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エルズワース・ケリー（1923年5月31日 - 2015年12月27日）は、ハードエッジ・ペインティング、カラーフィールド・ペインティング、ミニマリズムに関連するアメリカの画家、彫刻家、版画家である。彼の作品は、ジョン・マクラフリンやケネス・ノーランドの作品と同様に、線、色彩、形態を強調する控えめな技法を示している。ケリーはしばしば鮮やかな色彩を用いた。彼はニューヨーク州スペンサータウンに住み、そこで制作活動を行った。
ケリーは、ニューヨーク州ニューバーグで、アラン・ハウ・ケリーとフローレンス・ローズ・エリザベス（ギセンス）ケリーの3人兄弟の次男として生まれた。ニューバーグはニューヨーク市から北へ約60マイルのところにある。[ 1 ]彼の父親はスコットランド系アイルランド人とドイツ人の血を引く保険会社の重役だった。母親はウェールズ系とペンシルベニア・ドイツ人の血を引く元教師だった。彼の家族はニューバーグからニュージャージー州オラデルに移り住んだ。オラデルは人口約7,500人の町である。彼の家族はオラデル貯水池の近くに住んでおり、そこで彼の父方の祖母が、彼が8歳か9歳の時に鳥類学を紹介した。
そこで彼は形と色彩への情熱を育んだ。ジョン・ジェームズ・オーデュボンは、ケリーの生涯を通じて作品に特に強い影響を与えた。作家のユージン・グーセンは、ケリーがよく知られている2色と3色の絵画（例えば「3つのパネル：赤、黄、青、I 1963」）は、彼が幼い頃によく見かけた2色と3色の鳥を観察したことに由来すると推測している。ケリーは、少年時代は一人でいることが多かったため、やや「孤独な人」になったと語っている。彼は10代の頃まで続く軽い吃音があった。[ 1 ]
ケリーは公立学校に通い、そこでは美術の授業で素材が重視され、「芸術的想像力」の育成が目指されていた。このカリキュラムは、アメリカの近代画家アーサー・ウェズリー・ダウが教鞭を執っていたコロンビア大学ティーチャーズ・カレッジが提唱した進歩主義教育理論から生まれた、より広範な学校教育の潮流を典型的に表していた。[ 1 ]両親はケリーの美術教育を支援することに消極的だったが、学校の教師ドロシー・ラング・オプスートは彼にさらに進むよう勧めた。[ 2 ]両親は技術教育にしか費用を払わなかったため、ケリーはまずブルックリンのプラット・インスティテュートで学び、1941年から1943年の元旦に陸軍に入隊するまで在籍した。[ 3 ]
1943年にアメリカ軍に入隊したケリーは、多くの芸術家を受け入れた第603工兵迷彩大隊への配属を希望した。彼はニュージャージー州フォート・ディックスで入隊し、コロラド州キャンプ・ヘイルに送られ、そこで山岳スキー部隊と共に訓練を受けた。それまでスキーをしたことはなかった。6～8週間後、メリーランド州フォート・ミードに転属となった。[ 1 ]第二次世界大戦中、彼は他の芸術家やデザイナーと共にゴースト・アーミーに所属した。ゴースト・アーミーは、膨張式戦車、トラック、その他の欺瞞要素を用いて連合軍の方向と配置について枢軸軍を欺くアメリカ陸軍の欺瞞部隊だった。 [ 4 ]部隊がヨーロッパに行く前に、彼は迷彩技術を実験し、歩兵部隊に基本的な迷彩の原則を紹介するポスターのシルクスクリーン印刷を手伝った。ヨーロッパに着いてからは、公式時間のほとんどをトラックのハンドルを握って過ごした。[ 5 ]
他の多くのゴースト・アーミーの芸術家と同様に、彼はヨーロッパ戦線でスケッチや絵画を数多く制作し、ヨーロッパの建築や風景（そしてパリへの短い訪問）に触れる機会を高く評価した。従軍中に目にした軍用迷彩服は、彼の基本的な美術訓練の一部となった。 [ 1 ]ケリーは1943年からヨーロッパ戦線終結まで同部隊に所属した。ゴースト・アーミーは2024年3月21日、米国議会議事堂の解放ホールで行われた式典で議会名誉黄金勲章を授与された。[ 6 ]
