ヨーロッパの芸術

ヨーロッパ美術は西洋美術とも呼ばれ、ヨーロッパの視覚芸術の歴史を網羅しています。ヨーロッパの先史美術は、可動式後期旧石器時代の岩絵や洞窟壁画、ペトログリフ美術として始まり、旧石器時代から鉄器時代までの時代を特徴づけていました。^[1] ヨーロッパ美術の歴史書は、紀元前3千年紀のエーゲ海文明から始まることが多い。しかし、ヨーロッパにおける一貫した芸術的発展のパターンは、古代ギリシャ美術で初めて明らかになります。古代ギリシャ美術はローマ帝国に採用され、変容してヨーロッパ、北アフリカ、西アジアの大半に広まりました。^[2]

古典芸術の影響はその後の2000年間にわたって増減を繰り返し、中世の一部では遠い記憶の中に消え去り、ルネサンス期に再び現れ、バロック期には初期の美術史家が「衰退」とみなした時期を経験し、^[3]新古典主義では洗練された形で再登場し、 ^[4]ポストモダニズムでは再び生まれ変わった。^[5]

1800年代以前は、キリスト教会がヨーロッパの芸術に大きな影響を与え、教会からの委託が芸術家の主な仕事の源となっていた。同時期には、古典神話、大戦争、英雄やヒロイン、宗教とは関係のないテーマへの関心も新たに高まった。^{[6]過去200年間の芸術のほとんどは宗教とは関係なく、特定の}イデオロギーをまったく持たずに制作されてきたが、パトロンや芸術家の懸念を反映してか、芸術はしばしば政治問題に影響されてきた。

ヨーロッパの芸術はいくつかの様式的な時代に分けられており、歴史的には異なる地域で異なるスタイルが栄えたため、それらは互いに重なり合っています。大まかに分けると、古典、ビザンチン、中世、ゴシック、ルネッサンス、バロック、ロココ、新古典主義、近代、ポストモダン、新ヨーロッパ絵画です。^[6]

ヨーロッパの先史時代の美術は、ヨーロッパの文化遺産の重要な部分です。^{[7]先史時代の美術史は通常、}石器時代、新石器時代、青銅器時代、鉄器時代の 4つの主要な時代に分けられます。この時代に残っている遺物のほとんどは、小さな彫刻と洞窟壁画です。

現存する先史時代の美術の多くは小型の持ち運び可能な彫刻であり、中央ヨーロッパ各地で発見されたヴィレンドルフのヴィーナス（紀元前24,000-22,000年）などの女性のヴィーナス像の小グループがある。 ^[8]紀元前30,000年頃の高さ30センチメートルの「狼の像」には、それと関連のある作品はほとんどない。紀元前11,000年頃の「泳ぐトナカイ」は、上部旧石器時代の美術における動物の骨や角のマドレーヌ彫刻の中でも最も優れた作品の一つだが、彫刻に分類されることもある彫刻作品のほうが数では劣る。^{[9]ヨーロッパでは中}石器時代の始まりとともに具象彫刻は大幅に減少し、^[10]ヨーロッパ鉄器時代のグンデストルップの大釜や青銅器時代のトルンドホルムの太陽戦車などの作品はあるものの、ローマ時代まで実用品のレリーフ装飾に比べると芸術においてあまり一般的ではない要素のままでした。^[11]

ヨーロッパ最古の洞窟壁画は40,800年前のもので、スペインのエルカスティージョ洞窟で見ることができます。 ^[12] その他の洞窟壁画の遺跡には、ラスコー、アルタミラ洞窟、クサック洞窟、ペッシュ・メルル、ニオー洞窟、ショーヴェ洞窟、フォン・ド・ゴーム、イギリス・ノッティンガムシャーのクレスウェル・クラッグス（2003年に洞窟のエッチングと浅浮彫が発見された）、ルーマニアのコリボアイア洞窟（中央ヨーロッパで最古の洞窟壁画と考えられている）^[13]、ブルガリア・ベログラトチクのマグラ^{[1]などがあります。 [14]} 岩絵は崖の表面にも描かれていましたが、浸食のために残っているものは少なくなっています。よく知られている例としては、フィンランドのサイマー地域にあるアストゥヴァンサルミの岩絵があります。 1879 年にマルセリーノ サンス デ サウトゥオラがスペインのカンタブリア州アルタミラ洞窟のマグダレナ朝の壁画に初めて出会ったとき、当時の学者たちはそれを偽物だと考えました。その後、最近の再評価と数多くの追加発見によってその真正性が証明され、同時に後期旧石器時代の人々の芸術性への関心が高まっています。最も基本的な道具のみで描かれた洞窟壁画は、その時代の文化や信仰に関する貴重な洞察も提供します。

イベリア地中海盆地の岩絵は、非常に異なるスタイルを表しており、人物像が主な焦点であり、多くの場合、大規模な集団で描かれ、戦闘、ダンス、狩猟、その他の活動、衣服などの細部が表現されています。人物像は一般に薄い塗料でかなり大ざっぱに描かれており、人間と動物の集団の関係は、個々の人物像よりも注意深く描かれています。他の岩絵のグループは数は少ないものの、多くは塗装ではなく彫刻されており、同様の特徴を示しています。イベリアの例は、おそらく後期旧石器時代、中石器時代、初期新石器時代にわたる長い期間のものであると考えられています。

先史時代のケルト美術は、鉄器時代のヨーロッパの大部分に由来し、主に高級な金属細工の形で生き残り、複雑で優雅で、主に抽象的なデザインで巧みに装飾され、曲線や螺旋形がよく使われています。人間の頭部や完全に表現された動物もありますが、全身像の人物像はどのような大きさであっても非常にまれであるため、それが存在しないことは宗教的なタブーを表している可能性があります。ローマ人がケルト領土を征服すると、ケルト美術はほぼ完全に消滅しましたが、このスタイルはブリテン諸島で限定的に使用され続け、キリスト教の到来とともに中世初期の 島嶼様式として復活しました。

