ロイ・リキテンスタイン

ロイ・リキテンスタイン
1967年のリヒテンシュタイン
生まれる	ロイ・フォックス・リヒテンシュタイン ( 1923-10-27 )1923年10月27日 ニューヨーク市、米国
死亡	1997年9月29日(1997-09-29)（享年73歳） ニューヨーク市、米国
教育	ティモシー・ドワイト・スクール パーソンズ・スクール・オブ・デザイン[1]
母校	オハイオ州立大学
知られている	絵画 彫刻
注目すべき作品	ルック・ミッキー（1961） 溺れる少女（1963） 車の中で（1963） ワアム! (1963) ああ、ジェフ…私もあなたを愛している…でも… (1964) リボンの少女（1965） ブラシストロークス（1965）
動き	ポップアート
配偶者たち	イザベル・ウィルソン ​ ​ （ 1949年結婚 、 1965年離婚）  ドロシー・ヘルツカ ​ （ 1968年生まれ）
子供たち	ミッチェルを含む2人
パトロン	ギュンター・ザックス

ロイ・フォックス・リキテンスタイン^[2]（/ ˈ l ɪ k t ən ˌ s t aɪ n / ; 1923年10月27日 - 1997年9月29日）は、アメリカのポップアーティストである。1960年代、アンディ・ウォーホル、ジャスパー・ジョーンズ、ジェイムズ・ローゼンクイストとともに、ニューアートムーブメントの主要人物となった。彼の作品は、パロディを通じてポップアートの前提を定義した。^[3]コミックストリップに触発されたリヒテンシュタインは、しばしば冗談めいた方法でパロディを記録しながら、精密な構成を生み出した。彼の作品は、大衆広告とコミックブックのスタイルに影響を受けた。彼のアートワークは「破壊的」であると考えられていた。^[4]リヒテンシュタインは、ポップアートを「「アメリカ的」絵画ではなく、実際には工業絵画」であると表現した。^[5]彼の絵画はニューヨーク市の レオ・カステッリ・ギャラリーで展示された。

『Whaam!』、『Drowning Girl』、『Look Mickey』はリヒテンシュタインの最も影響力のある作品であることが判明した。 ^[6]彼の最も高価な作品は『Masterpiece』で、2017年に1億6500万ドルで売却された。 ^[7]

リヒテンシュタインは1923年10月27日、ニューヨーク市の上流中流階級の ドイツ系ユダヤ人家庭に生まれた。 ^{[2] [8] [9]}父のミルトンは不動産ブローカーで、母のベアトリス（旧姓ヴェルナー）は主婦だった。^[10]リヒテンシュタインはニューヨーク市のアッパーウエストサイドで育ち、12歳まで公立学校に通った。その後、ニューヨークのドワイトスクールに入学し、1940年に卒業した。学校を通じて、趣味としてアートやデザインに興味を持つようになった。^{[11]リヒテンシュタインは熱心なジャズファンで、}ハーレムのアポロシアターでのコンサートによく通っていた。^[11]楽器を演奏するミュージシャンの肖像画を頻繁に描いた。^[11] 1939年、高校最後の年に、リヒテンシュタインはニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグの夏期講座に入学し、レジナルド・マーシュの指導の下で制作に取り組んだ。^[12]

その後、リヒテンシュタインはニューヨークを離れ、オハイオ州立大学で学びました。同大学ではスタジオコースと美術の学位を取得できました。^[2]彼の学業は、第二次世界大戦中および戦後の1943年から1946年までの3年間の陸軍での勤務によって中断されました。^[2]陸軍専門訓練プログラムでの語学、工学の訓練プログラム、^[13]およびパイロット訓練に参加しましたが、これらはすべて中止され、リヒテンシュタインは整備兵、製図工、芸術家として働きました。^[2]

リヒテンシュタインは死にゆく父を訪ねるために帰国し、復員兵援護法の受給資格を得て陸軍を除隊した。^{[11]リヒテンシュタインはオハイオ州に戻り、教師の一人である}ホイト・L・シャーマンの指導の下、勉学に励んだ。シャーマンはリヒテンシュタインの将来の作品に大きな影響を与えたと広く考えられている（リヒテンシュタインは後にオハイオ州立大学に資金を提供した新しいスタジオをホイト・L・シャーマン・スタジオ・アート・センターと名付けた）。^[14]

リヒテンシュタインはオハイオ州立大学の大学院に入学し、美術講師として採用され、その後 10 年間、その職を断続的に務めました。1949 年、リヒテンシュタインはオハイオ州立大学で美術学修士号を取得しました。

1951年、リヒテンシュタインはニューヨークのカールバッハ・ギャラリーで初の個展を開催した。 ^{[2] [15]同年、}クリーブランド に移り、6年間そこに留まったが、リヒテンシュタインは頻繁にニューヨークに戻っていた。この間、彼は絵を描く合間に製図工から窓装飾家まで、さまざまな仕事を引き受けた。^[2] この時期のリヒテンシュタインの作品は、キュビズムと表現主義の間を揺れ動いていた。^[11] 1954年、長男で現在は作詞家となっているデイヴィッド・ホイト・リヒテンシュタインが誕生。2年後には次男のミッチェル・リヒテンシュタインが誕生した。^[16]

