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ミルトン・アーネスト「ロバート」または「ボブ」ラウシェンバーグ（1925年10月22日 - 2008年5月12日）は、アメリカの画家でありマルチメディア・アーティストで、その作品はニューヨーク・スクール、コンセプチュアル・アート、ポップ・アート、ネオ・ダダなど、20世紀半ばの数多くの芸術運動と関連付けられています。ラウシェンバーグは、日常の物を芸術素材として取り入れ、絵画と彫刻の区別を曖昧にした作品群であるコンバイン（1954年 - 1964年）でよく知られています。ラウシェンバーグは主に画家と彫刻家でしたが、写真、版画、製紙、パフォーマンスにも取り組みました。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]
ラウシェンバーグは、60年近い芸術家としてのキャリアの中で数々の賞を受賞しました。中でも特に有名なのは、1964年の第32回ヴェネツィア・ビエンナーレにおける絵画部門の国際グランプリと、 1993年の国家芸術勲章です。 [ 4 ]
ラウシェンバーグは、2008年5月12日に亡くなるまで、ニューヨーク市とフロリダ州キャプティバ島で生活し、制作活動を行った。 [ 5 ]
ラウシェンバーグは、テキサス州ポートアーサーで、ドーラ・カロライナ（旧姓マッツォン）とアーネスト・R・ラウシェンバーグの息子としてミルトン・アーネスト・ラウシェンバーグとして生まれた。 [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]彼の父親はドイツ系、母親はオランダ系だった。[ 9 ]ラウシェンバーグは、父方の祖母ティナ・“タイニー”・ジェーン・ハワードがチェロキー族であると誤って主張した。[ 10 ] [ 11 ]彼の父親は、電力会社であるガルフ・ステーツ・ユーティリティーズで働いていた。彼の両親は原理主義キリスト教徒だった。[ 12 ]彼にはジャネット・ベグノーという妹がいた。[ 13 ] [ 14 ]
18歳の時、ラウシェンバーグはテキサス大学オースティン校に入学し、薬理学を学び始めたが、授業の難しさ（この時点では自分が失読症であることに気づいていなかった）と生物学の授業でカエルを解剖することへの抵抗感から、すぐに退学した。[ 15 ]彼は1944年にアメリカ海軍に徴兵された。カリフォルニアに拠点を置き、1945年か1946年に除隊するまで海軍病院で神経精神科技師として勤務した。[ 15 ]
ラウシェンバーグはその後、カンザスシティ美術研究所とフランスのパリにあるアカデミー・ジュリアンで学び、そこで美術学生のスーザン・ワイルと出会った。 [ 16 ]この時、彼は名前をミルトンからロバートに変えた。[ 17 ] 1948年、ラウシェンバーグはワイルと共にノースカロライナ州のブラックマウンテン大学に入学した。[ 18 ] [ 19 ]
ブラックマウンテンで、ラウシェンバーグはドイツのバウハウスの創設者であるヨーゼフ・アルバースを訪ねた。彼は1948年8月のタイム誌でアルバースの記事を読んでいた。アルバースの厳格な指導法が、自分の習慣的なずさんさを抑えてくれることを期待していた。[ 20 ]アルバースの予備デザインコースは、いかなる「影響を受けない実験」も許さない厳格な規律に基づいていた。[ 21 ] [ 22 ]
ラウシェンバーグは、自らの言葉で「アルバースの愚か者、彼が語っていないことの顕著な例」となった。[ 23 ]ラウシェンバーグはアルバースを最も重要な師とみなしていたが、前衛音楽の確立された作曲家であるジョン・ケージに、より相性の良い感性を見出していた。ラウシェンバーグと同様に、ケージも師であるアルノルト・シェーンベルクの教えから離れ、より実験的な音楽のアプローチを採用していた。ケージはラウシェンバーグのキャリア初期に、彼に非常に必要な支援と励ましを与え、二人はその後数十年にわたり友人であり芸術的協力者であり続けた。[ 20 ]