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  ラスコー洞窟の洞窟壁画(フランス、ドルドーニュ県モンティニャック)
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  虫刺されを舐めるバイソン; 紀元前15,000～13,000年;角; 国立先史博物館（レ・ゼイジー・ド・タヤック・シルイユ、フランス）
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  チェルナヴォダの考える人。ルーマニアのハマンギア文化による。紀元前 5000 年頃。テラコッタ。高さ 11.5 cm (4 1 ⁄ 2インチ)。ルーマニア国立歴史博物館(ブカレスト)
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  女性像。セルビアのヴィンチャ文化によるもの。紀元前 4500-3500 年。焼成粘土に絵の具を塗り付けたもの。全長 16.1 cm。クリーブランド美術館(オハイオ州、米国)

クレタ島のミノア文明は、ヨーロッパ最古の文明とみなされている。^[15]ミノア美術は想像力豊かなイメージと並外れた職人技が特徴である。 シンクレア・フッドは「最も優れたミノア美術の本質的な特質は、一連の非常に形式的な慣習に従いながらも、動きと生命の雰囲気を作り出す能力である」と評した。^{[16]これは}エーゲ海美術 のより広いグループの一部を形成し、後期にはキクラデス美術に支配的な影響を与えた時期もあった。木材と織物は分解されているため、ミノア美術の現存する例のほとんどは、陶器、精巧に彫刻されたミノアの印章、風景画を含む宮殿のフレスコ画、さまざまな素材の小さな彫刻、宝石、金属細工である。

ミノア美術と他の同時代の文化、そして後の古代ギリシャ美術との関係については多くの議論がなされてきた。クレタ島がミケーネ人に占領された後も、ミノア美術は同時代のミケーネ美術やキクラデス美術を支配していたことは明らかであるが^{[17] 、}ミケーネ文明崩壊後の ギリシャ暗黒時代を生き延びたのはその伝統の一部に過ぎなかった^[18]。

ミノア美術には多様な主題があり、その多くはさまざまな媒体に現れているが、具象的な場面を含む陶器のスタイルはごくわずかである。 牛跳びは絵画や数種類の彫刻に現れ、宗教的な意味を持っていたと考えられている。また、牛の頭はテラコッタやその他の彫刻材料でも人気の題材である。人物の肖像画のように見える人物像や明らかに王族の人物像はなく、宗教的人物像の正体はしばしば不確かで、^[19]学者は彼らが神なのか、聖職者なのか、信者なのか確信が持てない。^[20] 同様に、絵が描かれた部屋が「神殿」だったのか世俗的なものだったのかもはっきりしない。アクロティリの1つの部屋は、ベッドの跡がある寝室、または神殿だったと主張されている。^[21]

珍しい種類の海洋動物を含む動物がよく描かれている。「海洋様式」は、MM IIIとLM IAの彩色宮殿陶器の一種で、タコなどの海の生き物が船全体に広がっている様子を描いており、おそらく同様のフレスコ画の場面から派生したものである。 ^[22]これらは他の媒体で現れることもある。狩猟や戦争、馬や騎手の場面は、主に後期にクレタ人がミケーネの市場向けに、またはクレタ島のミケーネの支配者らが制作した作品に見られる。

ミノア文明の人物像は、人間であれ動物であれ、生命感と動きが豊かであるが、正確性に欠けることが多く、種族の特定が不可能な場合もある。古代エジプト美術と比較すると、より鮮明ではあるものの、自然主義的ではない。^[23] 他の古代文化の美術と比較すると、女性像の割合が高いが、ミノア文明には女神しかおらず、神はいなかったという考えは現在では否定されている。ほとんどの人物像は横顔か、エジプトの慣習に倣って頭と脚を横顔に、胴体を正面から描いているが、ミノア文明の人物像では、男性の細い腰や女性の大きな胸などの特徴が誇張されている。^[24]

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  カマレス陶器の嘴付き水差し。紀元前 1850-1675 年。陶器。高さ 27 cm。ファイストス(ギリシャ、クレタ島) 出土。イラクリオン考古学博物館(ギリシャ)
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  マリアペンダント；紀元前1800-1700年；金製；高さ4.6cm、幅4.9cm；イラクリオン考古学博物館
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  雄牛跳びのフレスコ画。紀元前1675-1460年。石灰漆喰。高さ0.8m、幅1m。クノッソス宮殿（クレタ島）より。イラクリオン考古学博物館
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  「蛇の女神」像、紀元前 1460-1410 年 (ミノア文明新宮殿時代)、ファイアンス焼き、高さ 29.5 cm、クノッソス神殿収蔵品、イラクリオン考古学博物館

古代ギリシャには、偉大な画家、偉大な彫刻家、偉大な建築家がいた。パルテノン神殿は、現代まで残る彼らの建築物の一例である。ギリシャの大理石彫刻は、しばしば古典芸術の最高形態と評される。古代ギリシャの陶器や陶磁器に描かれた絵は、古代ギリシャの社会がどのように機能していたかを垣間見る上で特に有益である。黒絵式壺絵と赤絵式壺絵は、ギリシャ絵画がどのようなものであったかを示す多くの現存する例である。テキストに登場する有名なギリシャの板絵画家には、アペレス、ゼウクシス、パラシウスがいるが、古代ギリシャの板絵の例は残っておらず、同時代の人や後のローマ人による記述のみが残っている。ゼウクシスは紀元前5～6年に生きた人で、スフマート技法を初めて使用したと言われている。大プリニウスによると、彼の絵画の写実性は、描かれたブドウを鳥が食べようとするほどだったという。アペレスは、完璧な描画技術、鮮やかな色彩、造形により 古代最高の画家と評されています。