ケリーはGI法を利用して1946年から1947年にかけてボストン美術館付属美術学校で学び、美術館のコレクションを活用し、その後パリの国立高等美術学校に進学した。ボストン滞在中、ボリス・ミルスキ・ギャラリーで初のグループ展に出展し、ロクスベリーのノーフォーク・ハウス・センターで美術の授業を担当した。[ 7 ]パリ滞在中、ケリーは自身の美学を確立した。[ 8 ]授業にはめったに出席しなかったが、フランスの首都の豊かな芸術資源に没頭した。[ 9 ] 1948年にマックス・ベックマンによるフランス人画家ポール・セザンヌについての講演を聞き、その年にパリに移住した。[ 10 ]そこで、音楽とダンスをそれぞれ実験していたアメリカ人のジョン・ケージとマース・カニンガム、フランスのシュルレアリスム画家ジャン・アルプに出会った。そして、自然の形態を単純化した抽象彫刻家コンスタンティン・ブランクーシは、彼に永続的な影響を与えた。[ 11 ]アルベルト・マニェッリ、フランシス・ピカビア、アルベルト・ジャコメッティ、ジョルジュ・ヴァントングルローなどの芸術家をスタジオに訪れた経験は、彼にとって変革的なものだった。 [ 12 ]
ケリーは6年間海外にいたが、フランス語は相変わらず下手で、絵は1枚しか売れなかった。1953年にスタジオを追い出され、翌年アメリカに戻った。 [ 13 ]彼は、自分の作品と関連性があると感じた画家、アド・ラインハルトの展覧会のレビューを読んで興味を持った。ニューヨークに戻ると、美術界は「とても厳しい」と感じた。[ 1 ]ケリーは現在、アメリカ美術運動の重要な革新者であり貢献者と見なされているが、ケリーの芸術と支配的な様式の傾向との関連性を見出すのは多くの人にとって困難だった。[ 8 ] 1956年5月、ケリーはベティ・パーソンズのギャラリーでニューヨーク市で初の個展を開いた。彼の芸術は、当時ニューヨークで人気だったものよりもヨーロッパ的だと考えられていた。彼は1957年の秋に再び彼女のギャラリーで作品を展示した。彼の作品のうち「アトランティック」、「バー」、「3枚のパネルの絵画」の3点が、ホイットニー美術館の展覧会「ヤング・アメリカ1957」に選ばれ、展示された。彼の作品は、他の29人のアーティストの作品とは根本的に異なると考えられた。「3枚のパネルの絵画」は特に注目され、当時批評家たちは彼が3枚のキャンバスで作品を制作したことに疑問を呈した。[ 1 ]例えば、マイケル・プランテは、ケリーの複数パネルの作品は、設置上の制約のために窮屈な場合が多く、作品と部屋の建築との相互作用が減少すると述べている。[ 14 ]
ケリーは最終的に、仲間のアーティストであり友人でもあるアグネス・マーティンとスタジオを共有していたこともあるコエンティーズ・スリップを離れ、西67丁目27番地にある高層スタジオ兼共同住宅ホテル・デ・ザルティストの9階に移った。[ 15 ]
ケリーは1970年にニューヨーク市を離れスペンサータウンに移り、1984年にはパートナーの写真家ジャック・シアが合流した。[ 16 ] 2001年から亡くなるまで、ケリーはスペンサータウンにある2万平方フィートのスタジオで制作活動を行った。このスタジオは建築家リチャード・グルックマンによって改築・拡張されたもので、元のスタジオはスケネクタディを拠点とする建築家ヴェルナー・ファイベスとジェームズ・シュミットが、ケリーが彼らのために制作した場所固有の絵画と引き換えに設計したものだった。[ 17 ]ケリーとシアは2005年に、画家が亡くなるまで暮らした住居に移り住んだ。この住居は1815年頃に建てられた木造のコロニアル様式の家だった。 [ 16 ]シアはエルズワース・ケリー財団の理事を務めている。[ 12 ] 2015年、ケリーは瞑想の場となる建物の設計コンセプトをテキサス大学オースティン校のブラントン美術館に寄贈した。「オースティン」と名付けられた2,715平方フィートの石造りの建物は、色付きのガラス窓、トーテムのような木彫りの彫刻、白黒の大理石のパネルが特徴で、ケリーが設計した唯一の建物であり、彼の最も記念碑的な作品である。[ 18 ]ケリーが30年前に設計した「オースティン」は、2018年2月にオープンした。[ 19 ]
