電子音楽

真空管の発展により、より小型で増幅され、演奏に実用的な電子楽器が誕生した。 ^{[ 15 ]}特に、テルミン、オンド・マルトノ、トラウトニウムは1930年代初頭までに商業生産された。^{[ 16 ] [ 17 ]}

1920年代後半から、電子楽器の実用性の向上により、ジョセフ・シリンガーやマリア・シュッペルなどの作曲家がそれらを採用するようになった。それらは通常オーケストラ内で使用され、ほとんどの作曲家は弦楽器で演奏できるパートをテルミン用に書いた。^{[ 16 ]}

前衛作曲家たちは、電子楽器が従来の目的で主に使われていることを批判した。^{[ 16 ]}これらの楽器は音高のリソースを拡張し^{[ 18 ]}、チャールズ・アイヴス、ディミトリオス・レヴィディス、オリヴィエ・メシアン、エドガー・ヴァレーズなどの微分音音楽の提唱者たちがそれを活用した。^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]}さらに、パーシー・グレインジャーはテルミンを使って固定音程を完全に放棄し^{[ 22 ]} 、ガヴリール・ポポフなどのロシアの作曲家はそれを、それ以外は音響的なノイズ音楽におけるノイズ源として扱った。^{[ 23 ]}

初期の録音技術の発展は、電子楽器の発展と並行していた。音声を録音・再生する最初の手段は、19世紀後半に機械式蓄音機によって発明された。^{[ 24 ]}レコードプレーヤーは一般的な家庭用品となり、1920年代には作曲家が演奏で短い録音を再生するために使用するようになった。^{[ 25 ]}

1925年の電気録音の導入に続いて、レコードプレーヤーを使った実験が盛んに行われた。パウル・ヒンデミットとエルンスト・トッホは、1930年に楽器や声の録音を速度を変えて重ね合わせることでいくつかの作品を作曲した。これらの技法に影響を受けたジョン・ケージは、 1939年に録音された音の速度を変えることで「想像上の風景第1番」を作曲した。 ^{[ 26 ]}

作曲家たちは、新たに開発されたサウンド・オン・フィルム技術の実験を始めた。録音をつなぎ合わせてサウンド・コラージュを作成することができ、トリスタン・ツァラ、クルト・シュヴィッタース、フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティ、ヴァルター・ルートマン、ジガ・ヴェルトフらがそうした。さらに、この技術によって音をグラフィカルに作成したり変更したりすることが可能になった。これらの技術は、ドイツやロシアのいくつかの映画のサウンドトラックの作曲に使用されたほか、アメリカで人気のあった『ジキル博士とハイド氏』にも使用された。グラフィカル・サウンドの実験は、1930年代後半からノーマン・マクラーレンによって続けられた。 ^{[ 27 ]}

最初の実用的なオーディオテープレコーダーは1935年に発表されました。^{[ 28 ]} ACバイアス技術を使用して技術が改良され、録音の忠実度が大幅に向上しました。 ^{[ 29 ] [ 30 ]} 1942年には早くもステレオでのテスト録音が行われていました。^{[ 31 ]}これらの開発は当初ドイツに限られていましたが、第二次世界大戦の終結後、レコーダーとテープは米国に持ち込まれました。^{[ 32 ]}これらが1948年に最初の市販テープレコーダーの基礎となりました。^{[ 33 ]}

1944年、作曲に磁気テープが使われるようになる以前、エジプトの作曲家ハリム・エル・ダブは、カイロの学生時代に、扱いにくいワイヤーレコーダーを使って古代のザール儀式の音を録音した。エル・ダブは、中東ラジオ局のスタジオの設備を使って、残響、エコー、電圧制御、再録音などの処理を施した。その結果生まれたのが、最古のテープ音楽作品だと考えられている。^{[ 1 ]}完成した作品は「ザールの表現」と題され、1944年にカイロのアートギャラリーのイベントで発表された。テープを使った作曲における彼の初期の実験は、当時エジプト国外では広く知られていなかったが、エル・ダブは1950年代後半にコロンビア・プリンストン電子音楽センターで電子音楽の研究を行ったことでも知られている。 ^{[ 34 ]}

フォノジェン（1953年）は、 GRMCのピエール・シェーファーらが開発した、音の構造を変化させるためのテープマシンである。

ピエール・シェフェールが、テープ再生用の80個のスピーカーで構成されたアコースモニウム（1974年）をGRMで発表した。

1940年代初頭、フランス放送協会（RDF）のスタジオ・デッセイでの活動を経て、ピエール・シェフェールはミュジック・コンクレートの理論と実践の創始者として知られています。1940年代後半、シェフェールはシェラック製レコードプレーヤーを用いた音響ベースの作曲実験を初めて行いました。1950年には、磁気テープマシンを用いて速度変化（ピッチシフト）やテープスプライシングなどの音響操作手法を探求することで、ミュジック・コンクレートの技法が拡張されました。^{[ 35 ] [ 36 ]}

1948 年 10 月 5 日、RDF はシェーファーの「鉄の道の練習曲」を放送した。これは「雑音の 5 つの練習曲」の最初の「楽章」であり、スタジオでの実現^{[ 37 ]}とミュジック・コンクレート (またはアコースマティック芸術) の始まりとなった。シェーファーは、ディスクカッティング旋盤、4 台のターンテーブル、4 チャンネルミキサー、フィルター、エコー チャンバー、移動式録音ユニットを使用した。この後まもなく、ピエール アンリがシェーファーと共同作業を開始し、このパートナーシップは電子音楽の方向性に深く永続的な影響を与えることになる。シェーファーのもう一人の協力者であるエドガー ヴァレーズは、室内オーケストラとテープのための作品「砂漠」の制作を開始した。テープ部分はピエール シェーファーのスタジオで作成され、後にコロンビア大学で改訂された。

1950年、シェーファーはパリ音楽院でミュジック・コンクレートの最初の公開（放送なし）コンサートを行った。「シェーファーはPAシステム、複数のターンテーブル、ミキサーを使用した。ターンテーブルでライブモンタージュを作成するのは前例がなかったため、演奏はうまくいかなかった。」^{[ 38 ]}同年後半、ピエール・アンリはシェーファーと共同でミュジック・コンクレートの最初の主要作品である『孤独な男のための交響曲』（1950年）を制作した。 ^{[ 39 ]} 1951年、パリでは、後に世界的な重要な潮流となる電子音楽制作のための最初のスタジオがRTFによって設立された。また1951年には、シェーファーとアンリは具体的な音と声のためのオペラ『オルフェウス』を制作した。

