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ダブは、 1960年代後半から1970年代初頭にかけてレゲエから派生した音楽スタイルです。一般的にはレゲエのサブジャンルとみなされていますが、そのスタイルを超えて発展してきました。 [ 1 ]一般的に、ダブは既存の録音のリミックスで構成されており[ 2 ]、通常はボーカルパートの削除、リズムセクションの強調（簡略化されたドラムとベースのトラックはリディムと呼ばれることもあります）、ディレイやリバーブなどのスタジオエフェクトの適用、オリジナルバージョンや他の作品からのボーカルや楽器の断片のダビングなどによって、オリジナルを大幅に操作して作成されます。 [ 3 ]
ダブは、 1960年代後半から、オズボーン・“キング・タビー”・ラドック、ホープトン・“サイエンティスト”・ブラウン、リー・“スクラッチ”・ペリー、エロール・トンプソンなどのレコーディング・エンジニアやプロデューサーによって開拓されました[ 1 ] 。これらのプロデューサーの多くとコラボレーションしたオーガスタス・パブロは、独特の音色のメロディカをダブにもたらしたことで知られており、このジャンルのパイオニアであり創始者の一人でもあります。ダンスホールシーン以外でも、ミキシング・デスクでのレコーディングに関する同様の実験は、プロデューサーのクライヴ・チンとハーマン・チン・ロイによっても行われました[ 4 ]。これらのプロデューサー、特にラドックとペリーは、ミキシング・コンソールを楽器と見なし、トラックを操作して何か新しくて異なるものを作り出しました。ローランド・スペース・エコーは、 1970年代にダブのプロデューサーによってエコーやディレイ効果を生み出すために広く使用されました[ 5 ] 。
ダブは、ロック、特にポストパンクやその他のパンクのサブジャンル[ 6 ] 、ポップ[ 7 ] 、ヒップホップ[6 ] 、ポストディスコ、そして後にハウス[ 8 ] 、テクノ[8] 、アンビエント[ 8 ]、エレクトロニックダンスミュージック[ 9 ] 、トリップホップ[ 8 ]など、多くの音楽ジャンルに影響を与えてきました。ダブは、ジャングルやドラムンベースのジャンルの基礎となり、ベースを中心とした構成とオーディオエフェクトの使用により、ダブステップにも大きな影響を与えました。[10][ 11][12 ]伝統的なダブは生き残り、マッド・プロフェッサーなどの創始者の中には、新しい作品を作り続けている人もいます。
録音の文脈で「ダブ」という言葉が使われるようになったのは、1920年代後半にトーキー映画の登場とともに始まり、映画にサウンドトラックを追加することを指していました。これは「ダブル」の非公式な略語です。その後約40年の間に、この用語は音声録音全般に使われるようになり、多くの場合、録音を別のテープやディスクにコピーするという文脈で用いられました。
この用語がジャマイカのレコーディング業界で最初に使われたのは、まさにこの意味においてでした。新しいレコーディングは、サウンドシステムオペレーター専用に、最初はソフトワックス[ 13 ]またはダブ、後にダブプレートと呼ばれる、 1枚限りのアセテートディスクにコピーされることがよくありました。サウンドシステムで独占録音として曲を再生することは、プロデューサーが小売販売用に数百枚または数千枚のシングルをプレスする前に、レコーディングの潜在的な人気をテストする良い方法でした。当初、これらのアセテートは、まだシングルとしてリリースされていない曲の標準的な録音に過ぎませんでしたが、1968年から69年頃になると、ボーカルの一部または全部がミックスアウトされた独占ミックスになり始めました。プロデューサーのバニー・リーは次のように述べています。
ええ…当時は本当にVERSIONだったんです。まだダブじゃなかった、ただのリディムだったから。ある日、こんなことがありました。ラディーズ（サウンドシステムオペレーターのラディー・レッドウッド）がダブをカットしていたんですが、それが始まった時、スミシー（レコーディングエンジニアのバイロン・スミス）がボーカルを入れ始めたように見えたので、ラディーズは「いや、そのまま続けて」と言って、バッキングトラックを全部外したんです。「わかった、もう一度やって、ボーカルを入れてくれ」って言ったんですけど、それ以来、あんなことは二度とやらなかったんです。