ケリーは2015年12月27日、ニューヨーク州スペンサータウンで92歳で亡くなった。 [ 20 ]
パリ滞在中、ケリーは人物画を描き続けていたが、1949年5月までに初めて抽象画を制作した。[ 2 ]水面に光が拡散する様子を観察し、偶然に配置された白黒の長方形で構成されたセーヌ川（1950年）を描いた。1951年には、「偶然に配置されたスペクトルカラーIからVIII」と題された8つのコラージュ作品シリーズを開始した。彼は番号の付いた紙片を使用し、それぞれが18種類の異なる色相のうちの1つを指し、40インチ×40インチのグリッド上に配置することでこれを制作した。8つのコラージュ作品はそれぞれ異なるプロセスを採用している。[ 21 ]
1952年にケリーがモネの後期の作品を発見したことで、絵画表現の新たな自由が彼にもたらされた。彼は極めて大きなフォーマットで制作を始め、連続性やモノクローム絵画の概念を探求した。[ 22 ]画家として、彼はそれ以降、完全に抽象的な様式で制作を行った。1950年代後半には、彼の絵画は形と平面的な塊（しばしば非直線的なフォーマットをとる）を強調するようになった。この時期の彼の作品は、1930年代から1940年代初頭のアメリカの前衛的な幾何学的抽象から、1960年代半ばから1970年代のミニマリズムと還元主義芸術への有用な架け橋となった。[ 2 ]例えば、ケリーのレリーフ絵画「ブルー・タブレット」（1962年）は、ユダヤ博物館で開催された1963年の画期的な展覧会「新しい抽象に向けて」に出品された。[ 23 ]
1960年代、彼は不規則な角度のキャンバスで制作を始めた。ケリーの最初の変形キャンバスである「イエロー・ピース」（1966年）は、長方形の支持体からの決定的な脱却と、絵画における図と地の関係の再定義を表している。湾曲した角と単一の包括的な色彩を持つキャンバス自体が構図となり、背後の壁が絵の地へと変容する。[ 24 ]
1970年代には、曲線的な形状を作品に取り入れた。[ 22 ]グリーン・ホワイト（1968年）は、ケリーの作品に三角形が初めて登場した作品であり、この形状は彼のキャリアを通して繰り返し登場する。この絵画は、互いに重ねて設置された2つの異なる形状の単色キャンバスで構成されている。大きな逆さの緑色の台形が、より小さな白い三角形の上に垂直に配置され、新しい幾何学的構成を形成している。[ 25 ]
1970年にニューヨーク市を離れてスペンサータウンに移った後、彼は近くのチャタムの町にある元劇場を借り、それまで使っていたどのスタジオよりも広いスタジオで制作活動を行った。そこで1年間制作した後、ケリーは「チャタム・シリーズ」となる14点の絵画シリーズに着手した。各作品は逆L字型をしており、2枚のキャンバスを繋ぎ合わせて作られ、それぞれのキャンバスは異なる色のモノクロームである。作品はプロポーションや色彩がそれぞれ異なり、2枚のパネルのサイズと選ばれた色には、バランスとコントラストを生み出すために細心の注意が払われた。[ 26 ]
1972年にケリーが着手し、1983年まで完成させなかった12点の作品からなる大規模なシリーズであるグレイは、当初は反戦声明として構想され、色彩が排除されている。[ 27 ] 1979年には、別々のパネルで構成された2色の絵画に曲線を用いた。[ 2 ]
