モダニズム

モダニズムは、産業革命の影響とブルジョワ的価値観に対するロマン主義の反抗から発展した。文学研究者のジェラルド・グラフは、「モダニズムの根本的な動機は、19世紀のブルジョワ社会秩序とその世界観に対する批判であり、モダニストたちはロマン主義のたいまつを受け継いだ」と主張している。^{[ d ] [ 45 ] [ 46 ]}

19世紀を代表する風景画家の一人であるJMWターナー（1775-1851）はロマン主義運動の一員でしたが、光、色彩、雰囲気の研究における彼の先駆的な業績は、「表現の慣習的な形式を打ち破る」ことで「フランス印象派」、ひいてはモダニズムを先取りしました。しかし、彼らとは異なり、ターナーは自身の作品が常に重要な歴史的、神話的、文学的、あるいはその他の物語的テーマを表現すべきだと考えていました。^{[ 47 ]} しかし、モダニストたちは、芸術が現実の本質への窓となるというロマン主義者の考えを批判しました。彼らは、鑑賞者一人ひとりが自身の主観的な視点を通して芸術を解釈するため、芸術はロマン主義者たちが求めた究極の形而上学的真理を伝えることは決してできないと主張しました。とはいえ、モダニストたちは世界を理解する手段としての芸術の考え方を完全に否定したわけではありません。彼らにとって芸術は、より高次の現実に直接アクセスする手段ではなく、鑑賞者の視点に挑戦し、混乱させるための道具でした。^{[ 48 ]}

産業革命（1760年頃～1840年）の文脈では、影響力のある革新には蒸気機関による工業化、特に1830年代にイギリスで始まった鉄道の開発^{[ 49 ]}、そしてそれがもたらした物理学、工学、建築の進歩が含まれます。19世紀の主要な工学的成果は、1851年にロンドンで開催された万国博覧会のために建設された巨大な鋳鉄と板ガラスの展示ホールであるクリスタル・パレスです^{[ 50 ]}。ガラスと鉄は、キングス・クロス駅（1852年）^{[ 51 ]}やパディントン駅（1854年） ^{[ 52 ]}など、市内の主要な鉄道ターミナルの建設にも同様の記念碑的なスタイルで使用 されました。これらの技術的進歩は海外にも広がり、ブルックリン橋（1883年）^{[ 53 ]}やエッフェル塔（1889年）などの後の建造物につながり、後者は人工物の高さに関するそれまでのあらゆる制限を打ち破りました。^{[ 54 ]}こうした工学的偉業は19世紀の都市環境と人々の日常生活を根本的に変えたが、1837年の電信機の開発^{[ 55 ]} 、そして1845年からイギリスの鉄道会社が「標準時」を採用したことで、時間そのものに対する人間の認識も変化した。この概念はその後50年間で世界中に広まった^{[ 56 ] 。}

19世紀には、技術の進歩が続いているにもかかわらず、歴史や文明は本質的に進歩的であり、そのような進歩は常に良いものであるという考え方がますます攻撃にさらされるようになった。芸術家の価値観と社会の価値観は単に異なるだけでなく、実際にはしばしば対立しており、社会の現在の価値観はさらなる進歩に反するものであるため、文明は現在の形では前進できないという議論が起こった。世紀初頭、哲学者ショーペンハウアー（1788-1860）（『意志と表象としての世界』、1819/20）は、それまでの楽観主義に疑問を投げかけた。^{[ 57 ]}彼の思想は、フリードリヒ・ニーチェ（1844-1900）を含む後の思想家に重要な影響を与えた。 ^{[ 58 ]}同様に、セーレン・キルケゴール（1813–1855）^{[ 58 ]}とニーチェ^{[ 59 ] : 120}は、後に現実を純粋に客観的なレンズを通して理解できるという考えを否定し、この否定は実存主義とニヒリズムの発展に大きな影響を与えた。

1850 年頃、ラファエル前派兄弟団(イギリスの詩人、画家、美術評論家の一団) は、「インスピレーションのない技術的スキルに反対する」という形で、産業革命期のヴィクトリア朝イギリスの支配的な傾向に挑戦し始めた。 ^{[ 60 ] : 815}彼らは、急速に拡大するイギリスの工業都市の都市労働者階級の生活を改善する上で芸術が果たす役割について強い信念を持っていた美術評論家ジョン・ラスキン(1819–1900) の著作に影響を受けていた。^{[ 60 ] : 816}美術評論家のクレメント・グリーンバーグは、ラファエル前派をプロト・モダニストと評した。「プロト・モダニストは、他ならぬラファエル前派（そしてさらにその前には、プロト・プロト・モダニストとしてドイツのナザレ派）であった。ラファエル前派はマネ（1832-1883）を予見しており、マネこそがモダニズム絵画の始まりである。彼らは当時の絵画の実践に不満を抱き、その写実主義は真実味に欠けると考えていた。」^{[ 61 ]}

19世紀半ばの最も重要な思想家は、生物学者のチャールズ・ダーウィン（1809～1882年）と政治学者のカール・マルクス（1818～1883年）の2人である。ダーウィンは『種の起源』 （1859年）の著者であり、マルクスは『資本論』（1867年）の著者である。異なる分野出身であるにもかかわらず、彼らの理論はどちらも既存の秩序を脅かした。ダーウィンの自然選択による進化論は、宗教的確信と人間の独自性という考え方を揺るがした。特に、人間が「下等動物」と同じ衝動に駆られているという考えは、高尚な精神性という考え方と調和させるのが難しいことがわかった。^{[ 62 ]}一方、資本主義システムには根本的な矛盾があり、労働者は決して自由ではないというマルクスの主張は、マルクス主義理論の形成につながった。^{[ 63 ]}

アフリカ美術はモダニズム美術に重要な影響を与え、モダニズム美術はアフリカ美術の抽象的な描写への関心に触発された。^{[ 64 ] [ 65 ]}

美術史家は、モダニズムの始まりとしてさまざまな年代を提案してきた。歴史家のウィリアム・エヴァーデルは、モダニズムは1870年代に始まったと主張した。この時期には、数学者リヒャルト・デデキント（ 1831–1916）のデデキントカットとルートヴィヒ・ボルツマン（1844–1906）の統計熱力学によって、比喩的（または存在論的）連続性が離散的なものに取って代わられ始めた。^{[ 15 ]}エヴァーデルはまた、絵画におけるモダニズムは、1885～1886年にポスト印象派の画家ジョルジュ・スーラが『グランド・ジャット島の日曜日の午後』を描く際に使用した「点」である分割主義を発展させたことから始まったと信じていた。一方、美術評論家のクレメント・グリーンバーグは、ドイツの哲学者イマヌエル・カント（1724-1804）を「最初の真のモダニスト」と呼んだが^{[ 67 ]}、「モダニズムと安全に呼べるものは、前世紀半ばに、フランスという比較的ローカルな地域で出現した。文学ではシャルル・ボードレール（1821-1867） 、絵画ではマネ、そしておそらく散文小説ではギュスターヴ・フローベール（1821-1880）もその一人である。（音楽や建築にモダニズムが現れたのは、それからしばらく経ってからで、しかもそれほどローカルではなかった）」とも書いている。^{[ 61 ]}詩人ボードレールの『悪の華』と作家フローベールの『ボヴァリー夫人』はどちらも1857年に出版された。ボードレールのエッセイ「現代生活の画家」（1863年）は、若い芸術家たちが伝統から脱却し、芸術で自分たちの世界を描写する新しい方法を革新するよう促した。