1957年、リヒテンシュタインはニューヨーク州北部に戻り、再び教鞭をとり始めた。^[5]この頃、彼は抽象表現主義のスタイルを取り入れ、この絵画スタイルに遅れて転向した。^{[17]リヒテンシュタインは1958年にニューヨーク州北部}のニューヨーク州立大学オスウェゴ校で教鞭をとり始めた。この頃、彼は抽象作品の中にミッキーマウスやバッグスバニーなどの漫画キャラクターの隠れたイメージを取り入れ始めた。 ^[18]

1960年、リヒテンシュタインはラトガース大学で教鞭をとり始め、そこで同大学の教師でもあったアラン・カプローから強い影響を受けた。この環境は、リヒテンシュタインのプロトポップのイメージへの興味を再燃させるのに役立った。 ^[2] 1961年、彼は漫画のイメージと商業印刷の外観から派生した技法を使用して、最初のポップペインティングを開始した 。この段階は1965年まで続き、消費主義と家事を示唆する広告イメージの使用が含まれていた。^{[11]リヒテンシュタインのハードエッジの人物と}ベンデイドットを 大規模に使用した最初の作品は、「ルックミッキー」（1961年、ワシントンD.C.のナショナルギャラリー）である。 ^{[19]この作品は、}ミッキーマウスの漫画本を指して「お父さん、あんなに上手に描けないと思うよ」と言った息子の挑戦から生まれたものである。 ^[20]同年、リヒテンシュタインはガムの包み紙や漫画に登場するキャラクターを題材にした作品を6点制作した。^[18]

1961年、レオ・カステリはニューヨークの自身のギャラリーでリヒテンシュタインの作品を展示し始めた。リヒテンシュタインは1962年にカステリギャラリーで初の個展を開催し、展覧会が開かれる前から影響力のあるコレクターがコレクション全体を購入した。^[2] 1961年から1962年にかけて制作された一連の絵画は、スニーカー、ホットドッグ、ゴルフボールなど、家庭にある単品の物に焦点を当てていた。^[21] 1963年9月、リヒテンシュタインはラトガース大学ダグラスカレッジの教職を休職した。 ^[22]

リヒテンシュタインの作品は、戦争や恋愛物語を題材にした漫画からインスピレーションを得たものである。「当時、私は感情的に強い題材として使えるものなら何でも興味を持っていました。大抵は愛や戦争、あるいは非常に緊張感があり感情的な題材で、控えめで意図的な絵画技法とは対照的でした」と彼は後に回想している。^[23]

リヒテンシュタインがアメリカだけでなく世界中で名声を得始めたのはこの頃だった。彼はアートシーンの中心にいるためにニューヨークに戻り、絵画に専念するために1964年にラトガース大学を辞職した。 ^{[24]リヒテンシュタインは、} DCコミックスのシークレットハーツ第83号のリードストーリーからトニー・アブルッツォが描いた「溺れる少女」 （1963年）など、彼の最もよく知られた作品で油絵の具とマグナ（初期のアクリル）絵の具を使用している。（「溺れる少女」は現在ニューヨーク近代美術館に展示されている。^[25]）「溺れる少女」はまた、写真複製で作成されたかのように、太いアウトライン、大胆な色彩、ベンデイ・ドットを特徴としている。リヒテンシュタインは自身の作品について、抽象表現主義者は「キャンバスに何かを描き、色の位置や大きさなど、その描き方に反応した。私のスタイルは全く違うように見えるが、線を描くという性質はほぼ同じだ。私の作品はポロックやクラインの作品のように書道的な仕上がりにはならない」と語っている。^[26]

リヒテンシュタインの作品は、題材を再現しようとするのではなく、マスメディアが題材を描写する方法に取り組んだ。しかし、彼は決して真剣に考えすぎず、「私の作品は漫画とは違うと思うが、それを変身とは呼ばない。それが何を意味するにせよ、それが芸術にとって重要だとは思わない」と述べた。^[27]リヒテンシュタインの作品が初めて展示されたとき、当時の多くの美術評論家がその独創性に異議を唱えた。彼の作品は下品で空虚であると厳しく批判された。 1964年のライフ誌の記事のタイトルは「彼は米国で最悪の芸術家か？」だった。 ^[28]リヒテンシュタインは、そのような主張に対して、次のような返答をした。「私の作品がオリジナルに近ければ近いほど、内容はより脅迫的で批判的になる。しかし、私の作品は完全に変身しており、私の目的と認識はまったく異なる。私の絵画は批判的に変身していると思うが、合理的な議論でそれを証明することは難しいだろう。」^[29]彼は1986年にエイプリル・バーナードとミミ・トンプソンとのインタビューで、この厳しい批判を経験したことについて語った。批判されることが時々辛かったことを示唆して、リヒテンシュタインは「実際に絵を描いているときは疑わないが、疑問を抱かせるのは批判だ」と語った。^[30]