リーは、レッドウッドがダンスパーティーでまずボーカルバージョンをかけ、次にインストゥルメンタルバージョンをかけさせたこと、そしてこの斬新な試みがどれほど人気だったかを説明した後、こう続けた。
次の日、彼はそれを始めて、リディムを持ち込むだけです。または...曲の途中で、少し声を入れて、またそれを削除します...そうです。ラディは、声を入れて削除するその部分を自分で処理していました。スミシーはダブをカットするだけでした... [ 13 ]
ジャマイカのサウンドシステムは、1940年代後半の黎明期から常に独占的な録音を求めてきた。しかし、1950年代にアメリカのリズム＆ブルースのレコードを演奏していた頃は、ライバルのサウンドシステム・オペレーターが持っておらず、識別できないレコードだった。1950年代後半以降、地元のミュージシャンに特定のサウンドシステム専用に曲を録音させることから始まり、ジャマイカにマルチトラック録音が登場したことで可能になった、アセテート盤に独占的なミックスを録音するようになった。ボーカルの一部または全部をミックスアウトしてアセテート盤にダビングするというコンセプトから、斬新さを求めるサウンドシステム・シーンは、1970年代初頭の数年間で、ますますクリエイティブなミックスの進化を急速に推進した。数年後には、独占的なアセテート盤であろうと「ダブプレート」であろうと、これらに「ダブ」という用語が付けられるようになった。この用語の使用が広がり進化するにつれ、ボブ・マーリー＆ザ・ウェイラーズは「これをダブしろ！」と指示するようになった。ライブコンサートでは、「ベースとドラムを強調する」という意味で使われる。ドラマーのスライ・ダンバーも同様に、関連用語であるダブワイズがドラムとベースのみを使用することを意味する用法を指摘している。[ 14 ]
音楽が生まれた頃のジャマイカでダブという言葉が他の意味で使われていたことが、音楽の文脈での使用を定着させるのに役立った可能性がある。最も頻繁に使われた意味は、エロティックなダンスまたは性交のいずれかを指していた。[ 15 ]このような用法は、例えばシルバートーンズの「 Dub the Pum Pum」（ここでpum pumはジャマイカのスラングで女性器を意味する）、ビッグ・ジョーとフェイの「Dub a Dawta」（dawtaはジャマイカのパトワで娘を意味する）など、レゲエの曲名によく見られる。I-ロイの「Sister Maggie Breast」には、セックスに関する言及がいくつかある。
俺は横でダブする んだ 妹よ、逃げることはできても隠れることはできない 滑って、ずるずるして、股間を大きく開かなきゃ 平和と愛は続く
しかし、これら3曲はいずれも、リミックスの手法としてダブがすでに普及していた後に録音されたものである。
デイヴィッド・トゥープによれば、「ダブ音楽は長いエコーディレイのようなもので、時間をループし、音楽シーケンスの合理的な秩序を感覚の海に変えます。」[ 16 ]
ダブ音楽は、既存の曲の「バージョン」または「ダブル」[ 17 ]を特徴としており、多くの場合インストゥルメンタルで、最初はほぼ必ずジャマイカの45回転レコードのB面にプレスされ、地元のサウンドシステムで人気のサウンドのためにドラムとベースを強調するのが一般的です。「バージョン」とは、DJが「トースト」（ジャマイカのラップの一種）するために作られた曲の別カットで、通常は元のボーカルの一部または全部が削除されています。これらの「バージョン」は、新しい要素で再録音することで新しい曲の基礎として使用されました。[ 18 ]インストゥルメンタルトラックは通常、エコー、リバーブなどのサウンドエフェクトで処理され、楽器とボーカルがミックスに出たり入ったりします。ボーカルや他の楽器の一部または全部が削除されると、ベースギターが強調される傾向があります。音楽には、鳥のさえずり、雷と稲妻、水の流れる音、プロデューサーがミュージシャンに指示を叫ぶ音などの他のノイズが含まれることもあります。ライブDJによってさらに強化されることもあります。様々な反響と音量を持つ幾重にも重なった音は、しばしばサウンドスケープ、あるいはサウンドスカルプチャーを作り出すと言われ、音そのものだけでなく、音と音の間の空間の形や深さにも注意を向けさせる。効果は電子的に作られているにもかかわらず、音楽には通常、独特の有機的な感覚がある。[ 17 ] [ 19 ]