1860年代から、フランスでは芸術と文学において2つのアプローチが別々に発展した。1つ目は印象派で、当初はスタジオではなく屋外（アン・プレイン・エア）での制作に重点を置いた絵画の流派である。^{[ 68 ]}印象派の絵画は、人間は物体を見るのではなく、光そのものを見るということを伝えようとした。この流派は、主要な実践者の間で内部分裂があったにもかかわらず支持者を集め、影響力を増していった。当初は当時最も重要な商業展覧会である政府主催のパリ・サロンから拒否された印象派は、1870年代と1880年代に商業会場で毎年グループ展を開催し、公式サロンと同時期に開催した。1863年には、ナポレオン3世皇帝によって設立された落選展が、パリ・サロンで拒否されたすべての絵画を展示した。ほとんどが標準的なスタイルで、劣った画家によるものであったが、マネの作品は注目を集め、この運動に商業的な扉を開いた。 第二のフランスの流派は象徴主義であり、文学史家はこれをシャルル・ボードレールから始まり、後の詩人アルチュール・ランボー（1854-1891）の『地獄の季節』（1873年）、ポール・ヴェルレーヌ（1844-1896）、ステファヌ・マラルメ（1842-1898）、ポール・ヴァレリー（1871-1945）を含むものと見なしている。 象徴主義者たちは「直接的な描写や明示的な類推よりも、暗示や喚起を優先することを強調」し、特に「言語の音楽的特性」に関心を持っていた。^{[ 69 ]}

映画の直接の前身を含む、モダニズムの多くの芸術を生み出したキャバレーは、1881年にフランスでモンマルトルに「不整合芸術協会」と「黒猫亭」が開設されたことから始まったと言えるだろう。^{[ 70 ]}

ジークムント・フロイト（1856-1939）、クラフト＝エビング、その他の性科学者の理論は、近代主義初期に大きな影響を与えた。フロイトの最初の主要な著作は『ヒステリー研究』（ヨーゼフ・ブロイアーとの共著、1895年）である。フロイトの思想の中心は「精神生活における無意識の優位性」という考え方であり、すべての主観的現実は、外界が知覚される基本的な衝動と本能の相互作用に基づいているとされた。フロイトによる主観的状態の記述は、原始的な衝動に満ちた無意識と、社会的価値観から派生した自己に課せられた制約とのバランスをとっている。^{[ 60 ]： 538}

フリードリヒ・ニーチェ（1844–1900）の著作は、モダニズムのもう一つの主要な先駆者であり、 ^{[ 72 ]}心理的衝動、特に「権力への意志」（Wille zur macht ）が中心的な重要性を持つ哲学であった。「ニーチェはしばしば人生そのものを『権力への意志』、つまり成長と持続性への本能と同一視した。」^{[ 73 ] [ 74 ]} 一方、アンリ・ベルクソン（1859–1941）は、科学的な時計の時間と、直接的で主観的な人間の時間の経験との違いを強調した。 ^{[ 59 ] : 131}彼の時間と意識に関する研究は、「20世紀の小説家」、特にドロシー・リチャードソン、ジェイムズ・ジョイス、ヴァージニア・ウルフ（1882–1941）など、 「意識の流れ」の手法を用いたモダニストに大きな影響を与えた。^{[ 75 ]}ベルクソンの哲学において重要だったのは、生命力（élan vital ）という概念であり、これは「あらゆるものの創造的な進化をもたらす」ものである。 ^{[ 59 ]： 132}また、彼の哲学は直観を高く評価したが、知性の重要性を否定したわけではない。^{[ 59 ]： 132}

モダニズムの重要な文学的先駆者には、小説『罪と罰』（1866年）や『カラマーゾフの兄弟』（1880年）などの名作を残したフョードル・ドストエフスキー（1821年～1881年） ^{[ 76 ]}、詩集『草の葉』 （1855年～1891年）を出版したウォルト・ホイットマン（1819年～1892年） 、そして特に後期の戯曲三部作『ダマスカスへ』（1898年～1901年）、 『夢の劇』（1902年） 、 『幽霊ソナタ』 （1907年）などを残したオーガスト・ストリンドベリ（ 1849年～1912年）といった著名な作家が含まれる。ヘンリー・ジェイムズもまた、 『ある婦人の肖像』（1881年）のような初期の作品でモダニズムの重要な先駆者として挙げられている^{[ 77 ]}。

ロマン主義から派生した理想と、未知なるものを知識によって説明しようとする試みが衝突した結果、20世紀初頭の10年間にモダニズム作品の第一波が生まれた。作者自身はこれらの作品を既存の芸術潮流の延長線上にあるものと考えていたが、これらの作品は、芸術家はブルジョワ文化や思想の解釈者であり代表者であるという、一般大衆が抱いていた暗黙の芸術観を打ち破った。これらの「モダニズム」の象徴的な出来事には、1908年のアルノルト・シェーンベルクの弦楽四重奏曲第2番の無調的な終結、1903年に始まったワシリー・カンディンスキーの表現主義絵画（1911年に最初の抽象絵画とミュンヘンでの青騎士グループの結成で頂点に達した）、そして1900年から1910年の間にアンリ・マティス、パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラックらのスタジオから生まれたフォーヴィスムの台頭とキュビスムの発明などが挙げられる。

モダニズムの重要な側面の一つは、反復、組み込み、書き換え、要約、改訂、パロディといった技法を新たな形で採用することで、伝統といかに結びついているかという点である。^{[ a ] [ b ]}

T・S・エリオットは、芸術家と伝統の関係について、以下のような重要な発言を残している。

詩人の作品の中で最も優れた部分だけでなく、最も個性的な部分も、亡くなった詩人、つまり彼の先祖たちが自らの不滅性を最も力強く主張している部分であることが多いことに気づくだろう。^{[ 79 ]}

しかし、文学研究者のピーター・チャイルドが指摘するように、近代主義と伝統の関係は複雑だった。「革命的立場と反動的立場への逆説的、あるいは対立する傾向、新しいものへの恐怖と古いものの消滅への喜び、ニヒリズムと狂信的な熱狂、創造性と絶望」^{[ 8 ]}

モダニズム芸術が古い伝統を適用しつつ新しい技法を取り入れる方法の一例は、作曲家アルノルト・シェーンベルクの音楽に見出すことができる。一方では、彼は伝統的な調性和声、つまり少なくとも1世紀半にわたって音楽作曲を導いてきた音楽作品を構成する階層的なシステムを否定した。シェーンベルクは、12音列の使用に基づく全く新しい音の構成方法を発見したと信じていた。しかし、これは確かに全く新しい技法ではあったが、その起源はフランツ・リスト^{[ 80 ]} 、リヒャルト・ワーグナー、グスタフ・マーラー、リヒャルト・シュトラウス、マックス・レーガー^{[ 81 ] [ 82 ]}などの初期の作曲家の作品に遡ることができる。

美術の世界では、20世紀最初の10年間、パブロ・ピカソやアンリ・マティスといった若い画家たちが、絵画を構成する手段としての伝統的な遠近法を拒否したことで大きな論争を巻き起こし、大きな批判を浴びた^{[ 83 ] [ 84 ]。}印象派のクロード・モネはすでに遠近法の使用において革新的であったが^{[ 85 ]} 。 1907年、ピカソが『アヴィニョンの娘たち』を描いていた頃、オスカー・ココシュカは最初の表現主義劇『女の殺人者、女の希望』（1909年にスキャンダルを伴って上演）を執筆し、アルノルト・シェーンベルクは調の中心を持たない最初の作品である弦楽四重奏曲第2番嬰ヘ短調（1908年）を作曲していた。

キュビスムにつながる主な影響の一つは、 1907年のサロン・ドートンヌで回顧展に展示されたポール・セザンヌの後期作品における三次元形態の表現であった。^{[ 86 ]}キュビスムの作品では、対象物は分析され、分解され、抽象的な形で再構成される。対象物を一つの視点から描く代わりに、画家は対象物を複数の視点から描き、より大きな文脈の中で対象物を表現する。^{[ 87 ]}キュビスムが一般大衆の注目を集めたのは、1911年のパリのアンデパンダン展（4月21日～6月13日開催）が初めてであった。ジャン・メッツィンガー、アルベール・グレーズ、アンリ・ル・フォーコニエ、ロベール・ドローネー、フェルナン・レジェ、ロジェ・ド・ラ・フレネーは41号室で一緒に展示され、キュビスムが生まれ、パリ中やその周辺に広がるきっかけとなった「スキャンダル」を引き起こした。また、1911年にはカンディンスキーが『円のある絵』を描き、後にこれを最初の抽象絵画と呼んだ。^{[ 88 ]： 167} 1912年、メッツィンガーとグレーズは、当時最大のキュビスム展であるサロン・ド・ラ・セクション・ドールに合わせて、最初で唯一の主要なキュビスム宣言『Du "Cubisme"』を執筆した。1912年、メッツィンガーは魅惑的な『馬に乗った女』と『カフェの踊り子』を描き、展示した。アルベール・グレイズは『水浴する女たち』と記念碑的な『収穫の脱穀』を描き、展示した。この作品は、ロベール・ドローネーの『パリの街』と並んで、戦前のキュビスム時代に制作された最大かつ最も野心的なキュビスム絵画であった。^{[ 89 ]} 

