ジム・ダイン

ジム・ダイン
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生まれる	ジェームズ・ルイス・ダイン (1935-06-16) 1935年6月16日（89歳） シンシナティ、オハイオ州、米国
教育	オハイオ大学 シンシナティ大学
知られている	絵画、デッサン、彫刻、版画、写真、ハプニング、アサンブラージュ、詩
配偶者	ナンシー・リー・ミント

ジム・ダイン（1935年6月16日生まれ）はアメリカの芸術家である。ダインの作品には、絵画、デッサン、版画（リトグラフ、エッチング、グラビア、凹版、木版画、活版印刷、リノカットなど多くの形式）、^[1]彫刻、写真などがある。初期の作品にはアサンブラージュやハプニングが含まれていたが、近年は詩の出版や朗読の形での作品が増えている。^[2]

ダインは、ネオ・ダダ（コラージュや拾い物の使用）、抽象表現主義（絵画のジェスチャー的性質）、ポップアート（道具、ロープ、衣服、さらには洗面台などの日常的な物をキャンバスに貼り付ける）など、多くの芸術運動と関連付けられていますが、^[3]彼はそのような分類を避けています。特定の作品の媒体に関係なく、彼の芸術の核心には、心臓、バスローブ、道具、アンティーク彫刻、ピノキオのキャラクター（植物、頭蓋骨、鳥、具象的な自画像とともに）を含む多くの個人的なモチーフを通じた強烈な自伝的反省、執拗な自己探求と批判があります。ダインのアプローチは包括的である。「ダインの芸術は、その進化に意識の流れの性質を持ち、彼の人生のあらゆる側面、つまり彼が読んでいる本、世界中の土産物店で見つけた物、彼自身の実践に役立つと彼が理解しているあらゆる時代と場所の芸術の真剣な研究に基づいている。」^[4]

ダインはこれまでに300回を超える個展を開催しており^[5] 、その中にはニューヨークのホイットニー美術館（1970年） 、ニューヨーク近代美術館（1978年）、ミネアポリスのウォーカー・アート・センター（1984-85年）、ミシガン州グランドラピッズのフレデリック・マイヤー庭園＆彫刻公園（2011年）、エッセンのフォルクヴァンク美術館（2015-16年）での回顧展も含まれる。作品はシカゴ美術館、ニューヨークのメトロポリタン美術館、パリのポンピドゥー・センター国立近代美術館、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー、ニューヨークのグッゲンハイム美術館、ロンドンのテート・ギャラリー、東京の東京都美術館、コネチカット州ニューヘイブンのイェール大学アートギャラリーなどの常設コレクションに収蔵されている。^[6]

ダインの功績には、ニューヨーク芸術文学アカデミーへのノミネート(1980 年)、芸術文化勲章コマンドール(2003 年)、2014 年に大英博物館に 234 点の版画を寄贈したことを受けての大英博物館メダル (2015 年) などがあります。ローマのアカデミア・ディ・サン・ルカ会員（2017年）、騎士団騎士団員レジオン ドヌール勲章(2018)。^[7]

ダインは1952年、ウォルナットヒルズ高校在学中に16歳の時にシンシナティ美術アカデミーの夜間コースに入学した。 ^{[8 ]}これは、彼の芸術家としての使命と高校での適切な訓練の欠如の両方が動機となった決断だった。「私は常に自分が芸術家であることを知っていました。その頃は高校生活に合わせようとしましたが、芸術的に自分を表現したかったのに、通っていた学校にはそのための設備がなかったので、難しいと感じました。」^[10] 1954年、まだ夜間コースに通っていたディーンは、ポール・J・ザックスの『近代版画と素描』（1954年）のコピーに触発され、特にエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー（1880年 - 1938年）、エミール・ノルデ（1867年 - 1956年）、マックス・ベックマン（1884年 - 1950年）の作品を含むドイツ表現主義の木版画の複製に衝撃を受け、当時一緒に住んでいた母方の祖父母の地下室で木版画を作り始めた。^[11]