これらのトラックは、韻を踏んだ頭韻を多用した歌詞をラップする「トースター」によく使われます。これらは「DJバージョン」と呼ばれます。サウンドシステムベースのレゲエでは、マイクを使用するパフォーマーは「DJ」または「ディージェイ」と呼ばれ（他のジャンルでは、このパフォーマーは「MC」（「マスター・オブ・セレモニー」の略）と呼ばれるか、あるいは後に発展したスラングである「マイク・コマンダー」または「マイク・コントロール」と呼ばれることもあります）、音楽を選びターンテーブルを操作する人は「セレクター」（他のジャンルではDJと呼ばれることもあります）と呼ばれます。
複数のバージョンを制作する主な理由は経済的なものであった。レコードプロデューサーは、所有する録音を使って、1回のスタジオセッションから多数のバージョンを制作することができた。バージョンはまた、プロデューサーやリミックスエンジニアが実験し、より創造的な側面を表現する機会でもあった。バージョンは通常シングルのB面であり、実験やDJがトークをするための素材として使われ、A面は多くの場合、オリジナルのボーカル中心のトラックに充てられていた。1970年代には、ダブトラックのLPが制作され始めた。これらは、さまざまな形で制作された。通常は1人のプロデューサーによる、さまざまなシングルで以前に使用されたリディムの新しいダブミックスのコレクション。既存のボーカルLPのダブバージョンで、すべてのトラックのダブミックスを収録したもの。または、最もまれなケースではあるが、これまで未発表だったオリジナルのリディムをダブスタイルでミックスしたもの。
ダブ音楽とトースティングは、レゲエ音楽に新たな創造性の時代をもたらしました。トースティングとダブ音楽は、その始まりから共に発展し、互いに影響を与え合ってきました。サウンドシステム文化の発展はジャマイカのスタジオ技術の発展に影響を与え、[ 20 ]デューク・リードやプリンス・バスターなど初期のDJたちは、レゲエのインストゥルメンタル・バージョンに合わせてトースティングを行い、インストゥルメンタル・レゲエ音楽を開発しました。[ 21 ]
1968年、ジャマイカのキングストンでサウンドシステムオペレーターのルドルフ・“ラディ”・レッドウッドは、デューク・リードのトレジャー・アイル・スタジオに行き、パラゴンズのヒット曲「オン・ザ・ビーチ」のダブプレートを1枚だけ録音した。エンジニアのバイロン・スミスは誤ってボーカルトラックを抜き残したが、レッドウッドはそれを保管し、次のダンスパーティーで、彼のディージェイのワッシーがリズムに合わせてトースティングする中、それをかけた。 [ 22 ]インストゥルメンタルレコードはサウンドシステムの人々を興奮させ、彼らはインストゥルメンタルに合わせてボーカルトラックの歌詞を歌い始めた。この発明は成功し、ラディはその日、インストゥルメンタルを30分から1時間連続でかける必要があった。[ 23 ]翌日、これを目撃したバニー・リーはキング・タビーに、人々はインストゥルメンタルトラックが大好きなので、もっとインストゥルメンタルトラックを作る必要があると伝え、スリム・スミスの「エイント・トゥー・プラウド・トゥ・ベッグ」からボーカルをダブした。キング・タビーの革新的なアプローチにより、出来上がったインストゥルメンタル・トラックは、単にボーカルのないトラック以上のものとなった。キング・タビーはボーカルとインストゥルメンタルを入れ替え、最初にボーカルを演奏し、次にリディムを演奏し、最後にそれらをミックスした。この時点から、彼らはそのようなトラックを「バージョン」と呼ぶようになった。[ 23 ]別の情報源では、レゲエ・トラックのインストゥルメンタル・バージョンをレコードのB面に収録する慣習が始まったのは1968年ではなく1967年であるとしている。[ 24 ]
スタジオ・ワンでは、インストゥルメンタル・トラックやスタジオ・ミキシングを実験する最初の動機は、リディムに「フィーリング」を持たせて、例えば歌手が快適に歌えるようにすることだった。[ 23 ]
ミキシングを実験するもう一つの理由は、サウンドシステム間の競争でした。サウンドシステムのサウンドマンは、ダンスで演奏するトラックを毎回少しずつ変えたいと考え、スタジオから同じレコードを複数枚注文し、それぞれに異なるミックスを施しました。[ 25 ]