1951 年までに、シェーファー、作曲家兼打楽器奏者のピエール・アンリ、サウンド・エンジニアのジャック・プーランの作品が公式に認められ、ミュージック・コンクレート研究グループ、ラジオ拡散テレビ・フランセーズ・クラブがパリの RTF に設立され、ORTFの前身となりました。^{[ 40 ]}

カールハインツ・シュトックハウゼンは1952年にシェーファーのスタジオで短期間働き、その後長年にわたりケルンのWDR電子音楽スタジオで活動した。

1954年は、現在では本格的なエレクトリック・プラス・アコースティック作品とみなされるもの、つまりアコースティック楽器に加工または電子的に生成された音の録音を加えた作品が登場した年である。この年には3つの主要作品が初演された。ヴァレーズの室内楽とテープ音のための「砂漠」 、そしてオットー・ルーニングとウラジーミル・ウサチェフスキーの2つの作品、「ルイビル交響楽団のための狂詩曲変奏曲」と「サイクルと鐘の詩」で、いずれもオーケストラとテープのためのものである。ヴァレーズはシェーファーのスタジオで作業していたため、彼の作品のテープ部分は電子音よりも具体的な音が多く含まれている。「管楽器、打楽器、ピアノからなるグループが、2つのスピーカーから発せられる工場の騒音や船のサイレン、モーターの変奏音と交互に演奏される。」^{[ 41 ]}

ブルーノ・マデルナが指揮したハンブルクでの『砂漠』のドイツ初演では、テープコントロールはカールハインツ・シュトックハウゼンが担当した。^{[ 41 ]} 『砂漠』というタイトルは、ヴァレーズに「あらゆる物理的な砂漠（砂、海、雪、宇宙、人通りのない通り）だけでなく、人間の心の砂漠も示唆した。つまり、むき出しの自然の側面が示唆する、荒涼とした、孤立した、永遠のものだけでなく、望遠鏡では到達できない、人間が孤独な、神秘と本質的な孤独の世界である、遠く離れた内なる空間も示唆した」^{[ 42 ] 。}

ケルンでは、世界で最も有名な電子音楽スタジオとなるものが、 1953年にNWDRのラジオスタジオで正式にオープンしたが、1950年にはすでに計画段階にあり、1951年には初期の作品が制作され放送されていた。^{[ 43 ]}ヴェルナー・マイヤー＝エプラー、ロベルト・ベイヤー、ヘルベルト・アイメルト（初代ディレクター）の発案によるこのスタジオには、すぐにカールハインツ・シュトックハウゼンとゴットフリート・ミヒャエル・ケーニヒが加わった。マイヤー＝エプラーは1949年の論文「電子音の合成：電子音楽と合成言語」で、電子的に生成された信号から完全に音楽を合成するというアイデアを考案した。このようにして、電子音楽は、音響源から録音された音を使用するフランスのミュジック・コンクレートとは明確に区別された。^{[ 44 ] [ 45 ]}

1953年、シュトックハウゼンは『Studie I』を作曲し、1954年には『Elektronische Studie II』を発表した。これは楽譜として出版された最初の電子音楽作品である。1955年には、より実験的で電子的なスタジオが次々と登場し始めた。特筆すべきは、黛敏郎が東京のNHKに設立したスタジオ『 Studio di fonologia musicale di Radio Milano』と、オランダのアイントホーフェンにあったフィリップス・スタジオである。このスタジオは1960年にユトレヒト大学に音響学研究所として移転した。

「シュトックハウゼンとマウリシオ・ケーゲルが滞在したことで、ケルンはカリスマ的な前衛音楽の年間を通しての拠点となった。」^{[ 46 ]} 2回にわたり、電子的に生成された音と比較的伝統的なオーケストラを組み合わせた作品、Mixtur (1964) とHymnen, dritte Region mit Orchester (1967) がある。^{[ 47 ]}シュトックハウゼンは、聴衆から彼の電子音楽によって「宇宙空間」や飛行感覚、あるいは「幻想的な夢の世界」にいるような体験をしたと言われたと述べている。^{[ 48 ]}

アメリカでは、電子音楽は早くも1939年にジョン・ケージが可変速ターンテーブル2台、周波数録音、ミュートピアノ、シンバルを使用したが電子的な制作手段は使わなかった「イマジナリー・ランドスケープ第1番」を発表した頃には既に作られていた。ケージは1942年から1952年の間にさらに5つの「イマジナリー・ランドスケープ」を作曲した（1つは撤回）。そのほとんどは打楽器アンサンブルのためのものだったが、第4番は12台のラジオ用、1952年に書かれた第5番は42の録音を使用し、磁気テープとして実現される予定だった。オットー・ルーニングによれば、ケージはウィリアムズとの共同作業とされる3年後の1954年にドナウエッシンゲンで8台のスピーカーを使って「ウィリアムズ・ミックス」を演奏した。 「ウィリアムズ・ミックス」はドナウエッシンゲン音楽祭で成功を収め、「強い印象」を与えた。^{[ 49 ]}

磁気テープのための音楽プロジェクトは、ニューヨーク・スクールのメンバー（ジョン・ケージ、アール・ブラウン、クリスチャン・ウォルフ、デイヴィッド・チ​​ューダー、モートン・フェルドマン）によって結成され、^{[ 50 ]} 1954年までの3年間続いた。ケージはこのコラボレーションについて次のように書いている。「したがって、この社会的な暗闇の中で、アール・ブラウン、モートン・フェルドマン、クリスチャン・ウォルフの作品は、記譜、演奏、聴取のさまざまな点で、行動が刺激的であるという理由で、輝かしい光を放ち続けている。」^{[ 51 ]}

ケージは、ミュージック・フォー・マグネティック・テープ・プロジェクトに取り組んでいた1953年にウィリアムズ・ミックスを完成させた。 ^{[ 52 ]}このグループには常設の施設がなく、ベベとルイス・バロンのスタジオを含む商業用サウンドスタジオを借りて利用しなければならなかった。

同年、コロンビア大学はコンサート録音用に初のテープレコーダー（プロ仕様のアンペックス社製）を購入した。コロンビア大学音楽学部の教員であったウラジーミル・ウサチェフスキーがこの機器の担当となり、ほぼ直ちに実験を開始した。