1905年、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー率いる4人のドイツ人芸術家がドレスデンで「ディ・ブリュッケ（橋）」を結成した。^{[ 90 ]}これはドイツ表現主義運動の創設組織と言えるが、彼らはその言葉自体は使わなかった。数年後の1911年、同じ考えを持つ若い芸術家たちがミュンヘンで「青騎士（デア・ブラウエ・ライター）」を結成した。 ^{[ 91 ]}この名前は、ワシリー・カンディンスキーの1903年の絵画「青騎士」に由来する。メンバーにはカンディンスキー、フランツ・マルク、パウル・クレー、アウグスト・マッケなどがいた。しかし、「表現主義」という用語は1913年まで確固たるものとはならなかった。^{[ 88 ] ： 274当初は主にドイツ}の芸術運動であり、 1910年から1930年の間は絵画、詩、演劇で最も優勢であった^が、この運動の先駆者のほとんどはドイツ人ではなかった。さらに、散文小説の表現主義作家や、ドイツ語を話さない表現主義作家も存在し、1930年代にアドルフ・ヒトラーの台頭とともにドイツでこの運動が衰退したが、その後も表現主義作品は存在した。

表現主義は定義するのが非常に難しいことで知られているが、その理由の一つは、それが「未来派、ヴォーティシズム、キュビスム、シュルレアリスム、ダダといった近代主義時代の他の主要な『イズム』と重なり合っていた」からである。^{[ 93 ]}リチャード・マーフィーも次のように述べている。「包括的な定義を求めることは、小説家のフランツ・カフカ、詩人のゴットフリート・ベン、小説家のアルフレート・デーブリンといった最も挑戦的な表現主義者たちが同時に最も声高な反表現主義者であったという点で問題がある。」^{[ 94 ] : 43}しかし、表現主義は20世紀初頭に主にドイツで、工業化と都市の成長による非人間化の影響への反動として発展した運動であり、「表現主義が前衛運動として自らを認識し、伝統や文化制度全体から距離を置く中心的な手段の一つは、リアリズムや表現の支配的な慣習との関係にある」と言える。^{[ 94 ] : 43}より明確に言えば、表現主義者たちはリアリズムのイデオロギーを拒否した。^{[ 94 ] : 43–48 [ 95 ]} 20世紀初頭のドイツ演劇には集中した表現主義運動があり、その中でもゲオルク・カイザーとエルンスト・トーラーが最も有名な劇作家であった。その他の著名な表現主義劇作家には、ラインハルト・ゾルゲ、ヴァルター・ハーゼンクレーヴァー、ハンス・ヘニー・ヤーン、アルノルト・ブロンネンなどがいる。彼らは、自分たちの劇作実験の先駆者として、スウェーデンの劇作家アウグスト・ストリンドベリとドイツの俳優兼劇作家フランク・ヴェーデキントに目を向けた。オスカー・ココシュカの『殺人者、女たちの希望』は、劇場で上演された最初の完全な表現主義作品であり、1909年7月4日にウィーンで初演された。^{[ 96 ]}登場人物を神話的な類型に極端に単純化すること、合唱効果、朗読的な対話、高揚した緊張感は、後の表現主義劇の特徴となる。最初の長編表現主義劇は、1914年に出版され、1916年に初演されたウォルター・ハーゼンクレーバーの『息子』である。 ^{[ 97 ]}

未来派はもう一つのモダニズム運動である。^{[ 98 ]} 1909年、パリの新聞ル・フィガロはFTマリネッティの最初のマニフェストを掲載した。その後まもなく、画家グループ（ジャコモ・バッラ、ウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カッラ、ルイージ・ルッソロ、ジーノ・セヴェリーニ）が未来派宣言に連名で署名した。マルクスとエンゲルスの有名な「共産党宣言」（1848年）をモデルにしたこれらのマニフェストは、人々を刺激し、支持者を集めることを目的としたアイデアを提示した。しかし、幾何学的または純粋に抽象的な絵画を支持する議論は、当時、発行部数の少ない「小さな雑誌」にほぼ限定されていた。モダニズムの原始主義と悲観主義は物議を醸し、20世紀最初の10年間の主流は依然として進歩への信仰と自由主義的な楽観主義に傾いていた。

抽象画家たちは、印象派やポール・セザンヌ（1839–1906）やエドヴァルド・ムンク（1863–1944）を手本として、自然界の描写ではなく、色彩と形が芸術の本質的な特徴を形成するという前提から出発した。 ^{[ 100 ]}西洋美術は、ルネサンスから19世紀半ばまで、遠近法の論理と目に見える現実の錯覚を再現しようとする試みに支えられていた。ヨーロッパ以外の文化の芸術が身近になり、芸術家にとって視覚体験を表現する別の方法を示した。19世紀末までに、多くの芸術家は、技術、科学、哲学で起こっている根本的な変化を包含する新しい種類の芸術を創造する必要性を感じた。個々の芸術家が理論的議論を引き出した源泉は多様であり、当時の西洋文化のあらゆる分野における社会的、知的関心を反映していた。^{[ 101 ]}ワシリー・カンディンスキー、ピエト・モンドリアン、カジミール・マレーヴィチは皆、芸術を純粋な色彩の配置として再定義すると信じていた。視覚芸術の表現機能の多くを時代遅れにした写真の使用は、モダニズムのこの側面に大きな影響を与えた。^{[ 102 ]}

フランク・ロイド・ライト^{[ 103 ]}やル・コルビュジエ^{[ 104 ]}などのモダニズム建築家やデザイナーは、新しい技術によって古い建築様式が時代遅れになると考えていました。ル・コルビュジエは、建物は「住むための機械」として機能するべきだと考え、それは彼が移動するための機械と見なした自動車に似ていると考えました^{[ 105 ]} 。自動車が馬に取って代わったように、モダニズムのデザインは古代ギリシャや中世から受け継がれた古い様式や構造を拒否すべきだと考えました。この機械美学に従って、モダニズムのデザイナーは通常、デザインにおける装飾的なモチーフを拒否し、使用される材料と純粋な幾何学的形態を強調することを好みました^{[ 106 ]} 。超高層ビルはモダニズム建築の典型であり、 1891年にアメリカ合衆国ミズーリ州セントルイスに完成した10階建てのオフィスビルであるウェインライトビルは、世界初の超高層ビルの1つです。 ^{[ 107 ]}ルートヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエのニューヨークのシーグラムビル（1956～1958年）は、このモダニズム高層建築の頂点とみなされることが多い。 ^{[ 108 ]}モダニズムデザインの多くの側面は現代建築の主流に残っているが、以前の教条主義は、装飾、歴史的引用、空間ドラマのより遊び心のある使用に取って代わられた。

1913年は、哲学者エドムント・フッサールの『イデーン』 、物理学者ニールス・ボーアの原子の量子化、エズラ・パウンドによるイマジズムの創始、ニューヨークでのアーモリー・ショー、そしてサンクトペテルブルクでの「最初の未来派オペラ」ミハイル・マチューシンの『太陽への勝利』の年であったが、もう一人のロシア人作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキーは、人身御供を描いたバレエ『春の祭典』を作曲した。このバレエの楽譜は不協和音と原始的なリズムに満ちており、パリでの初演で大騒動を巻き起こした。当時、モダニズムはまだ「進歩的」であったものの、伝統的な形式や社会構造が進歩を阻害するものとますます見なすようになり、芸術家を社会を啓蒙するのではなく転覆させる革命家として捉え直すようになった。同じく1913年には、フランスでマルセル・プルーストの重要な小説シリーズ『失われた時を求めて』（À la recherche du temps perdu、1913～1927年）の第1巻が出版されるという、それほど暴力的ではない出来事があった。これはしばしば、作家が意識の流れの手法を用いた初期の例として挙げられるが、ロバート・ハンフリーは、プルーストは「意識の回想的な側面のみに関心を寄せている」とし、「彼は意図的に過去を再現することで伝えようとしていたので、意識の流れの小説を書いたわけではない」と述べている。^{[ 109 ]}

