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浮世絵は、 17世紀から19世紀にかけて栄えた日本の芸術のジャンルです。浮世絵師たちは、美人画、歌舞伎役者や力士、歴史や民話の場面、旅の風景や動植物、エロチックなものなどを題材にした木版画や絵画を制作しました。浮世絵という用語は、「浮かぶ世界の絵」と翻訳されます 。
1603年、江戸（東京）は徳川幕府の所在地となった。社会秩序の底辺に位置する町人階級（商人、職人、労働者）は、この都市の急速な経済成長から最も恩恵を受けた。彼らは歌舞伎、芸者、遊郭の遊女などの娯楽に耽溺し、愛顧し始めた。この享楽的なライフスタイルを表すために「浮世」という言葉が生まれた。印刷または描かれた浮世絵作品は、家を飾る余裕があるほど裕福になった 町人階級の間で人気があった。
最も古い浮世絵作品は、1670年代に菱川師宣の美人画や単色の版画として登場しました。カラー版画は徐々に導入され、最初は特別な注文にのみ使用されていました。1740年代までには、奥村政信などの画家が複数の木版を使用して色のある部分を印刷しました。1760年代には、鈴木春信の「錦絵」の成功により、フルカラーの制作が標準となり、1枚の版画を作成するのに10以上の版木が使用されました。浮世絵師の中には絵画制作を専門とする人もいましたが、ほとんどの作品は版画でした。画家が印刷用の木版を自分で彫ることはめったになく、むしろ制作は、版画をデザインする画家、木版を切る彫師、インクを塗って木版に手漉きの紙を印刷する印刷師、そして作品の資金提供、宣伝、配布を行う版元に分かれていました。印刷は手作業で行われていたため、印刷工は版上での 色のブレンドやグラデーションなど、機械では実現できない効果を実現することができました。
専門家は、18世紀後半に鳥居清長、歌麿、写楽などの巨匠が描いた美人画や役者絵を高く評価してきました。19世紀には、日本美術の最も有名な作品の1つである葛飾北斎の『神奈川沖浪裏』や広重の『東海道五十三次』が生み出され、浮世絵の伝統を受け継ぐ巨匠たちが続々と登場しました。この2人の巨匠の死後、 1868年の明治維新後の技術的・社会的近代化に逆らって、浮世絵の制作は急速に衰退しました。
しかし、20 世紀には日本の版画が復活しました。新版画というジャンルは、日本の伝統的な風景を描いた版画に対する西洋人の関心を利用し、創作版画という運動は、一人の芸術家がデザイン、彫刻、印刷した個性的な作品を推進しました。20 世紀後半以降の版画は、西洋から輸入された技法で作られることが多く、個性的な傾向が続いています。
浮世絵は、19世紀後半の西洋における日本美術、特に葛飾北斎や広重の風景画に対する認識を形成する上で中心的な役割を果たしました。1870年代以降、ジャポニスムが顕著な傾向となり、エドガー・ドガ、エドゥアール・マネ、クロード・モネなどの初期フランス印象派の画家に大きな影響を与えたほか、フィンセント・ファン・ゴッホなどのポスト印象派の画家や、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックなどのアール・ヌーヴォーの画家にも影響を与えました。
歴史
先史時代
平安時代（794-1185）以来、日本の美術は2つの主要な道をたどってきました。1つは土佐派の作品に代表される日本の主題に焦点を当てた土着主義の大和絵の伝統、もう1つは雪舟等陽とその弟子たちの単色の水墨画など、中国風の様々なスタイルの唐絵です。狩野派の絵画は両方の特徴を取り入れました。[1]
古代から、日本美術は貴族、軍国、宗教権力にパトロンがいた。[2] 16世紀までは、庶民の生活は絵画の主な主題ではなく、たとえ主題として描かれたとしても、作品は支配階級の武士や裕福な商人階級向けの贅沢品であった。[3]その後、町民によって町民向けの作品が登場し、安価な単色の美人画や劇場や歓楽街の風景画などが描かれた。これらの仕込絵は手作業で制作されていたため、制作規模が限られていたが、その限界はすぐに木版画の大量生産へと移行したジャンルによって克服された。[4]
16世紀の長期にわたる内乱の期間に政治的に力のある商人の階級が形成された。江戸時代の町人の前身である町衆は朝廷と同盟を組み、地域社会に力を持っていた。彼らの芸術への支援は、16世紀後半から17世紀前半の古典芸術の復興を促した。[5] 17世紀前半、徳川家康（1543-1616）は全国を統一し、日本の最高権力者である将軍に任命された。彼は江戸（現代の東京）の村に政府を統合し、 [6]領主たちに側近を連れて隔年で江戸に集まるよう要求した。成長する首都の需要により多くの男性労働者が地方から引き抜かれ、男性が人口のほぼ70パーセントを占めるようになった。[7]江戸時代（1603-1867年）には村の人口は1800人から19世紀には100万人を超えるまでに成長しました。[6]
中央集権化した幕府は町衆の権力を終わらせ、住民を4つの社会階級に分け、最上位に支配階級である武士階級、最下位に町人階級を置いた。政治的影響力は奪われたものの、[5]町人階級は江戸時代の急速な経済発展の恩恵を最も受け、[8]生活が改善されたことにより、多くの人が歓楽街、特に江戸の吉原[6]で求めた余暇や、以前なら経済的に到底無理だった自宅を飾るための美術品の収集が可能になった[9] 。歓楽街での経験は、十分な富、礼儀作法、教養を備えた人々に開かれていた。[10]
日本の木版印刷の歴史は、770年の百万塔陀羅尼に遡る。17世紀までは、木版印刷は仏印や仏像に限られていた。[11] 印刷は1600年頃に登場したが、日本語の表記には約10万本の活字が必要だったため、[b]木版に手で文字を彫る方が効率的だった。京都の嵯峨では、書家の本阿弥光悦と版元の角倉素庵が印刷された文字と絵を組み合わせて『伊勢物語』 （1608年）などの文学作品を翻案した。[12]寛永年間（1624-1643年）には、橙と緑の本と呼ばれる民話の絵入り本が木版印刷で大量生産された最初の本となった。[11]木版画は、新しい首都での享楽的な都市生活を描いた仮名草子というジャンルの挿絵として進化し続けました。 [13] 1657年の明暦の大火後の江戸の復興は都市の近代化を促し、急速に都市化する環境の中で挿絵入りの印刷本の出版が盛んになりました。[14]
「浮世」という言葉は、「憂き世」という古代仏教用語と同音異義語で、「憂いと悲しみのこの世界」を意味する。この新しい言葉は、時には「エロチックな」や「スタイリッシュな」などの意味で使われ、当時の下層階級の享楽主義的な精神を表すようになった。浅井了以は、この精神を小説『浮世物語』（ 1661年頃）で称賛している。[15]
川の流れに流される瓢箪のように、月や雪、桜や紅葉を味わい、歌を歌い、酒を飲み、ただ浮かんでいるだけで楽しく、目の前の窮乏など気にせず、のんびりと浮かんでいる、それが浮世というものである。
浮世絵の出現（17世紀後半～18世紀前半）
最も初期の浮世絵師は日本画の世界からやって来ました。[16] 17世紀の 大和絵では、湿った表面にインクを垂らし、輪郭に向かって広がる輪郭線のスタイルが開発されました。この輪郭線のスタイルは浮世絵の主流となりました。[17]