リヒテンシュタインの有名な作品「 Whaam! 」 (1963) は、戦闘機が敵機にロケット弾を発射し、赤と黄色の爆発を起こしている様子を描いている。擬音語の「Whaam!」と枠付きのキャプション「私は射撃管制装置を押した...そして私の前方でロケット弾が空を駆け抜けた...」の使用により、漫画風のスタイルが強調されている。この二連画は、1.7 x 4.0 m (5 フィート 7 インチ x 13 フィート 4 インチ) と大型である。^[31] 「Whaam」は、彼の以前の絵画の一部に見られる漫画風のテーマを踏襲しており、1962 年から 1964 年にかけて制作された戦争をテーマにした一連の作品群の一部である。これは、彼の戦争をテーマにした 2 点の大型絵画のうちの 1 つである。この作品は1963年にレオ・カステッリ・ギャラリーで展示された後、1966年にテート・ギャラリーに購入され、それ以来（現在はテート・モダンに所蔵されている）同ギャラリーのコレクションに収められている。1968年、ダルムシュタットの実業家カール・シュトレーアーが、リヒテンシュタインの代表作『看護師』（1964年）、『コンポジションI』（1964年）、『私たちはゆっくりと立ち上がった』（1964年）、『黄色と緑の筆遣い』 （1966年）などを購入した。数年間ダルムシュタットのヘッセン州立美術館に貸し出されていた後、フランクフルト近代美術館の初代館長ピーター・イデンが、1981年にシュトレーアー・コレクション^[33]から、主にアメリカのポップアートとミニマルアートの作品計87点^[32]を、1991年まで建設中だった美術館のために購入することができた。 ^[34]

リヒテンシュタインは1964年頃から彫刻の実験を始め、絵画の頑固な平面性とは相反する形状に対する才覚を示した。 『少女の頭』（1964年）と『赤い影のある頭』（1965年）では、陶芸家と協力し、粘土で頭部を彫刻した。その後、釉薬をかけて絵画で使用したのと同じ種類のグラフィックモチーフを作成した。三次元の物体に黒い線とベンデイドットを適用することで、形状が平面化された。^[35]

リヒテンシュタインの最もよく知られた作品のほとんどは、漫画本のコマを比較的忠実にコピーしたものだが、正確にはコピーではない。1965年に漫画本のコマをコピーするという手法は彼がほとんど放棄したが、後の数十年間に漫画を別の方法で作品に取り入れることがあった。これらのコマはもともとジャック・カービーなどの漫画家やDCコミックスのラス・ヒース、トニー・アブルッツォ、アーヴ・ノヴィック、ジェリー・グランデネッティらによって描かれたが、彼らの名前がクレジットされることはほとんどなかった。リヒテンシュタイン財団の事務局長ジャック・カワートは、リヒテンシュタインがコピー作家だったという考えに異議を唱え、「ロイの作品は、他の人が考え出したグラフィックの定式と感情の体系化の驚異である。コマはスケール、色、処理、そして意味合いが変更されている。正確なコピーは存在しない」と述べている。^[36]しかし、リヒテンシュタインが漫画のイメージや芸術作品を使用したことについて批判する者もいる^{[37] 。特に、その使用は芸術界の主流派による漫画に対する見下した見方を是認するものとみなされている。 [37]}漫画家のアート・シュピーゲルマンは「リヒテンシュタインが漫画に与えた影響は、アンディ・ウォーホルがスープに与えた影響と大差ない」とコメントしている。^[37]

リヒテンシュタインの漫画本の拡大されたコマを基にした作品は、芸術としての価値について幅広い議論を巻き起こした。^{[38] [39]}リヒテンシュタイン自身も、「私は名目上はコピーしているが、実際にはコピーしたものを別の言葉で言い換えている。そうすることで、オリジナルはまったく異なる質感を獲得する。それは太い筆遣いや細い筆遣いではなく、点と平坦な色と頑強な線だ」と認めている。 ^[40] エディ・キャンベルはブログで、「リヒテンシュタインは、新聞紙に4色インクで印刷された手のひらよりも小さい小さな絵を取り、それを「芸術」が作られ展示される従来のサイズに拡大し、キャンバスに絵の具で仕上げた」と書いている。^[41]リヒテンシュタインに関して、ビル・グリフィスはかつて「ハイアートとローアートがある。そして、ローアートをハイアートの文脈に持ち込み、流用し、別のものに高めることができるハイアートがある」と述べた。^[42]