高校卒業後、ダインはシンシナティ大学に入学したが、満足できなかった。「彼らには美術学校はなく、デザイン学校があった。私は半年間そこに通った。馬鹿げていたよ。[…] 私がやりたかったのは絵を描くことだけだったんだ。」^[12]友人の勧めで、アセンズのオハイオ大学で演劇を専攻していたダインは1955年に同大学に入学した。彼はそこで「圧倒された」と回想しているが、それは設備ではなく、「アパラチア山脈の麓に牧歌的な自由を感じた。そこでは自分が成長し、アーティストになれるかもしれないと思った。」^[12]版画教師ドナルド・ロバーツ（1923–2015）のもとで、ダインはリトグラフ、エッチング、凹版画、ドライペイント、木版画を試した。ロバーツの勧めで、ダインはボストン美術館付属美術学校でトゥーレ・ベングツ（1907-73）に6か月間師事し、その後オハイオ大学に戻り、1957年に美術学士号を取得して卒業した（教員の許可を得て、絵画や版画を制作するためにさらに1年間留まった）。^[8]

1958年、ダインはニューヨークに移り、ローズ・スクールで教鞭を執った。^[13]同年、グリニッチ・ヴィレッジのジャドソン教会にクレス・オルデンバーグ、マーカス・ラトリフとともにジャドソン・ギャラリーを設立し、やがてアラン・カプロー、ボブ・ホイットマンと出会う。彼らはハプニングやパフォーマンスの先駆者となり、その中には1959年のダインの『微笑む労働者』も含まれる。 ^[14]ダインの初の展覧会はルーベン・ギャラリーで、彼はここで手の込んだパフォーマンス『カー・クラッシュ』（1960年）も上演した。^[14]ダインはこれを「大きな白いビーナスが話す音と言葉の不協和音と、私のそばにいる動物のうなり声や遠吠え」と表現している。 [ ^15]初期の重要な作品としては他に、拾った物や路上の残骸を組み込んだ環境作品『ザ・ハウス』（1960年）があり、ジャドソン・ギャラリーに設置された。^[16]

ダインは、日常的な品物（私物を含む）を作品に取り入れ続け、^{[3]それが彼をポップアートと結びつけた。この親和性は、}ウォルター・ホップスがキュレーションし、後にアメリカのポップアートの初の組織的調査として引用された、パサデナ美術館での1962年の影響力のある展覧会「日常的な品物の新しい絵画」に彼の作品が含まれたことでさらに強まった。この展覧会には、ロバート・ダウド、ジョー・グッド、フィリップ・ヘファートン、ロイ・リキテンスタイン、エドワード・ルシェ、ウェイン・ティーボー、アンディ・ウォーホルらの作品が含まれていた。^{[17] [18]}しかし、ダインは一貫してポップアートから距離を置いている。「私はポップアーティストではありません。私は主観的すぎるので、この運動の一部ではありません。ポップは外部に関心があります。私は内部に関心があります。私が物を使うとき、私はそれらを感情の語彙として見ています。[…]私が作品でやろうとしているのは、物理的な観点から自分自身を探求することです。つまり、自分の感性の観点から何かを説明することです。」^[19]

1960年代初頭から、ダインは自らを探求するためのモチーフの選択を洗練させ、無数の形式と媒体を用いて、また様々な場所やスタジオで制作を行ってきた。その場所やスタジオには、ロンドン（1968年～1971年）、バーモント州パトニー（1971年～1985年）、ワシントン州ワラワラ（1983年～）、パリ（2001年～）、そしてゲッティンゲン（2007年～）などがあり、そのスタジオは彼の著書の大半を印刷・出版しているシュタイドルの敷地に隣接している。 ^[20]

ダインは1964年に初めてバスローブを描いたが、当時は「ただ自画像を描くのはクールではなかった」時代に、新しい形式の自画像を模索していた。^[21]こうして彼は自分の顔を描かないアプローチを思いついた。^{[22]その後、ダインは}ニューヨーク・タイムズ・マガジンの広告でバスローブの画像を見て、^[21]それを代理の自画像として採用し、それ以来、さまざまな程度の写実主義と表現主義でそれを描いてきた。