1661年頃、寛文美人画として知られる掛け軸が人気を博した。寛文年間（1661-1673）の絵画は、その多くが作者不明であるが、浮世絵が独立した流派として始まったことを示すものであった。[16]岩佐又兵衛（1578-1650）の絵画は浮世絵と非常に類似している。学者の間では又兵衛の作品自体が浮世絵であるかどうかは意見が分かれているが、[18]彼が浮世絵の創始者であるという主張は、特に日本の研究者の間で一般的である。[19]又兵衛は、無署名の彦根図屏風[20]の作者とされることもある。これは現存する最古の浮世絵作品の一つであると考えられる屍人形である。この屍人形は洗練された狩野派のスタイルで、画派の定められた主題ではなく、現代の生活を描いている。[21]
浮世絵作品の需要の高まりに応えて、菱川師宣（1618-1694）は最初の浮世絵木版画を制作しました。[16] 1672年までに師宣の成功は作品に署名を入れるほどで、本の挿絵師としては初めて署名を入れました。師宣は多作な挿絵師で、幅広いジャンルで活躍し、女性美人を描く影響力のあるスタイルを確立しました。最も重要なのは、本の挿絵だけでなく、単独でもシリーズの一部としても使用できる一枚絵の挿絵を制作し始めたことです。菱川派は多くの追随者を集め、[22]杉村治兵衛などの模倣者も現れ、[23]新しい芸術形式の普及の始まりを示しました。[24]
初代鳥居清信と懐月堂安藤は、師宣の死後、その作風を模倣する著名な画家となったが、どちらも菱川流派ではなかった。両者とも背景のディテールを捨て、人物像に焦点を当てた。清信とその後継者である鳥居流の役者絵では歌舞伎役者を、そして安藤とその懐月堂流の美人画では遊女を描いた。安藤とその弟子たちは、デザインとポーズが大量生産に適した定型的な女性像を生み出した。[26]そしてその人気は、他の画家や流派が利用する絵画の需要を生み出した。[27]懐月堂流と人気のあった「懐月堂美人」は、 1714年の絵島・生島事件で安藤が追放された後に終焉した。[28]
京都生まれの西川祐信（1671-1750）は、技術的に洗練された遊女の絵を描いた。[29]性的な肖像画の巨匠とみなされた彼は、1722年に幕府から禁令を受けたが、その後も別の名前で作品を描き続けたと考えられている。[30]祐信は生涯のほとんどを江戸で過ごし、関東と関西の両方で大きな影響力を持っていた。[29]宮川長春（1683-1752）の絵は、18世紀初頭の生活を繊細な色彩で描いたものである。長春は版画を制作しなかった。[31]彼が18世紀初頭に創設した宮川派は、懐月堂派よりも線と色彩が洗練されたスタイルのロマンチックな絵画を専門としていた。長春は、後に葛飾北斎を含む彼の信奉者たちに、より大きな表現の自由を認めた。[27]
カラー版画（18世紀半ば）
最初期のモノクロ版画や本でも、特別な注文があれば手作業で色付けされていました。18世紀初頭の色彩の需要は、オレンジ色、時には緑色や黄色で手彩色された丹絵[c]版画で満たされました。 [33]これに続いて、1720年代にはピンク色の紅絵 [d] が流行し、後に漆のようなインクを使った漆絵が流行しました。1744年には、複数の木版を使ったカラー印刷で最初の成功を収めた紅摺絵が生まれました。最初の木版は各色1枚で、紅ピンクと野菜の緑色が使われました。[34]
奥村政信（1686-1764）は、自己啓発に熱心で、17世紀後半から18世紀半ばにかけての印刷技術の急速な発展期に大きな役割を果たした。[34]彼は1707年に店を開き[35]、幅広いジャンルで当時の主要な流派の要素を組み合わせたが、政信自身はどの流派にも属していなかった。彼のロマンチックで叙情的な絵画における革新の中には、1740年代の浮絵ジャンルにおける幾何学的遠近法の導入[ 39 ]、細長い柱絵の版画、そして自作の俳句を含む版画におけるグラフィックと文学の融合などがある。[40]
浮世絵は、長い不況の後、田沼意次の統治下で江戸が繁栄を取り戻した後に開発されたフルカラー版画の登場により、18世紀後半にピークを迎えた。 [41]これらの人気のカラー版画は、鮮やかな色が輸入された中国産の蜀江錦（日本で蜀江錦として知られる）に似ていることから、錦絵と呼ばれるようになった。[42]最初に登場したのは高価なカレンダー版画で、非常に細かい（または標準よりも細かい）紙に重い不透明なインクで複数の版木で印刷された。これらの版画は、デザインの中に各月の日数が隠されており、新年に個人的な挨拶として送られた[f]。作者の名前ではなくパトロンの名前が書かれていた。これらの版画の版木は後に商業生産に再利用され、パトロンの名前が消されて作者の名前に置き換えられた。[43]
鈴木春信（1725-1770）の繊細でロマンチックな版画は、表現力豊かで複雑な色彩デザインを実現した最初の版画の一つであり、[44]異なる色彩[45]と中間色 [46]を扱うために12 個もの版木を使って印刷された。彼の抑制された優美な版画は、和歌や大和絵の古典主義を想起させる。多作な春信は、当時最も優れた浮世絵師であった。[47] 1765 年以降の春信の色彩豊かな錦絵の成功により、限られた色彩の紅摺絵や漆絵、手彩色の版画の需要は急激に減少した。 [45]
1770年に春信が死去した後、春信や鳥居派の版画の理想主義に反対する傾向が強まった。勝川春章（1726-1793）とその一派は、それまでの傾向よりも役者の実際の特徴に忠実な歌舞伎役者の肖像画を制作した。[48]時折協力した湖龍斎（1735- 1790年頃）と北尾重政（1739-1820）は著名な女性画家で、当時の都会のファッションに焦点を当て、現実世界の遊女や芸者を称賛することで、浮世絵を春信の理想主義の支配から脱却させた。[49]湖龍斎はおそらく18世紀で最も多作な浮世絵師であり、どの先駆者よりも多くの絵画や版画シリーズを制作した。[50]重政が創始した北尾流は、18世紀後半の支配的な流派の一つであった。[51]
1770年代、歌川豊春は、浮世絵の遠近法の版画を数多く制作しました[52]。これは、このジャンルの先人たちが習得できなかった西洋の遠近法の技法を熟知していることを示していました[36]。豊春の作品は、人物の背景としてだけではなく、風景を浮世絵の題材として開拓するのに役立ちました[53]。19世紀には、西洋式の遠近法の技法が日本の芸術文化に吸収され、葛飾北斎や広重などの芸術家の洗練された風景画に取り入れられました[54] 。広重は、豊春が創始した歌川派の一員でした。この流派は最も影響力のある流派の一つとなり[55]、他のどの流派よりもはるかに多様なジャンルの作品を生み出しました[56] 。
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最盛期（18世紀後半）
18世紀後半は経済的に厳しい時期であったが、[57]浮世絵は特に寛政年間（1789-1791）に作品の量と質のピークを迎えた。[58]寛政の改革の時代の浮世絵は美と調和に焦点を当てたが[51]、次の世紀には改革が崩壊し緊張が高まるにつれて退廃と不調和に陥り、1868年の明治維新で頂点に達した。 [58]
特に1780年代には、鳥居派[58]の鳥居清長（1752–1815）[51]が美人画や市街地の風景画といった伝統的な浮世絵の題材を描き、大判の紙に横二連や三連の版画で刷った。彼の作品は春信のような詩情豊かな夢の風景画を排し、代わりに最新のファッションに身を包み、風光明媚な場所でポーズをとった理想化された女性の姿を写実的に表現している。[59]また、囃子方や合唱隊を伴奏にした写実的なスタイルで歌舞伎役者の肖像画も制作している。[60]
1790年に、版画を販売するには検閲官の承認印が必要であるという法律が施行された。その後数十年にわたって検閲は厳格化され、違反者は厳しい処罰を受けることもあった。1799年からは草稿でさえ承認が必要になった。[61]豊国を含む歌川派の違反者グループは1801年に作品を禁止され、歌麿は16世紀の政治・軍事指導者である豊臣秀吉の版画を制作したとして1804年に投獄された。[62]