1973年までに、複数の独立した競争的な革新者、エンジニア、プロデューサーの努力により、様々なスタジオから生み出されたインストゥルメンタル・レゲエの「バージョン」が、レゲエのサブジャンルとして「ダブ」へと進化を遂げた。
エロール・トンプソンがエンジニアリングを担当し、デリック・ハリオットが「サウンドエフェクト」を手がけた、デリック・ハリオット＆ザ・クリスタライツの革新的なアルバム『ジ・アンダーテイカー』は、1970年のリリース当時、純粋なインストゥルメンタル・レゲエ・アルバムの先駆けの一つだった。
1973年、少なくとも3人のプロデューサー、リー・“スクラッチ”・ペリーとアクエリアス・スタジオのエンジニア兼プロデューサー・チームであるハーマン・チン・ロイとエロール・トンプソンは、この新しい「ダブ」サウンドに活発な市場があることを同時に認識し、その結果、ダブのみで構成された最初のアルバムをリリースし始めた。1973年の春、リー・“スクラッチ”・ペリーはキング・タビーと共同でミックスしたUpsetters 14 Dub Blackboard Jungleをリリースした。これは一般的に「Blackboard Jungle Dub」として知られている。これはこのジャンルの画期的な録音と考えられている。[ 26 ]
1974年、キース・ハドソンは名盤『Pick a Dub』をリリースした。これは、LPに収録されることを目的としてダブ・スタイルでミックスされたトラックを収録した、意図的にテーマを定めた最初のダブ・アルバムとして広く認識されている。また、キング・タビーはデビュー・アルバム『At the Grass Roots of Dub』と『Surrounded by the Dreads at the National Arena』をリリースした。
ダブは進化を続け、音楽の流行の変化に伴い人気が浮き沈みを繰り返してきた。レゲエのシングルのほとんどすべてにB面にインストゥルメンタル・バージョンが収録されており、これらは今でもサウンドシステムにおいて、ライブシンガーやDJのためのキャンバスとして活用されている。
1976年、日本のバンドMute Beatはスタジオ機材ではなくトランペットなどの生楽器を使ってダブミュージックを作り、クラブミュージックの先駆けとなった。[ 27 ]
1970年代、イギリスはダブ制作の新たな中心地となり、マイキー・ドレッド、マッド・プロフェッサー、ジャー・シャカなどが特に有名になった。また、この時代は、UB40やザ・クラッシュを手がけたマイキー・ドレッド、エイドリアン・シャーウッド、そして彼のレーベルOn-U Soundに所属するアーティストなど、よりハードで実験的なプロデューサーの作品にもダブの影響が顕著に表れた時期でもあった。ポストパンクと呼ばれる多くのバンドはダブから大きな影響を受けていた。ポリス、ザ・クラッシュ、UB40といったより有名なバンドはダブの普及に貢献し、UB40の『Present Arms In Dub』はイギリスのトップ40にランクインした最初のダブ・アルバムとなった。
この時期（1970年代初頭）にレゲエがB面ダブ・ミックスを流用していたのと並行して、アメリカ（主にニューヨーク州とニュージャージー州）のポスト・ディスコ・レコード・プロデューサーたちが、著名なDJたちと協力して、12 インチ・シングルに別バージョンのダブ・ミックスを収録することを決定し、「リミックス」の時代を先取りした。これは、ピーチ・ボーイズの「Don't Make Me Wait」、トニー・リーの「Reach Up」、そして主にニューヨーク市のレーベルであるプレリュードやウエスト・エンドに所属するアーティストたちの作品に反映されている。前述のミックスでは、レコードのビートが強調され、「不要な」ボーカル・パートが削除され、他のレコードと重ねて再生するキー・セクションを選び出すなど、DJが扱いやすいように工夫されており、ダンスフロア効果を高めている。
現代の例としては、「ダブトロニカ」、「ダブテクノ」、「ステッパーズ」、またはダブ音楽に影響を受けた電子音楽などと呼ばれるものもある。[ 28 ]