リヒテンシュタインの漫画をベースにした作品はある程度受け入れられたが、批評家たちは、リヒテンシュタインはオリジナルのアーティストや著作権者にクレジットを与えず、著作権使用料を支払わず、許可も求めなかったと懸念を表明している。 ^{[43] [44]} 2013年のBBC Fourのドキュメンタリーのインタビューで、アラスター・スークは漫画家のデイブ・ギボンズに、リヒテンシュタインを盗作だと思うかと尋ねた。ギボンズはこう答えた。「私は『模倣者』だと思います。例えば音楽では、どんなに下手でも、オリジナルのアーティストにクレジットを与えて報酬を支払わずに、他人の曲を口笛で吹いたり演奏したりすることはできません。つまり、これは『アーヴ・ノヴィックに倣ったロイ・リヒテンシュタインの『ワム！』』なのです」。^[45]スーク自身は、「リヒテンシュタインはノヴィックのアートワークをいくつかの微妙だが決定的な方法で変形させた」と主張している。^[46]

ジャーナルの創刊者であり、ロンドン市立大学講師、ロンドン大学ユニバーシティ・カレッジ博士のエルネスト・プリエゴ氏は、リヒテンシュタインが漫画作品の原作者をクレジットしなかったのは、 DCコミックスの前身であるナショナル・ペリオディカル・パブリケーションズが作家やアーティストのクレジットを一切省略するという決定を反映したものだと指摘している。

リヒテンシュタインのコミック用語の流用のような例は、コミックを定義する際に出版形式を考慮することの重要性、また特定の種類の歴史的出版物、この場合はアメリカの主流コミックブックが暗示する政治経済を浮き彫りにしている。ナショナル・ペリオディカル・パブリケーションズ（後のDC）は、カニガーとノヴィックの著作クレジットを出版物自体に完全に付与しなかったことで、彼らのアーティストとしての役割を拒否したことにどの程度責任があったのだろうか？^[47]

さらにキャンベルは、漫画家が自分の作品の著作権を明かさないことが多かった時代があったと指摘している。^[41]

1998年に出版された記事の中で、ノヴィックは1947年に軍隊でリヒテンシュタインと出会い、上官としてリヒテンシュタインが自分に割り当てられたつまらない仕事について泣きながら不満を漏らしたため、よりよい仕事に就くよう推薦したと述べている。^[48]ジャン＝ポール・ガビリエはこの記事に疑問を呈し、リヒテンシュタインはノヴィックが事件が起こったと述べる時期の1年前に軍隊を去っていたと述べている。^{[49]バート・ビーティは、リヒテンシュタインが『}ワアム!』や『オーケー・ホットショット、オーケー! 』などの作品でノヴィックを盗用したことを指摘し、ノヴィックの記事は「この有名なアーティストを個人的に貶めようとする試みのように思える」と述べている。^[48]

1966年、リヒテンシュタインは1960年代初頭の高く評価されたイメージから離れ、 60点以上の絵画とそれに伴うドローイングを含むモダン・ペインティング・シリーズを開始した。特徴的なベンデイ・ドットと幾何学的な形と線を使用して、馴染みのある建築構造、アール・デコから借りたパターン、その他の微妙に刺激的で連続的なモチーフから、不調和で挑戦的なイメージを表現した。^{[要出典] 1967年から1968年の}モダン・スカルプチャー・シリーズは、アール・デコ建築のモチーフを参考にしていた。^[50]

1960年代初頭、リヒテンシュタインはセザンヌ、モンドリアン、ピカソの傑作を模写した後、1965年に「ブラッシュストロークス」シリーズに着手した。 ^{[51]彼はその後も、}フィンセント・ファン・ゴッホの「アルルの寝室」をモチーフにした「アルルの寝室」などの作品で、このテーマを再び取り上げた。

1970年、リヒテンシュタインはロサンゼルス郡立美術館（1967年から1971年にかけて展開された同美術館の芸術技術プログラムの一環として）から映画制作の依頼を受けた。ユニバーサル・フィルム・スタジオの協力を得て、リヒテンシュタインは海洋風景を描いた映画『 Three Landscapes』を考案、制作した。これは1964年から1966年にかけて制作した風景をテーマにした一連のコラージュ作品に直接関連している。^[52]リヒテンシュタインは15本の短編映画を制作する予定だったが、ニューヨークを拠点とする独立系映画監督ジョエル・フリードマンと制作した3つのスクリーンを使ったインスタレーションが、リヒテンシュタインにとって唯一の映画制作となった。^[53]

また1970年に、リヒテンシュタインはロングアイランドのサザンプトンにある元馬車置き場を購入し、敷地内にスタジオを建て、1970年代の残りを比較的隠遁した状態で過ごした。^[54] 1970年代と1980年代には、彼のスタイルは緩み始め、以前にやったことの範囲を広げていった。リヒテンシュタインは1969年に鏡の絵画シリーズを始めた。1970年までに、鏡シリーズを続けながら、エンタブラチュアの主題の制作を始めた。エンタブラチュアは1971年から1972年にかけての最初の絵画シリーズ、それに続く1974年から1976年の第2シリーズ、そして1976年のレリーフ版画シリーズから構成されていた。 ^[55]リヒテンシュタインは以前の作品の要素を取り入れた「アーティスト・スタジオ」シリーズを制作した。注目すべき例としては、シーンに他の5つの以前の作品を組み込んだ「アーティストスタジオ、ルックミッキー」（1973年、ウォーカーアートセンター、ミネアポリス）があります。 ^[2]