ハーバート・ラスコルは次のように書いています。「彼はすぐに、楽器を録音して重ね合わせることで得られる新しい音色に魅了されました。」^{[ 53 ]}ウサチェフスキーは後にこう言いました。「テープレコーダーは音の変換装置として扱えることに突然気づいたのです。」^{[ 53 ]} 1952年5月8日木曜日、ウサチェフスキーはコロンビア大学のマクミリン劇場にある作曲家フォーラムで、自身が制作したテープ音楽／効果のデモンストレーションをいくつか披露しました。これには、移調、残響、実験、作曲、水中ワルツなどが含まれていました。インタビューで彼はこう述べています。「ニューヨークでの公開コンサートで、従来の楽器のために書いた他の作品とともに、私の発見のいくつかの例を発表しました。」^{[ 53 ]} このコンサートに出席したオットー・ルーニングは次のように述べている。「彼が使用できた機材は、アンペックスのテープレコーダーと、フィードバック、つまり機械的な残響の一種を作り出すために、才能ある若手エンジニア、ピーター・モージーが設計したシンプルな箱型の装置だった。その他の機材は借りたり、私財で購入したりした。」^{[ 54 ]}

わずか3か月後の1952年8月、ウサチェフスキーはルーニングの招待でバーモント州ベニントンを訪れ、自身の実験を発表した。そこで二人は様々な作品でコラボレーションした。ルーニングはその出来事を次のように語っている。「イヤホンとフルートを手に、私は最初のテープレコーダー作品の制作に取りかかった。二人とも即興演奏が得意で、この媒体は私たちの想像力を掻き立てた。」^{[ 54 ]}二人は初期の作品をパーティーで非公式に演奏し、「多くの作曲家が厳粛な面持ちで私たちを祝福し、『これこそ未来の音楽だ』と言った。」^{[ 54 ]}

すぐにニューヨーク市に知らせが届いた。オリバー・ダニエルから電話があり、二人に「アメリカ作曲家連盟とブロードキャスト・ミュージック社が主催し、レオポルド・ストコフスキーの指揮でニューヨーク近代美術館で開催される10月のコンサートのために、短い作品群を制作してほしい」と依頼された。少し躊躇したが、私たちは承諾した。ヘンリー・コーウェルはニューヨーク州ウッドストックにある自宅兼スタジオを私たちに提供してくれた。ウサチェフスキーの車の後部に借りた機材を積んで、私たちはベニントンからウッドストックへ向かい、2週間滞在した。1952年9月下旬、移動実験室はニューヨークのウサチェフスキーの居間にたどり着き、そこで最終的に作品を完成させた。」^{[ 54 ]}

2か月後の10月28日、ウラジーミル・ウサチェフスキーとオットー・ルーニングは、米国で初のテープ音楽コンサートを開催した。コンサートでは、ルーニングの「空間の幻想」 （1952年）―「フルートの録音を加工した印象派的な技巧的な作品」^{[ 54 ]} ―と「フルートの自然な音域をはるかに下回る異国情緒あふれる作品」^{[ 54 ]} ―「ロー・スピード」（1952年） ―が演奏された。両作品とも、ニューヨーク州ウッドストックにあるヘンリー・コーウェルの自宅で制作された。数回のコンサートがニューヨーク市でセンセーションを巻き起こした後、ウサチェフスキーとルーニングはNBCの「トゥデイ・ショー」の生放送に招かれ、インタビュー形式の実演を行った。これはテレビで放送された初の電気音響パフォーマンスとなった。ルーニングはこの出来事について次のように述べている。「私はテープレコーダーのためにいくつかの[フルート]シーケンスを即興で演奏した。ウサチェフスキーはその場でそれらを電子的に変換した。」^{[ 55 ]}

ルイスとベベ・バロンによる映画『禁断の惑星』のスコア^{[ 56 ]}は、1956年に特注の電子回路とテープレコーダーを使用して完全に作曲されました（ただし、現代的な意味でのシンセサイザーは使用されていません）。

1929年、ニコライ・オブホフはテルミンの原理に匹敵する「響く十字架」（ラ・クロワ・ソノール）を発明した。^{[ 57 ]} 1930年代には、ニコライ・アナニエフが「ソナー」を、エンジニアのアレクサンドル・グロフがネオビオレナを、I.イルサロフがイルストンを、^{[ 58 ]} A.リムスキー＝コルサコフとA.イワノフがエミリトンを発明した。^{[ 57 ]}作曲家であり発明家でもあるアルセニー・アヴラアモフは音響合成に関する科学的研究に従事し、後にソビエトの電子楽器の基礎となる数々の実験を行った。^{[ 59 ]}

1956年、ヴャチェスラフ・メシェリンは、テルミン、エレクトリックハープ、エレクトリックオルガン、ソ連初のシンセサイザー「エクヴォディン」^{[ 57 ]}を使用した電子楽器アンサンブルを結成し、ソ連初のリバーブマシンも開発しました。メシェリンのアンサンブルの演奏スタイルは「スペースエイジポップ」として知られています。^{[ 59 ]} 1957年、エンジニアのイゴール・シモノフは、ノイズレコーダー（エレクトロエオリフォン）の動作モデルを組み立て、ノイズの性質を持つさまざまな音色や協和音を抽出することが可能になりました。^{[ 57 ]} 1958年、エフゲニー・ムルジンは、世界初のポリフォニック音楽シンセサイザーの1つであるANSシンセサイザーを設計しました。

1966年にムルジンによって設立されたモスクワ実験電子音楽スタジオは、エドゥアルド・アルテミエフ、アレクサンドル・ネムティン、サンドール・カロス、ソフィア・グバイドゥーリナ、アルフレッド・シュニトケ、ウラジーミル・マルティノフといった新世代の実験音楽家の拠点となった。^{[ 57 ] [ 59 ]} 1960年代末までに、ソ連では軽快な電子音楽を演奏する音楽グループが登場した。国家レベルでは、この音楽は外国人観光客を国内に誘致したり、外国への放送に使われ始めた。 ^{[ 60 ]} 1970年代半ばには、作曲家のアレクサンドル・ザツェピンがメロトロンの改良版である「オーケストローラ」を設計した。^{[ 61 ]}

バルト三国ソビエト共和国にも独自の先駆者がいた。エストニア・ソビエト社会主義共和国ではスヴェン・グルンベルク、リトアニア・ソビエト社会主義共和国ではギエドリウス・クプレヴィチュス、ラトビア・ソビエト社会主義共和国ではオプスとゾディアックである。^{[ 59 ]}

世界で初めて音楽を演奏したコンピュータは、トレバー・ピアシーとマストン・ビアードによって設計・製造されたCSIRACでした。数学者のジェフ・ヒルは、1950年代初頭のポピュラー音楽のメロディーを演奏するようにCSIRACをプログラムしました。1951年には、録音は知られておらず、正確な復元のみが残っている「Colonel Bogey March」を公開で演奏しました。^{[ 62 ]}しかし、CSIRACは標準的なレパートリーを演奏し、音楽的思考や作曲の実践を拡張するために使用されませんでした。CSIRACは録音されませんでしたが、演奏された音楽は正確に復元されました。コンピュータで生成された音楽の最も古い既知の録音は、 1951年の秋にマンチェスター大学のBaby Machineの商用版であるFerranti Mark 1コンピュータによって演奏されました。 ^{[ 63 ]}音楽プログラムはクリストファー・ストラッチーによって書かれました。