歌麿（ 1753年頃- 1806年）は、1790年代に、頭部と上半身に重点を置いた美人大首絵で名声を博した。このスタイルは、他の画家が以前に歌舞伎役者の肖像画に採用していたスタイルである。[63] 歌麿は、さまざまな階級や背景を持つ人物の特徴、表情、背景の微妙な違いを引き出すために、線、色彩、印刷技術を実験した。歌麿の個性的な美人は、それまで一般的だったステレオタイプで理想化されたイメージとは対照的であった。[64] 1797年にパトロンであった蔦屋重三郎が死去した後、10年代の終わりまでに、歌麿の膨大な作品の質は低下し、[65 ] 1806年に死去した。[66]
1794年に突如現れ、10か月後に突然姿を消した謎の人物、写楽の版画は、浮世絵の中でも最もよく知られている作品の一つである。写楽は、役者と人物像の違いを強調した、よりリアリズムの高い版画を、印象的な歌舞伎役者の肖像画に制作した。[67]写楽が描いた表情豊かなゆがんだ顔は、春信や歌麿などの画家によく見られる穏やかで仮面のような顔とは対照的であった。[46]蔦屋書店から出版されたが、[66]写楽の作品は抵抗に遭い、1795年には、その制作は現れた時と同じように謎めいた形で中止された。彼の正体は未だに不明である。[68]歌川豊国（1769–1825）は、江戸の町民がより親しみやすいと感じたスタイルで歌舞伎の肖像画を制作し、劇的な姿勢を強調し、写楽のリアリズムを避けた。[67]
18世紀後半の浮世絵は一貫して高い品質を特徴としていたが、歌麿や写楽の作品は、この時代の他の巨匠たちの影を潜めてしまうことが多かった。[66]清長の弟子の一人である[58] 栄子（1756-1829）は、将軍徳川家治の絵師の地位を捨て、浮世絵のデザインを始めた。栄子は、優美でほっそりとした遊女の肖像画に洗練された感覚をもたらし、多くの著名な弟子を残した。[66]栄松斎朝基（ 1786-1808年活躍）は、繊細な線で繊細な遊女の肖像画をデザインした。歌川派は、江戸時代後期の浮世絵制作の主流となった。[69]
江戸時代を通じて、江戸は浮世絵制作の中心地であった。もう一つの大きな中心地は、京都と大阪の周辺地域である上方地域であった。江戸版画の題材の多様さとは対照的に、上方の版画は歌舞伎役者の肖像画が多かった。上方版画のスタイルは、18世紀後半まで江戸版画とほとんど区別がつかなかったが、これは絵師が頻繁に両地域を行き来していたためでもある。[70]上方版画は、江戸版画よりも色が柔らかく、顔料が濃い傾向がある。[71] 19世紀には、多くの版画が歌舞伎ファンやその他のアマチュアによってデザインされた。[72]
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晩秋の開花：植物、動物、風景（19 世紀）
1841年から1843年の天保の改革では、遊女や役者の描写を含む、外見上の贅沢さの誇示が抑制された。その結果、多くの浮世絵師が旅の風景や自然、特に鳥や花の絵をデザインした。[73]師宣以来、風景画はあまり注目されておらず、清長や春蝶の作品では重要な要素を形成していた。風景画がジャンルとして確立したのは、特に北斎や広重の作品を通じて、江戸時代後期になってからであった。浮世絵には、これらの後期巨匠に先立つ長い歴史があったにもかかわらず、風景画のジャンルが西洋の浮世絵に対する認識を支配するようになった。[74]日本の風景画は、自然の厳密な観察よりも、想像力、構成、雰囲気に大きく依存している点で、西洋の伝統とは異なっていた。[75]
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自称「狂気の画家」葛飾北斎（1760-1849）は、長く多彩な生涯を送った。葛飾北斎の作品は、浮世絵によくある感傷性がなく、西洋美術に影響を受けた形式主義に重点を置いているのが特徴である。葛飾北斎の業績には、滝沢馬琴の小説『三日月の挿絵、スケッチブックのシリーズ『北斎漫画』、風景画のジャンルを広めた『富嶽三十六景』 [76]などがある。『富嶽三十六景』には、葛飾北斎の最も有名な版画『神奈川沖浪裏』[ 77]が含まれており、葛飾北斎は日本美術の最も有名な作品の1つである。[78]葛飾北斎の色彩は、古い巨匠たちの作品とは対照的に、大胆で平坦で抽象的であり、主題は歓楽街ではなく、働く庶民の生活や環境であった。[79] 1830年代には、英泉、国芳、国貞といった著名な巨匠たちも北斎に倣って風景画を制作し、大胆な構図と印象的な効果を持つ版画を制作した。 [80]
歌川派は、より有名な先達ほど注目されることはなかったが、この衰退期に数人の名手を輩出した。多作な国貞（1786-1865）には、遊女や役者の肖像画を制作する伝統において、ほとんどライバルがいなかった。 [81]ライバルの一人が英泉（1790-1848）で、彼も風景画に長けていた。[82]おそらくこの後期の最後の重要な画家である国芳（1797-1861）は、北斎と同様に、さまざまなテーマやスタイルに挑戦した。武士が激しく戦う歴史画は人気があり、[83]特に『水滸伝』（1827-1830）や『忠臣蔵』（1847）の英雄シリーズは人気があった。[84]彼は風景画と風刺画を得意としたが、後者は江戸時代の独裁的な雰囲気の中ではほとんど探求されなかった分野であった。国芳がこのような問題に敢えて取り組んだことは、当時の幕府の弱体化の兆候であった。[83]
広重（1797-1858）は、北斎の最大のライバルとみなされている。広重は花鳥画や静かな風景画を得意とし、『東海道五拾三次之内』や『木曽海道六十九次之内』などの旅のシリーズで最もよく知られている。 [85]後者は英泉との共同作業である。[82]広重の作品は北斎の作品よりも写実的で、微妙な色彩と雰囲気があり、自然と季節が重要な要素であり、霧、雨、雪、月明かりが作品の重要な部分であった。[86]広重の弟子たち、養子の二代目広重や義理の息子の三代目広重は、師匠の風景画のスタイルを明治時代まで引き継いだ。[87]
- 後期の巨匠たち
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二見ヶ浦の夜明け国貞1832年頃 -
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2羽のオシドリ広重、1838年
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衰退（19世紀後半）
葛飾北斎と広重の死後[88]、1868年の明治維新により、浮世絵は量的にも質的にも急激に衰退した。[89]明治時代の急速な西洋化により、木版印刷はジャーナリズムに転向し、写真との競争に直面するようになった。純粋な浮世絵を描く人はますます少なくなり、時代遅れの遺物とみなされるジャンルへの嗜好は薄れていった。[88]画家たちは時折注目すべき作品を生み出し続けたが、1890年代までにこの伝統は衰退した。[90]
19世紀半ばには、ドイツから輸入された合成顔料が伝統的な有機顔料に取って代わり始めました。この時代の版画の多くは鮮やかな赤を多用し、赤絵と呼ばれました。[91]芳年（1839–1892）などの芸術家は、1860年代に殺人や幽霊、[92]怪物や超自然的な存在、日本と中国の伝説の英雄などの陰惨な場面を描く傾向を主導しました。彼の百姿月（1885–1892）は、月をモチーフにしたさまざまな幻想的および日常的なテーマを描いています。[93] 清親（1847–1915）は、鉄道の導入など東京の急速な近代化を記録した版画や、日本と中国、ロシアとの戦争を描いた作品で知られています。[92]狩野派の画家であった周延（1838-1912）は、1870年代に版画に転向し、特に皇室や明治時代の日本人の生活に西洋の影響が及んだ場面を描いた作品を多く手掛けるようになった。[ 94 ]