1949年から1952年にかけて、ラウシェンバーグはニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグでヴァーツラフ・ヴィトラチルとモリス・カントールに師事し[ 24 ]、そこでノックス・マーティンやサイ・トゥオンブリーといった仲間の芸術家たちと出会った[ 25 ]。
ラウシェンバーグは1950年の夏、コネチカット州アウターアイランドにあるワイル家の自宅でスーザン・ワイルと結婚した。二人の唯一の子供であるクリストファーは1951年7月16日に生まれた。二人は1952年6月に別居し、1953年に離婚した。[ 26 ]その後、ラウシェンバーグは、同業の芸術家サイ・トゥオンブリーやジャスパー・ジョーンズ、詩人のジョン・ジョルノなどと恋愛関係にあった。[ 27 ] [ 28 ] [ 29 ]彼の人生最後の25年間のパートナーは、元アシスタントの芸術家ダリル・ポトフだった。[ 30 ] [ 24 ]
1970年代に彼はニューヨーク市マンハッタンのノーホー地区に引っ越した。 [ 31 ]
ラウシェンバーグは1968年7月26日にキャプティバ島での最初の物件であるビーチハウスを購入した。しかし、この物件が彼の永住地となったのは1970年の秋になってからだった。[ 32 ]
ラウシェンバーグは2008年5月12日、フロリダ州キャプティバ島で心不全のため死去した。[ 24 ] [ 33 ]
ラウシェンバーグのアプローチは、画家ジャスパー・ジョーンズと同じく「ネオ・ダダイズム」と呼ばれることもあった。[ 34 ]ラウシェンバーグは「絵画は芸術と生活の両方に関係する」と述べ、「その二つの間の隙間」で制作したいと語っていたことで有名である。[ 35 ]多くのダダイズムの先駆者と同様に、ラウシェンバーグは芸術作品と日常的な物の区別に疑問を呈し、既製品の使用はマルセル・デュシャンの「泉」 （1917年）で提起された知的問題を再び提起した。デュシャンのダダイズムの影響は、ジャスパー・ジョーンズの標的、数字、旗を描いた絵画にも見られる。これらは馴染みのある文化的シンボルであり、「心がすでに知っているもの」である。[ 36 ]
ブラックマウンテン・カレッジで、ラウシェンバーグは版画、ドローイング、写真、絵画、彫刻、演劇など、さまざまな芸術媒体を実験的に試み、彼の作品にはこれらの組み合わせがしばしば見られました。彼はブラックマウンテンで、小石や砂利をキャンバス上の黒い顔料に押し付けて、ナイト・ブルーミングの絵画（1951年）を制作しました。同年、彼はニューヨークのアパートでスーザン・ワイルと共同で全身の設計図を作成し、「スクリーンや壁紙のデザインにしたい」と考えていました。[ 37 ]
1952年の秋から1953年の春にかけて、ラウシェンバーグは仲間の芸術家でありパートナーでもあるサイ・トゥオンブリーと共にイタリアと北アフリカを旅した。そこで彼は、拾い集めた素材を使って「Scatole Personali」や「Feticci Personali」などのコラージュや小さな彫刻を制作した。彼はそれらをローマとフィレンツェのギャラリーで展示した。[ 38 ]ラウシェンバーグは驚いたことに、作品の多くが売れた。売れなかった作品の多くは、彼の展覧会を批評した美術評論家の提案に従ってアルノ川に投げ捨てた。[ 39 ] [ 40 ]
1953年にニューヨーク市に戻ったラウシェンバーグは、ロウアー・マンハッタンの近所で見つけた金属くず、木材、麻ひもなどの素材を使って彫刻を作り始めた。[ 41 ] 1950年代を通して、ラウシェンバーグはティファニーとボンウィット・テラーの店頭のウィンドウディスプレイをデザインすることで生計を立てており、最初はスーザン・ワイルと、後にマツソン・ジョーンズというペンネームでジャスパー・ジョーンズと共同でデザインを行った。
1953年の有名な出来事として、ラウシェンバーグは抽象表現主義の画家ウィレム・デ・クーニングに、芸術的声明としてそれを消去するという明確な目的で、デ・クーニングの絵を依頼した。この概念的作品は「消去されたデ・クーニングの絵」と題され、年長の画家の同意を得て制作された。[ 42 ] [ 24 ] [ 43 ]