ヤマハマグナオルガンと専用トーンキャビネット（1935年）^{[ 64 ]}

日本の初期の電子楽器群の中には、1935年に製造されたヤマハのマグナオルガンという電気音響楽器があった。 ^{[ 64 ]}第二次世界大戦後、柴田美奈雄などの日本の作曲家は、他国における電子楽器の開発について知るようになった。1940年代後半には、日本の作曲家は電子音楽の実験を始め、制度的な支援によって高度な機器を使った実験が可能になった。彼らが新興ジャンルにアジア音楽を取り入れたことは、数十年後の日本の音楽技術開発における人気を支えることになった。^{[ 65 ]}

1946年に電子機器会社ソニーが設立された後、作曲家の武満徹と柴田美奈雄は、それぞれ独立して電子技術を音楽制作に利用できる可能性を探求した。^{[ 66 ]}武満は、自身は知らなかったが、ミュジック・コンクレートに似たアイデアを持っていた一方、柴田はシンセサイザーの開発を予見し、音楽の劇的な変化を予測した。^{[ 67 ]}ソニーは、政府や公共用に人気の磁気テープレコーダーの生産を開始した。 ^{[ 65 ] [ 68 ]}

1950年に設立された前衛音楽集団実験工房は、ソニーから新興のオーディオ技術へのアクセスを提供された。ソニーは武満徹を雇い、電子テープ音楽の作曲と演奏でテープレコーダーの実演を行った。^{[ 69 ]}同グループによる最初の電子テープ作品は、秋山邦治が1951年に作曲した「囚われの女」と「ピースB」である。^{[ 70 ]}彼らが制作した多くの電子音響テープ作品は、ラジオ、映画、演劇の付随音楽として使用された。また、録音されたサウンドトラックと同期したスライドショーを用いたコンサートも開催した。^{[ 71 ]}芥川靖、富永三郎、深井史郎など、実験工房以外の作曲家も1952年から1953年にかけてラジオフォニックテープ音楽の実験を行っていた。^{[ 68 ]}

ミュジック・コンクレートは、ピエール・シェフェールのコンサートに影響を受けた黛敏郎によって日本に紹介された。1952年から、彼は喜劇映画、ラジオ放送、ラジオドラマのためにテープ音楽を作曲した。^{[ 70 ] [ 72 ]}しかし、シェフェールの音響オブジェクトの概念は、主に人間の演奏の制約を克服することに関心を持っていた日本の作曲家たちの間では影響力を持たなかった。^{[ 73 ]}このため、日本の電子音響音楽家たちはセリエリズムや十二音技法を用いるようになり、^{[ 73 ]}入野義郎の1951年の十二音技法「コンチェルト・ダ・カメラ」^{[ 72 ]} 、黛の「ミュジック・コンクレートのためのX、Y、Z」における電子音の構成、そして後に1956年までの柴田の電子音楽にそれが顕著に表れている。^{[ 74 ]}

黛敏郎は、ケルンのNWDRスタジオをモデルに、1954年に東京にNHK電子音楽スタジオを設立した。このスタジオは、世界有数の電子音楽施設となった。スタジオには、音源・音声処理装置、録音・放送機器、オンド・マルトノ、モノコード、メロコード、正弦波発振器、テープレコーダー、リングモジュレーター、バンドパスフィルター、4チャンネル・8チャンネルミキサーなどの技術が備えられていた。このスタジオに関わった音楽家には、黛敏郎、柴田美奈緒、湯浅譲二、一柳慧、武満徹などがいる。スタジオ初の電子音楽作品は1955年に完成し、スタジオの様々な音源生成機能を用いて制作された黛の5分間の作品「素数の比例による正弦波のための習作I」、「素数の比例による変調波のための音楽」、「方形波とノコギリ波のための発明」、そして柴田の20分間のステレオ作品「ステレオ放送のためのミュジック・コンクレート」などが含まれる。^{[ 75 ] [ 76 ]}

1956 年もコンピュータの影響は続いた。レジャレン・ヒラーとレナード・アイザックソンは弦楽四重奏のための「イリアック組曲」を作曲した。これはアルゴリズム作曲を用いたコンピュータ支援作曲の最初の完全な作品である。「…ヒラーは、コンピュータに特定のスタイルの規則を教え、それに従って作曲するように要求することができると仮定した。」^{[ 77 ]}その後の発展には、ベル研究所のマックス・マシューズの研究が含まれる。彼は 1957 年に影響力のあるMUSIC Iプログラムを開発し、これは電子音楽を演奏する最初のコンピュータ プログラムの一つとなった。ボコーダー技術もこの初期の時代の大きな発展であった。1956 年、シュトックハウゼンはケルンスタジオの最初の主要作品である「少年の歌」を作曲した。これはダニエル書のテキストに基づいている。その年の重要な技術的発展は、レイモンド・スコットによるクラヴィボックスシンセサイザーの発明であり、ロバート・モーグによるサブアセンブリであった。

1957年、キッド・バルタン（ディック・ライメーカーズ）とトム・ディセヴェルトは、オランダのフィリップス・スタジオで録音したデビュー・アルバム『ソング・オブ・ザ・セカンド・ムーン』をリリースした。 ^{[ 78 ]}ヴァレーズの『ポエム・エレクトロニック』が収録されていることからもわかるように、世界中で生み出されている新しいサウンドに対する人々の関心は依然として高く、この曲は1958年のブリュッセル万国博覧会のフィリップス館で400台のスピーカーで演奏された。同年、アルゼンチンの作曲家マウリシオ・カゲルは『トランジシオンII』を作曲した。この作品はケルンのWDRスタジオで実現した。2人のミュージシャンがピアノを演奏し、1人は伝統的な方法で、もう1人は弦、フレーム、ケースを演奏した。他の2人の演奏者はテープを使用して、生演奏のサウンドと、後から録音された素材の未来、そして演奏の早い段階で録音された過去のサウンドを融合させた。