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  エウフィレトスの画家によるパナシナイア賞品のアンフォラ、紀元前 530 年、彩色テラコッタ、高さ 62.2 cm、メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  アルテミシオン青銅像; 紀元前 460-450 年; 青銅; 高さ: 2.1 m;国立考古学博物館(アテネ)
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  アテネのアクロポリスにあるパルテノン神殿は、紀元前460年から406年頃に大理石と石灰岩で建てられた最も象徴的なドリス式ギリシャ神殿で、女神アテナに捧げられています^[25]
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  ドレープをまとった女性の形をした台座付きの鏡。紀元前 5 世紀中頃。ブロンズ製。高さ 40.41 cm。メトロポリタン美術館
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  萼片クラテル; 紀元前 400-375 年; 陶器; 高さ: 27.9 cm、直径: 28.6 cm;テーベ(ギリシャ) 出土;ルーブル美術館
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  トラセアスとエウアンドリアの墓のレリーフ；紀元前375-350年；ペンテリコス大理石；高さ：160 cm、幅：91 cm；ペルガモン博物館（ベルリン）
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  渦巻クラテル、紀元前 320-310 年、陶器、高さ 1.1 m、ウォルターズ美術館(米国ボルチモア)
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  布をまとった女性の小像。紀元前 2 世紀。テラコッタ。高さ 29.2 cm。メトロポリタン美術館
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  ミロのヴィーナス; 紀元前130～100年; 大理石; 高さ203cm（80インチ）; ルーブル美術館
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  ラオコーンとその息子たち、紀元前 1 世紀初頭、大理石、高さ 2.4 m、バチカン美術館(バチカン市国)
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  ディオニュソスの顕現を描いたモザイク。紀元 2 世紀。ディオニュソスの別荘 (ギリシャ、ディオン) より。ディオン考古学博物館
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  1874年に描かれた古代ギリシャの装飾と模様の例のイラスト

ローマ美術はギリシャの影響を受け、部分的には古代ギリシャの絵画や彫刻の子孫とみなすことができるが、イタリアのより地元のエトルリア美術の影響も強く受けている。ローマ彫刻は、主に社会の上流階級の肖像画や神々の描写である。しかし、ローマ絵画には重要な独自の特徴がある。現存するローマ絵画の中には壁画があり、その多くは南イタリアのカンパニア州の別荘、特にポンペイやヘルクラネウムの別荘から出土したものである。このような絵画は4つの主要な「様式」または期間に分類でき^[26]、トロンプ・ルイユ、疑似遠近法、純粋な風景画の最初の例が含まれている可能性がある。 ^[27]

古代世界から現存する絵画肖像画のほとんどすべては、後期古代のアルファイユームの墓地で発見された多数の棺桶肖像の胸像です。これらの肖像は、古代の最高の作品がどのような品質であったかを示しています。後期古代の挿絵入りの本のミニアチュールもごく少数現存しており、中世初期からのそれらのコピーはかなり多数残っています。初期キリスト教美術はローマの民衆美術、後には帝国美術から発展し、これらの源泉から図像学を適応させました。

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  ランプ台に乗った哲学者のブロンズ像。紀元前 1 世紀後半。ブロンズ。全長 27.3 cm。重量 2.9 kg。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  プリマ・ポルタのアウグストゥス像、紀元前 20 年頃、白大理石、高さ 2.06 m、バチカン美術館(バチカン市国)
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  古代の別荘の寝室のフレスコ画の修復。紀元前 50 ～ 40 年。部屋の寸法: 265.4 x 334 x 583.9 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  花飾りのある祭壇、紀元後 50 年頃、大理石、高さ 99.5 cm、幅 61.5 cm、奥行き 47 cm、ルーブル美術館
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  萼片-乙女と踊るメナドのレリーフが施されたクラテル。紀元 1 世紀。ペンテリコス大理石。高さ 80.7 cm。メトロポリタン美術館
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  113年から125年の間に建てられたパンテオン（ローマ）のパノラマビュー
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  王冠をかぶった女神の頭部。1～2 世紀。大理石。高さ 23 cm。メトロポリタン美術館
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  ソファとフットスツール。紀元1～2世紀。木、骨、ガラス。ソファ：105.4 × 76.2 × 214.6 cm。メトロポリタン美術館
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  アポロ、ミネルヴァ、ムーサイの石棺。紀元後 200 年頃。アッピア街道発。ベルリン古代コレクション(ベルリン)
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  花飾り付き石棺; 200–225; 大理石; 134.6 x 223.5 cm; メトロポリタン美術館
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  2頭の海馬に引かれた戦車に立つネプチューンの勝利像。3世紀半ば。スース考古学博物館（チュニジア）
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  テセウスのモザイク; 西暦 300-400 年; 大理石と石灰岩の小石; 4.1 x 4.2 m;美術史美術館(オーストリア、ウィーン)

中世から現存する美術作品のほとんどは宗教的な内容で、教会、司教などの有力な聖職者、修道院などの共同体、裕福な世俗のパトロンなどによって資金提供されていることが多かった。行列用の十字架や祭壇画など、多くの作品には特定の典礼機能があった。

中世美術に関する中心的な疑問の 1 つは、写実性の欠如です。美術における遠近法に関する知識や人物像の理解は、ローマ帝国の崩壊とともに大幅に失われました。しかし、写実性は中世の芸術家にとって主要な関心事ではありませんでした。彼らは単に宗教的なメッセージを伝えようとしていただけであり、そのためには正確に描かれたものではなく、明確な象徴的なイメージが求められます。

時代：6世紀から15世紀

移住時代の芸術とは、かつてローマ領だった地域に移住した「蛮族」の芸術の総称である。7世紀と8世紀のケルト芸術は、アングロサクソン人との接触を通じてゲルマン伝統と融合し、いわゆるヒベルノサクソン様式または島嶼芸術を生み出した。これは中世の残りの期間に多大な影響を与えた。メロヴィング朝芸術は、 800年頃以前のフランク人の芸術を表し、カロリング朝芸術は島嶼の影響と自覚的な古典復興を融合させ、オットー朝芸術へと発展した。アングロサクソン芸術は、島嶼時代以降のイングランドの芸術である。彩飾写本には、この時代に現存する絵画のほぼすべてが含まれているが、建築、金属細工、木や象牙の小さな彫刻作品も重要な媒体であった。