1961年、ラウシェンバーグは、アイデアそのものを作品として提示することで、同様の概念的アプローチを探求した。彼はパリのイリス・クレール画廊での展覧会に招待され、そこでは画廊のオーナーであるクレールの肖像画をアーティストが提出することになっていた。ラウシェンバーグの提出物は、「私がそう言うなら、これはイリス・クレールの肖像画です」と宣言する電報だった。[ 23 ]
1962年までに、ラウシェンバーグの絵画は、既成のオブジェだけでなく、既成のイメージも取り入れるようになった。同年、アンディ・ウォーホルのスタジオを訪れた後、ラウシェンバーグは、通常は商業的な複製手段に用いられるシルクスクリーン技法を用いて、写真をキャンバスに転写し始めた。 [ 44 ] 1962年から1964年にかけて制作されたシルクスクリーン絵画は、批評家たちにラウシェンバーグの作品をポップアートと結びつけさせた。
この時期にラウシェンバーグは、主に24時間かけて制作された長さ32フィートのシルクスクリーンと油彩作品「バージ」 [ 45 ]を制作した。作品には、トラック、宇宙船、テキスト、ディエゴ・ベラスケスの「ロケビーのヴィーナス」の一部など、認識できるイメージが含まれている。
ラウシェンバーグは、1950年代半ばに初期のコンバイン作品を制作して以来、作品の中でテクノロジーを実験的に取り入れており、時には実際に動作するラジオ、時計、扇風機を彫刻の素材として使用していた。その後、ベル研究所の研究科学者ビリー・クリューバーと共同作業を行いながら、テクノロジーへの関心を深めた。彼らは共に、周囲の音に反応する光のインスタレーションである「Soundings」 （1968年）など、ラウシェンバーグの最も野心的なテクノロジーベースの実験のいくつかを実現した。1966年、クリューバーとラウシェンバーグは、アーティストとエンジニアのコラボレーションを促進するために設立された非営利団体であるExperiments in Art and Technology （EAT）を正式に立ち上げた。 [ 46 ] [ 47 ]
1969年、NASAはラウシェンバーグをアポロ11号の打ち上げに立ち会うよう招待した[ 48 ]。この歴史的な出来事を受けて、ラウシェンバーグは石版画の「ストーンド・ムーン・シリーズ」を制作した[ 49 ]。これは、NASAのアーカイブにある図表やその他の画像と、彼自身の絵や手書きのテキストを組み合わせたものである[ 50 ] [ 51 ] 。
1970年から、ラウシェンバーグはフロリダ州キャプティバの自宅兼スタジオで制作活動を行った。新しいスタジオで最初に制作した作品は「Cardboards」（1971～72年）と「Early Egyptians」（1973～74年）で、段ボールや砂など地元で調達できる素材を用いた。それまでの作品では都市のイメージや素材が強調されることが多かったが、ラウシェンバーグは布や紙に見られる天然繊維の効果を好むようになった。溶剤転写技法を用いて布地にプリントした「Hoarfrost」（1974～76年）と「Spread」（1975～82年）シリーズ。後者は木製パネルに布をコラージュした大きな作品である。ラウシェンバーグは、織物で有名なインドのアーメダバードへの旅行からインスピレーションを得た色鮮やかな布地を用いて「Jammer」 （1975～76年）シリーズを制作した。ジャマーシリーズのイメージのないシンプルさは、イメージに満ちたホーフロストや、ニューヨーク市で制作された初期作品の荒々しさとは著しい対照をなしている。
1975年以降、国際旅行はラウシェンバーグの芸術制作過程の中心的な部分となった。1984年、ラウシェンバーグは国連でラウシェンバーグ海外文化交流（ROCI）の開始を発表した。ROCIプロジェクトはほぼ全額アーティストの資金提供で、世界10カ国を巡る7年間の旅から成り立った。ラウシェンバーグはそれぞれの場所で写真を撮り、訪れた文化に触発された作品を制作した。完成した作品は各国の現地展で展示された。ラウシェンバーグはしばしば作品を現地の文化施設に寄贈した。[ 52 ]