後期の絵画では、ケリーはパレットを洗練させ、新しい形式を取り入れた。どの作品でも、彼は長方形のキャンバスに白い絵具を何層にも丁寧に塗り重ね、その上に主に黒く塗られた形のあるキャンバスを重ねた。[ 28 ]
ケリーは1996年のインタビューで自身の作品について次のように述べている。「私たちが芸術に求めるのは、固定感、つまり日常生活の混沌に対抗する感覚だと思う。もちろんこれは幻想だ。キャンバスは腐る。絵の具は色が変わる。それでも私たちは、まるで世界を永遠に保つことができるかのように、世界を凍結させようとし続ける。ある意味で、私が捉えようとしてきたのは、流動性の現実、芸術をオープンで不完全な状態に保ち、見るという恍惚感を得ることなのだ。」[ 29 ]
ケリーはこうコメントした。「私は絵を構成したいのではなく、絵を見つけたいのだと気づきました。私のビジョンは、世界にあるものを選び出し、それを提示することだと感じました。私にとって、知覚の探求は最も興味深いものでした。見るべきものがたくさんあり、すべてが私には素晴らしく見えました。」[ 29 ]
ケリーは1940年代後半から植物や花のデッサンを提出した。[ 30 ]ニワウルシ（1948年）は彼がボストンで制作した最初の植物デッサンであり、ヒヤシンス（1949年）は彼がパリにいたときに制作した最初の植物デッサンである。 [ 31 ] 1949年からパリに住んでいた頃（そしてこの主題の選択においてアンリ・マティスとジャン・アルプの影響を受けた）、彼はシンプルな植物や海藻の形を描き始めた。[ 32 ]植物の研究は、ほとんどが鉛筆やペンのきれいなストロークで描かれた葉、茎、花の輪郭線デッサンで、ページの中央に配置されている。[ 33 ]
彼は1960年代半ばに本格的に版画制作に取り組み、パリのMaeght Éditeurで『27枚の石版画集』（1964～66年）を制作した。この時、彼は最初の植物石版画のグループを制作した。[ 32 ] 1970年以降、彼は主にGemini GELと共同制作を行った。彼の最初の28枚の転写石版画シリーズ『植物石版画集』は、72枚の版画と無数の葉の素描にまで拡大する作品群の始まりとなった。[ 34 ] 1971年、彼はGemini GELで4つの版画とマルチプル作品『Mirrored Concorde』の1つの版を完成させた。 [ 35 ]彼の『Purple/Red/Gray/Orange』（1988年）は長さ18フィートで、これまでに制作された最大の一枚の石版画かもしれない。[ 36 ]近年の作品である『川』、『川の諸相』、『川 II』は、ケリーがパリでの初期の頃から抱いていた水への魅了を反映している。[ 37 ] 1975年、ケリーはワズワース・アテネウム美術館のMATRIXシリーズで展示を行った最初のアーティストとなった。この展覧会では、ケリーのトウモロコシの茎のドローイングシリーズと、1974年のコルテン鋼彫刻2点が展示された。[ 38 ]
ケリーは絵画でより有名かもしれませんが、生涯を通じて彫刻にも取り組んでいました。1958年、ケリーは最初の木彫作品の1つである「コンコルド・レリーフI」（1958年）を構想しました。これはニレ材で作られた控えめなサイズの壁面レリーフで、互いに重ねられた2つの長方形の形の視覚的な遊びとバランスを探求しており、一番上の長方形の右上と左下の角は取り除かれています。彼は生涯を通じて30点の木彫作品を制作しました。[ 39 ] 1959年以降、彼は自立式の折り畳み彫刻を制作しました。[ 40 ]ロッカーシリーズは、1959年にケリーがロウアーマンハッタンのコエンティーズ・スリップで彼の下に住んでいたアグネス・マーティンと何気ない会話をした後に始まりました。ケリーはテイクアウトのコーヒーカップの紙の蓋で遊んで、丸い物体の一部を切り取って折り畳み、それをテーブルの上に置いて前後に揺らしました。その後すぐに、彼は最初の円形彫刻「ポニー」を制作しました。このタイトルは、湾曲したロッキングサポートを備えた子供用木馬を指しています。[ 41 ]