1978年にロサンゼルスを旅行した際、リヒテンシュタインは弁護士ロバート・リフキントのドイツ表現主義の版画や挿絵入りの本のコレクションに魅了された。彼は表現主義の絵画に見られる様式的要素を借用した作品を制作し始めた。『白い木』（1980年）は叙情的な『青騎士』の風景画を彷彿とさせ、『ヴァルトマン博士』（1980年）はオットー・ディックスの『マイヤーヘルマン博士』（1926年）を思い起こさせる。色鉛筆で描かれた小さな絵は木版画のテンプレートとして使われ、エミール・ノルデやマックス・ペヒシュタイン、ディックスやエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーが好んだ媒体であった。^{[56]また1970年代後半には、リヒテンシュタインのスタイルは『}パウ・ワウ』（1979年、ルートヴィヒ国際芸術フォーラム、アーヘン）などのよりシュールな作品に取って代わられた。 1979年から1981年にかけてのシュルレアリスム・ポップ絵画の主要シリーズは、ネイティブアメリカンをテーマにしている。^{[57] [58]}これらの作品は、流線型のトーテムポールを思わせる黒色青銅製の様式化された等身大の彫刻「アメリカン・フィギュア」（1981年）から、巨大なウールのタペストリー「アメリカン・ランドスケープ」（1979年）まで多岐にわたる。「インディアン」作品は、シュルレアリスムシリーズの他の部分と同様に、現代美術やその他の資料からテーマを採り、その中にはリヒテンシュタインの小さな図書館にあったアメリカインディアンのデザインに関する本も含まれている。^[59]

リヒテンシュタインの静物画、彫刻、デッサン作品は1972年から1980年代初頭にかけて制作され、果物、花、花瓶といった最も伝統的なものを含む様々なモチーフやテーマを扱っている。^[60] 1983年にリヒテンシュタインは、シンプルに「アパルトヘイト反対」と題された2枚の反アパルトヘイトポスターを制作した。 ^{[61] [62] 1988年から1990年にかけて制作された}「リフレクション」シリーズでは、リヒテンシュタインは以前の作品のモチーフを再利用した。^[63] 「インテリア」 （1991年 - 1992年）は、電話帳や看板で見つけた家具の広告に触発された、ありふれた家庭環境を描いた作品シリーズである。^[64] 1994年にニューヨークのメトロポリタン美術館で開催された展覧会で展示されたエドガー・ドガのモノクローム版画からインスピレーションを得た彼の「中国風の風景」シリーズのモチーフは、ベンデイドットを模した模様とブロックの輪郭で形成され、硬く鮮やかな色で表現され、手の痕跡はすべて取り除かれています。^[65]ヌードは、1990年代のリヒテンシュタインの作品に繰り返し登場する要素であり、例えば「ヌードと赤いシャツのコラージュ」（1995年）に見られます。

リヒテンシュタインは絵画や彫刻に加えて、主にスクリーン印刷で300点以上の版画も制作しました。^[66]

1969年、リヒテンシュタインはグンター・ザックスの依頼を受け、サンモリッツのパレスホテルにあるコレクターのポップアートの寝室スイート用に『コンポジション』と『レダと白鳥』を制作した。1970年代後半から1980年代にかけて、リヒテンシュタインは公共の場での作品の主要な依頼を受けた。ジョージア州セントメアリーズの彫刻『ランプ』 （1978年） 、マイアミビーチの『人魚』（1979年）、ジョン・グレン・コロンバス国際空港にある高さ26フィートの『飛翔するブラッシュストローク』（1984年、1998年に移動）、ニューヨークのエクイティブルセンターにある高さ5階建ての壁画『青いブラッシュストローク』（1984年 - 1985年） 、バルセロナの『エル・キャプ・デ・バルセロナ』（1992年）などである。^{[50] 1994年、リヒテンシュタインは}タイムズスクエア地下鉄駅に長さ53フィートの金属にエナメルを塗ったタイムズスクエア壁画を制作した。^{[67] 1977年、彼は}BMWからBMWアートカープロジェクトの第3弾としてBMW 320iのグループ5レーシングバージョンを描くよう依頼された。ドリームワークスレコードのロゴは彼が最後に完成させたプロジェクトだった。^[2]「私はそのようなこと（企業ロゴ）を仕事にしているわけではないし、またやるつもりもない」とリヒテンシュタインは認める。「しかし、モー・オスティンとデヴィッド・ゲフィンを知っているし、面白そうだと思ったんだ。」^[68]

• 1977年メイン州スコウヒガンのスコウヒガン学校にて絵画部門スコウヒガンメダル受賞。
• 1979年、アメリカ芸術文学アカデミー（ニューヨーク）。
• 1989年アメリカン・アカデミー・イン・ローマ（イタリア、ローマ）。アーティスト・イン・レジデンス。
• 1991年、マサチューセッツ州ウォルサムのブランダイス大学で絵画の創造芸術賞受賞。
• 1993年、ラルカルデ・バルセロナのパスクァル・マラガル市長からアミシ・デ・バルセロナに就任。
• 1995年京都賞、稲盛財団、京都、日本。
• 1995年 国家芸術賞、ワシントンDC