1980年代半ばから、ラウシェンバーグは鋼鉄や鏡面アルミニウムなど、さまざまな処理を施した金属にシルクスクリーンでイメージを転写することに集中した。彼は、ボレアリス（1988～92年）[ 53 ] 、アーバン・バーボンズ（1988～1996年）、ファントムズ（1991年）、ナイト・シェイズ（1991年）[ 54 ]など、いわゆる「金属絵画」と呼ばれるシリーズを数多く制作した。さらに、1990年代を通して、ラウシェンバーグはより基本的な技法を用いながらも、新しい素材を使い続けた。最新の技術革新への取り組みの一環として、後期の絵画シリーズでは、デジタルインクジェット写真画像をさまざまな絵画支持体に転写した。アルカディアン・リトリーツ（1996年）では、湿ったフレスコにイメージを転写した。 1998年の作品「ラブホテル（アナグラム（ダジャレ）」は、ポリラミネートに植物染料を転写して作られており、アーティストが40年近く住んでいたフロリダ州マイアミのペレス美術館の永久コレクションに収蔵されている。 [ 55 ] [ 56 ]環境への取り組みに沿って、ラウシェンバーグは転写プロセスで化学薬品ではなく生分解性の染料と顔料、そして水を使用した。[ 57 ]
1951年、ラウシェンバーグは、カジミール・マレーヴィチが確立したモノクローム絵画の伝統に倣い、ホワイト・ペインティング・シリーズを制作した。マレーヴィチは、絵画を最も本質的な要素にまで還元し、美的純粋さと無限の体験をもたらした。[ 58 ]ホワイト・ペインティングは、1953年秋にニューヨークのエレノア・ウォードのステーブル・ギャラリーで展示された。ラウシェンバーグは、日常的な白い家庭用塗料とペイントローラーを使って、最初は空白のキャンバスのように見える滑らかで装飾のない表面を作り出した。しかし、ジョン・ケージは、ホワイト・ペインティングを内容のないものとして捉えるのではなく、「光、影、粒子のための空港」[ 59 ]と表現し、部屋の繊細な雰囲気の変化を反映する表面だと評した。ラウシェンバーグ自身も、周囲の状況に影響を受けるため、「部屋に何人いるかがほぼ分かる」と述べている。ホワイト・ペインティングと同様に、1951年から1953年にかけて制作されたブラック・ペインティングも複数のパネルに描かれ、主に単色作品であった。ラウシェンバーグは、キャンバスに新聞紙を敷き詰めた質感のある下地に、つや消しと光沢のある黒い絵具を塗り重ね、時折、新聞紙の地肌が見えるようにした。
1953年までに、ラウシェンバーグはホワイトペインティングとブラックペインティングのシリーズから、レッドペインティングのシリーズで表現主義を強めた作品へと移行した。彼は赤を「最も描きにくい色」と考え、模様入りの布、新聞紙、木材、釘などのキャンバス地に直接、赤い顔料を滴らせたり、貼り付けたり、絞り出したりして、その挑戦を受け入れた。[ 60 ]レッドペインティングの複雑な素材の表面は、ラウシェンバーグの有名なコンバインシリーズ（1954-1964）の先駆けとなった。[ 58 ]
ラウシェンバーグはニューヨーク市の路上で捨てられた物を収集し、スタジオに持ち帰って作品に取り入れた。彼は「自分で作れるものとは違う何かが欲しかったし、驚きや集団性、そして驚きを見つけることの寛大さを利用したかった。[...]だから、物自体がその文脈によって変化し、それゆえ新しいものになったのだ」と述べている。[ 61 ] [ 43 ]
ラウシェンバーグの芸術と生活の間のギャップに関する発言は、アーティストとしての彼の貢献を理解するための出発点となる。[ 35 ]彼はほとんどあらゆるものに潜在的な美しさを見出し、かつてこう言った。「石鹸置きや鏡、コーラの瓶のようなものを醜いと思う人たちが気の毒だ。なぜなら、彼らは一日中そのようなものに囲まれていて、きっと惨めな思いをしているに違いないからだ。」[ 24 ]彼のコンバインシリーズは、日常の物を伝統的な絵画材料と並んで美術の文脈に持ち込むことで、それらに新たな意味を与えた。コンバインは芸術と彫刻の境界を取り払い、両方が1つの芸術作品の中に存在するようにした。「コンバイン」は厳密には1954年から1964年までのラウシェンバーグの作品を指すが、ラウシェンバーグは芸術家としてのキャリアを通して、衣服、新聞、都市のゴミ、段ボールなどの日常の物を引き続き使用した。