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西洋入門
江戸時代初期から貿易関係にあったオランダ人貿易商を除けば、 [95]西洋人は19世紀半ばまで日本美術にほとんど注目せず、注目したとしても東洋の他の美術と区別することはほとんどなかった。[95]スウェーデンの博物学者カール・ペーター・トゥーンベリは長崎近郊のオランダ貿易居留地出島で1年間過ごし、日本の版画を収集した最初期の西洋人の一人となった。その後浮世絵の輸出は徐々に増加し、19世紀初頭にはオランダの商人貿易商イサーク・ティチングのコレクションがパリの美術愛好家の注目を集めた。[96]
1853年にアメリカのマシュー・ペリー提督が江戸に到着すると、 1854年に神奈川条約が結ばれ、 2世紀以上にわたる鎖国の後、日本は外の世界に開かれた。彼が米国に持ち帰った品々の中に浮世絵版画があった。[97]浮世絵版画は少なくとも1830年代からパリに登場し、1850年代までには数多く存在していた。[98]評価はまちまちで、賞賛された場合でも、浮世絵は自然遠近法や解剖学の熟達を強調した西洋の作品より劣ると一般に考えられていた。[99]日本美術は1867年のパリ万国博覧会で注目を集め、[95] 1870年代と1880年代にはフランスとイギリスで流行した。[95]葛飾北斎と広重の版画は、西洋における日本美術の認識を形成する上で重要な役割を果たした。[100]西洋に紹介された当時、木版印刷は日本で最も一般的なマスメディアであり、日本人は木版印刷に永続的な価値がほとんどないと考えていました。[101]
浮世絵や日本美術の初期のヨーロッパでの推進者や研究者には、作家のエドモン・ド・ゴンクールや美術評論家のフィリップ・ビュルティがおり、[102]ビュルティはジャポニスムという言葉を作り出した。[103] [g]エドゥアール・デゾワの店や1875年の美術商ジークフリート・ビングの店など、日本製品を販売する店がオープンした。 [104] 1888年から1891年にかけて、ビングは雑誌『Artistic Japan』 [105] を英語、フランス語、ドイツ語版で発行し、[106] 1890年にはエコール・デ・ボザールにて浮世絵展を開催し、メアリー・カサットなどの芸術家が参加した。[107]
アメリカ人のアーネスト・フェノロサは、日本文化を愛好した最初の西洋人で、日本美術の振興に大きく貢献した。ボストン美術館の日本美術初代キュレーターとして就任した展覧会では、葛飾北斎の作品が目立った。また、1898年には東京で日本初の浮世絵展をキュレーターとして開催した。[108] 19世紀末までに、浮世絵は西洋で人気を博し、その価格はほとんどのコレクターの手の届かないものとなった。ドガなど、自分の絵画を浮世絵と交換するコレクターもいた。林忠正はパリを拠点とする著名な画商で、東京事務所は浮世絵版画の鑑定と西洋への大量輸出を担当していた。その量があまりに多かったため、後に日本の評論家は彼が日本の国宝を吸い上げたと非難した。[109]当初、この流出は日本では気づかれなかった。日本の芸術家たちが西洋の古典的な絵画技法に没頭していたためである。[110]
日本の美術、特に浮世絵版画は、初期印象派の時代から西洋美術に影響を与えるようになった。[111]初期の画家・収集家は、1860年代には早くも日本のテーマや構成技法を作品に取り入れていた。[98]マネの絵画に描かれた模様の壁紙や敷物は、浮世絵に描かれた着物の模様からインスピレーションを得たものであり、ホイッスラーは浮世絵の風景画のように自然のはかない要素に注目した。[112] ゴッホは熱心な収集家で、広重や英泉の版画の模写を油絵で描いた。[113]ドガとカサットは、日本の影響を受けた構図と遠近法で、つかの間の日常の瞬間を描いた。[114]浮世絵の平面的な遠近法と変調のない色彩は、特にグラフィックデザイナーやポスター制作者に影響を与えた。[115]トゥールーズ＝ロートレックのリトグラフは、彼が浮世絵の平面的な色彩や輪郭線だけでなく、その主題である芸人や遊女にも興味を持っていたことを示している。[116]彼はこの作品の多くに、日本の版画の印章をまねて、丸の中に自分のイニシャルを書いた署名をしている。[116]浮世絵から影響を受けた当時の他の芸術家には、モネ[111]、ラ・ファージュ[117]、ゴーギャン[ 118]、そしてナビ派のメンバーであるボナール[119]やヴュイヤール[ 120]がいる。[120]フランスの作曲家クロード・ドビュッシーは、葛飾北斎や広重の版画から音楽のインスピレーションを得ており、最も顕著なのは『海』（1905年）である。[121]エイミー・ローウェルやエズラ・パウンドなどのイメージ主義の詩人は浮世絵版画にインスピレーションを得た。ローウェルは東洋のテーマや東洋風のスタイルで書かれた詩集『浮世の絵』（1919年）を出版した。 [122]
- 浮世絵が西洋美術に与えた影響
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京橋竹林広重1857 -58年頃 -
ノクターン：青と金 – オールド バタシー橋ホイッスラー、 1872年頃～ 1875年 -
新大橋と安宅に突然の雨広重、1857年 -
雨の中を走る橋（広重の模写）ゴッホ、1887年 -
ルーヴル美術館のメアリー・カサット：絵画ギャラリードガ、1879年頃～ 1880年 -
入浴中の女性カサット、 1890年頃～ 1891年
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子孫の伝統（20世紀）
1905年頃から、明治政府が国民に日本をよく知ってもらおうと国内旅行を奨励したことから、旅行スケッチブックは人気のジャンルとなった。[ 123] 1915年、版元渡辺庄三郎は、日本の伝統的な題材を題材に外国人や上流階級の日本人向けに出版した版画のスタイルを「新版画」と名付けた。[124] 著名な画家には、女性を描く手法から「大正の歌麿」と呼ばれた橋口五葉、女性像に現代的な感覚をもたらした伊東深水、 [125]現代の風景画を描いた川瀬巴水がいる。 [126]渡辺は日本人以外の画家の作品も出版しており、その初期の成功例としては、1916年にイギリス人のチャールズ・W・バートレット（1860年 - 1940年）がインドと日本をテーマにした版画集を出版したことがある。他の出版社も渡辺の成功に追随し、五葉や吉田博などの新版画家も自身の作品を出版するためにスタジオを設立した。[127]
創作版画運動の芸術家たちは、版画制作のあらゆる側面を管理し、デザイン、彫刻、印刷を同じ手で行いました。[124]当時東京美術学校の学生だった山本鼎（1882–1946）が、この手法の発祥の人物とされています。1904年、彼は木版画を使用して『漁師』を制作しました。それまで日本の美術界では、この技法は時代遅れで、商業的な大量生産を連想させるとして嫌われていました。[128] 1918年の日本木版画家協会の設立は、この手法が運動として始まったことを示しています。[129]この運動は芸術家の個性を重視したため、支配的なテーマやスタイルはありません。[130]作品は、恩地孝四郎（1891–1955）の完全に抽象的なものから、平塚運一（1895–1997）の伝統的な日本の風景の具象描写まで多岐にわたりました。 [129]これらの芸術家は、大衆に届くことを期待して版画を制作したのではなく、それ自体が創造的な目的であり、印刷媒体を伝統的な浮世絵の木版に限定しませんでした。[131]
