。それでも、モンドリアンの花は、モンドリアンの人生と作品のより広い見方に貢献している。それは、彼の芸術的進化の伝統的な解釈とは大きく異なる見方である。^[31]

2024年に出版されたモンドリアンの伝記の書評で、ニューヨーク・タイムズの書評家ドワイト・ガーナーは、モンドリアンを「非常に風変わりな男」で「馬鹿げた観念の王国から来た大使のように暮らし」、「ユーモアのセンスがなく、めったに笑わない」人物と評した。^[32]彼は骨相学や心霊術、流行のダイエットを信奉し、「冷たい食べ物は体に悪いので氷を信じなかった」[ ^{32] 。}

2018年にモンドリアンの伝記を執筆したニック・ウェーバーによると、この芸術家は目の怪我を非常に恐れていたため、子供の頃は兄弟と遊ぶことを拒否していたという。また、クモも怖かった。コンサート中に眠ってしまったことがあり、目が覚めてクモを見つけると大声で叫び始めた。結婚したことはなく、長続きする関係を築かず、いつも一人で食事をしていた。^[33]

モンドリアンは1944年2月1日に肺炎で亡くなり、ニューヨークのクイーンズにあるサイプレスヒルズ墓地に埋葬された。 ^{[34] [35] [36]}

1944年2月3日、マンハッタンのレキシントン・アベニューと52丁目のユニバーサル・チャペルでモンドリアンの追悼式が行われた。式にはアレクサンダー・アーキペンコ、マルク・シャガール、マルセル・デュシャン、フェルナン・レジェ、アレクサンダー・カルダー、ロバート・マザーウェルなど約200人が出席した。^[37]

モンドリアン/ホルツマン・トラストはモンドリアンの公式財産として機能し、「モンドリアンの芸術作品の認知度を高め、作品の完全性を確保することを目指している」^{[38] 。}

批評家のロバート・ヒューズは1980年の著書『The Shock of the New 』の中で、モンドリアンを「20世紀最高の芸術家の一人」と評した。^[39]同様に、ヒューズはテレビのドキュメンタリー『The Shock of the New』の中で、モンドリアンを「20世紀で最も偉大な芸術家の一人（中略）人間の生活条件は絵を描くことで変えられると信じた最後の画家の一人」と改めて評した。^[40]デ・スティルの権威であるオランダの美術史家カレル・ブロトカンプも、モンドリアンが「20世紀で最も偉大な芸術家の一人」であるという同じ考えを再確認した。^[41]

2022年にデザイン史家のスティーブン・ベイリーは次のように書いている。「モンドリアンはモダニズムを意味するようになった。彼の名前と作品はハイモダニズムの理想を要約している。私は『象徴的』という言葉が好きではないので、彼はトーテム的存在、つまりモダニズムが目指したものすべてを表すトーテムになったと言えよう。」^[42]

2022年11月14日、モンドリアンの「コンポジションNo. II」がサザビーズのオークションで5100万ドルで落札され、彼の作品のこれまでの最高落札額5060万ドルを上回った。 「コンポジションNo. II」は20インチ×20インチのキャンバスに、右上隅に大きな赤い四角、左下隅に小さな青い四角、そして黒い輪郭線で囲まれた黄色いブロックが描かれている。^[43]

2020年10月、モンドリアンの相続人はドイツのクレーフェルトにあるカイザー・ヴィルヘルム美術館を相手取り、モンドリアンの絵画4点の返還を求めて米国の裁判所に訴訟を起こした。 ^[44]

2021年12月、モンドリアンの相続人は、ナチスに押収され、美術商のカール・ブッフホルツとカート・ヴァレンティンを経てアルバート・E・ガラティンから美術館に寄贈されたモンドリアンの「青のある構成」（1928年）の返還を求めてフィラデルフィア美術館を訴えた。^{[45] [46] [47]}