1958年、コロンビア大学とプリンストン大学は、初のプログラマブルシンセサイザーであるRCA Mark IIサウンドシンセサイザーを開発しました。 ^{[ 79 ]}ウラジーミル・ウサチェフスキー、オットー・ルーニング、ミルトン・バビット、チャールズ・ウォーリネン、ハリム・エル・ダブ、ビュレント・アレル、マリオ・ダビドフスキーといった著名な作曲家は、さまざまな作品でRCAシンセサイザーを幅広く使用しました。 ^{[ 80 ]}スタジオの初期に関係する最も影響力のある作曲家の1人は、エジプトのハリム・エル・ダブでした。 ^{[ 81 ]}彼は1944年に知られている最古の電子テープ音楽を開発した後、^{[ 1 ]} 1959年の電子音楽作品シリーズ「レイラと詩人」でより有名になりました。この作品は、バビットなどの当時のシリアル作曲家が用いたより数学的なアプローチとは対照的に、電子音楽と民俗音楽を融合させた没入感で際立っていました。 1961年にアルバム『Columbia-Princeton Electronic Music Center』の一部としてリリースされたエル・ダブの『Leiyla and the Poet』は、ニール・ロルニック、チャールズ・アミルハニアン、アリス・シールズからロックミュージシャンのフランク・ザッパやウェスト・コースト・ポップ・アート・エクスペリメンタル・バンドまで、多くのミュージシャンに強い影響を与えたとされている。^{[ 82 ]}

GRMC (ミュージック・コンクレート・グループ) 内で意見の相違が生じたため、ピエール・アンリ、フィリップ・アルテュイ、およびその同僚数名は 1958 年 4 月に辞任しました。シェーファーはグループ・ド・ルシェルシュ・ミュージカル(GRM) と呼ばれる新しい集団を創設し、リュック・フェラーリ、ベアトリス・フェレイラ、フランソワ＝ベルナール・マシュ、ヤニス・クセナキスを含む新しいメンバーの募集に着手しました。、ベルナール・パルメジャーニ、ミレーユ・シャマス=カイルー。その後に到着したのは、イヴォ・マレック、フィリップ・カルソン、ロムアルド・ヴァンデル、エドガルド・カントン、フランソワ・ベイルでした。^{[ 83 ]}

音楽のメロディーは、1950 年にオーストラリアのコンピュータCSIRACによって初めて生成されました。アメリカとイギリスの新聞には、コンピュータがそれ以前に音楽を演奏した可能性があるという記事が（初期のものから最近のものまで）ありましたが、徹底的な調査により、新聞記事を裏付ける証拠がないため、これらの話は否定されています（中には明らかに憶測に基づくものもありました）。調査によると、人々はコンピュータが音を出す可能性があるという理由で、コンピュータが音楽を演奏するのではないかと推測していましたが、 ^{[ 104 ]}実際にそうしたという証拠はありません。^{[ 105 ] [ 106 ]}

世界で初めて音楽を演奏するコンピュータは、1950年代にトレバー・ピアシーとマストン・ビアードによって設計・製造されたCSIRACでした。数学者のジェフ・ヒルは、1950年代初頭のポピュラー音楽のメロディーを演奏するようにCSIRACをプログラムしました。1951年には、録音が現存しない「 Colonel Bogey March」^{[ 107 ]}を公開演奏しました。しかし、 CSIRACは標準的なレパートリーを演奏するだけで、現在のコンピュータ音楽の実践である音楽的思考や作曲の実践を拡張するためには使用されませんでした。

イングランドで最初に演奏された音楽は、 1951 年後半にクリストファー・ストラッチーがFerranti Mark I でプログラムした英国国歌の演奏でした。その年の後半に、 BBCの中継放送班が、国歌、「Ba, Ba Black Sheep」、「In the Mood」の 3 曲の短い抜粋を録音しました。これは、コンピューターが音楽を演奏した最初期の録音として認識されています。この録音は、マンチェスター大学のこのサイトで聴くことができます。カンタベリー大学クライストチャーチ校の研究者が 2016 年にこの録音のクリック音を除去して復元し、その結果はSoundCloudで聴くことができます。^{[ 108 ] [ 109 ] [ 63 ]}

1950年代後半、1960年代、1970年代には、大型メインフレームコンピュータによるシンセシスも発展した。1957年からベル研究所のマックス・マシューズはMUSICプログラムを開発し、直接デジタル合成言語であるMUSIC Vで頂点に達した。^{[ 110 ]}ローリー・シュピーゲルは、Macintosh、Amiga、Atariコンピュータ向けにアルゴリズム音楽作曲ソフトウェア「Music Mouse」（1986年）を開発した。

重要な新たな展開は、音を操作したり作成したりするのではなく、音楽を作曲するためのコンピュータの登場でした。イアニス・クセナキスは、数学的確率システムを使用する作曲方法である、いわゆる「確率音楽」を始めました。一連のパラメーターの下で作品を作成するために、さまざまな確率アルゴリズムが使用されました。クセナキスは、弦楽四重奏のためのST/4や管弦楽のためのST/48 （いずれも1962年） ^{[ 111 ]} 、モルシマ・アモルシマ、ST/10、アトレなどの作品をコンピュータを使用して作曲しました。彼は、グラフィック画像を音楽結果に変換するコンピュータシステムUPICを開発し、それを使用してミケーネ・アルファ（1978年）を作曲しました。

1964年、ヨーロッパでカールハインツ・シュトックハウゼンはタムタム、ハンドヘルドマイクロホン、フィルター、ポテンショメーターのための「ミクロフォニーI」と、オーケストラ、4つの正弦波発生器、4つのリングモジュレーターのための「ミクストゥール」を作曲した。1965年には、合唱、ハモンドオルガン、リングモジュレーターのための「ミクロフォニーII」を作曲した。 ^{[ 112 ]}

1966年から1967年にかけて、リード・ガザラは「サーキットベンディング」を発見し、教え始めた。これは、創造的なショートサーキットの応用であり、偶然のショートサーキットのプロセスであり、実験的な電子楽器を作成し、主に音色という音響要素を探求し、ピッチやリズムはあまり考慮せず、ジョン・ケージの偶然音楽の概念に影響を受けたもので^ある。[ ^{113 ]}

コージー・ファニ・トゥッティのパフォーマンスアートと音楽活動は、「受け入れられる」音楽の概念を探求し、彼女は欲望や不快感の手段としての音の使用を探求し続けた。^{[ 114 ]}

ウェンディ・カルロスは、セントルイス交響楽団とシンセサイザーを演奏しながら、アルバム『Switched-On Bach』からの楽曲をステージで披露した。また、1997年には「Bach at the Beacon」でカーツワイル・バロック・アンサンブルと共演した。^{[ 115 ]} 2018年6月、スザンヌ・チアニは、40年ぶりにブクラ・シンセサイザーでソロ演奏を行ったライブ・アルバム『LIVE Quadraphonic 』をリリースした。これは30年以上ぶりのクアドラフォニック・レコードのリリースの一つだった。^{[ 116 ]}