ダインは当初、1965年から66年にかけてサンフランシスコのアクターズワークショップで上演されたウィリアム・シェイクスピアの『夏の夜の夢』で、パックというキャラクターの頭上に吊るされた赤いサテンの大きなハートという形でこのモチーフを表現した。この舞台装置も彼が手がけた（このモチーフとの出会いは、学生時代に見た、白い背景に描かれた一連の赤いハートだった）。^[23]やがて、ハートは、ディーンにとって「絵の具を塗ることができる普遍的なシンボル」となり、「自然界で見つけられるものと同じくらい地理的に優れた構造物。それは一種の風景であり、その風景の中では何でも育てることができ、実際に育てたと思う」ようになった。^[24]ハートの形式的なシンプルさにより、彼はそれを完全に自分のものとして主張できる主題、つまり、変化する自分を投影するための継続的な実験のための空の容器にした。ハートが愛の普遍的な象徴であるという地位は、ダインの創造行為への献身をさらに反映している。「…私が恋に落ちたのは、これらのハート、つまりこの芸術を作るためにここに置かれたという事実だった。この方法、芸術を作るという行為にも同様の愛の感覚がある…」^[25]

「この人形に命を吹き込むことは素晴らしい物語です。それは芸術の作り方の物語なのです」—ジム・ダイン^[26]カルロ・コッローディの『ピノキオの冒険』 （1883年）の主人公である少年ピノキオというキャラクターに対するダインの関心は、6歳のときに母親と一緒にウォルト・ディズニーのアニメ映画『ピノキオ』 （1940年）を見た幼少期にまで遡ります。「それはずっと私の心から離れません！」^[27]この形成的な経験は、1964年に道具を買っているときに、ディーンがピノキオの精巧な像を発見したときに深まりました。「それは手描きで、紙張りの頭と美しい小さな服と関節のある手足がありました。私はそれを家に持ち帰り、25年間棚に保管していました。何もしませんでした。どうしたらいいのか分かりませんでしたが、いつも私と一緒にいました。引っ越したときは、それを本棚に置いたり、引き出しに入れて取り出したりして、基本的にそれで遊んでいました。」^[28]しかし、ディーンがピノキオを芸術で表現したのは1990年代になってからで、最初は二連画でした。次のピノキオは1997年のヴェネツィア・ビエンナーレとシカゴのリチャード・グレイ・ギャラリーでの展覧会で展示されました。^[26]それ以降の注目すべき描写には、2006年にパリのアトリエ・マイケル・ウールワースで印刷された41色のリトグラフがあります。^[29]コッローディの文章とディーンの挿絵を組み合わせた書籍『ピノキオ』（シュタイドル、2006年）、高さ9メートルの2体の巨大なブロンズ彫刻：スウェーデンのボロースにある『ボロースへの散歩』（2008年）と韓国の釜山にある『釜山ピノキオ』（2013年）、そしてシンシナティ美術館にある高さ12フィートのブロンズ像『ピノキオ（エモーショナル）』 （2012年）。 ^[30]近年、ディーンはピノキオのキャラクターを、少年人形を製作する才能ある木彫り職人のジェペットへと移している。^[31]