1973年、ケリーは定期的に大規模な屋外彫刻を制作し始めた。ケリーは塗装面を捨て、代わりにニスを塗っていない鋼鉄、アルミニウム、またはブロンズを選んだ[ 42 ] 。多くの場合、カーブXXIII （1981年）のようなトーテムのような構成である。自立型の彫刻のトーテム的な形態は高さが最大15フィートに達するが、壁面レリーフは幅が14フィートを超えることもある[ 39 ] 。ケリーの彫刻は「絶対的な単純さと形態の明快さへの固執に基づいている」[ 43 ]。1980年代の彫刻では、スペンサータウンでのこの時期に、アーティストは初めて絵画と同じくらい彫刻にエネルギーを注ぎ、その過程で全140点の彫刻のうち60%以上を制作した[ 41 ] 。 ケリーはさまざまな形態のアイデアを連続して使用して作品を制作した。彼はまずデッサンから始め、デッサンを改良して版画を作成し、その版画を使って自立型の作品を作り、それを彫刻にしたのかもしれない。彼の彫刻は完全にシンプルに作られており、一目見るだけで素早く鑑賞できるようになっている。鑑賞者は、周囲の空間から隔絶された滑らかで平らな表面を目にする。この平面性とミニマリズムの感覚により、前景と背景の区別がつきにくくなっている。[ 43 ]ケリーのブルーディスクは、1966年にニューヨークのユダヤ博物館で開催された画期的な展覧会「プライマリー・ストラクチャーズ」に、ミニマルな形態で制作を始めたばかりの多くの若いアーティストたちと共に展示された。
ウィリアム・ルービンは、「ケリーの作風の発展は断固として内向的であり、抽象表現主義への反動でもなければ、同時代の画家たちとの対話の結果でもない」と指摘した。[ 44 ]彼の絵画の多くは単一の（通常は明るい）色で構成されており、キャンバスの中には不規則な形のものもあり、「シェイプド・キャンバス」と呼ばれることもある。彼の絵画やシェイプド・キャンバスのフォルムに見られる線の質は非常に繊細で、完璧さを暗示している。これは彼の作品「ブロック・アイランド・スタディ」（1959年）で実証されている。
ケリーの軍隊での経歴は、彼の作品の真剣さの源泉として示唆されている。[ 1 ]軍隊に所属していた間、ケリーは所属大隊が使用していた迷彩に触れ、影響を受けた。これにより、形と影の使い方、そして目に見えるものの構築と解体について学んだ。これは、アーティストとしての初期の教育の基礎となった。ボストン出身のケリーの友人ラルフ・コバーンは、パリ滞在中にケリーに自動描画の技法を紹介した。ケリーはこの、紙を見ずにイメージを作る技法を受け入れた。これらの技法は、ケリーの描画スタイルを自由にし、彼が芸術だと信じるものに対する彼の受容を広げるのに役立った。[ 1 ]パリでの最後の年、ケリーは病気で鬱病にも苦しんでいた。シムズは、それがその時期の彼の白黒を多用した理由だと考えている。[ 43 ]
ケリーの作品には、アンリ・マティスとパブロ・ピカソへの敬愛がはっきりと表れている。彼は、彼らからインスピレーションを受け、物事を様々な角度から捉え、様々な媒体で制作するよう自らを訓練した。 [ 8 ]ピエト・モンドリアンは、彼が絵画と彫刻の両方で用いた非具象的な形態に影響を与えた。[ 8 ]ケリーは、パリで学んでいた時に、ロマネスク時代とビザンチン時代の美術と建築に初めて影響を受けた。シュルレアリスムと新造形主義との出会いは彼の作品に影響を与え、幾何学的形態の抽象化を試みるきっかけとなった。[ 8 ]
2014年、ケリーはマサチューセッツ州サウスハドリーのマウントホリヨーク大学美術館でマティスの素描展を企画した。[ 45 ] 2015年にはクラーク美術館で「モネ/ケリー」展を企画した。[ 46 ]
1990年、ケリーはニューヨーク近代美術館で「アーティストの選択：エルズワース・ケリーの断片化と単一形態」展を企画した。