20世紀後半から21世紀にかけての版画は、以前の運動、特に創作版画運動の個人の表現を重視した関心から発展してきました。版画家の技法には、伝統的な木版画に加えて、スクリーン印刷、エッチング、メゾチント、ミクストメディア、その他の西洋の手法が加わりました。[132]
- 浮世絵の末裔
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タージ・マハル、チャールズ・W・バートレット、1916年 -
髪をとかす橋口五葉1920年 -
芝 増上寺川瀬巴水1925 -
きらめく海、吉田博、1926年 -
歌詞第23番恩地孝四郎1952年
スタイル
初期の浮世絵師たちは、中国古典絵画の構図原理に関する高度な知識と訓練を持ち込んでいたが、次第に彼らはあからさまな中国の影響を捨て去り、日本固有の表現法を編み出していった。初期の浮世絵師たちは、印刷媒体という新しい課題に何世紀もの歴史を持つ技法を適応させたという意味で「原始人」と呼ばれてきた。彼らの絵柄は「原始的」とはみなされていない。[133]多くの浮世絵師は、狩野派やその他の流派の師匠から訓練を受けた。[134]
浮世絵版画の大半に共通する特徴は、はっきりした、太く、平らな線である。[135]最初期の版画は単色で、線が唯一の印刷要素であった。色彩の出現後も、この特徴的な線が支配的であり続けた。[136]浮世絵では、構図は平らな空間に配置され[137]、人物は通常、単一の奥行き平面内にある。垂直と水平の関係だけでなく、線、形、衣服などの模様といった細部にも注目が集まった。[138]構図は非対称であることが多く、視点は上空からの視点など、珍しい角度からのものが多かった。画像の要素はしばしば切り取られ、構図に自然な感じを与えている。[139]カラー版画では、ほとんどの色領域の輪郭は、通常、線画によって鮮明に定義されている。[140]平坦な色彩の美学は、西洋の伝統に期待される変調された色彩[137]や、上流階級が愛顧した他の著名な同時代の日本美術の伝統、例えば禅画の繊細なモノクロームの墨の筆遣いや狩野派の色調の絵画とは対照的である。 [ 140 ]
浮世絵の色彩豊かで派手で複雑な模様、流行の変化への関心、緊張感がありダイナミックなポーズや構図は、日本の伝統的な美学の多くの概念と著しい対照をなしている。その中でも特に目立つのは、わびさびはシンプルさ、非対称性、不完全さ、そして時の経過の証拠を好むことであり、[141]渋いは繊細さ、謙虚さ、抑制を重んじることである。[142]浮世絵は、「粋」のきわどく都会的なスタイリッシュさなどの美学の概念とそれほど矛盾していないと言える。[143]
浮世絵は、同時代のヨーロッパの絵画と比較すると未発達に見える、珍しい図形遠近法の手法を示している。西洋式の幾何学的遠近法は日本でも知られており、 1770 年代の秋田蘭画家によって最も顕著に実践されていた。また、均一な平行線を使用して奥行き感を生み出す中国の手法も同様であった。浮世絵の作品では、幾何学的遠近法が背景に奥行きの錯覚をもたらし、より表現力豊かな中国の遠近法が前景に配置されるなど、これらの技法が一緒に使用されることもあった。 [144]これらの技法は、西洋の作品から直接学んだというよりも、おそらく中国の西洋風の絵画を通じて最初に習得されたと思われる。[145]これらの技法に精通してからずっと後も、芸術家たちは、構成上および表現上の必要に応じて、これらの技法を伝統的な手法と調和させ続けた。[146]奥行きを示す他の方法としては、仏画で用いられる中国の三部構成法があり、これは大きな図形を前景に、小さな図形を中景に、さらに小さな図形を背景に配置これは葛飾北斎の『神奈川沖浪裏』にも見られ、手前に大きな船、その後ろに小さな船、そしてその後ろに小さな富士山が描かれている。[147]
浮世絵の初期から、美人のポーズは、美術史家若倉みどり「蛇行姿勢」[h]と呼ぶものを取る傾向があった。これは、被写体の体が不自然にねじれ、後ろを向くというものである。美術史家河野元昭な舞踊に由来すると主張した。一方、諏訪春雄、このポーズは浮世絵師による芸術的自由であり、一見リラックスしたポーズが不自然または不可能な身体的極限に達していると反論した。これは、構図の他の部分に写実的な遠近法の技法が適用された後も当てはまった。[148]
テーマとジャンル
典型的な題材は、美人画、役者絵、風景画である。描かれた女性は、ほとんどの場合、遊女や芸者で、遊郭の娯楽を宣伝していた。[149]遊女のファッションや髪型を詳細に描いたことで、版画の年代をある程度正確に特定できる。女性の身体的特徴の正確さにはあまり注意が払われず、当時の絵画的流行に従っていた。顔はステレオタイプで、ある世代では背が高くて痩せているが、別の世代では小柄だった。[150]有名人の肖像画は、特に、当時最も人気のある娯楽の2つである歌舞伎界と相撲界の有名人の肖像画の需要が高かった。 [151]多くの西洋人にとって、風景画は浮世絵を定義するようになったが、風景画が繁栄したのは浮世絵の歴史の中で比較的後期であった。[74]
浮世絵版画は本の挿絵から発展した。師宣の初期の一枚絵の多くは、もともと師宣が挿絵を描いた本のページだった。[12] 挿絵の絵本は人気があり[152]、浮世絵師にとって重要な表現手段であり続けた。後期には、北斎は『富嶽百景』全3巻と『北斎漫画』全15巻を制作した。『北斎漫画』は、写実的かつ幻想的な幅広い題材を扱った4000点以上のスケッチを収録した作品集である。[153]
日本の伝統的な宗教は、セックスやポルノを、ほとんどのアブラハムの宗教の意味での道徳的堕落とは見なしていない。[154]明治時代の道徳の変化により抑圧されるまで、春画はエロティックな版画の主要なジャンルであった。[155]徳川政権は日本に厳しい検閲法を適用したが、ポルノは重大な犯罪とは見なされておらず、一般的に検閲官の承認を得ていた。[62]これらの版画の多くは、寝室のシーン、のぞき見、特大の解剖学などの露骨な描写で、高いレベルの描画力とユーモアを示している。[156]遊女の描写と同様に、これらの画像は遊郭の娯楽と密接に結びついていた。[157]ほぼすべての浮世絵師が、ある時点で春画を制作した。[158]春画が社会に受け入れられた記録は存在しないが、ティモン・スクリーチは、この問題に関して何らかの懸念があったことはほぼ確実であり、その受容レベルは後代の収集家、特に西洋の人々によって誇張されたと主張している。[157]
自然の風景は、歴史を通じてアジア美術の重要な部分を占めてきた。芸術家たちは、植物や動物の正確な形や解剖学を綿密に研究してきたが、人体の描写は近代までより空想的なものであった。浮世絵の自然版画は「花鳥絵」と呼ばれ、「花鳥画」と訳されるが、このジャンルは花や鳥だけではなく、必ずしも花と鳥が一緒に描かれているわけではない。[73]北斎の緻密で精密な自然版画は、花鳥絵をジャンルとして確立させたとされている。 [159]