リヒテンシュタインは、ジョージ・ワシントン大学（1996年）、バード大学、王立芸術大学（1993年）、オハイオ州立大学（1987年）、サウサンプトン大学（1980年）、カリフォルニア芸術大学（1977年）などから数多くの名誉博士号を授与されている。また、ブルックリン音楽アカデミーの理事も務めた。^[54]

2023年には、リヒテンシュタインの絵画5点がUSPS フォーエバー切手に採用される予定である。「Standing Explosion (Red)」、「Modern Painting I」、「Still Life with Crystal Bowl」、「Still Life with Goldfish」、「Portrait of a Woman」である。デリー・ノイズがこの切手シリーズのアートディレクター兼デザイナーを務めた。^[69]

1949年、リヒテンシュタインはオハイオ州の芸術家マイケル・サリスキーと結婚していたイザベル・ウィルソンと結婚した。^{[70]しかし、1958年に}ニューヨーク州立大学オスウィーゴ校で教鞭をとり始めてから、ニューヨーク州北部の厳しい冬がリヒテンシュタインと妻に大きな負担をかけるようになった。 ^[71]夫婦は1963年にニュージャージー州ハイランドパークの自宅を売却し、 ^[72] 1965年に離婚した。

リヒテンシュタインは1968年に2番目の妻ドロシー・ヘルツカ（1939年 - 2024年）と結婚した。 ^[73] 1960年代後半、彼らはニューヨーク州サウサンプトンでラリー・リバーズが自宅の角を曲がったところに購入した家を借りた。^[74] 3年後、彼らはジン・レーンの海に面した1910年築の馬車小屋を購入した。^[74] 1970年から亡くなるまで、リヒテンシュタインはマンハッタンとサウサンプトンを行き来していた。^[75]彼はキャプティバ島にも家を持っていた。^[76]

1991年、リヒテンシュタインは歌手のエリカ・ウェクスラーと不倫関係になり、彼女は1994年の「ヌード・ウィズ・ビーチボール」を含む彼のヌード・シリーズのミューズとなった。彼女は22歳で、彼は68歳だった。^{[77]この不倫は1994年まで続き、ウェクスラーが将来の夫となる}XTCのアンディ・パートリッジとイギリスに行った時に終わった。ウェクスラーによると、リヒテンシュタインと妻ドロシーは理解し合っており、結婚生活に加えて2人とも恋人がいたという。

1997年9月29日、リヒテンシュタインは数週間入院していたニューヨーク大学医療センターで肺炎^{[20]のため73歳で亡くなった[10]。}リヒテンシュタインには2番目の妻ドロシー・ヘルツカ[ ^78]と最初の結婚で生まれた 息子のデイビッドとミッチェルが残された。

ポップアートは21世紀にも影響を与え続けている。コレクションからのポップアートには、アンディ・ウォーホルとロイ・リキテンスタインのスクリーンプリントの幅広いセレクションのほか、1960年代と1970年代のポップアート運動の主要人物として知られるウォーホルのポラロイド写真の品揃えが特集されている。ウォーホルとリキテンスタインは、美術、広告、消費主義の関係を探求したことで有名である。リキテンスタインとアンディ・ウォーホルは、 U2の1997年、1998年のポップマートツアーや、2007年の英国国立ポートレートギャラリーでの展覧会で使用された。^[79]

2001年9月11日の世界貿易センター攻撃で失われた多くの芸術作品の中で、リヒテンシュタインの「エンタブラチュアシリーズ」の絵画がその後の火災で破壊されました。^[80]

1964年、リヒテンシュタインはロンドンのテート・ギャラリーで「'54-'64: 10年間の絵画と彫刻」展を開催し、アメリカ人として初めて作品を展示した。1967年、カリフォルニア州のパサデナ美術館で初の回顧展が開催された。同年、アムステルダム、ロンドン、ベルン、ハノーバーの各美術館でヨーロッパ初の個展が開催された。^{[70]その後、リヒテンシュタインは}ドクメンタIV (1968年) とVI (1977年)に参加した。1969年、ダイアン・ウォルドマン主催のグッゲンハイム美術館で初の回顧展が開催された。グッゲンハイム美術館は1994年に2度目のリヒテンシュタイン回顧展を開催した。^[55]リヒテンシュタインは1987年3月から6月にかけてニューヨーク近代美術館で個展を開催した初の存命アーティストとなった。^[81]近年の回顧展としては、2003年、デンマークのルイジアナ近代美術館で開催された「All About Art」（ロンドンのヘイワードギャラリー、マドリードのソフィア王妃芸術センター^[82]、サンフランシスコ近代美術館を2005年まで巡回）、「Classic of the New」（ブレゲンツ美術館、2005年）、「Roy Lichtenstein: Meditations on Art」（ミラノのトリエンナーレ美術館、2010年、ケルンのルートヴィヒ美術館を巡回）などがある。2010年後半にはモルガン・ライブラリー＆ミュージアムで「Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961–1968 」が展示された。^{[83] 2012年5月には}シカゴ美術館でもう一つの大回顧展が開催され、その後ワシントンのナショナル・ギャラリー、^{[84]ロンドンの} テート・モダン、2013年にはパリのポンピドゥー・センターを巡回した。 ^[85] 2013年：ロイ・リキテンスタイン、オリヴィア・ファイン・アート。 2014年：ロイ・リキテンスタイン：インティメイト・スカルプチャーズ、フラッグ・アート財団。 ロイ・リキテンスタイン：オペラ・プリマ、トリノ市立近代現代美術館。^[86] 2018年：テート・リバプール（マージーサイド、イギリス）での展覧会。