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  サットン・フーのバックル; 580–620; 金とニエロ; 長さ: 13.1 cm;大英博物館(ロンドン)
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  サットン・フーの兜。7世紀初頭。銅合金、鉄、金、ガーネット。高さ31.8cm。大英博物館
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  サットン・フーの肩章、7 世紀初頭、金、ガラス、ガーネット、長さ 12.7 cm、大英博物館
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  リンディスファーンの書からのマタイへの序文；7 世紀後半；上質紙にインクと顔料；34 x 25 cm；大英図書館（ロンドン）

ビザンチン美術は、730年から843年の偶像破壊の時代まで、いわゆる初期キリスト教美術と重なり、あるいは融合していました。この時代には、人物を描いた美術作品の大半が破壊されましたが、現在残っているものはほとんどなく、発見があれば新たな理解が得られます。843年以降、1453年まで、ビザンチン美術の伝統は明らかです。ビザンチン美術は、素材や職人技の質の点で中世最高の美術であることが多く、制作はコンスタンティノープルに集中していました。ビザンチン美術の最高傑作は、ドーム型の教会内部の巨大なフレスコ画やモザイク画でしたが、そのほとんどは自然災害や教会のモスク化により残っていません。

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  イエスの降誕を描いたレリーフのある石板。4 世紀から 5 世紀初頭。大理石。ビザンチンおよびキリスト教博物館(アテネ)
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  ローマのサンタ・マリア・マッジョーレ教会の後陣。5世紀にこの華やかなモザイクで装飾された。
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  ラヴェンナ（イタリア）のサン・ヴィターレ大聖堂の天井と一部の壁のモザイク（西暦 547 年頃）
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  アテネの小都市。9世紀から13世紀の間に建てられた。
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  カメオ、10～11世紀、ジャスパー、アルマンディン、エメラルド、クリソプレーズ、コンスタンティノープル出土、モスクワ クレムリン美術館（ロシア）
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  福音書朗読集。1100 年頃。羊皮紙にテンペラ、金、インクで描かれ、革装丁。全体: 36.8 x 29.6 x 12.4 cm、二つ折り: 35 x 26.2 cm。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  新約聖書の三位一体のイコン。1450 年頃。木製パネル (ポプラ) にテンペラと金彩。クリーブランド美術館(米国オハイオ州クリーブランド)
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  アルメニアの装飾写本のページ。1637～1638年。羊皮紙にテンペラ色、金彩、金箔。高さ25.2 cm。ゲッティ センター（ロサンゼルス）

ロマネスク美術は、1000 年頃からゴシック美術が勃興する 12 世紀までの期間を指します。この時代はますます繁栄し、スカンジナビアからシチリアまでヨーロッパ全土で一貫したスタイルが初めて使用された時代です。ロマネスク美術は力強く直接的で、もともと色彩が鮮やかで、非常に洗練されていることが多いです。ステンドグラスや金属細工のエナメルが重要な媒体となり、円形の大型彫刻が開発されましたが、主な技法は高浮き彫りでした。その建築は厚い壁と丸い窓とアーチが特徴で、彫刻による装飾が多く施されています。

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  マリア・ラーハ修道院（ドイツ、アンダーナッハ近郊）は、最も象徴的なロマネスク様式の教会の一つです。
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  ヴェズレー修道院（フランス、ブルゴーニュ）のイエスの石の浅浮彫
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  福音伝道者聖ヨハネのミニアチュール、1147 年以前、羊皮紙の彩飾、35.5 cm、アヴェーヌ＝シュル＝エルプ(フランス)
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  聖ステファノの石打ち、1160 年代、フレスコ画、高さ 1.3 m、聖ヨハネ修道院(ヴァル ミュスタイア、グラウビュンデン州、スイス)

ゴシック美術は、工芸、場所、時代によって異なる用語です。この用語は 1140 年のゴシック建築に由来しますが、ゴシック絵画はロマネスク様式から分岐した 1200 年頃まで登場しませんでした (この日付には多くの条件があります)。ゴシック彫刻は、1144 年にフランスでサン・ドニ修道院教会の改築とともに生まれ、ヨーロッパ中に広まり、13 世紀までにはロマネスク様式に代わる国際様式となりました。国際ゴシックとは、1360 年頃から 1430 年頃までのゴシック美術を指し、その後、ゴシック美術はさまざまな時期、さまざまな場所でルネサンス美術と融合します。この期間中、フレスコ画やパネル画などの形式が新たに重要になり、この期間の終わりには版画などの新しい媒体が含まれます。

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  王の門の一部、1145～1155年、石灰岩、シャルトル大聖堂（フランス、シャルトル）
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  北翼廊の窓; 1230-1235年頃; ステンドグラス; 直径（バラ窓）: 10.2 m; シャルトル大聖堂
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  サラゴサの聖ヴィンセント伝説の場面、1245-1247年、陶器ガラス、ガラス質塗料、鉛、全体：373.4 x 110.5 cm、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  聖母戴冠と最後の審判を描いたフランスの二連祭壇画。1260-1270年。象牙と金属の台座。全体：12.7 x 13 x 1.9 cm。メトロポリタン美術館
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  玉座に座る聖母子像、1260-1280年、象牙製、絵の具と金箔の跡あり、全体：18.4 x 7.6 x 7.3 cm、メトロポリタン美術館
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  グラティアヌスの勅令を描いた二葉の絵。1290 年頃。羊皮紙にテンペラと金彩、茶色のインク、現代の革装丁。全体: 48.3 x 29.2 x 1.3 cm、開いた状態: 47.2 cm。メトロポリタン美術館
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  宗教的な場面を描いたドイツの二連祭壇画。1300～1325年。半透明と不透明のエナメルを施した金箔銀箔。全体（開いた状態）：6.1 x 8.6 x 0.8 cm。メトロポリタン美術館
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  ベリー公爵の「非常に豊かな時間」のページには、レイモンド・ディオクレの葬儀が描かれている。1411-1416 年および 1485-1486 年。テンペラ、羊皮紙。高さ 29 cm、幅 21 cm。コンデ美術館(フランス、シャンティイ)
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  貴婦人と一角獣、フランドル地方で織られた6 枚のタペストリーのシリーズに付けられたタイトル。このタペストリーは「 À Mon Seul Désir 」と呼ばれています。15 世紀後半、ウールとシルク、377 x 473 cm、クリュニー美術館(パリ)
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  オーストリアの聖母マリアの玉座像。1490～1500年。石灰岩にジェッソを塗り、彩色・金メッキ。80.3 x 59.1 x 23.5 cm。メトロポリタン美術館
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  エルサレムの入り口；1500年頃；絵画；リヨン美術館（リヨン、フランス）
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  オテル・ド・サンスの華やかなゴシック様式の交差窓（パリ）