1840年代の天保の改革により、役者や遊女の描写が抑制された。風景画や花鳥絵のほかに、芸術家たちは古代の武士や伝説、文学、宗教などの歴史的場面を描くようになった。11世紀の源氏物語[160]や13世紀の平家物語[161]は、浮世絵を含め、日本の歴史を通じて芸術的インスピレーションの源となってきた[ 160] 。宮本武蔵（1584-1645）などの有名な武士や剣士は頻繁に題材にされ、日本や中国の神話の怪物、超自然現象、英雄の描写もよく行われた[162]。
17世紀から19世紀にかけて、日本は世界から孤立していた。貿易は主にオランダ人と中国人とで、長崎近くの出島に限られていた。長崎絵と呼ばれる風変わりな絵が、外国人とその商品を描いたもので、観光客に売られていた。[97] 19世紀半ば、1859年以降、横浜は主要な外国人居留地となり、そこから西洋の知識が日本に広まった。[163]特に1858年から1862年にかけて、横浜絵は、日本人が接触するようになった世界の住人のコミュニティの成長を、さまざまなレベルの事実と空想で記録した。[164]西洋人とその技術を描いた三連画は特に人気があった。[165]
特殊な版画には、鑑識眼のある者を対象とした高級な限定版の摺物（五行詩の狂歌がデザインの一部になっていることが多い）や、手で触られたことで傷んでしまうことが多い団扇絵（きんぎょうえ）などがある。[ 166 ]
- 浮世絵のジャンル
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生産
絵画
浮世絵師は版画と絵画の両方を制作することが多かったが、どちらか一方を専門とする者もいた。[167]以前の伝統とは対照的に、浮世絵師は明るく鮮明な色彩を好み、[168]版画の線画に似た効果のある墨で輪郭を描くことが多かった。[ 169 ]印刷の技術的制限に縛られなかったため、画家はより幅広い技法、顔料、表面を利用できた。[170]画家は、紅花、貝殻、鉛、辰砂などの鉱物や有機物から作られた顔料、[171]や後にはパリスグリーンやプルシアンブルーなどの西洋から輸入された合成染料を使用して絵を描いた。[172]絹や紙の掛軸、巻物 、または屛風が最も一般的な表面であった。[167]
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印刷物制作
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浮世絵版画は複数の工房の職人のチームによる作品であり、[173]デザイナーが自分で木版を切り出すことはまれでした。[174]作業は4つのグループに分かれていました。版画の発注、宣伝、配布を行う版元、デザイン画を提供する画家、版画を印刷用に準備する木彫師、そして木版画を紙に刷る印刷工です。[175]通常、完成した版画には画家と版元の名前だけがクレジットされていました。[176]
浮世絵版画は、西洋のように機械プレスではなく、手漉きの紙[177]に手で押された。 [178]画家は薄い紙にインクで描いた絵を桜の木のブロック[i]に貼り付け[179]、油でこすって上層の紙を剥がし、版木切りがガイドとして使える半透明の紙の層を残した。版木切りは画像の黒以外の部分を切り取り、インクで跡を残すために盛り上がった部分を残した。[173]この過程で元の絵は破壊された。[179]
版木を上にして版画を制作したので、版木は印刷者が圧力を変えて様々な効果を出すことができ、水性墨が紙に吸収される様子を見ることができた。 [178 ]版木は水平方向に素早く均一に塗られた。[182]版木職人の技の中には、衣服の模様や漁網の質感などの効果を出すために、インクを塗っていない木版を紙に押し付けて画像を浮き彫りにするエンボス加工があった。[ 183] その他の効果には、色を明るくするために紙を瑪瑙でこする磨き[184 ]、ニス塗り、重ね刷り、金属や雲母の粉をまぶす、雪が降っているように見せるスプレーなどがあった。[184]
浮世絵版画は商業芸術であり、版元が重要な役割を果たした。[186]出版競争は熾烈で、この時代を通じて1000社を超える版元が知られている。その数は1840年代から1850年代にかけて約250社でピークを迎え[187] —江戸だけで200社[188] —、日本が開国すると徐々に減少し、20世紀初頭には約40社となった。版元は木版と著作権を所有し、18世紀後半からは絵本版画出版組合[187]を通じて著作権を施行した。 [j] [189] [189]複数回圧搾された版画は特に利益が大きかった。版元は絵師や木版画家に追加料金を支払うことなく木版を再利用することができたからである。木版は他の版元や質屋と取引または売却された。[190]出版社は通常、販売業者でもあり、お互いの店で互いの商品を販売するのが一般的でした。[189]アーティストの印章に加えて、出版社は版画に独自の印章を刻印しました。シンプルなロゴのものもあれば、住所やその他の情報を組み込んだ非常に手の込んだものもありました。[191]
版画家は、自分の名前で署名できる版画を制作する権利を与えられる前に、徒弟制度を経る。 [ 192]若い版画家は、木版を切る費用の一部または全部を負担することが期待される。アーティストが有名になるにつれて、出版社がこれらの費用を負担するのが普通になり、アーティストはより高い料金を要求することができた。[193]
近代以前の日本では、人は生涯を通じて多くの名前を持つことができ、幼少期の陽名と成人後の俗名は異なっていた。画家の名は画姓と字名から構成されていた。画姓は歌川や鳥居など、画家が所属していた流派から取られることが最も多く、[ 194]字は通常、師匠の画名の漢字を取った。例えば、豊国の弟子の多くは国貞や国芳など、師匠の名前から「国」を取った。[192]画家が作品に署名した名前は、キャリアを通じて名前を変えることがあったため、混乱を招くことがある。[195]北斎は極端な例で、70年間のキャリアを通じて100を超える名前を使用した。[196]
版画は大量販売され、[186] 19世紀半ばまでに、版画の総発行部数は数千部に達することもあった。[197]小売業者や行商人は、裕福な町民が購入できる価格で版画を宣伝した。[198]版画が版画家の着物のデザインを宣伝している場合もあった。[186] 17世紀後半からは、版画はシリーズの一部として販売されることが多くなり、[191]各版画にはシリーズ名とそのシリーズ内の版画の番号が刻印された。[199]これは成功したマーケティング手法であることが証明され、コレクターはコレクションを完全なものにするためにシリーズの新しい版画をそれぞれ購入した。[191] 19世紀までに、広重の東海道五十三次などのシリーズは数十枚の版画に達した。[199]
- 浮世絵版画の制作
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版画の制作、細木俊和 1879 -
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カラー印刷の制作
日本のカラー印刷は1640年代に遡るが、初期の浮世絵版画では黒インクのみが使用されていた。色は手作業で加えられることもあり、丹絵版画では鉛インク、後には紅絵版画ではピンク色の紅花インクが使用された。カラー印刷は1720年代に書籍で、1740年代には一枚刷り版画で登場し、各色ごとに版木と刷りが異なっていた。初期の色はピンクと緑に限られていたが、その後20年間で技法が拡張され、最大5色まで可能になった。 [173] 1760年代半ばには、 10枚以上の木版で作られたフルカラーの錦絵版画が登場した。 [201]各色の版木を正しく揃えるために、見当と呼ばれる位置合わせマークが1つの角と隣接する辺に配置された。[173]