1996年、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーは、リヒテンシュタインが154点の版画と2冊の本を寄贈したことで、この芸術家の作品を所蔵する最大の美術館となった。シカゴ美術館は、パーマネントコレクションとして、Brushstroke with Spatter（1966年）やMirror No. 3（Six Panels）（1971年）など、リヒテンシュタインの重要な作品をいくつか所蔵している。リヒテンシュタインの未亡人ドロシー・リヒテンシュタインとロイ・リヒテンシュタイン財団の個人所蔵品は数百点に上る。^[87]ヨーロッパでは、ケルンのルートヴィヒ美術館が、 Takka Takka（1962年）やNurse（1964年）やCompositions I （1964年）など、最も包括的なリヒテンシュタインのコレクションを所蔵しているほか、フランクフルト近代美術館にはWe rose up slowly（1964年）とYellow and Green Brushstrokes（1966年）がある。アメリカとヨーロッパ以外では、オーストラリア国立美術館のケネス・タイラー・コレクションがリヒテンシュタインの版画を300点以上所蔵しており、流通している作品は合計で約4,500点あると考えられている。^[2]

1997年に芸術家が亡くなった後、1999年にロイ・リキテンスタイン財団が設立されました。2011年に財団の理事会は、鑑定のメリットよりも長期にわたる訴訟のリスクの方が大きいと判断しました。^[88]

2006年後半、財団は、レオ・カステッリ・ギャラリーから美術修復家ダニエル・ゴールドレイアーに送られて以来、1970年に行方不明になっていた絵画「エレクトリック・コード（1961年）」の写真を掲載したホリデーカードを発送した。カードには、この作品の所在に関する情報があれば報告するよう呼びかけられていた。^[89] 2012年、財団はニューヨーク市の倉庫でこの作品が発見された際に、その真贋を認定した。^[90]

2006年に写真家ハリー・シャンクが死去した後、2008年から2012年にかけて^[91]、リヒテンシュタイン財団はシャンクと彼のヤノシュ・ケンダーが撮影した写真資料のコレクションと写真家の著作権を取得しました。^[92] 2013年に財団はシャンクとケンダーのコレクションをロサンゼルスのゲッティ研究所、ニューヨーク近代美術館、ワシントンのナショナル・ギャラリー、パリのポンピドゥー・センター、ロンドンのテート美術館の5つの機関に寄贈し、各美術館は他の美術館の共有部分にアクセスできるようになりました。^[92]

1950年代以降、リヒテンシュタインの作品はニューヨークやその他の場所で展示されてきた。レオ・カステリのギャラリーやカステリ・グラフィックス、イリアナ・ゾンナベンドのギャラリー、パリ、フェラス・ギャラリー、ペース・ギャラリー、ガゴシアン・ギャラリー、ミッチェル・イネス＆ナッシュ、メアリー・ブーン、ブルック・アレクサンダー・ギャラリー、カールバッハ、ローザ・エスマン、マリリン・パール、ジェームズ・グッドマン、ジョン・ヘラー、ブルーム・ヘルマン、ヒルシュル＆アドラー、フィリス・カインド、ゲトラー・ポール、コンドン・ライリー、65トンプソン・ストリート、ホリー・ソロモン、スペローネ・ウェストウォーター・ギャラリーなど。レオ・カステリ・ギャラリーは1962年^[10]にリヒテンシュタインの個展が開場前に完売して以来、リヒテンシュタインの専属代理店となっている。^[93]

1962年以降、ニューヨークのレオ・カステッリ・ギャラリーでは定期的にリヒテンシュタインの作品展が開催された。^[94] ガゴシアン・ギャラリーでは1996年からリヒテンシュタインの作品を展示している。^[95]

ビッグ・ペインティングNo.6（1965年）は、1970年にリヒテンシュタインの作品の中で最高値のついた作品となった。 ^[96]ブラッシュストロークシリーズ全体と同様に、この絵画の主題は、ブラシストロークと滴による抽象表現主義の絵画の過程であるが、ベンデイ・ドットの背景を使用したリヒテンシュタインの単純化の結果は、機械的/工業的なカラー印刷の複製の表現である。 ^[97]