ルネサンスの特徴は、古代ギリシャとローマの芸術に重点を置いたことで、絵画や彫刻の技術的側面だけでなく、その主題にも多くの変化をもたらした。ルネサンスは、ローマの遺産が豊富で、芸術家に資金を提供する物質的な繁栄もあったイタリアで始まった。ルネサンスの間、画家たちは遠近法の新しい技法を用いて作品のリアリズムを高め、三次元をより忠実に表現し始めた。芸術家たちはまた、ティツィアーノの多くの肖像画に見られる色調の対比や、レオナルド・ダ・ヴィンチによるスフマートとキアロスクーロの発展など、光と闇を操作する新しい技法も使い始めた。彫刻家たちもまた、コントラポストなど多くの古代の技法を再発見し始めた。時代のヒューマニズム精神に従い、芸術は主題においてより世俗的になり、キリスト教のテーマに加えて古代神話を描くようになった。この芸術のジャンルは、しばしばルネサンス古典主義と呼ばれる。北方では、ルネサンスにおける最も重要な革新は、より豊かな色彩と強度を表現できる油絵の具の普及であった。

13世紀後半から14世紀初頭にかけて、イタリアの絵画の多くはビザンチン様式で、特にシエナのドゥッチョやフィレンツェのチマブーエの作品が目立った。一方、ローマのピエトロ・カヴァリーニの作品はゴシック様式が主流であった。13世紀には、イタリアの彫刻家たちは中世の原型だけでなく古代の作品からもインスピレーションを得始めた。^[30]

1290年、ジョットは伝統的な手法ではなく、自然観察に基づいた手法で絵を描き始めました。パドヴァのスクロヴェーニ礼拝堂にある彼の有名な連作は、ルネサンス様式の始まりとみなされています。

14 世紀の他の画家たちもゴシック様式を非常に精巧かつ詳細に表現しました。これらの画家の中で有名なのは、シモーネ・マルティーニとジェンティーレ・ダ・ファブリアーノです。

オランダでは、テンペラではなく油絵の技法によって、金箔やエンボス加工に頼らず、自然界を細かく描写する精巧な技法が生まれました。この時代には、質感を非常にリアルに描く芸術が発達しました。ヤン・ファン・エイクやフーゴ・ファン・デル・フースなどのオランダの画家は、後期ゴシックや初期ルネサンスの絵画に大きな影響を与えました。

ルネッサンスの思想は、イタリアの都市国家フィレンツェで最初に現れました。彫刻家ドナテッロは、コントラポストなどの古典的な技法や、支えのない裸体像などの古典的な主題に立ち返りました。彼の2番目のダビデ像は、ローマ帝国以来ヨーロッパで制作された最初の自立型ブロンズ裸体像でした。彫刻家で建築家のブルネレスキは、インスピレーションを得るために古代ローマの建築物の建築思想を研究しました。マサッチオは、構成、個々の表現、人間の形などの要素を完成させ、特にブランカッチ礼拝堂のフレスコ画に驚くほど優雅でドラマチックで感情的な フレスコ画を描きました。

これらの著名な芸術家の多くが、フィレンツェ大聖堂のさまざまな部分に携わりました。ブルネレスキが大聖堂のために設計したドーム屋根は、ゴシック様式のフライング・バットレス以来、真に革新的な建築技術のひとつでした。ドナテッロは、大聖堂の彫刻を数多く制作しました。ジョットとロレンツォ・ギベルティも、大聖堂に貢献しました。

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  ニコラ・ピサーノ作ピサ洗礼堂の説教壇、1260年、大理石、高さ4.6m。^[31]
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  十字架;チマブエ著; 1285年頃。パネル上のテンペラ。 4.29×3.83メートル。サン・ドメニコ（アレッツォ、イタリア）^[32]
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  十字架像;ジョット; 1300年頃; テンペラ板; 5.78 x 4.06 m;サンタ・マリア・ノヴェッラ（フィレンツェ、イタリア）^[33]
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  マエスタの祭壇画;ドゥッチョ著; 1308 ～ 1311 年。パネル上のテンペラ。 2.46×4.67メートル。ドゥオモ美術館(シエナ、イタリア)

盛期ルネサンスの芸術家には、レオナルド ダ ヴィンチ、ミケランジェロ ブオナローティ、ラファエロ サンツィオなどが含まれます。

15 世紀のイタリアにおける芸術的発展 (たとえば、遠近法、解剖学の描写、古典文化への関心) は 16 世紀に成熟し、15 世紀は「初期ルネサンス」、16 ​​世紀は「盛期ルネサンス」と呼ばれるようになりました。盛期ルネサンスを特徴づける単一のスタイルはありませんが、この時代と最も密接に関係するレオナルド ダ ヴィンチ、ラファエロ、ミケランジェロ、ティツィアーノの芸術は、技術面でも美的面でも驚異的な熟達を示しています。盛期ルネサンスの芸術家は、非常に権威のある作品を制作したため、後代の芸術家はこれらの芸術作品を指導に頼りました。これらの模範的な芸術作品は、芸術家の名声をさらに高めました。芸術家は神の啓示を主張することができ、それによって視覚芸術は、以前は詩だけに与えられていた地位にまで引き上げられました。こうして、画家、彫刻家、建築家が独自の地位を確立し、自分たちの作品が美術界で高い地位を獲得するに至った。ある意味で、16 世紀の巨匠たちは、独自の表現の権利と独自の尊厳ある性格を持つ新しい職業を生み出したのである。