印刷業者は最初、鉱物や植物から作られた天然染料を使用した。この染料は半透明で、赤、青、黄色の原色顔料からさまざまな色を混ぜることができた。 [202] 18世紀にはプルシアンブルーが人気となり、特に葛飾北斎や広重の風景画で目立った。[202]また、ぼかしも人気があり、印刷業者が色のグラデーションを作ったり、ある色を別の色に混ぜたりした。[203] 1864年、より安価で一貫性のある合成アニリン染料が西洋から到着した。この色は従来の顔料よりも濃く、明るかった。明治政府は、より広範な西洋化政策の一環として、この染料の使用を推進した。[204]
批評と歴史学
浮世絵師に関する同時代の記録は稀である。最も重要なのは、解説と浮世絵師の伝記を集めた『浮世絵類考』である。太田南畝が1790年頃に最初の版を編纂したが、現在は現存していない。この作品は江戸時代には印刷されなかったが、手書きの版が流通し、何度も加筆や修正が加えられた。[205] 『浮世絵類考』には120以上の変種が知られている。[206]
第二次世界大戦前、浮世絵に関する支配的な見解は、版画の重要性を強調するものであり、この見解は浮世絵の創始を師宣に帰するものである。戦後は、浮世絵の重要性と17世紀の大和絵との直接的な関係に焦点が当てられるようになり、この見解は又兵衛をこのジャンルの創始者と見なし、特に日本で好まれている。この見解は1930年代までに日本の研究者の間で広まったが、当時の軍国主義的な政府は、宮廷と関連のある大和絵巻物と、時には反権威主義的な商人階級と関連のある版画との区別を強調したかったため、これを抑圧した。[19]
浮世絵に関する最も古い包括的な歴史的・批評的著作は西洋から来たものである。アーネスト・フェノロサは1878年から東京帝国大学の哲学教授を務め、1886年からは日本政府の美術長官を務めた。1896年の彼の『浮世絵の巨匠たち』は最初の包括的な概説であり、時代の観点から歴史を見るアプローチを用いた後のほとんどの著作の基礎を築いた。原始時代の又兵衛から始まり、18世紀後半の黄金時代へと発展し、歌麿の登場とともに衰退し、1830年代に北斎と広重の風景画で短期間ながら復活した。[207]大英博物館の東洋版画・素描管理官 ローレンス・ビニョンは1908年に『極東の絵画』の中で、フェノロサの記述に似た記述を書いているが、歌麿と写楽を巨匠の一人として位置付けている。アーサー・デイヴィソン・フィッケは、フェノロサとビニョンの著作を基に、1915年にもっと包括的な『日本版画談義』を著した。 [208] ジェームズ・A・ミッチェナーの1954年の『浮世絵』は、初期の作品の年代順を大まかに踏襲しながらも、時代区分を廃止し、初期の画家を原始人ではなく、以前の絵画の伝統から生まれた熟練した巨匠として認識した。[209]ミッチェナーと彼の時折の共同作業者であるリチャード・レーンにとって、浮世絵は又兵衛ではなく師宣から始まった。[210]レーンの1962年の『日本版画の巨匠たち』は、時代区分のアプローチを維持しながら、浮世絵を日本美術の系譜の中にしっかりと位置付けた。この本は、芳年や清親などの画家を後期の巨匠として認めている。[211]
高橋誠一郎の1964年の著書『日本の伝統木版画』は、浮世絵師を3つの時期に分けた。最初は春信を含む原始時代、続いて清長、歌麿、写楽の黄金時代、そして1790年代に始まった芸術作品に描かれるべきものを規定する厳しい贅沢禁止令の公布後の衰退期である。それでもこの本は、この最後の時期の巨匠たちを以前の作品よりも多く取り上げており[212]、浮世絵を大和絵の復活と見なしている。[17]小林正は高橋の分析をさらに洗練させ、この衰退は幕府が権力を維持しようと必死になって厳しい法律を制定し、国の支配力が弱まり1868年の明治維新に至った時期と一致していると指摘した。[213]
浮世絵研究は、画家のカタログ作成に重点を置く傾向があり、他の分野の芸術分析に適用されるようになった厳密さと独創性に欠けるアプローチである。そのようなカタログは数多くあるが、圧倒的に認められた天才のグループに集中する傾向がある。浮世絵とその画家、特に比較的マイナーな画家に対する初期の基本的な評価には、独自の研究がほとんど加えられていない。[214]浮世絵の商業的性質は常に認められてきたが、画家とその作品の評価は鑑定家の美的嗜好に基づいており、当時の商業的成功にはほとんど注意が払われていなかった。[215]
浮世絵の正典に含まれる基準は、初期の文献で急速に変化した。歌麿は特に物議を醸し、フェノロサらからは浮世絵の衰退の象徴とみなされていたが、その後、歌麿は浮世絵の最も偉大な巨匠の一人として広く認められるようになった。芳年などの19世紀の画家は無視されたり、軽視されたりして、20世紀末になってようやく学術的な注目を集めるようになった。[216]国貞や国芳などの歌川後期の画家に関する作品は、これらの画家が享受していた当時の評価をいくらか復活させた。後期の作品の多くは、芸術の背後にある社会的条件やその他の条件を検討しており、芸術が衰退期にあるとみなされるような評価には関心がない。[217]
小説家谷崎潤一郎は、浮世絵を発見したと称して自分たちの美意識が高いと主張する西洋人の優越的態度を批判した。彼は、浮世絵は西洋人の価値観から見て最も理解しやすい日本美術に過ぎず、日本人はあらゆる階層の人々が浮世絵を楽しんでいたが、当時の儒教の道徳観念により自由に浮世絵について語ることはできず、西洋人が浮世絵の発見を誇示することはその社会道徳観を侵害することになると主張した。[218]
20世紀初頭から、日本の漫画やカートゥーンの歴史家たちは、この芸術形態を20世紀以前の日本の芸術と結びつける物語を展開してきた。特に『北斎漫画』が先駆者として重視されているが、北斎の本は物語ではなく、「マンガ」という用語も北斎が発祥ではない。[219]英語や他の言語では、「マンガ」という言葉は「日本の漫画」または「日本風の漫画」という限定的な意味で使用されているが、[220]日本語では、あらゆる形態の漫画、カートゥーン、 [221]およびカリカチュアを指す。[222]
収集と保存
支配階級は下層階級の家のスペースを厳しく制限していたため、浮世絵の比較的小さなサイズはこれらの家に飾るのに理想的だった。[223]浮世絵のパトロンに関する記録はほとんど残っていない。浮世絵は版画よりもかなり高い価格で販売されており、数千倍にもなるため、裕福な商人やおそらくは武士階級の人々が購入したに違いない。[10]後期版画は19世紀に最も大量に制作されたため、現存する例が最も多く、古い版画ほど生き残る可能性は低かった。[224]浮世絵は主に江戸と関連付けられており、江戸を訪れた人々はよくあずま絵と呼ばれるものを土産として買っていた。浮世絵を売る店は、手持ち扇子などの商品を専門に扱っていたり、多様な品揃えをしていた。[189]
浮世絵の市場は、日雇い労働者から裕福な商人まで、さまざまな層に販売されていたため、非常に多様化していた。[225]生産と消費習慣については、具体的な情報はほとんど知られていない。江戸では、さまざまな遊女、役者、力士の詳細な記録が残されているが、浮世絵に関するそのような記録は残っていないか、そもそも存在しなかったのかもしれない。浮世絵の消費の人口統計について何がわかっているかを判断するには、間接的な手段が必要であった。[226]