1956年、彼は同じ建物に引っ越してきたロバート・インディアナと出会い、パートナーとなった。ケリーは彼の師となった。二人は1964年頃に別れた。その理由の一つは、インディアナが絵画に言葉を用いたことで、ケリーはそのような技法は高尚な芸術に値しないと考えていた。 [ 47 ]
1984年から亡くなるまで、ケリーは夫で写真家のジャック・シアと暮らしていた。シアはエルズワース・ケリー財団の理事を務めている。[ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]
ケリーの最初の個展は、1951年にパリのギャラリー・アルノーで開催された。ニューヨークでの最初の個展は、 1956年にベティ・パーソンズ・ギャラリーで開催された。1957年には、ロサンゼルスのフェラス・ギャラリーでのグループ展に作品を出品した。 [ 52 ] 1959年には、ニューヨーク近代美術館の画期的な展覧会「16人のアメリカ人」に出品した。[ 53 ]ケリーは1961年にサンパウロ・ビエンナーレに招待された。その後、1964年、1968年、1977年、1992年のドクメンタにも出品された。 2007年のヴェネツィア・ビエンナーレには、彼の絵画の部屋が展示された。
ケリーの最初の回顧展は、1973年にニューヨーク近代美術館で開催されました。その後、彼の作品は数多くの回顧展で評価され、 1982年にはニューヨークのホイットニー美術館で彫刻展が開催されました。また、1987年から1988年にかけては、紙作品展と版画展がアメリカとカナダ各地を巡回しました。さらに、1996年にはソロモン・R・グッゲンハイム美術館が企画した回顧展が開催され、ロサンゼルスの現代美術館、ロンドンのテート・ギャラリー、ミュンヘンのハウス・デア・クンストを巡回しました。それ以降、ケリーの個展は、ニューヨークのメトロポリタン美術館（1998年）、ケンブリッジのフォッグ美術館（1999年）、サンフランシスコ近代美術館（1988年/2002年）、フィラデルフィア美術館（2007年）、ニューヨーク近代美術館（2007年）などで開催されています。[ 54 ]
1993年、パリのジュ・ド・ポーム国立美術館は、アーティストとパリとの関係に基づいた展覧会「エルズワース・ケリー：フランス時代、1948～54年」を開催し、この展覧会はワシントンDCのナショナル・ギャラリー・オブ・アートに巡回した。2008年には、オルセー美術館が「書簡：ポール・セザンヌ・エルズワース・ケリー」展でケリーを称えた。[ 55 ]ハウス・デア・クンストは2012年にケリーの白黒作品の初の包括的な回顧展を開催した。[ 56 ]
2013年のアーティストの90歳の誕生日を記念して、ワシントンのナショナル・ギャラリー・オブ・アートは彼の版画展「エルズワース・ケリー：色紙のイメージ」を開催し[ 57 ] 、フィラデルフィアのバーンズ財団は5つの彫刻をまとめて展示し、ワシントンのフィリップス・コレクションは彼のパネル絵画を展示し[ 58 ]、ニューヨーク近代美術館は「チャタム・シリーズ」の展覧会を開催した[ 59 ] 。
ケリーの作品は、ホールディング・キャピタル・グループからの多額の寄贈により、フロリダ州マイアミのペレス美術館に収蔵され、 2014年と2015年に「絵画の限られた寿命を超えて：ホールディング・キャピタル・グループ・コレクションからの版画とマルチプル」の一部として展示されました。2024年には、PAMMは再びケリーの作品を「すべての音は時間の形である：PAMMコレクションからの選りすぐり」に含めています。[ 60 ] [ 61 ] [ 62 ]
「エルズワース・ケリー生誕100周年」と題された回顧展が、2023年にメリーランド州ポトマックのグレンストーン美術館によって企画され、パリとドーハへの巡回が予定されていた。[ 63 ]