イェール大学のマイケル・ビール教授は、ダブを「社会が自らを裂いている音」と表現した。彼の著書『スターシップ・アフリカ』では、アフリカ系ディアスポラは「リバーブ／ディレイ装置の多用と楽曲表面の断片化」によってダブに反映されていると述べており、 リバーブの使用は「ディアスポラの状態を表す音響的メタファー」であると考えている。ビールは、ダブの制作者はエコーとリバーブを使って、リスナーにアフリカ文化の記憶を呼び起こそうとしたと書いている。[ 29 ]キング・タビー、リー・ペリー、エロール・トンプソン、マッド・プロフェッサー、ジャー・シャカ、デニス・ボベル、リントン・クウェシ・ジョンソンはロックミュージシャンに影響を与えた。 1980年代以降、ダブはテクノ、ダブトロニカ/ダブテクノ、ジャングル、ドラムンベース、ダブステップ、ハウスミュージック、パンクとポストパンク、トリップホップ、アンビエントミュージック、ヒップホップに影響を受け、また、エレクトロニックなダブサウンドでこれらのジャンルに影響を与えてきました。カルチャー・クラブ[30]、ビル・ラスウェル、ジャー・ウォブル、ニュー・エイジ・ステッパーズ[ 31 ] 、パブリック・イメージ・リミテッド、ザ・ポップ・グループ、ザ・ポリス、マッシヴ・アタック、ザ・クラッシュ、エイドリアン・シャーウッド、キリング・ジョーク[ 32 ] 、バウハウスなどのミュージシャンやバンドは、それぞれのジャンルでダブの影響を明確に示しており、彼らの革新はダブジャンルの主流に影響を与えています。
1987年、アメリカのグランジロックバンドSoundgardenは、Ohio Playersの曲「Fopp」のダブバージョンを、より伝統的なロックカバーバージョンと併せてリリースした。[ 33 ] 1990年代後半には、イギリスのUnity Dubのように、これらのミュージシャンの音楽を専門にプレイするDJが登場した。
ブラジル人ジャーナリスト、ブルーノ・ナタール監督のドキュメンタリー映画『ダブ・エコーズ』（SoulJazz Records、2008年）は、ダブの誕生とその広がりを、当時を知る人々の声を通して描いている。リー・ペリー、バニー・リー、スライ＆ロビー、U-ロイ、エイドリアン・シャーウッド、シーヴェリー・コーポレーション、ベースメント・ジャックス、コード9など、40人以上の重要人物へのインタビューを通して、この映画はダブ、ヒップホップ、エレクトロニック・ミュージックの繋がりを明らかにし、ジャマイカで生まれたダブがレコーディング・スタジオを楽器へと変貌させ、今日耳にする多くの音楽の基礎を築いた様子を示している。
イギリス、ヨーロッパ、アメリカでは、インディーズのレコードプロデューサーたちがダブの制作を続けている。ザ・マーズ・ヴォルタを結成する以前、セドリック・ビクスラー、オマー・ロドリゲス、その他のメンバーは、1999年からデ・ファクトという名義で一連のダブ・アルバムを録音していた。
1960年代後半にダブが誕生して以来、その歴史はイギリスのパンク・ロック・シーンの歴史と密接に結びついてきた。ザ・クラッシュは、リー・スクラッチ・ペリー（ジュニア・マーヴィンと共作した「ポリス・アンド・シーヴス」はザ・クラッシュのファースト・アルバムでカバーされている）やマイキー・ドレッド（サンディニスタ！アルバム）といったジャマイカのダブ・レゲエのクリエイターたちとコラボレーションを行った。また、レゲエの影響を受けたパンク・グループ、ザ・ラッツのマルコム・オーウェン脱退後のイギリスのグループ、ラッツDCは、マッド・プロフェッサーの専門知識を得て、リズム・コリジョン・ダブ・ボリューム1 （ロワール・セッション）をリリースした。アメリカの多くのパンク・ロック・バンドは、1980年代に結成され、最も影響力のある作品をリリースしたワシントンDCのラスタ・パンク・バンド、バッド・ブレインズを通じてダブに触れた。ブラインド・イディオット・ゴッドは、より速く激しいノイズロックのトラックと並んでダブ音楽を演奏した。ダブは90年代のパンクロックグループにも取り入れられ、ランシドやNOFXなどのバンドはダブスタイルのオリジナル曲を作曲した。[ 34 ]スカパンクと見なされるバンドは、ダブの影響を受けた曲を演奏することが多い。最初に人気を博したバンドの1つがサブライムで、彼らのアルバムにはダブのオリジナル曲とリミックスの両方が収録されていた。彼らはその後、 Rxバンディッツやロングビーチ・ダブ・オールスターズなどの最近のアメリカのバンドに影響を与えた。さらに、ダブはノー・ダウトなどのバンドを含むいくつかのタイプのポップにも影響を与えた。ノー・ダウトの5枚目のアルバム、ロック・ステディには、リバーブやエコーなどの人気のダブサウンドが多数収録されている。バンド自身が述べているように、ノー・ダウトはジャマイカの音楽美学や制作技術に強く影響を受けており、アルバム『ロック・ステディ』はジャマイカのキングストンでレコーディングされ、アルバム『エヴリシング・イン・タイム』のB面にはダブの影響を受けた楽曲が収録されている。ノー・ダウトのようなポップ・スカ・バンドがダブの系譜の一部とみなせるかどうかについては、いまだに議論が続いている。セイヴ・フェリスやヴィンセントなど、ノー・ダウトに倣ってポップ・スカとダブの影響を融合させたバンドも存在する。