ホルヘ・アントゥネス（作曲家） 1975年、ブラジルでホルヘ・アントゥネスはアナログシンセサイザーSinthi Aによってリアルタイムで処理される音響楽器のためのSourceを作曲した。

1950年代には、^{[ 117 ] [ 118 ]}日本の電子楽器が国際的な音楽業界に影響を与え始めた。^{[ 119 ] [ 120 ]} 1960年にエーストーンを設立した掛橋郁太郎は、海外の電子オルガンですでに人気を博していた電子パーカッションの独自のバージョンを開発した。^{[ 121 ]} 1964年のNAMMショーで、彼はそれをR-1リズムエースとして発表した。これは、現代の電子ドラムパッドと同様に、ユーザーがボタンを押すことで手動で電子ドラムの音を演奏する手動パーカッションデバイスだった。^{[ 121 ] [ 122 ] [ 123 ]}

1963年、コルグは電気機械式ドラムマシン「ドンカマチック DA-20」を発売した。^{[ 124 ]} 1965年、日本コロムビアは完全電子ドラムマシンの特許を取得した。^{[ 125 ]}コルグは1966年に電子ドラムマシン「ドンカマチック DC-11」を発売し、その後ヤマハのエレクトーン電子オルガンのオプションとして開発された「コルグ ミニポップス」を発売した。^{[ 124 ]}コルグのステージマンとミニポップスシリーズは、「自然な金属打楽器」サウンドとドラムの「ブレイクとフィルイン」のコントロールを組み込んでいることで知られていた。^{[ 120 ]}

1967年、エース・トーンの創業者である掛橋郁太郎は、ダイオードマトリックス回路を使用したプリセットリズムパターンジェネレーターの特許を取得しました^{[ 126 ]。}これは、シーバーグが1964年に出願した米国特許3,358,068 （ドラムマシン#歴史を参照）に類似しており、同年、FR-1リズムエースドラムマシンとして発売されました^{[ 121 ]} 。16種類のプリセットパターンと、各楽器の音（シンバル、クラベス、カウベル、バスドラム）を手動で演奏するための4つのボタンが用意されていました。複数のリズムボタンを同時に押すことでリズムパターンをカスケード接続することもでき、可能なリズムパターンの組み合わせは100種類以上ありました^{[ 121 ]} 。エース・トーンのリズムエースドラムマシンは1960年代後半からポピュラー音楽に取り入れられ、1970年代にはコルグのドラムマシンがそれに続きました。^{[ 120 ]}梯氏は後にエース・トーンを離れ、 1972年にローランド株式会社を設立し、ローランドのシンセサイザーとドラムマシンはその後数十年にわたり大きな影響力を持つようになった。^{[ 121 ]}同社はその後、ポピュラー音楽に大きな影響を与え、他のどの企業よりもポピュラー電子音楽の形成に貢献した。^{[ 123 ]}

ターンテーブリズムは、ダイレクトドライブターンテーブルの発明に端を発している。初期のベルトドライブターンテーブルは、起動時間が遅く、バックスピンやスクラッチでベルトが切れるため、摩耗や破損が起こりやすかったため、ターンテーブリズムには不向きだった。^{[ 127 ]}最初のダイレクトドライブターンテーブルは、日本の大阪に拠点を置く松下電器産業（現在のパナソニック）のエンジニア、小畑修一によって発明された。 ^{[ 128 ]}これはベルトを廃止し、代わりにモーターを使用してビニールレコードが乗るプラッターを直接駆動する方式を採用した。^{[ 129 ]} 1969年、松下電器産業はこれをSP-10として発売した。 ^{[ 129 ]}これは市場初のダイレクトドライブターンテーブルであり、[ ^{130 ]影響}力のあるテクニクスシリーズのターンテーブルの最初の製品となった。^{[ 129 ]} 1970年代初頭にはテクニクスSL-1100とSL-1200が後継機種として登場し、ヒップホップミュージシャンに広く採用されました。^{[ 129 ]} SL-1200はその後数十年にわたりDJカルチャーで最も広く使われたターンテーブルであり続けました。^{[ 131 ]}

ジャマイカでは、1960年代にサウンドシステム文化に根ざしたポピュラーな電子音楽の一形態であるダブ音楽が誕生した。ダブ音楽は、シルヴァン・モリス、キング・タビー、エロール・トンプソン、リー・“スクラッチ”・ペリー、サイエンティストといったスタジオエンジニアによって開拓され、レコーディングスタジオやサウンドシステムパーティーで、電子音響技術を用いてレゲエの影響を受けた実験的な音楽を制作した。 ^{[ 132 ]}彼らの実験には、ミュジック・コンクレートの側面と類似したテープベースの作曲形式、ミニマリズムと類似した反復的なリズム構造（しばしば和声要素が取り除かれている）への重点、空間性の電子的操作、マスメディアからの録音済み音楽素材の音響的電子操作、ライブ電子音楽と類似した録音済み音楽の上でのDJのトースティング、^{[ 132 ]}音楽のリミックス、^{[ 133 ]}ターンテーブリズム、^{[ 134 ]}およびレコードのミキシングとスクラッチが含まれていた。^{[ 135 ]}

キング・タビーやリー・スクラッチ・ペリーといったダブの先駆者たちが利用できる電子機器は限られていたにもかかわらず、彼らのリミックス文化における実験は音楽的に最先端だった。^{[ 133 ]}例えば、キング・タビーはサウンドシステムのオーナー兼電子機器技術者であり、キングストン西部のウォーターハウス地区にある彼の小さなフロントルームスタジオは、ダブ音楽制作の重要な拠点だった。^{[ 136 ]}

1960年代後半、ビーチ・ボーイズやビートルズなどのポップやロックのミュージシャンは、テルミンやメロトロンなどの電子楽器をサウンドの補完や特徴づけに使い始めた。モーグ・シンセサイザーを最初に使ったバンドは、 1967年の楽曲「ストレンジ・デイズ」^{[ 137 ]}でドアーズ、同じく1967年のアルバム『ピスケス、アクエリアス、カプリコーン＆ジョーンズ・リミテッド』でモンキーズである。トム・ホームズは著書『エレクトロニック・アンド・エクスペリメンタル・ミュージック』の中で、ビートルズの1966年のサイケデリックな楽曲「トゥモロー・ネバー・ノウズ」を、テープループや逆再生・速度操作されたテープサウンドを取り入れたことで「ロックやポップミュージックにおける電子音楽の使用の新時代を切り開いた」楽曲として認めている。^{[ 138 ]}