• セルビア国立博物館は、モンドリアンの絵画を常設展示した最初の博物館であった。^[48]
• モンドリアンは、クレーやカンディンスキーと並んで、セリアリズムの作曲家ピエール・ブーレーズの初期の点描画主義音楽美学に多大な影響を与えた人物の一人である^{[49] [要ページ]}が、ブーレーズのモンドリアンに対する関心は1914年から1915年の作品に限られていた。^[50] 1949年5月までにブーレーズは「モンドリアンに疑念を抱いている」と述べ、1951年12月までにモンドリアンの絵画を嫌悪し（「世界でかつて存在した作品の中で最も謎が剥奪されている」とみなしていた）、クレーを強く支持していると表明した。^[51]
• 1930年代、当時パリのエルメスで働いていたフランスのファッションデザイナー、ローラ・プルザックは、モンドリアンの最新作品にインスピレーションを得て、赤、青、黄色の革の正方形を象嵌した一連の旅行カバンやバッグをデザインした。^[52]
• ファッションデザイナーのイヴ・サンローランの1965年秋のモンドリアン・コレクションは、モンドリアンにインスピレーションを得た、黒の縁取りが施された原色のブロックのシフトドレスを特徴としていました。^[53]このコレクションは非常に人気があり、コートからブーツまでさまざまな衣服の模倣に影響を与えました。
• 1965年から1971年にかけて放送されたアメリカの不条理テレビコメディ『グリーン・エーカーズ』のタイトルシーケンスでは、女優のエヴァ・ガボールがニューヨークのペントハウスのアパートで、背景にモンドリアンの絵画が飾られた中でテーマソングを歌うシーンが描かれている。^[54]
• 1970年から1974年にかけて放送されたアメリカの連続テレビドラマ「パートリッジ・ファミリー」では、音楽一家がツアーバスとして（当時すでに古かった）1957年製シボレー スーペリア コー​​チシリーズ 6800 スクールバスを購入し、モンドリアンのグリッドベースの絵画に強く影響を受けた色彩豊かな幾何学模様で塗り替えるというストーリーが展開された。この模様を選んだ理由は、テレビシリーズでは一度も語られていない。
• ラ・ヴィ・クレール・サイクリングチームの自転車と衣服のデザインは、1980年代を通じてモンドリアンの作品に触発されていた。チームのスポンサーも務めていたフランスのスキーおよび自転車用品メーカーのルックは、しばらくの間モンドリアンに触発されたロゴを使用していた。このスタイルは2008年に限定版フレームで復活した。^[55]
• 1980年代のR&Bグループ、フォースMDはヒット作「Love is a House」のミュージックビデオを制作し、コンポジションIIに触発されてデジタルで描かれた四角形の中に自分たちの演奏を重ね合わせた。^[56]
• Pietはピエト・モンドリアンにちなんで名付けられた難解なプログラミング言語であり、そのプログラムは抽象芸術のように見えます。^[57]
• Mondrian は、彼の名にちなんで名付けられたインタラクティブなデータ視覚化ソフトウェアです。
• Mondrianは、 Microsoft Researchが.NETプラットフォーム用に設計した関数型 スクリプト言語です。^[58]
• Mondrian は、 Pythonで記述され、Google内で使用されているWeb ベースのコードレビューシステムです。
• Mondrian は、Javaで記述されたオープンソースの OLAP (オンライン分析処理)サーバーです。
• Mondrian は、Conformal Prediction機械学習フレームワークの拡張です。
• BBC のテレビドラマ「ハッスル」のエピソード「Picture Perfect」は、チームがモンドリアンの贋作を作って売ろうとする話です。そのためには、美術館から本物のモンドリアン (赤、黄、青、黒のコンポジション、1921 年) を盗まなければなりません。
• 2001年から2003年にかけて、イギリスの芸術家キース・ミロウは、モンドリアンのいわゆる「トランスアトランティック・ペインティング」（1935年-1940年）に基づいた一連の絵画を制作した。 ^[59]
• モンドリアンは、米国テキサス州ダラスのオーク ローンのシティプレイス地区にある 20 階建ての高層ビルです。この建物の建設は 2003 年に始まり、建物は 2005 年に完成しました。
• 2008年、ナイキはモンドリアンのネオプラスティク絵画にインスパイアされたダンク ロー SB シューズを発売した。^[60]
• オーストラリアのロックバンド、シルバーチェアの5枚目にして最後のアルバム『Young Modern 』（2007年）の表紙は、ピエト・モンドリアンの『Composition II in Red, Blue, and Yellow』へのオマージュである。
• アメリカのサイケデリックポップインディーロックバンド、ザ・アップルズ・イン・ステレオの2枚目のアルバム『Tone Soul Evolution』（1997年）のカバーアートは、ピエト・モンドリアンにインスピレーションを受けたものです。
• M. UnserとP. Taftiによる数学書「スパース確率過程入門^{」[61]では、表紙にモンドリアン過程と呼ばれる}確率過程の表現が使われており、これはピエト・モンドリアンの作品に似ていることから名付けられました。
• イギリスのポップデュオ、ラ・ルーの曲「Bulletproof」のミュージックビデオには、モンドリアンの絵画にインスピレーションを受けた視覚的要素が取り入れられている。
• ハーグ市議会は市庁舎の壁をモンドリアンの作品の複製で飾り、「世界最大のモンドリアンの絵画」と称してモンドリアンを称えた。^{[62]このイベントはモンドリアンが創設に貢献した}スティル運動の100周年を祝うものであった。^[63]
• ジャージー・サーフ・ドラム＆ビューグル・コーは、2018年に「mondo mondrian」と題した公演でピエト・モンドリアンをテーマにしたショーを上演した。^[64]
• スウォッチはマドリードのティッセン＝ボルネミッサ美術館と共同で、モンドリアンの「ニューヨーク・シティ3」に敬意を表した「レッド・シャイニー・ライン（SUOZ297）」という時計を制作した。^{[65]これに続き、2022年にはスウォッチと}ポンピドゥー・センターのコラボレーションの一環として、絵画「赤、青、白の構成II」を記念した時計「ピエト・モンドリアンによる赤、青、白（SUOZ344）」を制作した。^[66]
• 香港の佛潭にある公営住宅団地、春瑩団地の建物の​​ファサードとデザインの細部は、住宅局の建築プロジェクトチームによると、モンドリアンの作品の幾何学的な要素からインスピレーションを得たものである。 ^[67]
• 2022年、テクノはニューヨーク美術館と提携し、彼の絵画をデザインに取り入れたCamon 19 Proスマートフォンの特別版をリリースした。^[68]
• 2024年には、モンドリアンの芸術に触発されたレクリエーション数学の問題が出題された。^[69]