イギリスのパンクバンドの中にもダブ音楽を制作しているバンドがある。Capdownはアルバム『Civil Disobedients』をリリースし、収録曲「Dub No. 1」を披露している。Sonic Boom SixやThe King Bluesはダブから大きな影響を受けており、このジャンルを独自のパンクの倫理観や姿勢と融合させている。セックス・ピストルズの元メンバーであるジョン・ライドンが率いるポストパンクバンド、 Public Image Ltdは、特に初期の楽曲において、Jah WobbleやJonas Hellborgといったメンバーのベーシストを通して、ダブやレゲエの影響を受けたベースラインを頻繁に使用している。1986年に全英チャートで11位を獲得した彼らの楽曲「Rise」では、ダブ／レゲエの影響を受けたベースラインが使われている。
イギリスのポストパンクバンド、バウハウスはダブ音楽から大きな影響を受けており、バウハウスのベーシスト、デイヴィッド・Jは、彼らの代表曲「ベラ・ルゴシズ・デッド」は「我々のダブ解釈だ」と述べている。[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]
Rideのようなシューゲイザーバンドは、楽曲「King Bullshit」や「Time Machine」のイントロでダブを探求し、実験してきた。Slowdiveも「Souvlaki Space Station」やインストゥルメンタル曲「Moussaka Chaos」でダブの影響を証明しており、Kitchens of Distinctionは「Anvil Dub」をリリースしている。
イギリスのロックバンド、マリリオンのボーカリスト、スティーブ・ホガースは、2001年のアルバム『アノラクノフォビア』にダブの影響があったことを認めた。[ 38 ]
ドゥームメタルバンドOMの創設者でありベーシストであるアル・シスネロスは、レゲエとダブが彼のベース演奏スタイルに与えた影響について公言している。[ 39 ]
インダストリアル・メタル・バンドのGodfleshは、アルバムのダブ・バージョンを2枚リリースしている。1997年に同バンドはLove and Hate in Dub （前年のSongs of Love and Hateのリミックス）をリリースし、2024年にはA World Lit Only by Dub （2014年のA World Lit Only by Fireのリミックス）をリリースした。 2025年10月、ロンドンのScala会場で行われたGodfleshのパフォーマンスの一環として、5曲入りの「In Dub」セットがライブで演奏された。このパフォーマンスは、 1997年のLove and Hate in Dubのトラックのパフォーマンス以来、バンドにとって初のライブ・ダブ・セットとして注目された。GodfleshのJustin Broadrickによるエレクトロニック・ソロ・プロジェクトであるJK Fleshも、ダブ・ミュージックの影響を受けている。
伝統的なダブは生き残り、リー・スクラッチ・ペリーやマッド・プロフェッサーなど、ダブの創始者の一部は21世紀に音楽を制作している。新しいアーティストは伝統的なダブのサウンドを維持し続けており、多少の変更を加えているものもあるが、ライブ環境でサウンドのオリジナル特性を再現することに重点を置いている。