版画がいくらで売れたかを判断するのは専門家にとっても難しい。確かな数字の記録が乏しく、制作の質、サイズ、[227]需要と供給、[228]制作方法も多種多様で、フルカラー印刷の導入などの変化を経たためである。[229]社会経済状況は時代を通じて流動的であったため、価格がどの程度高いとみなせるかを判断することも難しい。[230] 19世紀には、16文[231]から豪華版で100文[232]までという安い版画の記録が残っている。大久保純一は、1920年代から1930年代の標準的な版画の価格はおそらく1文だったと示唆している。[233]大まかに比較すると、 19世紀初頭の蕎麦一杯は通常16文で売られていた。[ 234 ]
浮世絵版画の染料は、弱い光にさらされても退色しやすいため、長期間の展示は望ましくありません。版画に使用されている紙は酸性物質に触れると劣化するため、保管用の箱、フォルダー、マウントは中性またはアルカリ性のものでなければなりません。版画は定期的に問題がないか検査し、カビによる変色を防ぐために相対湿度70%以下で保管する必要があります。[235]
浮世絵の紙や絵具は、光や季節による湿度の変化に敏感である。湿度の急激な変化で破れてしまうこともあるため、台紙は柔軟性が求められる。江戸時代には、台紙は長繊維紙に表装され、無地の桐箱に巻いた状態で保存され、さらに漆塗りの木箱に入れられていた。[236]博物館では、光や環境汚染による劣化を防ぐため、展示期間が厳しく制限されており、巻物をほどいたり巻き直したりする際にも注意が払われている。巻くと紙に凹みができ、ほどいたり巻き直したりするとシワができてしまうからである。[237]巻物が保管される湿度は、一般的に50～60％である。乾燥した空気に保管すると巻物が脆くなるからである。[238]
浮世絵版画は大量生産されたため、収集には絵画の収集とは異なる考慮事項がある。現存する版画の状態、希少性、価格、品質には大きなばらつきがある。版画にはシミ、シミ、虫食い、破れ、折り目、ドッグマークがあったり、色が褪せたり、修正されたりしていることがある。版画家は、複数回の版画を経た版画の色や構成を変更した可能性がある。印刷後に裁断された紙は、余白内で切り取られている可能性がある。[239]版画の価値は、アーティストの評判、版画の状態、希少性、オリジナルのプレスであるかどうかなど、さまざまな要因によって決まる。高品質の後刷り版画でさえ、オリジナルの評価額のほんの一部しか得られない。[240]
浮世絵版画は、しばしば版を重ね、版木に変更が加えられることもあった。版木を再度切り直して作られた版画も流通しており、正規の複製版のほか、海賊版やその他の贋作も流通している。[241]浮世絵の複製版画を制作していた高見沢円次（1870-1927）は、色あせた原画に新鮮な色を刷るために版木を切り直す手法を考案し、その上にタバコの灰を塗って、新しいインクが古びたように見せた。彼はこの刷新された版画をオリジナルの版画として転売した。[242]詐欺に遭った収集家の中には、アメリカの建築家フランク・ロイド・ライトがいた。彼は日本からアメリカへ1500枚の高見沢版画を携行したが、そのうちのいくつかは真実が明らかになる前に売却されていた。 [243]
浮世絵師は日本式に呼ばれ、姓が名の前につき、歌麿や葛飾北斎などの有名な絵師は名だけで呼ばれる。[244]画商は通常、浮世絵版画を標準サイズの名前で呼ぶが、最も一般的なのは34.5×22.5センチメートル（13.6インチ×8.9インチ）の相判、22.5×19センチメートル（8.9インチ×7.5インチ）の中判、38×23センチメートル（15.0インチ×9.1インチ）の大判である[203]。正確なサイズは様々で、印刷後に紙が切り取られることが多かった。[245]
浮世絵の最も質の高いコレクションの多くは日本国外にあります。[246] 19世紀前半にはフランス国立図書館に収蔵された例もあります。大英博物館は1860年にコレクションを開始し[247]、 20世紀後半には70,000点[248]最大の、10万点に及ぶ浮世絵コレクションは、ボストン美術館に所蔵されている[246]。これは、アーネスト・フェノロサが1912年にコレクションを寄贈したことに始まる。[249]日本で最初の浮世絵版画展は、おそらく1925年に松方幸次郎が開催したもので、彼は第一次世界大戦中にパリでコレクションを集め、後に東京国立近代美術館に寄贈した。[250]日本最大の浮世絵コレクションは、松本市の日本浮世絵博物館には約10万点が収蔵されている。[251]
参照
- 浮世絵用語一覧
- 浮世絵師の流派
- インターネットアーカイブにある日本の木版画の本
- 浮世絵 太田記念美術館
- アメリカ浮世絵協会
注記
- ^ 古い文献には「浮世絵」という旧字体が使われている。
- ^ これらの活字の多くは繰り返し文字でした。特定の文字は同じページ上で複数回使用されるため、プリンターではこれらの文字を複数用意する必要がありました。
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- ^ 紅：ベニバナの花びらから作られる色素。[ 34]
- ^ 鳥居清忠最初の浮絵を作ったと言われている。[36]正信は自らをその発明者だと宣伝した。[37]1734年に『コンパスと定規による描画のルールの素人向け解説』が、1644年のオランダ語の文献に基づいて日本に西洋式の幾何学的透視図法を紹介した（『蘭学』を参照）。この主題に関する中国の文献もこの10年間に登場した。[36]奥村は中国の文献から幾何学的遠近法を学んだと思われ、その中には奥村の作品と驚くほど類似したものがある。[38]
- ^ 1873年まで日本の暦は太陰太陽暦であり、毎年日本の新年はグレゴリオ暦の1月または2月の異なる日に当たっていました。
- ^ バーティは1872年にフランス語で「le Japonisme」という用語を作った。 [103]
- ^ 蛇体姿勢（蛇体の姿勢）
- ^ 伝統的な日本の木版は木目に沿って切られたが、西洋の木版画の版は木目に沿って切られていた。どちらの方法でも、木版の寸法は木の胴回りによって制限されていた。[180] 20世紀には、合板が日本の木彫り職人に好まれる材料となった。これは、合板の方が安価で、彫りやすく、サイズの制限が少ないためである。[181]
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ウェブ
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さらに読む
- カルツァ、ジャン カルロ (2007)。浮世絵。ファイドンプレス。ISBN 978-0-7148-4794-8。
- 金田、マーガレット・ミラー（1989年）。『色彩木版画：浮世絵の伝統技法』主婦の友社。ISBN 978-4-07-975316-6。
- レーン、リチャード（1978年）。浮世絵、日本の版画。オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-211447-1。
- ニューランド、エイミー・レイグル（2005年）。『布袋版画百科』。布袋。ISBN 978-90-74822-65-7。
外部リンク
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- インターネットの浮世絵サイトガイド 2007年9月14日アーカイブWayback Machine
- ukiyo-e.org、日本の木版画検索 – 浮世絵検索、デジタル化された浮世絵画像の膨大なコレクション
- アメリカ議会図書館の日本版画コレクション
- ロンドン大学SOASの浮世絵コレクション