1957年、ケリーはフィラデルフィアのペンセンターにある交通ビルのために、当時としては最大の作品となる長さ65フィートの壁面彫刻の制作を依頼された。大部分が忘れ去られたこの彫刻は「大きな壁のための彫刻」（1957年）と題され、最終的に解体された。ケリーはその後、グッゲンハイム美術館のピーター・B・ルイス劇場に永久設置するために設計された鋼鉄彫刻「ライト・カーブ」（1966年）、 [ 66 ] 1969年にパリのユネスコ本部のために制作した壁画、 1981年にシカゴのリンカーンパークに制作した「カーブXXII（I Will）」 、1985年にシンガポールのラッフルズシティビルのためにIMペイから依頼された作品、 1986年にヒューストン美術館に設置された背の高いコンクリートの上に垂直に取り付けられたブロンズ板の「ヒューストン・トリプティク」 、バルセロナのパルク・デ・ラ・クレウエタ・デル・コルのために制作した彫刻「トーテム」 （1987年）など、多くの公共の依頼を手がけている。ダラスのモートン・H・マイヤーソン交響楽センターのためのダラス・パネル（青緑黒赤）（1989年）[ 67 ] 、スイスのヴヴェイにあるネスレ本社のための1989年の彫刻[ 35 ] 、フランスのニームにある現代美術研究所から依頼された記念碑的彫刻ガリア（1993年）、ワシントンDCにある米国ホロコースト記念博物館のための2部構成の記念碑（ 1993年）、ベルリンのドイツ連邦議会のための大規模なベルリン・パネル（1998年） 。ボストンのジョン・ジョセフ・モークリー米国裁判所（ヘンリー・N・コブ設計）のために、彼はボストン・パネルを設計した。これは、中央の円形広間に建物全体にわたって1つの作品として設置された21枚の鮮やかな色のアルミニウムパネルである。[ 68 ]
2013年、エルズワース・ケリーは、パリのルイ・ヴィトン財団にあるフランク・ゲーリー設計の講堂の幕として機能する大規模なマルチパネル絵画「スペクトラムVIII」（2014年完成）の制作を依頼された。[ 69 ]
ケリーの2枚パネルの作品「ブルー・ブラック」（2001年）は、高さ28フィート、塗装されたハニカムアルミニウム製で、セントルイスのピューリッツァー芸術財団のために依頼されたものであり[ 70 ]、大型のブロンズ作品「無題」 （2005年）は、フィリップス・コレクションの中庭のために特別に依頼されたものである[ 71 ]。 2005年、ケリーはレンゾ・ピアノからシカゴ美術館の近代美術棟のための唯一のサイトスペシフィック作品の制作を依頼された。彼はこれまでに制作した中で最大の壁面彫刻「ホワイト・カーブ」を制作し、これは2009年から展示されている[ 72 ]。ケリーは2008年に、高さ40フィートのステンレススチール彫刻「ベルリン・トーテム」をベルリンの米国大使館の中庭に設置した[ 73 ]。
1986年、ケリーは個人コレクターのために最初の独立型建築を構想したが、実現には至らなかった。2015年になってようやく、ブラントン美術館が、14枚の白黒大理石パネルと色付きガラス窓を含む2,715平方フィートの石造りの建物の設計図を取得し、テキサス大学オースティン校の美術館敷地内に建設する計画を立てた。[ 74 ]この建物は2018年2月18日に一般公開された。芸術と建築の傑作である「オースティン」は、ケリーのキャリアの集大成とみなされている。[ 75 ]
ケリーは1968年にニューヨーク州オールバニーのネルソン・A・ロックフェラー・エンパイア・ステート・プラザ・アート・コレクションのために、大型の屋外彫刻の制作を依頼された。イエロー・ブルーと題されたこの彫刻は、エンパイア・ステート・プラザの環境にインスピレーションを得たもので、高さ9フィート、幅約16フィートのケリー最大の立像である。イエロー・ブルーは彼の最初の鉄製彫刻であり、現在まで唯一の塗装鋼製彫刻である。[ 76 ]