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  ローマのサン・ピエトロ・イン・モントーリオ教会の狭い中庭にあるテンピエット（ 1502年から1510年頃）
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  ダビデ像、ミケランジェロ作、1501-1504年、大理石、517 cm × 199 cm、アカデミア美術館（フィレンツェ）
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  モナ・リザ;レオナルド・ダ・ヴィンチ作; 1503年～1506年頃、おそらく1517年頃まで制作中 ; ポプラ板に油彩 ; 77 cm × 53 cm ;ルーブル美術館
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  アテネの学堂、ラファエロ作、1509-1510年、フレスコ画、5.8 x 8.2 m、バチカン宮殿（バチカン市国）

初期のネーデルラント絵画では、細部を写実的に描く際の制御性を高めるために油絵の技法が開発されました（厳密には発明されたわけではありません） 。ヤン・ファン・エイク（1366年 - 1441年）は、装飾写本から板絵への 移行期を代表する人物でした。

オランダの画家ヒエロニムス・ボス（1450?-1516）も北方ルネサンスにおける重要な人物の一人です。彼の絵画には宗教的なテーマが用いられていましたが、グロテスクな幻想、色彩豊かなイメージ、農民の伝説などが組み合わされていました。彼の絵画には中世末期の混乱や苦悩が反映されていることが多いです。

アルブレヒト・デューラーは15世紀末にイタリアのルネサンス様式をドイツに導入し、ドイツ・ルネサンス美術を支配しました。

期間:

• イタリアルネサンス: 14世紀後半から16世紀初頭
• 北方ルネサンス: 16世紀

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  The Ghent Altarpiece; by Jan and Hubert van Eyck; 1432; oil on oak wood; 3.4 m × 4.6 m (opened like in this image); St Bavo's Cathedral (Ghent, Belgium)
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  The Arnolfini Portrait; by Jan van Eyck; 1434; oil on panel; 82.2 x 60 cm; National Gallery (London)
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  The Descent from the Cross; by Rogier van der Weyden; circa 1442; oil on oak panel; 220 × 262 cm; Museo del Prado (Madrid, Spain)
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  The Garden of Earthly Delights; by Hieronymus Bosch; c. 1504; oil on panel; 2.2 × 1.95 m – the central panel; Museo del Prado
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  The Rhinoceros; by Albrecht Dürer; 1515; woodcut; 23.5 cm × 29.8 cm; National Gallery of Art (Washington, D.C.)
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  The Ambassadors; by Hans Holbein the Younger; 1533; oil on panel; 2.07 × 2.09; National Gallery (London)
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  The Parade Armour of Henry II of France; by Étienne Delaune; circa 1555; chased steel; height: 187.96 cm, weight: 24.2 kg; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  The Tower of Babel; by Pieter Bruegel the Elder; 1563; oil on panel: 1.14 × 1.55 cm; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)

In European art, Renaissance Classicism spawned two different movements—Mannerism and the Baroque. Mannerism, a reaction against the idealist perfection of Classicism, employed distortion of light and spatial frameworks in order to emphasize the emotional content of a painting and the emotions of the painter. The work of El Greco is a particularly clear example of Mannerism in painting during the late 16th, early 17th centuries. Northern Mannerism took longer to develop, and was largely a movement of the last half of the 16th century. Baroque art took the representationalism of the Renaissance to new heights, emphasizing detail, movement, lighting, and drama in their search for beauty. Perhaps the best known Baroque painters are Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, and Diego Velázquez.

A rather different art developed out of northern realist traditions in 17th-century Dutch Golden Age painting, which had very little religious art, and little history painting, instead playing a crucial part in developing secular genres such as still life, genre paintings of everyday scenes, and landscape painting. While the Baroque nature of Rembrandt's art is clear, the label is less use for Vermeer and many other Dutch artists. Flemish Baroque painting shared a part in this trend, while also continuing to produce the traditional categories.

Baroque art is often seen as part of the Counter-Reformation—the artistic element of the revival of spiritual life in the Roman Catholic Church. Additionally, the emphasis that Baroque art placed on grandeur is seen as Absolutist in nature. Religious and political themes were widely explored within the Baroque artistic context, and both paintings and sculptures were characterised by a strong element of drama, emotion and theatricality. Famous Baroque artists include Caravaggio or Rubens.^[34] Artemisia Gentileschi was another noteworthy artist, who was inspired by Caravaggio's style. Baroque art was particularly ornate and elaborate in nature, often using rich, warm colours with dark undertones. Pomp and grandeur were important elements of the Baroque artistic movement in general, as can be seen when Louis XIV said, "I am grandeur incarnate"; many Baroque artists served kings who tried to realize this goal. Baroque art in many ways was similar to Renaissance art; as a matter of fact, the term was initially used in a derogative manner to describe post-Renaissance art and architecture which was over-elaborate.^[34] Baroque art can be seen as a more elaborate and dramatic re-adaptation of late Renaissance art.

By the 18th century, however, Baroque art was falling out of fashion as many deemed it too melodramatic and also gloomy, and it developed into the Rococo, which emerged in France. Rococo art was even more elaborate than the Baroque, but it was less serious and more playful.^[35] Whilst the Baroque used rich, strong colours, Rococo used pale, creamier shades. The artistic movement no longer placed an emphasis on politics and religion, focusing instead on lighter themes such as romance, celebration, and appreciation of nature. Rococo art also contrasted the Baroque as it often refused symmetry in favor of asymmetrical designs. Furthermore, it sought inspiration from the artistic forms and ornamentation of Far Eastern Asia, resulting in the rise in favour of porcelain figurines and chinoiserie in general.^[36] The 18th-century style flourished for a short while; nevertheless, the Rococo style soon fell out of favor, being seen by many as a gaudy and superficial movement emphasizing aesthetics over meaning. Neoclassicism in many ways developed as a counter movement of the Rococo, the impetus being a sense of disgust directed towards the latter's florid qualities.