これらのアーティストには、オーストリアのウィーンのDubblestandart （リー・スクラッチ・ペリーと共同でアルバムReturn from Planet Dubを録音し、ライブでも共演している）、スウェーデンのLiquid Stranger、ニューヨーク市のアーティストであるTicklah （ Victor Axelrod、Earl Maxton、Calbert Walker、Douglass & Degrawとしても知られる）、 Victor Rice、Easy Star All-Stars、Dub Trio（Mike Pattonと録音やライブで共演し、現在はMatisyahuのバックバンドとしてツアー中）、Subatomic Sound System（リー・スクラッチ・ペリーやAri Upの作品をリミックスしている）、Dub Is a Weaponなどがいる。キング・ジャンゴ、ドクター・イスラエル、ニューヨーク州ロチェスターのジャイアント・パンダ・ゲリラ・ダブ・スクワッド、サンフランシスコとコロラドのヘビー級ダブ・チャンピオン、ガウディ、ツイステッド・レコード、ブーム・ワン・サウンド・システム、ブーム・ワン・レコードのレーベルから数々の影響力のあるアルバムをリリースしているイギリスのオット、ロサンゼルスのフューチャー・ピジョン、ジャタリ・レーベルのディスラプトやルータなどのドイツ人アーティスト、オランダのトワイライト・サーカス、コスタリカのムーンライト・ダブ・エクスペリメント、フランスのスタンド・ハイ・パトロール。キューバのビッグバンドとダブのテクニックをミックスしたバドヌバックの作品では、ダブのテクニックのより折衷的な使用が明らかである。現代のダブ・プロデューサー、ライアン・ムーアは、トワイライト・サーカス・プロジェクトで批評家から高い評価を受けている。 2022年に、アルゼンチンのアーティスト兼ダブ・エンジニアのエルナン・“ドン・キャメル”・スフォルツィーニがプロデュースしたスライ＆ロビー対ルーツ・ラディックスの「ザ・ダブ・バトル」がリリースされた。この作品は、2019年にグラミー賞にノミネートされたアルバム「ザ・ファイナル・バトル」全曲をダブ化した、ダブ界のレジェンドたちを1枚のアルバムに集めた初の作品である。このアルバムには、リー・“スクラッチ”・ペリーとバニー・“ストライカー”・リーがプロデュースした最後のダブに加え、キング・ジャミー、マッド・プロフェッサー、デニス・ボベル、ドン・キャメルがプロデュースしたダブ・バージョン、そしてキング・タビーの未発表ダブ・バージョン2曲が収録されている。[ 40 ]
ダブ音楽は、アフロフューチャリズムの文化的美学と対話している。ジャマイカから生まれたこのジャンルは、離散、疎外、そして記憶の経験を反映した文化を持つディアスポラの人々の産物と見なされている。ダブのアーティストは、空間を満たすサウンドスケープ、かすかなエコー、そして楽曲内の反復を創造することで、時間の非線形性や過去の音を未知の未来空間に投影するといったアフロフューチャリズムの概念に触れることができる。1982年のエッセイ[ 41 ]で、ルーク・エーリックは、ダブを次のような観点から説明している。
ダブによって、ジャマイカ音楽は完全に宇宙へと旅立った。レゲエが新世界におけるアフリカだとすれば、ダブは月面におけるアフリカと言えるだろう。それは、私が60年代に聴くことを期待していたのに、実際には聴けなかったサイケデリックな音楽だ。ベースとドラムは、暗く広大な空間、宇宙の音楽的肖像を想起させる。音は輝く惑星のように宙に浮かび、楽器の断片は彗星や流星のように軌跡を残しながら疾走していく。ダブは万華鏡のような音楽的モンタージュであり、元々は別の楽曲の構成要素として意図されていた音を素材として用い、それらを新しい、異なる音へと変換する。そして、独自のリズムとフォーマットで、これらの新しい音を絶えず再編成し、異質な組み合わせを生み出すのだ。
同時に、ダブ音楽が黒人音楽の正典において果たす役割は、その音楽が生まれたディアスポラのテーマを際立たせている。反響や残響の音響構造により、ダブは奴隷制の結果として生じたアフリカ系ディアスポラの世代的トラウマを象徴する夢のような世界を作り出すことができる。[ 42 ]このダブの理解は、暴力を含むディアスポラに関連する暗い感情を引き受ける力をダブに与えている。キング・タビーのダブ・ミックスでは、タイヤのスキール音、銃声、警察のサイレンなどの音響要素が聞こえる。[ 43 ]アーティストのアーサー・ジャファは、1994年に黒人デザイナー協会会議の基調講演でダブ音楽とディアスポラについて次のように述べている。 [ 43 ]