1957年、ホイットニー美術館は、黒一色の背景に2つの白い波のような弧を描いた絵画「アトランティック」を購入しました。これはケリーにとって初めての美術館による購入でした。 [ 77 ]現在、彼の作品は、パリのポンピドゥー・センター、マドリードのソフィア王妃芸術センター、ニューヨーク州オールバニーのネルソン・A・ロックフェラー知事エンパイア・ステート・プラザ・アート・コレクション、ニューヨーク州グレンズフォールズのハイド・コレクション、ロンドンのテート・モダンなど、多くの公共コレクションに収蔵されています。1999年、サンフランシスコ近代美術館は、エルズワース・ケリーの絵画、壁面レリーフ、彫刻など22点の作品を購入したと発表しました。これらの作品は2000万ドル以上の価値があると評価されています。[ 78 ] 2003年、メニル・コレクションは、スケッチ、作業ドローイング、コラージュなど、額装された紙作品188点からなるケリーのタブレットを受け取りました。[ 79 ]著名な個人コレクターには、イーライ・ブロードやグウィネス・パルトローなどがいる。[ 15 ]
ケリーはまた、ニューヨーク州アナンデール・オン・ハドソンのバード大学（1996年） [ 82 ] 、ロンドンのロイヤル・カレッジ・オブ・アート（1997年） [ 35 ] 、ケンブリッジのハーバード大学（2003年）、ウィリアムズ大学（2005年） [ 83 ]などから数多くの名誉学位を授与されている。
米国郵政公社は2019年1月に、ケリーの作品を称える切手セットが2019年に発行されると発表した。USPSのプレスリリースでは、ケリーが「本質的な形に還元された現実の要素に基づく独特の抽象スタイル」を開拓したことを認めている。イエローホワイト、カラーズ・フォー・ア・ラージ・ウォール、ブルーレッドロッカー、スペクトラムI、サウスフェリー、ブルーグリーン、オレンジレッドレリーフ（デルフィーヌ・セイリグのために）、メッシャーズ、レッドブルー、ガザを含む10作品が描かれている。[ 84 ] [ 85 ]この切手セットは2019年5月31日に発行された。[ 86 ]
ディーラーのベティ・パーソンズは、 1956年に初めて彼に個展の機会を与えた。パーソンズと10年近く過ごした後、1965年にシドニー・ジャニス・ギャラリーで作品を発表し始めた。[ 77 ] 1970年代と1980年代には、ニューヨークのレオ・カステリとブルム・ヘルマンが共同で彼の作品を取り扱った。 [ 77 ] 1992年には、ニューヨークとロサンゼルスのマシュー・マークス・ギャラリーとロンドンのアンソニー・ドゥオフェイ・ギャラリーに加わった。マークスのロサンゼルス・ギャラリーのファサードは、1954年にパリに住んでいたときに制作したコラージュ作品「白黒パネルのための習作」と絵画「白の上に黒」にインスピレーションを得たものである。[ 87 ] 1964年からは、ロサンゼルスのジェミニ・ゲルとニューヨーク市近郊のタイラー・グラフィックス社で版画や限定版彫刻を制作した。
2014年、ケリーの絵画「レッドカーブ」（1982年）がクリスティーズ・ニューヨークのオークションで450万ドルで落札された。 [ 88 ]エルズワース・ケリーの作品のオークション記録は、13部構成の絵画「スペクトラムVI」 （1969年）が2007年11月14日にサザビーズ・ニューヨークの現代美術イブニングセールで520万ドルで落札されたことで樹立された。 [ 89 ]
2019年11月、クリスティーズは、作品「レッドカーブVII」を980万ドルで落札し、このアーティストのオークション記録を樹立した。[ 90 ]
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