コンバイン作品の制作につながる過渡期の作品としては、スカーフ、電球、鏡、漫画のコラージュなどを用いた「Charlene」（1954年）と「Collection」 （1954/1955年）がある。ラウシェンバーグは、ブラック・ペインティングやレッド・ペインティングでは新聞や柄物の布地を取り入れていたが、コンバイン作品では日常的なオブジェを伝統的な絵画素材と同等の重要性で用いた。コンバイン作品の初期の作品の一つとされる「Bed」（1955年）は、使い古したキルト、シーツ、枕に赤い絵の具を塗りつけて制作された。この作品は、伝統的な絵画のように壁に垂直に掛けられた。素材がアーティスト自身の生活と密接に結びついていることから、「Bed」はしばしば自画像であり、ラウシェンバーグの内面意識の直接的な痕跡であると考えられている。批評家の中には、この作品を暴力やレイプの象徴と解釈できると示唆する者もいたが、[ 62 ]ラウシェンバーグは『ベッド』を「私がこれまで描いた中で最も親しみやすい絵の一つ」と評した。[ 41 ]彼の最も有名なコンバイン作品の中には、剥製動物を取り入れたものがあり、例えば剥製アンゴラヤギを含む『モノグラム』（1955～1959年）や、剥製イヌワシを特徴とする『キャニオン』（1959年）などがある。イヌワシはゴミの中から拾い集めたものだが、『キャニオン』は1940年のハクトウワシとイヌワシの保護法のために政府の怒りを買った。[ 63 ]
批評家たちは当初、コンバインを色彩、質感、構成といった形式的な特性の観点から見ていた。1960年代の形式主義的な見方は後に批評家のレオ・スタインバーグによって否定され、彼はそれぞれのコンバインを「物体が散りばめられ、データが入力される受容面」と表現した。[ 64 ]スタインバーグによれば、彼がラウシェンバーグの「フラットベッド・ピクチャー・プレーン」と呼んだものの水平性が、絵画の伝統的な垂直性に取って代わり、その結果、ラウシェンバーグの作品特有の素材に縛られた表面が実現したという。
2006年、ロサンゼルス現代美術館はメトロポリタン美術館と共同で、ロバート・ラウシェンバーグの作品65点以上を展示する展覧会「コンバイン」[ 65 ]を開催した。この展覧会は、メトロポリタン美術館で2005年12月20日から2006年4月2日まで、ロサンゼルス現代美術館で2006年5月21日から2006年9月4日まで開催された。
ラウシェンバーグは1950年代初頭にニューヨークに移住した後、ダンスへの関心を探求し始めた。ブラック・マウンテン・カレッジで初めて前衛的なダンスやパフォーマンス・アートに触れ、ジョン・ケージのシアター・ピース第1番（1952年）に参加した。これはしばしば最初のハプニングと考えられている。彼はマース・カニンガムとポール・テイラーのために舞台装置、照明、衣装のデザインを始めた。1960年代初頭には、グリニッジ・ヴィレッジのジャドソン・メモリアル教会で行われた過激なダンス・シアターの実験に参加し、1963年5月にはジャドソン・ダンス・シアターのために初のパフォーマンス「ペリカン」（1963年）を振り付けた。[ 66 ]ラウシェンバーグは、キャロリン・ブラウン、ヴィオラ・ファーバー、スティーブ・パクストンなど、カニンガムと関係のあるダンサーたちと親しい友人であり、彼らは皆、彼の振り付け作品に出演した。ラウシェンバーグとマース・カニンガム・ダンス・カンパニーとのフルタイムの関係は、1964年の世界ツアー後に終了した。[ 67 ] 1966年、ラウシェンバーグはニューヨークの第69連隊兵器庫で開催された「9 Evenings: Theatre and Engineering」の一部として「 Open Score」パフォーマンスを制作した。このシリーズは、Experiments in Art and Technology (EAT)の形成に重要な役割を果たした。 [ 68 ] [ 69 ]