私たち（アフリカ系アメリカ人）がコミュニティとしてどのような存在であるかを再構築する集団体験。重要な原始的な場所の1つは、奴隷貿易の中間航路でしょう。ある集団に向けられた恐怖のレベルを理解すれば、それがアフリカ系アメリカ人コミュニティに与えた規模、影響、トラウマのレベル、そしてそれが「アフリカ人の精神」をアフリカ系アメリカ人の精神の始まりへと再構築した最も初期の集団体験の1つであったことが、ある程度理解できるようになります。...例えば、黒人音楽を見ると、この不在、喪失、知らないという感覚全体を取り戻すことに関する特定の構造が見られます。私が考えていることの1つはダブ音楽です...それは、音楽の構造が何かが抜け落ちて戻ってくること、つまりディアスポラの黒人の経験全体に非常に共通する喪失、断絶、修復という感覚全体を取り戻すことなので、共通の経験を本当に語ることになります。
ウィリアム・ギブソンは、1984年のSF小説『ニューロマンサー』の中で、吹き替えについて頻繁に言及している。
作業を進めるうちに、ケースは次第に、その集団の中で絶えず脈打つ音楽に気づいた。それはダブと呼ばれるもので、膨大なデジタル化されたポップミュージックのライブラリーから生み出された官能的なモザイクだった。モリーは、それは崇拝であり、共同体意識でもあると言った。ケースは黄色のシーツの一枚を吐き出した。それは軽かったが、それでも扱いにくかった。ザイオンは、調理された野菜、人間らしさ、そしてガンジャの匂いがした。
「我々は多くの周波数を監視している。常に耳を傾けている。すると、様々な言語の喧騒の中から声が聞こえてきた。それは我々に力強いダブを聴かせた。」
ジャマイカのサウンドシステムを最も簡潔に説明すると、音楽の増幅と拡散を行う機械システムを扱う人物のことです。これにはターンテーブル、スピーカー、PAシステムなどが含まれます。このシステムにおいて、ディージェイとはレコードに合わせて話す人のことです。これは、音楽イベントで選曲を担当する人を指すアメリカの用語であるDJとは混同しないように注意が必要です。この役割はサウンドシステムのダブ文化ではセレクターと呼ばれ、特にジャマイカのダンスホールではシステムにおいて重要な役割を果たしています。
サウンドシステムは、60年以上にわたりジャマイカの音楽制作において重要な位置を占めてきました。サウンドシステムとダブ音楽の真の重要性と関係性は、ダブ音楽の源泉となったダブアウト・バージョンに見出すことができます。これらのダブアウト・バージョンは、ボーカルを除いたオリジナル・トラックで構成されていました。レゲエのサウンドスケープとジャマイカのサウンドシステムを通して、ダブ・アーティストはこれらのダブアウト・バージョンやリミックスを創造的に操作することができました。これらのダブ・リミックスは、エフェクトやボーカル・サンプルの影響を強く受けており、ダブの発展に不可欠でした。リミックスは、しばしばバージョンと呼ばれ、特定のレコードのB面でした。ダブ・ミュージシャンは、曲にダブの影響と雰囲気を与えるために、バージョンに劇的なポーズやブレイクダウンを追加しました。サウンドシステムを使用してダブ・トラックを作成するアーティストは、特定のレコードのリミックスの作成をバージョンと呼んでいました。サウンドシステムの環境では、バージョンによって、DJによるボーカルの即興演奏や表現がより多く可能になります。これらのリミックスやバージョンは、ジャマイカのサウンドシステムとその長年にわたる発展なしには実現しなかっただろう。
1962年にジャマイカがイギリスから独立した当時、文化は激動の時代を迎えており、国は一種のアイデンティティ危機を経験していた。40年代から50年代にかけて、ジャマイカの聴衆は地元で制作された音楽よりもアメリカのR&Bレコードを好むようになっていた。ジャマイカのサウンドシステム文化とダブ音楽は、この国の発展における重要な時期に、ジャマイカの音楽形式をジャマイカの国民的文化アイデンティティに定着させるのに役立った。[ 44 ]
デヴィッド・J：「私たちはレゲエ、特にダブに大きな影響を受けました。つまり、基本的に
ベラは
ダブに対する私たちの解釈だったんです。」
。これらの基本要素から、「Bela Lugosi's Dead」はパーカッションのみで始まり、タッピングやガラガラというリズムに3音のベースラインが徐々に入り込み、その後、Ashの加工されたギターが滑り込み、最も雰囲気のあるダブをエコーしながら響き渡ります。