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  Entombment; by Jacopo da Pontormo; 1525–1528; oil on panel; 3.12 x 1.9 m; Santa Felicita (Florence, Italy)
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  Madonna with the Long Neck; by Parmigianino; 1534–1540; oil on panel; 2.19 x 1.32 m; Uffizi Gallery (Florence)
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  Venus, Cupid, Folly and Time; by Bronzino; mid-1540s; oil on panel; 1.46 x 1.16 m; National Gallery (London)
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  Summer; by Giuseppe Arcimboldo; 1563; oil on panel; 67 x 50.8 cm; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)

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  The Four Continents; by Peter Paul Rubens; circa 1615; oil on canvas; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Vienna, Austria)
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  Dutch wardrobe; 1625–1650; oak with ebony and rosewood veneers; overall: 244.5 x 224.3 x 85.2 cm; Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, US)
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  The Night Watch; by Rembrandt; 1642; oil on canvas; 363 × 437 cm; Rijksmuseum (Amsterdam, the Netherlands)
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  The Ecstasy of Saint Teresa; by Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; marble; height: 3.5 m; Santa Maria della Vittoria (Rome)
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  Las Meninas; by Diego Velázquez; 1656–1657; oil on canvas; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Spain)
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  The entrance of the Palace of Versailles (Versailles, France), the most iconic Baroque building
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  The Bust of Louis XIV; by Gian Lorenzo Bernini; 1665; marble; 105 × 99 × 46 cm; Palace of Versailles
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  The Art of Painting; by Johannes Vermeer; 1666–1668; oil on canvas; 1.3 x 1.1 m; Kunsthistorisches Museum
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  Carpet with fame and fortitude; 1668–1685; knotted and cut wool pile, woven with about 90 knots per square inch; 909.3 x 459.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Dome of the Church of the Gesù (Rome), made in 1674 by Giovanni Battista Gaulli
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  The Portrait of Louis XIV; by Hyacinthe Rigaud; 1701; oil on canvas; 277 × 194 cm; Louvre
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  The Karlskirche in Vienna (Austria), built between 1716 and 1737

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  The Chinese House, a chinoiserie garden pavilion in Sanssouci Park, from Potsdam (Germany)
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  The amazing interior of the Wilhering Abbey (Wilhering, Austria). This interior has a trompe-l'œil on its ceiling, surrounded of highly decorated stuccos
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  Boiserie from the Hôtel de Varengeville; circa 1736–1752; various materials, including carved, painted, and gilded oak; height: 5.58 m, width: 7.07 m, length: 12.36 m; in the Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Title print; by Juste Meissonnier; 1738–1749; etching on paper; 51.6 x 34.9 cm; Rijksmuseum
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  Pair of candelabrums; 18th century; soft-paste porcelain; heights (the left one): 26.8 cm, (the right one): 26.4 cm; by the Chelsea porcelain factory; Metropolitan Museum of Art
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  Mr and Mrs Andrews; by Thomas Gainsborough; circa 1750; oil on canvas; 69.8 x 119.4 cm; National Gallery (London)
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  Madame de Pompadour; by François Boucher; 1756; oil on canvas; 2.01 x 1.57 m; Alte Pinakothek (Munich, Germany)
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  The Swing; by Jean-Honoré Fragonard; 1767–1768; oil on canvas; height: 81 cm, width: 64 cm; Wallace Collection (London)

Throughout the 18th century, a counter movement opposing the Rococo sprang up in different parts of Europe, commonly known as Neoclassicism. It despised the perceived superficiality and frivolity of Rococo art, and desired for a return to the simplicity, order and 'purism' of classical antiquity, especially ancient Greece and Rome. The movement was in part also influenced by the Renaissance, which itself was strongly influenced by classical art. Neoclassicism was the artistic component of the intellectual movement known as the Enlightenment; the Enlightenment was idealistic, and put its emphasis on objectivity, reason and empirical truth. Neoclassicism had become widespread in Europe throughout the 18th century, especially in the United Kingdom, which saw great works of Neoclassical architecture spring up during this period; Neoclassicism's fascination with classical antiquity can be seen in the popularity of the Grand Tour during this decade, where wealthy aristocrats travelled to the ancient ruins of Italy and Greece. Nevertheless, a defining moment for Neoclassicism came during the French Revolution in the late 18th century; in France, Rococo art was replaced with the preferred Neoclassical art, which was seen as more serious than the former movement. In many ways, Neoclassicism can be seen as a political movement as well as an artistic and cultural one.^[37] Neoclassical art places an emphasis on order, symmetry and classical simplicity; common themes in Neoclassical art include courage and war, as were commonly explored in ancient Greek and Roman art. Ingres, Canova, and Jacques-Louis David are among the best-known neoclassicists.^[38]

Just as Mannerism rejected Classicism, so did Romanticism reject the ideas of the Enlightenment and the aesthetic of the Neoclassicists. Romanticism rejected the highly objective and ordered nature of Neoclassicism, and opted for a more individual and emotional approach to the arts.^[39] Romanticism placed an emphasis on nature, especially when aiming to portray the power and beauty of the natural world, and emotions, and sought a highly personal approach to art. Romantic art was about individual feelings, not common themes, such as in Neoclassicism; in such a way, Romantic art often used colours in order to express feelings and emotion.^[39] Similarly to Neoclassicism, Romantic art took much of its inspiration from ancient Greek and Roman art and mythology, yet, unlike Neoclassical, this inspiration was primarily used as a way to create symbolism and imagery. Romantic art also takes much of its aesthetic qualities from medievalism and Gothicism, as well as mythology and folklore. Among the greatest Romantic artists were Eugène Delacroix, Francisco Goya, J. M. W. Turner, John Constable, Caspar David Friedrich, Thomas Cole, and William Blake.^[38]

Most artists attempted to take a centrist approach which adopted different features of Neoclassicist and Romanticist styles, in order to synthesize them. The different attempts took place within the French Academy, and collectively are called Academic art. Adolphe William Bouguereau is considered a chief example of this stream of art.