1977年、ラウシェンバーグ、カニンガム、ケージは13年ぶりにコラボレーターとして再会し、 『トラベローグ』（1977年）を制作した。ラウシェンバーグはこの作品で衣装と舞台美術のデザインを担当した。[ 57 ]ラウシェンバーグは1967年以降は自身の作品を振り付けることはなかったが、その後もトリシャ・ブラウンを含む他の振付家と芸術家としてのキャリアを通じてコラボレーションを続けた。
ラウシェンバーグは生涯を通じて、自身にとって重要な大義を支持するポスターを数多くデザインした。1965年、ライフ誌から現代版「地獄」の視覚化を依頼された際、彼はベトナム戦争や人種差別、ネオナチズム、政治的暗殺、環境災害といった現代の社会政治的問題に対する怒りをためらうことなく表現した。[ 39 ]
1969年、ニューヨーク市のメトロポリタン美術館は、創立100周年を記念する作品の制作をラウシェンバーグに依頼した。彼は、美術館の当初の目標が1870年の証明書に詳しく記されていることを知り、その証明書を基に、美術館で最も有名な作品のいくつかを画像化し、当時の理事会の署名を入れた「100周年記念証明書」を制作した。100周年記念証明書の複製は、多くの美術館や個人コレクションに所蔵されている。[ 70 ]
1979年12月30日、マイアミ・ヘラルド紙は、日曜版雑誌「トロピック」を65万部印刷し、表紙はラウシェンバーグがデザインした。1983年には、トーキング・ヘッズのアルバム「スピーキング・イン・タングズ」のアルバムデザインでグラミー賞を受賞した。[ 71 ] 1986年、ラウシェンバーグはBMWから、有名なBMWアートカープロジェクトの第6弾として、実物大のBMW 635 CSiにペイントするよう依頼された。ラウシェンバーグの車は、ニューヨークのメトロポリタン美術館の作品の複製と彼自身の写真が使用された、このプロジェクト初の車だった。
1998年、バチカンは聖年2000を記念して、イタリアのサン・ジョヴァンニ・ロトンドにあるパードレ・ピオ典礼ホールに展示する作品をラウシェンバーグに依頼した。ラウシェンバーグは最後の審判をテーマに、全長20フィートの模型「幸福な黙示録」（1999年）を制作した。しかし、神を衛星放送受信アンテナとして描いたことが不適切な神学的表現であるとして、最終的にバチカンに却下された。[ 72 ]
ラウシェンバーグは1951年春にベティ・パーソンズ・ギャラリーで初の個展を開催した。[ 73 ] [ 74 ] 1953年、イタリア滞在中にイレーネ・ブリンとガスペロ・デル・コルソの目に留まり、ローマの有名なギャラリーで初のヨーロッパ展を開催した。[ 38 ] 1953年、エレノア・ウォードはラウシェンバーグをステーブル・ギャラリーでのサイ・トゥオンブリーとの共同展に招待した。1954年にニューヨークのチャールズ・イーガン・ギャラリーで行われた2回目の個展で、ラウシェンバーグは「赤い絵画」（1953年）と「コンバイン」（1954年）を発表した。[ 75 ] [ 76 ]レオ・カステリは1958年にラウシェンバーグのコンバイン展を開催した。唯一の販売はカステリ自身が購入した「ベッド」 （1955年）で、現在はニューヨーク近代美術館のコレクションとなっている。[ 77 ]
ラウシェンバーグの最初の回顧展は、1963年にニューヨークのユダヤ博物館によって企画された。1964年には、ヴェネツィア・ビエンナーレで絵画部門の国際グランプリを受賞した最初のアメリカ人アーティストの一人となった（ジェームズ・ホイッスラーとマーク・トビーは、それぞれ1895年と1958年に絵画部門の賞を受賞していた）。中期回顧展は、ワシントンDCの国立美術館（現在のスミソニアン・アメリカ美術館）によって企画され、1976年から1978年にかけて全米を巡回した。[ 57 ] [ 78 ]