意識の流れは重要な近代文学の革新であり、アルトゥール・シュニッツラー（1862-1931）が短編小説「グストル中尉」（「勇敢な者以外は」）（1900年）で最初にこの手法を本格的に用いたとされている。^{[ 110 ]}ドロシー・リチャードソンは、小説シリーズ「巡礼」（1915-1967年）の初期巻でこの手法を用いた最初のイギリス人作家である。^{[ f ]}この物語技法を用いた他の近代小説家には、ジェイムズ・ジョイスの「ユリシーズ」（1922年）やイタロ・スヴェーヴォの「ゼーノの意識」（1923年）などがいる。^{[ 112 ]}

しかし、1914年から1918年にかけての第一次世界大戦と1917年のロシア革命の到来により、世界は劇的に変化し、過去の信念や制度に疑問が投げかけられるようになった。わずかな土地を巡って何百万人もの人々が命を落とすのを目の当たりにした世代にとって、それまでの現状維持の失敗は自明のことのように思えた。1914年以前は、犠牲が大きすぎるため、誰もそのような戦争を戦おうとはしないだろうと議論されていた。19世紀に日常生活の状況を大きく変えた機械時代の到来は、今や戦争の本質を根本的に変えてしまった。近年のトラウマ的な経験は基本的な前提を覆し、塹壕戦の途方もなく超現実的な様相を前に、芸術における現実的な生活描写は不十分であるように思われた。人類が着実に道徳的に進歩しているという見方は、エーリヒ・マリア・レマルクの小説『西部戦線異状なし』（1929年）などに描かれた無意味な殺戮を前にすると、滑稽に思えた。そのため、戦前は少数派の嗜好であったモダニズムの現実観は、1920年代にはより広く受け入れられるようになった。

文学や視覚芸術において、一部のモダニストは、主に作品をより鮮やかにしたり、観客に自身の先入観を疑わせるために、期待に反することを試みた。モダニズムのこの側面は、 19 世紀後半にヨーロッパと北アメリカで発展した消費文化への反動とみなされることが多い。ほとんどの製造業者は、好みや偏見に訴えることで売れる製品を作ろうとするが、ハイ モダニストは、従来の思考を覆すために、そのような消費主義的な態度を拒否する。^{[ 113 ]}美術評論家のクレメント・グリーンバーグは、エッセイ「アヴァンギャルドとキッチュ」の中で、このモダニズムの理論を詳述した。^{[ 114 ]}グリーンバーグは、消費文化の製品を「キッチュ」と呼んだ。なぜなら、そのデザインは、難しい要素をすべて取り除き、単に最大限の魅力を得ることを目的としていたからである。グリーンバーグにとって、モダニズムは、商業的なポピュラー音楽、ハリウッド、広告といった現代の消費文化の発展に対する反動として形成された。 ^{[ 115 ]}グリーンバーグはこれを、資本主義の革命的な拒絶と結びつけた。

モダニストの中には、政治革命を含む革命文化の一部であると自らを捉える者もいた。1917年の革命後のロシアでは、確かに当初はロシア未来派を含む前衛的な文化活動が隆盛した。^{[ 116 ]}しかし、政治意識の革命は政治構造の変化よりも重要だと考え、従来の政治や芸術の慣習を拒否する者もいた。しかし、多くのモダニストは自らを非政治的だと考えていた。T・S・エリオットのように、保守的な立場から大衆文化を拒否する者もいた。文学や芸術におけるモダニズムは、大多数の人々を排除するエリート文化を維持する役割を果たしたと主張する者さえいる。 ^{[ 114 ]}

1920年代初頭に始まったシュルレアリスムは、一般の人々からモダニズムの最も極端な形態、あるいは「モダニズムのアヴァンギャルド」と見なされるようになった。^{[ 117 ]}「シュルレアリスト」という言葉はギヨーム・アポリネールによって造語され、 1903年に書かれ1917年に初演された彼の戯曲『ティレジアスの乳房』の序文に初めて登場した。 ^{[ 118 ]}主要なシュルレアリストには、ポール・エリュアール、ロベール・デノス、^{[ 119 ]}マックス・エルンスト、ハンス・アルプ、アントナン・アルトー、レイモン・クノー、ジョアン・ミロ、マルセル・デュシャンなどがいる。^{[ 120 ]}

1930年までに、モダニズムは政治と芸術の分野で確固たる地位を築いたが、この頃にはモダニズム自体も変化していた。

モダニズムは1930年代にも進化を続けました。1930年から1932年にかけて、作曲家アルノルト・シェーンベルクは、12音技法を用いた最初のオペラの1つである『モーゼとアロン』に取り組みました^{[ 121 ]。}パブロ・ピカソは1937年に、ファシズムをキュビスムで非難した『ゲルニカ』を描き^{[ 122 ]、} 1939年にはジェイムズ・ジョイスが『フィネガンズ・ウェイク』で現代小説の境界をさらに押し広げました。また、1930年までにモダニズムは主流文化に影響を与え始め、例えば『ニューヨーカー』誌は、ドロシー・パーカー^{[ 123 ]}、ロバート・ベンチリー、E・B・ホワイト、S・J・ペレルマン、ジェイムズ・サーバーなど、モダニズムの影響を受けた若い作家やユーモア作家の作品を掲載し始めました。 ^{[ 124 ]}ペレルマンは、1930年代と1940年代に雑誌、特に『ニューヨーカー』に掲載されたユーモラスな短編小説で高く評価されており、それらはアメリカにおけるシュールレアリスム・ユーモアの最初の例と考えられている。 ^{[ 125 ]}芸術における現代的なアイデアは、コマーシャルやロゴにもより頻繁に現れるようになり、その初期の例として、1916年にエドワード・ジョンストンがデザインした有名なロンドン地下鉄のロゴが挙げられる。^{[ 126 ]}

この時期の最も顕著な変化の一つは、西ヨーロッパと北アメリカの一般の人々の日常生活に新しい技術が取り入れられたことである。電気、電話、ラジオ、自動車、そしてそれらを使って仕事をし、修理し、生活する必要性から、社会の変化が生じた。^{[ 127 ]} 1880年代にはごく一部の人しか知らなかったような破壊的な瞬間が、ごく普通の出来事となった。例えば、1890年代には株式仲買人だけが利用できた通信速度が、少なくとも北アメリカの中流階級では、家庭生活の一部となった。都市化と社会規範の変化に伴い、家族の規模が小さくなり、親と子の関係も変化した。

この時期に強い影響を与えたもう一つの要素はマルクス主義である。第一次世界大戦前のモダニズムの概して原始主義的／非合理主義的な側面（多くのモダニストにとって、単なる政治的解決策への執着を排除するものであった）と、1920年代の新古典主義（最も有名なのはT・S・エリオットとイーゴリ・ストラヴィンスキーであり、現代の問題に対する大衆的な解決策を拒否した）の後、ファシズムの台頭、世界恐慌、そして戦争への進撃が、一世代を急進させるのに役立った。ベルトルト・ブレヒト、W・H・オーデン、アンドレ・ブルトン、ルイ・アラゴン、そして哲学者アントニオ・グラムシとヴァルター・ベンヤミンは、おそらくこのモダニズム的マルクス主義の最も有名な代表例であろう。しかし、サルバドール・ダリ、ウィンダム・ルイス、T・S・エリオット、エズラ・パウンド、オランダの作家メノ・テル・ブラークなど、「右派」を明確に標榜するモダニストも存在した。^{[ 128 ]}