2014年6月6日から10月5日まで、テート・リバプールはモンドリアンの死後70年を記念して、イギリス最大のモンドリアン作品コレクションを展示した。「モンドリアンと彼のスタジオ」には、パリのスタジオを実物大で再現したものも含まれていた。チャールズ・ダーウェントはガーディアン紙で「黒い床と、赤、黄、青の可動式パネルが掛かった白い壁があるデパール通りのスタジオは、モンドリアンを制作する場所というだけでなく、モンドリアンそのものであり、モンドリアンを生み出す場所だった」と書いている。^[12]彼は「世界最高の抽象幾何学者」と評されている。^[70]

• 芸術における四次元
• 難民リスト
• ナチスが略奪した美術品の返還請求リスト
• モンドリアンと神智学

• Pääsky, Jaana (2019)。『夜は明けても美は残る：ピエト・モンドリアンのテキスト「自然的現実と抽象的現実」の記号学的研究』（博士論文）。ヘルシンキ大学。ISBN 978-951-51-4875-9。

ウィキメディア・コモンズには、ピエト・モンドリアンに関連するメディアがあります。

Wikiquote にピエト・モンドリアンに関する引用があります。

• 近代美術館のピエト・モンドリアン
• モンドリアン・トラスト – モンドリアンの作品の複製権の保有者
• ピエト・モンドリアン文書。イェール大学バイネケ貴重書・写本図書館一般コレクション。
• RKDとデン・ハーグ美術館のウェブサイト – モンドリアンの生涯と作品に関する情報のポータルとして機能します
• HLC Jaffé 著『De Stijl 1917–1931 – The Dutch Contribution to Modern Art』には、ピエト・モンドリアンに関する多くの引用と伝記が掲載されています。JM Meulenhoff、アムステルダム 1956 年。
• ピエト・モンドリアン：大西洋横断絵画（harvardartmuseums.org）
• ニューヨーク・グッゲンハイム美術館のモンドリアン・コレクション