1990年代には、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で回顧展が開催され（1997年）、1999年までヒューストン、ケルン、ビルバオの美術館を巡回した。 [ 79 ]コンバイン展は、ニューヨークのメトロポリタン美術館で開催され（2005年、2007年までロサンゼルス現代美術館、パリのポンピドゥー・センター、ストックホルム近代美術館を巡回）、ラウシェンバーグの死後初の回顧展はテート・モダンで開催され（2016年、 2017年までニューヨーク近代美術館、サンフランシスコ近代美術館を巡回）、 [ 80 ]
その他の展覧会には、ロバート・ラウシェンバーグ：ジャマーズ、ガゴシアン・ギャラリー、ロンドン（2013年） 、ロバート・ラウシェンバーグ：フルトン・ストリート・スタジオ、1953～54年、クレイグ・F・スター・アソシエイツ（2014年 ） 、ビジュアル・レキシコン、レオ・カステリ・ギャラリー（ 2014年）、ロバート・ラウシェンバーグ：金属作品、ガゴシアン・ギャラリー、ビバリーヒルズ（2014年）、[ 81 ]ラウシェンバーグ・イン・チャイナ、ユレンス現代美術センター、北京（2016年）、ロバート・ラウシェンバーグ、DE SARTHE、香港（2016年）[ 82 ] [ 83 ]、およびラウシェンバーグ：1/4マイル、ロサンゼルス郡立美術館（2018～2019年）[ 84 ]などがあります。
2025年6月27日から2026年2月15日まで、バージニア美術館ではロバート・ラウシェンバーグの作品「カードバーズ」が展示された。 これらの作品は1971年に「写真転写、機械転写、凸版印刷」によって制作された。彼の版画は、ラベルやステッカーが貼られた実際の平らな段ボール箱のように見えるようにデザインされている。[ 85 ]
ラウシェンバーグ生誕100周年を記念して、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館では、ロバート・ラウシェンバーグの代表作である、全長32フィートのシルクスクリーン作品「Barge」を含む「Robert Rauschenberg : Life Can't Be Stopped」[ 86 ]が展示される。この展覧会は2025年10月10日から2026年4月5日まで開催され、ロバート・ラウシェンバーグ財団からの貸出作品も含まれる。これは、メニル・コレクションの「Robert Rauschenberg: Fabric Works of the 1970s」、フンダシオン・フアン・マルクの「Robert Rauschenberg: The Use of Images」[ 87 ]、ブランドホルスト美術館[ 88 ]とルートヴィヒ美術館の「Five Friends: John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly」など、生誕100周年を記念する複数の展覧会のうちの1つである。
2026年9月9日から4月11日まで、グレイ美術館では「取り扱い注意：ロバート・ラウシェンバーグの生態学的良心」展が開催され、ラウシェンバーグの「…アーティストには地球の責任ある管理を促進する義務と力がある」という信念を検証した。[ 89 ]
2025年9月12日から2026年4月19日まで、ニューヨーク市立博物館は、ロバート・ラウシェンバーグの生誕100周年を記念するいくつかの展覧会の1つである「ニューヨーク：現実世界からの写真」 [ 90 ]を展示した。
1970年代初頭、ラウシェンバーグは、二次市場で作品が転売された際にアーティストに報酬を支払う法案を可決するよう米国議会に働きかけた。ラウシェンバーグがアーティストの再販ロイヤリティ（追及権）を求める闘いを始めたのは、タクシー王ロバート・スカルが抽象表現主義とポップアートの作品コレクションの一部を220万ドルで売却した後のことだった。スカルは当初、ラウシェンバーグの絵画「Thaw」（1958年）と「Double Feature」 （1959年）をそれぞれ900ドルと2,500ドルで購入していたが、約10年後の1973年にニューヨークのサザビーズ・パーク・バーネットで行われたオークションで、これらの作品を85,000ドルと90,000ドルで売却した。 [ 91 ]