1920年代と1930年代には、マルセル・プルースト、ヴァージニア・ウルフ、ロベルト・ムージル、ドロシー・リチャードソンによる小説など、重要なモダニズム文学作品が引き続き創作された。^{[ 129 ]}アメリカのモダニズム劇作家ユージン・オニールのキャリアは1914年に始まったが、彼の主要作品は1920年代、1930年代、そして1940年代初頭に発表された。1920年代と1930年代に活躍した他の重要なモダニズム劇作家には、ベルトルト・ブレヒトとフェデリコ・ガルシア・ロルカがいる。D・H・ローレンスの『チャタレイ夫人の恋人』は1928年に私家版として出版されたが、近代小説の歴史におけるもう一つの重要な節目は、 1929年にウィリアム・フォークナーの『響きと怒り』が出版されたことだった。 1930年代には、フォークナーのさらなる主要作品に加えて、サミュエル・ベケットが最初の主要作品である小説『マーフィー』（1938年）を出版した。そして1939年にはジェイムズ・ジョイスの『フィネガンズ・ウェイク』が出版された。これは、標準的な英語の語彙と新語的な多言語の駄洒落や合成語が混ざり合った、かなり独特な言語で書かれており、睡眠と夢の体験を再現しようとしている。^{[ 130 ]}詩では、T・S・エリオット、E・E・カミングス、ウォレス・スティーブンスが1920年代から1950年代まで執筆していた。英語のモダニズム詩は、エズラ・パウンド、T・S・エリオット、マリアンヌ・ムーア、ウィリアム・カーロス・ウィリアムズ、H・D・エリオット、ルイス・ズコフスキーといった代表的詩人を含むアメリカの現象と見なされることが多いが、デイヴィッド・ジョーンズ、ヒュー・マクダイアミッド、バジル・バンティング、W・H・オーデンといった重要なイギリスのモダニズム詩人もいた。ヨーロッパのモダニズム詩人には、フェデリコ・ガルシア・ロルカ、アンナ・アフマートワ、コンスタンティノス・カヴァフィス、ポール・ヴァレリーなどがいる。

ソビエト連邦ではこの時期もモダニズム運動が続いた。1930年には作曲家ドミトリ・ショスタコーヴィチ（1906-1975）のオペラ『鼻』が初演され、民謡、ポピュラーソング、無調音楽など様々なスタイルがモンタージュのように用いられた。ショスタコーヴィチに影響を与えたものの一つに、アルバン・ベルク（1885-1935）のオペラ『ヴォツェック』（1925年）があり、「レニングラードで上演された際にショスタコーヴィチに大きな感銘を与えた」^{[ 131 ]} 。しかし、1932年からソビエト連邦では社会主義リアリズムがモダニズムを駆逐し始め^{[ 132 ]}、1936年にはショスタコーヴィチは攻撃を受け、交響曲第4番を撤回せざるを得なくなった。^{[ 133 ]}アルバン・ベルクは、未完ではあるものの重要なモダニズム・オペラ『ルル』を作曲し、1937年に初演された。ベルクのヴァイオリン協奏曲は1935年に初演された。ショスタコーヴィチと同様に、他の作曲家もこの時期に困難に直面した。

ドイツでは、アルノルト・シェーンベルク（1874-1951）は、近代的な無調のスタイルとユダヤ系の出自のため、1933年にヒトラーが政権を握った際にアメリカに亡命せざるを得なかった。^{[ 134 ]}この時期の彼の主な作品は、ヴァイオリン協奏曲作品36（1934/36年）とピアノ協奏曲作品42（1942年）である。シェーンベルクはこの時期に、弦楽のための組曲ト長調（1935年）と室内交響曲第2番変ホ短調作品38（1906年に着手、1939年に完成）などの調性音楽も作曲した。^{[ 134 ]}この時期、ハンガリーの近代音楽家ベーラ・バルトーク（1881–1945）は、弦楽器、打楽器、チェレスタのための音楽（1936）、弦楽オーケストラのためのディヴェルティメント（1939）、弦楽四重奏曲第5番（1934）、第6番（彼の最後の作品、1939）など、数々の主要作品を制作した。しかし、ハンガリーでファシズムが台頭したため、彼も1940年に米国へ移住した。 ^{[ 134 ]}イゴール・ストラヴィンスキー（1882–1971）は、1930年代と1940年代に新古典主義様式で作曲を続け、詩篇交響曲（1930）、ハ長調交響曲（1940）、3楽章交響曲（1945）などの作品を作曲した。彼もまた、第二次世界大戦のため米国へ移住した。しかし、オリヴィエ・メシアン（1908年 - 1992年）は、戦争中にフランス軍に所属し、ドイツ軍によってシュタラークVIII-A捕虜収容所に収容され、そこで有名な「時の終わりのための四重奏曲」を作曲した。この四重奏曲は、1941年1月に捕虜と看守を聴衆として初演された。^{[ 135 ]}

絵画においては、1920年代から1930年代、そして大恐慌の時代に、モダニズムはシュルレアリスム、後期キュビスム、バウハウス、デ・ステイル、ダダ、ドイツ表現主義、そしてアンリ・マティスやピエール・ボナールといったモダニズムの巨匠による色彩豊かな画家たち、さらにピエト・モンドリアンやワシリー・カンディンスキーといった抽象画家たちの作品によって定義され、ヨーロッパの美術界を特徴づけました。ドイツでは、マックス・ベックマン、オットー・ディックス、ジョージ・グロスらが絵画に政治的なメッセージを込め、第二次世界大戦の到来を予見しました。一方、アメリカでは、モダニズムはアメリカン・シーン絵画や、政治的・社会的な批評を内包した社会リアリズムやリージョナリズム運動という形で現れ、美術界を席巻しました。ベン・シャーン、トーマス・ハート・ベントン、グラント・ウッド、ジョージ・トゥーカー、ジョン・スチュアート・カリー、レジナルド・マーシュといった画家たちが注目を集めました。ラテンアメリカにおけるモダニズムは、ウルグアイの画家ホアキン・トーレス＝ガルシアとメキシコの画家ルフィーノ・タマヨによって定義づけられる一方、ディエゴ・リベラ、ダビッド・シケイロス、ホセ・クレメンテ・オロスコ、ペドロ・ネル・ゴメス、サンティアゴ・マルティネス・デルガドによる壁画運動や、フリーダ・カーロの象徴主義絵画は、より自由な色彩の使用と政治的メッセージの強調を特徴とする、この地域の芸術のルネサンスを開始した。

ディエゴ・リベラは、おそらく一般には、ロックフェラー・センターのRCAビルのロビーにある1933年の壁画「十字路の男」で最もよく知られている。彼のパトロンであるネルソン・ロックフェラーは、壁画にウラジーミル・レーニンの肖像画やその他の共産主義的なイメージが含まれていることを知ると、リベラを解雇し、未完成の作品は最終的にロックフェラーのスタッフによって破壊された。^{[ 136 ]}フリーダ・カーロの作品は、しばしば痛みの生々しい描写で特徴づけられる。カーロはメキシコの先住民文化に深く影響を受けており、それは彼女の絵画の鮮やかな色彩と劇的な象徴性に表れている。^{[ 137 ]}キリスト教とユダヤ教のテーマも彼女の作品によく描かれており、彼女はしばしば血なまぐさく暴力的なメキシコの伝統的な宗教の要素を組み合わせた。^{[ 138 ]}フリーダ・カーロの象徴主義作品は、文学におけるシュルレアリスムとマジックリアリズム運動に強く関連している。 ^{[ 139 ]}

政治活動はダビッド・シケイロスの人生において重要な部分であり、しばしば芸術家としてのキャリアを脇に置く動機となった。彼の芸術はメキシコ革命に深く根ざしていた。^{[ 140 ]} 1920年代から1950年代にかけての時期はメキシコ・ルネサンスとして知られており、シケイロスはメキシコ的でありながら普遍的な芸術を創造しようとする試みに積極的に参加した。^{[ 141 ]}若き日のジャクソン・ポロックはワークショップに参加し、パレード用の山車の製作を手伝った。

1930年代には、パブロ・ピカソを含むシュルレアリスムに関係する多くの芸術家が急進的な左翼政治を特徴としていた。^{[ 142 ]} 1937年4月26日、スペイン内戦中に、バスク地方のゲルニカの町がナチス・ドイツの空軍によって爆撃された。^{[ 143 ]}ドイツ軍は、フランシスコ・フランコによるバスク政府とスペイン共和国政府の転覆の試みを支援するために攻撃していた。パブロ・ピカソは、爆撃の惨禍を記念して壁画サイズのゲルニカを描いた。 ^{[ 144 ]}