リヒテンシュタインの絵画「トルペード…ロス！」（1963年）は1989年にクリスティーズで当時の最高額である550万ドルで落札され、彼はそのような巨額の金額を集めたわずか3人の存命の芸術家のうちの1人となった。^[70] 2005年には「イン・ザ・カー」が当時の最高額である1620万ドル（1000万ポンド）で落札された。

2010年、リヒテンシュタインの1964年の漫画風の絵画「Ohhh...Alright...」は、以前はスティーブ・マーティンが所有し、後にスティーブ・ウィンが所有していたが、^[98]ニューヨークのクリスティーズで記録的な4260万ドル（2670万ポンド）で落札された。^{[99] [100]}

1961年にウィリアム・オーバーガードがスティーブ・ローパーの漫画ストーリーのために描いた絵を基にした^[101]リヒテンシュタインの「部屋全体が見える…そして誰もいない！」（1961年）は、ドアの穴から部屋を覗く男性を描いている。この作品は、コレクターのコートニー・セール・ロスによって2011年にニューヨークのクリスティーズで予想価格の2倍の4300万ドルで落札された。出品者の夫であるスティーブ・ロスは、 1988年にオークションでこの作品を210万ドルで入手していた。^[102]この絵は縦4フィート、横4フィートの大きさで、グラファイトと油彩で描かれている。^[103]

ベアトリスとフィリップ・ガーシュのコレクションにある漫画画『眠れる少女』 （1964年）は、2012年にサザビーズでリヒテンシュタインの新たな記録となる4480万ドルを樹立した。 ^{[104] [105]}

2012年10月、リヒテンシュタインの絵画「エレクトリック・コード」（1962年）が、42年間行方不明だったレオ・カステリの未亡人バーバラ・ベルトッツィ・カステリに返還された。カステリは1970年1月にこの絵画をクリーニングのために美術修復家に送ったが、返還されることはなかった。彼は1999年に亡くなった。2006年、ロイ・リヒテンシュタイン財団はホリデーグリーティングカードにこの絵画の画像を掲載し、美術界に捜索の協力を求めた。^[106]この絵画は、コロンビアのボゴタで展示された後、ニューヨークの倉庫で発見された。^[107]

2013年には、絵画「花の帽子をかぶった女性」がイギリスの宝石商ローレンス・グラフによってアメリカの投資家ロナルド・O・ペレルマンから購入され、5610万ドルという新たな記録を樹立した。^[108]

この記録は2015年にクリスティーズのオークションで『ナース』が9540万ドルで落札されたことで更新された。 ^[109]

2017年1月、マスターピースは1億6500万ドルで売却されました。この売却益は刑事司法改革のための基金の設立に使用されます。^[7]

• Iden、Peter、Lauter、Rolf、Bilder für Frankfurt、Bestandskatalog Museum für Moderne Kunst、フランクフルト・アム・マイン、1985 年、表紙画像、82 ～ 83、176 ～ 178 ページ。ISBN 978-3-7913-0702-2。 
• ロイ・リキテンスタイン、クリス・ハントとのインタビュー、 イメージ・エンターテインメント・ビデオ、1991年
• ロイ・リキテンスタインとメルヴィン・ブラッグのインタビュービデオ
• アデルマン、ボブ (1999)。ロイ・リキテンスタインの ABC。ボストン: ブルフィンチ・プレス。ISBN 978-0-8212-2591-2。
• ウォルドマン、ダイアン（1988）[初版1970年]。ロイ・リキテンスタイン：ドローイングと版画。ニュージャージー州セコーカス：ウェルフリート・ブックス。ISBN 978-1-55521-301-5。

Wikiquote にロイ・リキテンスタインに関する引用があります。

ウィキメディア・コモンズには、ロイ・リキテンスタインに関連するメディアがあります。

外部ビデオ
リヒテンシュタインのルーアン大聖堂セット V、(3:10) Smarthistory
ロイ・リキテンスタイン：回顧展（5:50）、国立美術館
TateShots: ロイ・リキテンスタイン、(3:31)テート・ギャラリー
ドロシー・リキテンスタインによるロイ・リキテンスタインの回顧展YouTube（1:16）、シカゴ美術館

• ロイ・リキテンスタイン財団
• 近代美術館のロイ・リキテンスタイン

伝記

• ロイ・リキテンスタインのタイムライン 2016年3月14日アーカイブ、Wayback Machine
• ロイ・リキテンスタイン –ニューヨーク・タイムズによるスライドショー
• ネイルアートとロイ・リキテンスタインの相性 – Forbesの記事
• ロイ・リキテンスタイン：ポップアートの最も人気がある。彼の気まぐれな絵画はかつて「新しい衝撃」を呼び起こしたが、今ではオークションで記録的な価格を呼んでいる。

作品

• MTA Arts for Transit の委託により、タイムズ スクエア 42 番街に作られたロイ リキテンスタインのパブリック アート作品。
• オーストラリア国立美術館のケネス・タイラー・コレクションにあるロイ・リキテンスタイン

他の

• ロイ・リキテンスタインの解体（リキテンスタインの漫画本の絵画の出典）