また、1960年代後半には、音楽デュオのSilver Apples、Beaver and Krause、そしてThe United States of America、Fifty Foot Hose、White Noise、Gongといったサイケデリックロックバンドが、サイケデリックロックとオシレーターやシンセサイザーを融合させた功績により、エレクトロニックロックやエレクトロニカのジャンルの先駆者とみなされている。^{[139][140][141][142][143][144} ] 1969^{年にGershon KingsleyがMusic To Moog Byのために作曲した}インストゥルメンタル曲「Popcorn」は、1972年^にHot Butterが制作したバージョンにより世界的な成功を収めた。^{[ 145 ] [ 146 ]}

モーグ・シンセサイザーは、1968年にアメリカの作曲家ウェンディ・カルロスがモーグ・シンセサイザー用に編曲したバッハの楽曲を収録したベストセラー・アルバム『Switched-On Bach』によって一般に広く知られるようになった。このアルバムは批評的にも商業的にも成功を収め、1970年のグラミー賞で最優秀クラシック・アルバム賞、最優秀クラシック演奏賞（器楽ソリスト部門、オーケストラあり・なし）、最優秀クラシック録音賞を受賞した。

1969年、デビッド・ボーデンはニューヨーク州イサカで、世界初のシンセサイザー・アンサンブルであるマザー・マラード・ポータブル・マスターピース・カンパニーを結成した。 ^{[ 147 ]}

1960年代末までに、モーグ・シンセサイザーは、ピンク・フロイド、イエス、エマーソン・レイク＆パーマー、ジェネシスなどのバンドがサウンドに取り入れたことで、台頭するプログレッシブ・ロックのサウンドにおいて主導的な地位を占めるようになった。インストゥルメンタル・プログレッシブ・ロックは、特にヨーロッパ大陸で重要であり、クラフトワーク、タンジェリン・ドリーム、クラスター、カン、ノイ！、ファウストなどのバンドが言語の壁を克服することを可能にした。^{[ 148 ]}彼らのシンセサイザーを多用した「クラウトロック」は、ブライアン・イーノ（一時期ロキシー・ミュージックのキーボード奏者）の作品とともに、その後のエレクトロニック・ロックに大きな影響を与えることになる。^{[ 149 ]}

アンビエント・ダブは、キング・タビーや他のジャマイカのサウンドアーティストによって開拓され、ドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果を備えたDJに影響を受けたアンビエント・エレクトロニクスが用いられました。レイヤリング技術が特徴で、ワールドミュージック、重厚なベースライン、ハーモニックサウンドの要素が取り入れられています。^{[ 150 ]}長いエコーディレイなどの技術も使用されました。^{[ 151 ]}このジャンルの他の著名なアーティストには、ドレッドゾーン、ハイアー・インテリジェンス・エージェンシー、ジ・オーブ、オット、ループ・グル、ウーブ、トランスグローバル・アンダーグラウンドなどがいます。^{[ 152 ]}

ダブ音楽は、1970年代初頭にジャマイカ移民のDJクール・ハークがジャマイカのサウンドシステム文化とダブ音楽のテクニックをアメリカに紹介した際に、後にヒップホップ音楽に採用された電子音楽のテクニックに影響を与えた。ヒップホップ文化で人気になったテクニックの1つは、2台のターンテーブルで同じレコードを2枚交互に再生し、Bダンサーのお気に入りのセクションを延長することだった。^{[ 153 ]}ターンテーブルは最終的に、1980年代と1990年代に最も目立つ電子楽器となり、時には最も高度な演奏技術を要する楽器となった。^{[ 134 ]}

電子ロックは、日本のミュージシャンによっても数多く制作されており、その中には、当時のポップやロックの曲をモーグ・シンセサイザーで演奏した冨田勲の『エレクトリック・サムライ：スイッチド・オン・ロック』（1972年） ^{[ 154 ]}や、北島修のプログレッシブ・ロック・アルバム『弁財天』 （1974年） ^{[ 155 ]}などがある。1970年代半ばには、ジャン＝ミッシェル・ジャール、ヴァンゲリス、冨田勲、クラウス・シュルツェといった電子芸術音楽家が台頭し、ニューエイジ音楽の発展に大きな影響を与えた^{[ 150 ]}。これらの作品のハイテクな魅力は、アルバムのジャケットに使用されている電子楽器をリストアップするという特徴的なトレンドを数年間生み出した。フランスのバンドSpaceのデビュー・スタジオ・アルバム『マジック・フライ』^{[ 156 ]}や、ジャールの『オキシジェン』のように、電子音楽はラジオ番組や売れ筋チャートに定期的に登場するようになった。^{[ 157 ]} 1977年から1981年にかけて、クラフトワークは『トランス・ヨーロッパ・エクスプレス』、『ザ・マン・マシーン』、『コンピューター・ワールド』などのアルバムをリリースし、電子音楽のサブジャンルに影響を与えた。^{[ 158 ]}

この時代には、マイク・オールドフィールドやアラン・パーソンズ・プロジェクト（ 1975年にデジタル・ボコーダーを使用した最初のロック曲「ザ・レイヴン」を発表したとされる）のようなロックミュージシャンのサウンドは、電子エフェクトや音楽と組み合わせられ、1980年代半ばにはそれがより顕著になった。ジェフ・ウェインは、 1978年のエレクトロニック・ロック・ミュージカル版「宇宙戦争」で長きにわたる成功を収めた^{[ 159 ]}。

映画音楽も電子音の恩恵を受けている。1970年代と1980年代には、ウェンディ・カルロスが『時計じかけのオレンジ』、『シャイニング』、『トロン』の音楽を作曲した。^{[ 160 ]} 1977年、ジーン・ペイジは、スティーブン・スピルバーグ監督の映画『未知との遭遇』のジョン・ウィリアムズ作曲のヒットテーマのディスコバージョンを録音した。ペイジのバージョンはR&Bチャートで30位にランクインした。 1978年の映画『ミッドナイト・エクスプレス』の音楽は、イタリアのシンセサイザーのパイオニアであるジョルジオ・モロダーが作曲し、 1979年にアカデミー作曲賞を受賞した。また、1981年にはヴァンゲリス作曲の『炎のランナー』の音楽も同賞を受賞した。^{[ 161 ]}パンクロックの登場後、基本的なエレクトロニックロックの形態が出現し、新しいデジタル技術を他の楽器の代わりにますます使用するようになった。ニューヨークのパンクシーンから生まれたアメリカのデュオ、スーサイドは、 1977年のセルフタイトルアルバムで、ドラムマシンとシンセサイザーを用いてエレクトロニクスとパンクを融合させた。^{[ 162 ]}