1930年代の大恐慌と第二次世界大戦の間、アメリカ美術は、グラント・ウッド、エドワード・ホッパー、ベン・シャーン、トーマス・ハート・ベントンなどの作品に見られるように、社会リアリズムとアメリカン・シーン絵画によって特徴づけられました。 ^{[ 145 ]}エドワード・ホッパーの「ナイトホークス」（1942年）は、深夜にダウンタウンのダイナーに座っている人々を描いた絵画です。^{[ 146 ]}これはホッパーの最も有名な絵画であるだけでなく、アメリカ美術の中で最もよく知られている絵画の1つです。この場面は、グリニッジ・ビレッジのダイナーから着想を得ています。ホッパーは真珠湾攻撃の直後にこれを描き始めました。^{[ 147 ]}この出来事の後、国全体に大きな憂鬱感が漂い、その感情が絵画に表現されています。ダイナーの外の街路は人影がなく、店内の3人の客は誰も互いに見たり話したりせず、それぞれ自分の考えにふけっています。現代の都市生活を空虚で孤独なものとして描くことは、ホッパーの作品全体を通して共通のテーマである。^{[ 148 ]}

アメリカン・ゴシックは、グラント・ウッドが1930年に描いた絵画で、熊手を持った農夫と若い女性がカーペンター・ゴシック様式の家の前に立っている様子を描いており、20世紀のアメリカ美術で最もよく知られたイメージの1つです。 ^{[ 149 ]}美術評論家はこの絵画に好意的な意見を持っており、ガートルード・スタインやクリストファー・モーリーのように、この絵画は田舎の小さな町の生活を風刺したものだと考えていました。 ^{[ 150 ]}そのため、シャーウッド・アンダーソンの1919年の『ワインズバーグ、オハイオ』、シンクレア・ルイスの1920年の『メインストリート』、カール・ヴァン・ヴェクテンの文学作品『刺青の伯爵夫人』など、田舎のアメリカをますます批判的に描く傾向の一部と見なされていました。 ^{[ 151 ]}しかし、大恐慌が始まると、この絵画は揺るぎないアメリカの開拓者精神を描いたものとして見られるようになりました。

1930年代、ドイツと東ヨーロッパ全域でナチスの勢力が拡大するにつれ、ヨーロッパの芸術家を取り巻く状況は急速に悪化した。退廃芸術とは、ドイツのナチス政権が事実上すべての現代美術に対して用いた用語である。 ^{[ 152 ]}このような芸術は、ドイツ的でもユダヤ的でもボリシェヴィキ的でもないという理由で禁止され、退廃芸術家とみなされた者は制裁を受けた。これには、教職からの解雇、作品の展示や販売の禁止、場合によっては芸術作品の制作そのものの禁止などが含まれる。退廃芸術は、 1937年にミュンヘンでナチスが開催した展覧会のタイトルでもあった。^{[ 153 ]}モダニズムや抽象芸術に関連する芸術家や芸術にとって、状況は非常に敵対的になったため、多くの人がアメリカ大陸へ移住した。ドイツ人芸術家のマックス・ベックマンをはじめとする数十人がヨーロッパからニューヨークへ逃れた。^{[ 154 ]}ニューヨーク市では、アーシル・ゴーキー、ウィレム・デ・クーニングらに率いられた、若く刺激的なモダニズム画家の新世代がまさに成熟期を迎えようとしていた。^{[ 155 ]}

アーシル・ゴーキーが描いた、ウィレム・デ・クーニングと思われる人物の肖像画は、人物画、キュビスム、シュルレアリスムの文脈から抽象表現主義が発展した例である。ゴーキーは友人であるデ・クーニングやジョン・D・グラハムと共に、生物形態的な形をした抽象化された人物像を制作し、1940年代には完全に抽象的な絵画へと発展させた。ゴーキーの作品は、記憶、感情、形を注意深く分析し、線と色を用いて感情と自然を表現しているように見える。^{[ 156 ]}

モダニズムが強調する表現の自由、実験、急進主義、原始主義は、従来の期待を無視する。多くの芸術形式において、これはしばしば、シュルレアリスムにおける奇妙で不穏なモチーフの組み合わせや、モダニズム音楽における極端な不協和音や無調の使用のように、奇妙で予測不可能な効果で観客を驚かせ、疎外することを意味した。文学においては、これはしばしば、小説における理解可能な筋書きや人物描写の拒否、あるいは明確な解釈を拒む詩の創造を伴った。カトリック教会内では、モダニズムに対する不安や、教義は時間とともに発展し変化するという考えにおいて、プロテスタント主義とマルティン・ルターの亡霊が影響していた。 ^{[ 157 ]}

1932年から、社会主義リアリズムはソビエト連邦でモダニズムを駆逐し始めた^{[ 132 ]。}それ以前は、主にシュプレマティズムという国内哲学の下で、ロシア未来派と構成主義を支持していた。

ドイツのナチス政府は、モダニズムをナルシスト的でナンセンスであると同時に、「ユダヤ人」（反ユダヤ主義を参照）や「黒人」であるとみなした。[ 158 ]ナチスは、^{「退廃芸術}」と題した展覧会で、モダニズム絵画を精神病患者の作品と並べて展示した。「形式主義」の非難は、キャリアの終焉、あるいはそれ以上の事態につながる可能性があった。このため、戦後世代の多くのモダニストは、自分たちが全体主義に対する最も重要な防波堤であり、「炭鉱のカナリア」であると感じていた。政府や権威を持つとされる他のグループによる自分たちの弾圧は、個人の自由が脅かされているという警告を意味していた。ルイス・A・サスは、狂気、特に統合失調症とモダニズムを、ファシズム的ではない形で比較し、両者に共通する断片的な物語、シュールなイメージ、そして一貫性のなさを指摘した。^{[ 159 ]}

「不条理演劇」という用語は、主にヨーロッパ人によって書かれた、人間の存在には意味も目的もなく、したがってすべてのコミュニケーションが破綻するという信念を表現する劇に適用されます。論理的な構成と議論は、非合理的で非論理的な発言に取って代わられ、その究極の結論は沈黙です。^{[ 171 ]}アルフレッド・ジャリ（1873-1907）など重要な先駆者はいますが、不条理演劇は一般的に、1950年代のサミュエル・ベケットの劇から始まったと考えられています。

批評家のマーティン・エスリンは、 1960年のエッセイ「不条理演劇」でこの用語を造語した。彼は、アルベール・カミュが1942年のエッセイ「シーシュポスの神話」でこの用語を使ったのと同様に、不条理という幅広いテーマに基づいてこれらの劇を関連付けた。^{[ 172 ]}これらの劇における不条理は、明らかに意味のない世界に対する人間の反応、および/または目に見えない外部の力によって制御または脅かされる操り人形としての人間という形をとる。この用語は幅広い劇に適用されるが、多くの劇でいくつかの特徴が一致する。大衆喜劇（しばしばボードビルに似ている）と恐ろしいまたは悲劇的なイメージの混在。絶望的な状況に陥り、反復的または無意味な行動を強いられる登場人物。決まり文句、言葉遊び、ナンセンスに満ちた対話。循環的または不条理に拡大する筋書き。リアリズムと「よくできた劇」の概念のパロディまたは否定。

不条理演劇と一般的に関連付けられる劇作家には、サミュエル・ベケット（1906–1989）、ウジェーヌ・イヨネスコ（1909–1994）、ジャン・ジュネ（1910–1986）、ハロルド・ピンター（1930–2008）、トム・ストッパード（1937–2025）、アレクサンドル・ヴェデンスキー（1904–1941）、ダニイル・ハルムス（1905–1942）、フリードリヒ・デュレンマット（1921–1990）、アレハンドロ・ホドロフスキー（1929年生まれ）、フェルナンド・アラバル（1932年生まれ）、ヴァーツラフ・ハヴェル（1936–2011）、エドワード・オールビー（1928–2016）などがいる。