「私は古代世界、つまりギリシャ・ローマ社会に敬意を抱いています。これは常に私の興味を引いていましたし、その産物も私にとって興味深いものです。また、文学、つまり歴史文学も興味深いのです。私は自分のやり方で過去とつながりたいという欲求を持っています…」—ジム・ダイン。^[32]ピノキオと同様に、ダインのアンティーク彫刻への興味は幼少期にまで遡ります。「私は子供の頃から『アンティーク』に興味がありました。母がシンシナティの美術館に連れて行ってくれて、そこに美しい作品がいくつかあったからです。」^[33] アンティークは、彼の初期の作品から存在していた。例えば、現在シカゴ美術館に所蔵されている「無題（ニケの勝利にちなんで）」 （1959年）は、サモトラケのニケ（紀元前200年頃）にインスピレーションを得た彫刻で、見つけたランプのフレームに掛けられ、針金で留められた彩色されたローブで構成されており、ダインは「ほとんどアウトサイダーアートのようだ」と表現し、ルーベンギャラリーで初めて展示した。^[34]彼がアンティークを最も頻繁に表現するのは、パリで購入した小さな石膏像であるミロのヴィーナス（紀元前100年頃）である。彼は当初、1970年代の静物画にこの像を含めていたが、「その後、頭を落として自分のものにした」という。^[35]ディーンは特定の彫刻コレクションからもインスピレーションを得ており、例えば1984年に訪れたミュンヘンのグリプトテーク美術館のコレクションからインスピレーションを得て、1987年から88年にかけてリトグラフシリーズの準備として40点の「グリプトテーク・ドローイング」を制作した。 ^[36]この経験についてディーンは次のように回想している。「美術館の館長が夜に私を入館させてくれたので、一人だったので描いていた作品について瞑想することができました。歴史の時代と私とのつながり、そして私より何世紀も前にこれらの彫刻を彫った無名の男たちとのコミュニケーションを感じました。それは世代を超えて手を繋ぐ方法であり、私にとってはタンブルウィードのようにただ成長したのではなく、どこかから来たのだと感じさせてくれました。私は伝統に属し、それが私に必要な歴史を与えてくれました。」^[35] 古代の要素を取り入れた重要な最近の作品は、ダインの「詩人の歌（花のシーツ）」である。これは、踊る女性を描いた古代ギリシャの彫像にインスピレーションを得た高さ8フィートの木彫りで、高さ7フィートの自画像の頭部を囲むように配置されており、部屋の壁には「旅、喪失、芸術の可能性というオルペウス的なテーマ」を描いた長い詩が刻まれている。^[37]もともとは2008年から2009年にかけてロサンゼルスのJ・ポール・ゲティ美術館のゲッティ・ヴィラで展示され、紀元前350年から300年頃の絵画を彷彿とさせる。詩人とセイレーンの座像彫刻群（2）と未結合の断片的なカール（304）ゲッティンゲン美術館に所蔵されている^[38]ダインはその後、「詩人の歌（花のシーツ）」を、ゲッティンゲン美術館に隣接する特別に建設されたジム・ダイン・パビリオンに常設された場所固有のインスタレーションとしてアップデートした。

「私はこれらの物に魅了され続けました。」— ジム・ダイン。^[32]ピノキオやアンティーク彫刻と同様に、工具はダインの子供時代と切っても切れない関係にあるモチーフです。工具との出会いは、シンシナティでザ・セーブ・サプライ・カンパニーという金物店を経営していた母方の祖父、モリス・コーエンを通じてでした。ダインは少年時代に3年間コーエンと暮らし、19歳になるまで毎日彼と接していました。^[39]ダインは金物道具の中にハンマー、のこぎり、ドリル、ドライバーなどがあったことを覚えています。後に、ダインは土曜日にコーエンの店で働きました。^[40]

こうしてダインは、道具の実用的機能と美的可能性の両方に目覚めた。「陶器の便器や洗面台の美しいエナメルに感心しました。電線管の異なる色がロール状に並んでいることや、それが編み込まれていることにも感心しました。塗料部門では、カラーチャートが完璧な宝石箱のように見えました。」^[41]彼は「とてもとても美しい」真っ白な塗料の官能的な衝撃を思い出し、「ドライバーを差し込んで皮を破り、動かして遊んだものです。白いタフィーのようでした。亜麻仁油とテレピン油の素晴らしい香りがしました。」^[12]したがって、彼はそれらを「他の物と同じくらい神秘的で興味深い物です。ここには貴族階級はありません。」^[42]