ラウシェンバーグのロビー活動は1976年に報われ、カリフォルニア州知事ジェリー・ブラウンが1976年カリフォルニア州再販ロイヤリティ法に署名し、法律として成立した。[ 92 ]アーティストはカリフォルニア州での勝利後も全国的な再販ロイヤリティ法制の実現を目指し続けた。
2010年、ラウシェンバーグのコンバイン作品の一つであるスタジオ・ペインティング （1960-61年）は、当初600万ドルから900万ドルと見積もられていたが、ニューヨークのクリスティーズでマイケル・クライトン のコレクションから1100万ドルで購入された。 [ 93 ] 2019年には、クリスティーズはシルクスクリーン作品バッファローII（1964年）を8880万ドルで販売し、アーティストのこれまでの記録を塗り替えた。
ラウシェンバーグは、芸術が社会変革の触媒となる力を持っていると強く信じていた。ラウシェンバーグ海外文化交流（ROCI）は、芸術表現を通して国際的な対話を促し、文化理解を深める取り組みとして1984年に始まった。ROCIの展覧会は、メキシコ、チリ、ベネズエラ、中国、チベット、日本、キューバ、ソ連、ドイツ、マレーシアの10カ国を巡回した後、1991年にワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーで開催され、 [94 ]幕を閉じた。
1970年、ラウシェンバーグは経済的困窮に基づいて視覚芸術家に最大1,000ドルの緊急一時金を支給する「チェンジ・インク」というプログラムを創設した。[ 95 ] 1990年、ラウシェンバーグは世界平和、環境、人道問題など、彼が関心を寄せていた問題への意識を高めるためにロバート・ラウシェンバーグ財団（RRF）を創設した。1986年、ラウシェンバーグはアメリカ功績アカデミーのゴールデンプレート賞を受賞した。[ 96 ] [ 97 ] 1993年にはビル・クリントン大統領から国家芸術勲章を授与された。2000年、ラウシェンバーグはエイズとの闘いへの芸術的貢献に対してamfARの優秀賞を授与された。[ 98 ]
RRFは現在、ラウシェンバーグのキャリアのあらゆる時期の作品を多数所蔵している。2011年、同財団はガゴシアン・ギャラリーと共同で、ラウシェンバーグの個人コレクションから選りすぐった作品を展示した「ロバート・ラウシェンバーグのプライベート・コレクション」を発表した。展覧会の収益は、財団の慈善活動の資金に充てられた。[ 99 ]また、2011年には、同財団は「アーティスト・アズ・アクティビスト」プロジェクトを開始し、アーティストのシェパード・フェアリーを招いて、彼が選んだ問題に焦点を当ててもらった。彼が制作した限定版作品は、ホームレスのための連合への資金を集めるために販売された。[ 100 ] RRFは、毎年、助成金や慈善的な協力によって、新進アーティストや芸術団体を支援し続けている。RRFは、ニューヨークの財団本部と、故アーティストがフロリダ州キャプティバ島に所有していた場所で、いくつかのレジデンシー・プログラムを実施している。
2013年、Complexのデール・アイジンガーは、史上最高のパフォーマンスアート作品のリストで「オープン・スコア」（1966年）を7位にランク付けした。 [ 101 ]
フロリダ・サウスウェスタン州立大学のボブ・ラウシェンバーグ・ギャラリーは、ラウシェンバーグを称え、彼の承認を得て、2004年に（1979年設立の「ファインアート・ギャラリー」から）改名された。
{{cite web}}: CS1 maint: タイトルとしてアーカイブされたコピー (リンク){{cite web}}: CS1 maint: タイトルとしてアーカイブされたコピー (リンク) CS1 maint: bot: 元の URL の状態が不明 (リンク)。ニューヨーク: 近代美術館。p. 58。ISBN 978-0-02-915670-4OCLC 748990996。 「絵画は芸術と人生の両方に関係している。どちらも作り出すことはできない。（私はその二つの間の隙間で行動しようとしている。）」