1940年代後半、ジャクソン・ポロックの絵画に対する革新的なアプローチは、彼に続くすべての現代美術の可能性を革新した。 ^{[ 173 ]}ある程度、ポロックは、芸術作品を制作する過程が芸術作品そのものと同じくらい重要であることに気づいていた。^{[ 174 ]} 20世紀初頭にパブロ・ピカソがキュビスムや構築彫刻を通して絵画と彫刻を革新的に再発明したように、ポロックは芸術の制作方法を再定義した。 ^{[ 175 ]}イーゼル絵画や慣習から離れる彼の動きは、同時代の芸術家たちと後世のすべての芸術家にとって解放的な合図となった。芸術家たちは、ジャクソン・ポロックのプロセス、つまり、張られていない生のキャンバスを床に置き、芸術的および工業的な材料を使って四方から攻撃し、線状の絵の具を垂らしたり投げつけたり、描画、染色、ブラシ掛けを行い、イメージと非イメージを使用するというプロセスが、本質的に芸術制作をそれまでの境界を超えて打ち破ったことに気づいた。^{[ 176 ]}抽象表現主義は一般的に、芸術家が新しい芸術作品を創造するために利用できる定義と可能性を拡大し発展させた。^{[ 177 ]}

他の抽象表現主義者たちは、ポロックの画期的な作品に続いて、独自の画期的な作品を生み出した。ある意味では、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、フランツ・クライン、マーク・ロスコ、フィリップ・ガストン、ハンス・ホフマン、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、アド・ラインハルト、ロバート・マザーウェル、ピーター・ヴォルコスらの革新は、その後に続くあらゆる芸術の多様性と広がりへの扉を開いた。しかし、リンダ・ノックリン^{[ 178 ]} 、グリゼルダ・ポロック^{[ 179 ]}、キャサリン・ド・ゼーガー^{[ 180 ]}などの美術史家による抽象芸術の再解釈は、近代美術に大きな革新をもたらした先駆的な女性芸術家たちが、その歴史の公式な記述で無視されてきたことを批判的に示している。

ヘンリー・ムーア（1898年～1986年）は第二次世界大戦後、イギリスを代表する彫刻家として台頭した。^{[ 181 ]}彼は世界各地に公共の芸術作品として設置されている、半抽象的な巨大なブロンズ彫刻で最もよく知られている。彼の作品は通常、人間の姿を抽象化したもので、典型的には母子像や横たわる人物像を描いており、1950年代に家族像を制作した時期を除いて、女性の身体を暗示することが多い。これらの彫刻は一般的に穴が開けられていたり、空洞になっている。

1950年代、ムーアはますます重要な依頼を受けるようになり、1958年にはパリのユネスコ本部のために横たわる人物像を制作した。 ^{[ 182 ]}公共の芸術作品が増えるにつれて、ムーアの彫刻の規模は著しく大きくなった。ムーアの晩年の30年間も同様の傾向が続き、世界中でいくつかの大規模な回顧展が開催された。特に、1972年の夏にはフィレンツェを見下ろすフォルテ・ディ・ベルヴェデーレの敷地内で大規模な展覧会が開催された。1970年代末までには、彼の作品を特集した展覧会が年間約40回開催されていた。 1967年12月、エンリコ・フェルミ率いる物理学者チームが制御された自己持続的な核連鎖反応を初めて達成してからちょうど25年後、シカゴ大学のキャンパスでムーアの「核エネルギー」が公開された。^{[ 183 ] [ 184 ]}シカゴでも、ムーアは宇宙探査計画を記念して依頼された、地元で「人類の宇宙進出」 （1980年）と呼ばれる大きなブロンズ製の日時計で科学を記念した。^{[ 185 ]}

フランシス・ベーコン（1909–1992）、ルシアン・フロイド（1922–2011）、フランク・アウエルバッハ（1931–2024）、レオン・コソフ（1926–2019）、マイケル・アンドリュース（1928–1995）などの具象画家からなる「ロンドン派」は、国際的に広く認知されている。^{[ 186 ]}

フランシス・ベーコンは、大胆でグラフィックで感情的に生々しいイメージで知られるアイルランド生まれのイギリスの具象画家である。^{[ 187 ]}彼の絵画的だが抽象化された人物像は、通常、平坦で特徴のない背景を背にしたガラスや鋼鉄の幾何学的な檻の中に孤立して描かれている。ベーコンは20代前半に絵を描き始めたが、30代半ばまで散発的にしか制作しなかった。彼のブレイクスルーは、1944年の三連作「磔刑の基部の人物像のための3つの習作」で、これにより彼は人間の状態を独特の陰鬱な記録者としての名声を確固たるものにした。^{[ 188 ]}彼の作品は、大まかに言えば、単一のモチーフの連続または変奏で構成されていると説明できる。1940年代の部屋に孤立した男性の頭部、1950年代初頭の叫ぶ教皇、1950年代中盤から後半の幾何学的構造に吊るされた動物や孤独な人物像から始まる。これらに続いて、1960年代初頭の三連作形式の磔刑の現代的な変奏が制作された。 1960年代半ばから1970年代初頭にかけて、ベーコンは主に友人たちの驚くほど思いやりのある肖像画を制作した。1971年に恋人のジョージ・ダイアーが自殺した後、彼の芸術はより個人的で内省的になり、死のテーマやモチーフに深く傾倒するようになった。ベーコンは生前、非難と称賛の両方を受けた。^{[ 189 ]}

ルシアン・フロイドはドイツ生まれのイギリス人画家で、厚塗りの肖像画や人物画で知られ、当時イギリスで最も優れた芸術家として広く認められていました。^{[ 190 ] [ 191 ] [ 192 ] [ 193 ]}彼の作品は心理的な洞察力と、画家とモデルの関係をしばしば不快なほどに考察していることで知られています。^{[ 194 ]}ニューヨーク・タイムズのウィリアム・グライムズによれば、「ルシアン・フロイドと彼の同時代人は、20世紀の人物画を変革しました。 『白い犬を抱く少女』（1951～1952年）のような作品で、^{[ 195 ]}フロイドは伝統的なヨーロッパ絵画の絵画言語を、被写体の社会的表層を剥ぎ取る反ロマン主義的で対決的な肖像画のスタイルに利用しました。多くの友人を含む一般の人々は、画家の容赦ない観察に晒されながら、キャンバスから目を大きく見開いて見つめていました。」^{[ 190 ]}

1950年代から1960年代にかけての抽象絵画では、抽象表現主義の主観主義への反動として、ハードエッジ絵画やその他の幾何学的抽象化の形態など、いくつかの新しい方向性がアーティストのスタジオや急進的な前衛サークルで現れ始めた。クレメント・グリーンバーグは、 1964年にアメリカ全土の重要な美術館を巡回した影響力のある新しい絵画の展覧会を企画し、ポスト絵画的抽象化の代弁者となった。カラーフィールド絵画、ハードエッジ絵画、叙情的抽象化^{[ 196 ]}が急進的な新しい方向性として登場した。

しかし、1960年代後半には、ポストミニマリズム、プロセスアート、アルテポーヴェラ^{[ 197 ]}も、叙情的抽象やポストミニマリズム運動、初期のコンセプチュアルアート^{[ 197 ]}を通して、絵画と彫刻の両方を包含する革新的な概念と運動として出現した。ポロックに影響を受けたプロセスアートは、アーティストが多様なスタイル、内容、素材、配置、時間の感覚、非可塑性、現実空間の百科事典を実験し、利用することを可能にした。ナンシー・グレイブス、ロナルド・デイビス、ハワード・ホジキン、ラリー・プーンス、ヤニス・クネリス、ブライス・マーデン、コリン・マッカホン、ブルース・ナウマン、リチャード・タトル、アラン・サレット、ウォルター・ダービー・バナード、リンダ・ベングリス、ダン・クリステンセン、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、エヴァ・ヘッセ、キース・ソニエ、リチャード・セラ、パット・リプスキー、サム・ギリアム、マリオ・メルツ、ピーター・レジナートは、1960年代後半の芸術の黄金時代を生み出した後期モダニズムの時代に登場した若いアーティストの一部である。^{[ 198 ]}