原材料が芸術作品に変化していくことを象徴するモチーフとして、道具はディーンの作品の中で「人工的に手の延長となり、与えられた条件や対象をより体系的に形作り、形成することを効果的に可能にする」ものとして、また「人間の過去と手とのつながりを生み出す『主要な対象』」として、独特の地位を占めている。^{[44]ディーン}の表現によれば、道具は基本的に「『仕事』の比喩」である。^[32]

ディーンは、初期の作品から実際の道具を作品に取り入れてきた。例えば、道具が取り付けられた絵画である「ビッグ・ブラック・ワーク・ウォール」（1961年）や、道具の帯を締めた木製のヴィーナス像３体である「風と道具（用語集）」（2009年）などである。また、絵画、デッサン、写真、版画などの媒体で道具を表現している。^[45]道具を扱った素晴らしい版画シリーズとしては、 「共産主義の歴史」（2014年）があり、ベルリンの美術学校で見つかった石で作られたリトグラフの上に道具のモチーフを印刷した。このリトグラフには、ドイツ民主共和国の学生たちの40年にわたる作品が描かれている。^[46]ダインは、共産主義の象徴的な道具、ソ連の鎌と槌、ドイツ民主共和国のライ麦で囲まれたハンマーとコンパスを、自身の道具の語彙に重ね合わせることで、特定の「真実」の主張を揺るがし、「歴史は決して一貫した物語ではなく、たとえそれが隠れた動機でそのように提示される可能性はあっても、むしろ断片的で階層化された、複数の場所から構成されるプロセスである」ことを示している。^[47]

• 1965年 – イェール大学の客員講師、オハイオ州オバリン大学のアーティスト・イン・レジデンス
• 1966年 – ニューヨーク州イサカのコーネル大学で教職に就く
• 1993–95 – ザルツブルク国際夏期美術アカデミー、ザルツブルク
• 1995–96 – ベルリン音楽大学

• テッド・ベリガンと、アーツ・ラボ、ソーホー、ロンドン、1969年
• 詩プロジェクト、テッド・ベリガンとの共著、セント・マーク教会、ニューヨーク、1970年
• セグエ・シリーズ、ダイアナ・ミッチェナー、ヴィンセント・カッツ共著、バワリー・ポエトリー・クラブ、ニューヨーク、2005年
• ダイアナ・ミッチェナーとヴィンセント・カッツによるタンジェント読書シリーズ、ポートランド、2008年
• マルク・マーダーとダニエル・ユメールと共に朗読するバスティーユ、パリ、2010年
• マルク・マーダーと読むバスティーユ、ギャラリーEOF、パリ、2014年
• 詩プロジェクト、ドロシア・ラスキーとの共著、セント・マーク教会、ニューヨーク、2015年
• カレン・ワイザーと、ディア・アート財団、ニューヨーク、2016年
• ヴィンセント・ブロクア、サセックス大学、ブライトン、2017年
• ハウザー＆ワース、ニューヨーク、2018年
• 言葉の家（進行中）
• ギュンター グラス アーカイブ、ゲッティンゲン、2015
• マーク・マーダーと共著、ギャラリーEOF、パリ、2015年
• マーク・マーダー氏と、ポエトリー財団、シカゴ、2016年
• エクリヴァン・アン・ボール・ドゥ・メール、ラ・ボール、2017
• ダニエレ・ロッカート、ファブリツィオ・オッタヴィウッチとともに、サンティ・ルカ・エ・マルティナ教会、ローマ、2017
• 「In Vivo」、ダニエレ・ロッカート、ファブリツィオ・オッタヴィウッチとともに、ジョルジュ・ポンピドゥー・センター、パリ、2018

• 大英博物館
• ブリタニカ百科事典
• ジョナサン・ノヴァク現代アート
• 国立美術館、ワシントン D.C.
• ビクトリア国立美術館（メルボルン）
• ナショナル・ポートレート・ギャラリー、ロンドン
• 王立美術アカデミー
• スナイト美術館、ノートルダム大学、ノートルダム、インディアナ州
• シュタイドル