In the early 19th century the face of Europe, however, became radically altered by industrialization. Poverty, squalor, and desperation were to be the fate of the new working class created by the "revolution". In response to these changes going on in society, the movement of Realism emerged. Realism sought to accurately portray the conditions and hardships of the poor in the hopes of changing society. In contrast with Romanticism, which was essentially optimistic about mankind, Realism offered a stark vision of poverty and despair. Similarly, while Romanticism glorified nature, Realism portrayed life in the depths of an urban wasteland. Like Romanticism, Realism was a literary as well as an artistic movement. The great Realist painters include Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Camille Corot, Honoré Daumier, Édouard Manet, Edgar Degas (both considered as Impressionists), and Thomas Eakins, among others.

The response of architecture to industrialisation, in stark contrast to the other arts, was to veer towards historicism. Although the railway stations built during this period are often considered the truest reflections of its spirit – they are sometimes called "the cathedrals of the age" – the main movements in architecture during the Industrial Age were revivals of styles from the distant past, such as the Gothic Revival. Related movements were the Pre-Raphaelite Brotherhood, who attempted to return art to its state of "purity" prior to Raphael, and the Arts and Crafts Movement, which reacted against the impersonality of mass-produced goods and advocated a return to medieval craftsmanship.

Time Period:

• Neoclassicism: mid-early 18th century to early 19th century
• Romanticism: late 18th century to mid-19th century
• Realism: 19th century

Out of the naturalist ethic of Realism grew a major artistic movement, Impressionism. The Impressionists pioneered the use of light in painting as they attempted to capture light as seen from the human eye. Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, and Pierre-Auguste Renoir, were all involved in the Impressionist movement. As a direct outgrowth of Impressionism came the development of Post-Impressionism. Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat are the best known Post-Impressionists.

Following the Impressionists and the Post-Impressionists came Fauvism, often considered the first "modern" genre of art. Just as the Impressionists revolutionized light, so did the fauvists rethink color, painting their canvases in bright, wild hues. After the Fauvists, modern art began to develop in all its forms, ranging from Expressionism, concerned with evoking emotion through objective works of art, to Cubism, the art of transposing a four-dimensional reality onto a flat canvas, to Abstract art. These new art forms pushed the limits of traditional notions of "art" and corresponded to the similar rapid changes that were taking place in human society, technology, and thought.

Surrealism is often classified as a form of Modern Art. However, the Surrealists themselves have objected to the study of surrealism as an era in art history, claiming that it oversimplifies the complexity of the movement (which they say is not an artistic movement), misrepresents the relationship of surrealism to aesthetics, and falsely characterizes ongoing surrealism as a finished, historically encapsulated era. Other forms of Modern art (some of which border on Contemporary art) include:

Time Period:

• Impressionism: late 19th Century
• Others: First half of the 20th century

Modern art foreshadowed several characteristics of what would later be defined as postmodern art; as a matter of fact, several modern art movements can often be classified as both modern and postmodern, such as pop art. Postmodern art, for instance, places a strong emphasis on irony, parody and humour in general; modern art started to develop a more ironic approach to art which would later advance in a postmodern context. Postmodern art sees the blurring between the high and fine arts with low-end and commercial art; modern art started to experiment with this blurring.^[39] Recent developments in art have been characterised by a significant expansion of what can now deemed to be art, in terms of materials, media, activity and concept. Conceptual art in particular has had a wide influence. This started literally as the replacement of concept for a made object, one of the intentions of which was to refute the commodification of art. However, it now usually refers to an artwork where there is an object, but the main claim for the work is made for the thought process that has informed it. The aspect of commercialism has returned to the work.

There has also been an increase in art referring to previous movements and artists, and gaining validity from that reference.

Postmodernism in art, which has grown since the 1960s, differs from Modernism in as much as Modern art movements were primarily focused on their own activities and values, while Postmodernism uses the whole range of previous movements as a reference point. This has by definition generated a relativistic outlook, accompanied by irony and a certain disbelief in values, as each can be seen to be replaced by another. Another result of this has been the growth of commercialism and celebrity. Postmodern art has questioned common rules and guidelines of what is regarded as 'fine art', merging low art with the fine arts until none is fully distinguishable.^[40][41] Before the advent of postmodernism, the fine arts were characterised by a form of aesthetic quality, elegance, craftsmanship, finesse and intellectual stimulation which was intended to appeal to the upper or educated classes; this distinguished high art from low art, which, in turn, was seen as tacky, kitsch, easily made and lacking in much or any intellectual stimulation, art which was intended to appeal to the masses. Postmodern art blurred these distinctions, bringing a strong element of kitsch, commercialism and campness into contemporary fine art;^[39] what is nowadays seen as fine art may have been seen as low art before postmodernism revolutionised the concept of what high or fine art truly is.^[39] In addition, the postmodern nature of contemporary art leaves a lot of space for individualism within the art scene; for instance, postmodern art often takes inspiration from past artistic movements, such as Gothic or Baroque art, and both juxtaposes and recycles styles from these past periods in a different context.^[39]

Some surrealists in particular Joan Miró, who called for the "murder of painting" (In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods and his desire to "kill", "murder", or "rape" them in favor of more contemporary means of expression).^[42] have denounced or attempted to "supersede" painting, and there have also been other anti-painting trends among artistic movements, such as that of Dada and conceptual art. The trend away from painting in the late 20th century has been countered by various movements, for example the continuation of Minimal Art, Lyrical Abstraction, Pop Art, Op Art, New Realism, Photorealism, Neo Geo, Neo-expressionism, New European Painting, Stuckism, Excessivism and various other important and influential painterly directions.

• History of art
• History of painting
• Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (16th century book)
• Modernism
• Painting in the Americas before European colonization
• Western European paintings in Ukrainian museums
• List of time periods

• Chapin, Anne P., "Power, Privilege and Landscape in Minoan Art", in Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr, Hesperia (Princeton, N.J.) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337, 9780876615331, google books
• Gates, Charles, "Pictorial Imagery in Minoan Wall Painting", in Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr, Hesperia (Princeton, N.J.) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337, 9780876615331, google books
• Hood, Sinclair, The Arts in Prehistoric Greece, 1978, Penguin (Penguin/Yale History of Art), ISBN 0140561420
• Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe, Penguin (Pelican, now Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn.; early datings now superseded)

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• Web Gallery of Art
• Postmodernism
• European artists community
• Panopticon Virtual Art Gallery