1962年、シドニー・ジャニス・ギャラリーは、ニューヨーク市のアップタウンのアートギャラリーで初めての主要なポップアートグループ展である「ニュー・リアリスト」を開催した。 ^{[ 199 ]}ジャニスは、ギャラリー近くの57番街の店舗でこの展覧会を開催した。この展覧会は、ニューヨーク・スクールだけでなく、より広範な世界のアートシーンにも大きな影響を与えた。^{[ 200 ]}それ以前の1958年、イギリスでは、ローレンス・アロウェイが第二次世界大戦後の消費主義に関連する絵画を説明するために「ポップアート」という用語を使用した。 ^{[ 201 ]}この運動は、抽象表現主義とその解釈的および心理的内面への焦点を拒否し、物質的な消費文化、広告、大量生産時代の図像を描写する芸術を支持した。^{[ 202 ]}デイヴィッド・ホックニーの初期作品、リチャード・ハミルトンとエドゥアルド・パオロッツィの作品（画期的な作品『I was a Rich Man's Plaything』、1947年^{[ 203 ]}を制作）は、このムーブメントの代表的な例と考えられている。^{[ 201 ]}一方、ニューヨークのイースト・ビレッジ10番街のギャラリーが集まるダウンタウンのシーンでは、アーティストたちがポップアートのアメリカ版を作り上げていた。クレス・オルデンバーグは店を構え、 57番街のグリーン・ギャラリーではトム・ウェッセルマンとジェームズ・ローゼンクイストの作品が展示され始めた。後にレオ・カステリは、アンディ・ウォーホルやロイ・リキテンスタインなど、他のアメリカ人アーティストの作品を、彼らのキャリアのほとんどの期間展示した。^{[ 199 ]}ユーモアのセンスを持つ反逆的なダダイストであるマルセル・デュシャンとマン・レイの過激な作品と、商業複製に使われるベンデイドットの見た目を再現した絵画を描いたクレス・オルデンバーグ、アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタインなどのポップアーティストの間には繋がりがある。^{[ 202 ]}

ミニマリズムとは、さまざまな芸術やデザイン、特に視覚芸術や音楽における運動を指し、アーティストは、不要な形式、特徴、概念をすべて排除することによって、対象の本質やアイデンティティを明らかにしようとする。^{[ 204 ]}ミニマリズムとは、最もシンプルで少ない要素を使用して最大限の効果を生み出すデザインやスタイルのことである。^{[ 205 ]}

ミニマリズムは、芸術における特定の運動として、第二次世界大戦後の西洋美術の発展と結びついており、特に1960年代から1970年代初頭のアメリカの視覚芸術と強く結びついています。この運動に関連する著名なアーティストには、ドナルド・ジャッド、ジョン・マクラッケン、アグネス・マーティン、ダン・フレイヴィン、ロバート・モリス、ロナルド・ブレイドン、アン・トゥルーイット、フランク・ステラなどがいます。^{[ 206 ]}これはモダニズムの還元主義的な側面から派生しており、抽象表現主義への反動であり、ポストミニマルアートの実践への架け橋として解釈されることが多いです。1960年代初頭までに、ミニマリズムは、関係的で主観的な絵画、抽象表現主義の表面の複雑さ、アクションペインティングの領域に存在する感情的な時代精神と論争の考え方を拒否する、芸術における抽象運動として出現しました（カジミール・マレーヴィチの幾何学的抽象[ 207 ^]、バウハウス、^ピエト・モンドリアンにルーツがあります）。ミニマリズムは、極限の簡素さによって芸術に必要な崇高な表現をすべて捉えることができると主張した。ミニマリズムは、ポストモダニズムの先駆けと捉えられることもあれば、それ自体がポストモダニズム運動であると捉えられることもある。後者の見方では、初期のミニマリズムは先進的なモダニズム作品を生み出したが、ロバート・モリスのような一部の芸術家が反形式運動へと方向転換したことで、この運動は部分的にその方向性を放棄したとされる。

ハル・フォスターは、エッセイ「ミニマリズムの核心」 [ ^{208 ]の}中で、ドナルド・ジャッドとロバート・モリスが、ミニマリズムの定義において、グリーンバーグ流のモダニズムをどの程度認め、またそれを超えているかを考察している。^{[ 208 ]}彼は、ミニマリズムはモダニズムの「行き止まり」ではなく、「今日まで精緻化され続けているポストモダンの実践へのパラダイムシフト」であると主張している。^{[ 208 ]}

ポストミニマリズム

1960年代後半、ロバート・ピンカス＝ウィッテン^{[ 197 ]}は、ミニマリズムが否定した内容や文脈的な含意を持つミニマリズム由来の芸術を説明するために「ポストミニマリズム」という用語を作り出した。ピンカス＝ウィッテンはこの用語を、エヴァ・ヘッセ、キース・ソニエ、リチャード・セラの作品、そしてかつてのミニマリストであるロバート・スミッソン、ロバート・モリス、ソル・ルウィット、バリー・ル・ヴァなどの新作に適用した。ドナルド・ジャッド、ダン・フレイヴィン、カール・アンドレ、アグネス・マーティン、ジョン・マクラッケンなどの他のミニマリストは、残りのキャリアを通して後期モダニズムの絵画や彫刻を制作し続けた。

それ以来、多くのアーティストがミニマルまたはポストミニマルなスタイルを取り入れるようになり、それらのスタイルには「ポストモダン」というレッテルが貼られるようになった。

モダニズムは、大衆文化を拒絶する一方で、大衆音楽の形式と（形式的にも美的にも）不安定な関係にあった。^{[ 218 ]}それにもかかわらず、ストラヴィンスキーは、1918年の演劇作品『兵士の物語』の「ラグタイム」や1945年の『エボニー協奏曲』などの作品でジャズのイディオムを用いた。^{[ 219 ]}

1960年代、ポピュラー音楽が文化的に重要性を増し、商業エンターテイメントとしての地位に疑問を呈し始めると、ミュージシャンたちは戦後のアヴァンギャルドからインスピレーションを得るようになった。^{[ 220 ]} 1959年、音楽プロデューサーのジョー・ミークは『I Hear a New World』（1960年）を録音したが、 Tiny Mix Tapesのジョナサン・パトリックはこれを「電子音楽とアヴァンポップの歴史における画期的な瞬間であり、ダブのエコーとテープの歪みによる音の触手で飾られた夢のようなポップの小品集」と評しているが、当時はほとんど無視された。^{[ 221 ]}他の初期のアヴァンポップ作品には、ビートルズの1966年の曲「トゥモロー・ネバー・ノウズ」があり、これはミュジック・コンクレート、前衛作曲、インド音楽、電気音響操作の技法を3分間のポップ形式に取り入れたもので、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドはラ・モンテ・ヤングのミニマル音楽とドローン音楽のアイデア、ビート詩、1960年代のポップアートを統合した。^{[ 220 ]}

抽象表現主義、カラーフィールド絵画、叙情的抽象、幾何学的抽象、ミニマリズム、抽象的錯視、プロセスアート、ポップアート、ポストミニマリズム、その他20世紀後半の絵画と彫刻におけるモダニズム運動の継続は、21世紀最初の10年間も続き、これらの媒体における根本的に新しい方向性を構成している。^{[ 222 ] [ 223 ] [ 224 ]}

21世紀の幕開けには、サー・アンソニー・カロ、ルシアン・フロイド、サイ・トゥオンブリー、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョーンズ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、エルズワース・ケリー、ヘレン・フランケンターラー、フランク・ステラ、ケネス・ノーランド、ジュールズ・オリツキ、クレス・オルデンバーグ、ジム・ダイン、ジェームズ・ローゼンクイスト、アレックス・カッツ、フィリップ・パールスタインといった著名なアーティストや、ブライス・マーデン、チャック・クロース、サム・ギリアム、アイザック・ウィトキン、ショーン・スカリー、マヒルワン・マムタニ、ジョセフ・ネチヴァタル、エリザベス・マレー、ラリー・プーンス、リチャード・セラ、パット・リプスキー、ジョエル・シャピロ、トム・オッターネス、ジョーン・スナイダー、ロス・ブレックナーといった若手アーティストたちが、活気に満ちた影響力のある絵画や彫刻を制作し続けた。