長年にわたり成功を収めたシンセポップの先駆的バンドには、1977年にアルバム『Ha!-Ha!-Ha! 』に収録された「Hiroshima Mon Amour」で知られるUltravoxが含まれる。 [ ^{163 ]}イエロー・マジック・オーケストラのセルフタイトル・アルバム（1978年）、バグルスの1979年のデビュー・シングル「 Video Killed the ^Radio Star」、^{[ 164 ]}ゲイリー・ニューマンのソロ・デビュー・アルバム『The Pleasure Principle』とシングル「Cars」（1979年）、^{[ 165 ]}オーケストラル・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークの1979年のシングル「Electricity 」 （同名のデビュー・アルバムに収録）、^{[ 166 ] [ 167 ]}デペッシュ・モードの1980年のファースト・シングル「Dreaming of Me 」と1981年のデビュー・アルバム『Speak & Spell』、^{[ 168 ]}ア・フロック・オブ・シーガルズの1981年のシングル「Talking」、^{[ 169 ]}ニュー・オーダーの「Ceremony」^{[ 170 ]}（1981年）、ヒューマン・リーグの1981年のヒット曲「Don't You 」彼らの3枚目のアルバム『Dare』からの「Want Me 」 。^{[ 171 ]}

MIDIの定義とデジタルオーディオの開発により、純粋な電子音の開発がはるかに容易になり、^{[ 172 ]}オーディオエンジニア、プロデューサー、作曲家は、メーカーが発売するほぼすべての新しい電子音響機器の可能性を頻繁に探求しました。シンセポップでは、他のすべての楽器の代わりにシンセサイザーを使用することもありましたが、バンドのラインナップには、ギタリスト、ベーシスト、ドラマーに加えて、1人以上のキーボーディストがいるのが一般的でした。これらの発展によりシンセポップが成長し、ニューロマンティック運動に採用された後、シンセサイザーは1980年代初頭のポップとロック音楽を支配するようになりましたが、このスタイルは10年の中盤から後半にかけて人気が衰え始めました。^{[ 171 ]}上記の成功した先駆者に加えて、主要なアーティストには、ヤズー、デュラン・デュラン、スパンダー・バレエ、カルチャー・クラブ、トーク・トーク、ジャパン、ユーリズミックスなどがありました。

シンセポップは世界中で受け入れられ、カナダのMen Without Hats、Trans-X、Lime 、ベルギーのTelex 、ドイツのPeter Schilling、Sandra、Modern Talking、Propaganda、Alphaville、スイスのYello 、スペインのAzul y Negroなど、多くのアーティストが国際的なヒット曲を生み出した。また、シンセサウンドはイタロディスコの重要な特徴でもある。

アメリカのDevoやスペインのAviador Droのように、電子音が主にテクノロジーと結びついているという考えを強化するために、未来的なビジュアルスタイルを作り出したシンセポップバンドもあった。

キーボードシンセサイザーは非常に普及し、美学、サウンド、ライフスタイルにおいてエレクトロニックポップアーティストとは正反対とみなされることが多いヘヴィメタルロックバンドでさえ、ヴァン・ヘイレンの1983年の「ジャンプ」^{[ 173 ]}やヨーロッパの1986年の「ファイナルカウントダウン」^{[ 174 ]}のようにシンセサイザーを前面に出したテーマで世界的な成功を収めた。

エレクトロンムジークスタジオ（EMS）は、以前はスウェーデンのエレクトロアコースティック音楽研究所として知られていた、スウェーデンの電子音楽とサウンドアートの国立研究機関である。この研究機関は1964年に設立され、ストックホルムに拠点を置いている。

STEIM（1969年～2021年）は、オランダのアムステルダムにあった、電子音楽における新しい楽器の研究開発センターでした。創設者は、ミシャ・メンゲルベルク、ルイ・アンドリーセン、ピーター・シャット、ディック・ラーイメーカーズ、ヤン・ファン・フライメン、ラインベルト・デ・レーウ、コンラート・ベーマーの6人です。このオランダ人作曲家グループは、アムステルダムの旧態依然とした音楽構造の改革に尽力し、ブルーノ・マデルナをコンセルトヘボウ管弦楽団の音楽監督に任命するよう主張し、オランダで初めて実験的で即興的な電子音楽への公的資金提供を実現しました。1981年から2008年まで、ミシェル・ワイスヴィスが芸術監督を務め、彼のCrackleboxやThe Handsといったライブ電子楽器は、国際的なアーティストに刺激を与え、STEIMは1992年からレジデンシー・プログラムを実施していました。

パリのIRCAMは、コンピュータ音楽の研究と実現、そして当時としては革新的なリアルタイムデジタル信号処理を特徴とするSogitec 4Xコンピュータシステムの開発における主要な拠点となった^{[ 175 ]}。ピエール・ブーレーズの24人の音楽家と6人のソリストのための作品「Répons」（1981年）では、4Xを使用してソリストの音を変換し、スピーカーシステムにルーティングした。

バリー・ヴァーコーは、初期のコンピューターの音に関する自身の体験の一つを次のように語っている。

1982年にパリのIRCAMで、フルート奏者のラリー・ボーレガードは、ディジューニョの4Xオーディオプロセッサにフルートを接続し、リアルタイムのピッチ追従を実現しました。当時グッゲンハイム美術館にいた私は、このコンセプトを自動同期伴奏によるリアルタイムの楽譜追従に拡張し、その後2年間、ラリーと私は室内楽奏者としてのコンピュータのデモンストレーションを数多く行い、ヘンデルのフルートソナタ、ブーレーズのフルートとピアノのためのソナチネ、そして1984年には、このようなセットアップのために特別に作曲された最初の作品である、フルートとコンピュータのための自作「Synapse II」を演奏しました。大きな課題は、非常に敏感で応答性の高い伴奏をサポートする適切なソフトウェア構造を見つけることでした。これらはすべてMIDI以前のことですが、テンポ・ルバートを多用すると私のSynthetic Performerが常に驚かされることがあったにもかかわらず、結果は印象的でした。 1985年、私たちはリハーサルからの学習を取り入れることでテンポ・ルバートの問題を解決しました（このように演奏するたびに機械の精度が向上しました）。また、才能あふれる若いフルート奏者が致命的な癌にかかってしまったため、バイオリンのトラッキングも行うようになりました。さらに、このバージョンではMIDIと呼ばれる新しい規格が使用され、ここで元教え子のミラー・パケットが有能に私を助けてくれました。彼はこのタスクに関する最初のコンセプトを後にMAXと呼ばれるプログラムに拡張しました。^{[ 177 ]}

1970 年にMoog Musicから発売されたMini-Moogは、広く入手可能で持ち運びやすく、比較的安価なシンセサイザーの初期のものの 1 つです。当時、ポピュラー音楽と電子芸術音楽の両方で最も広く使用されたシンセサイザーになりました。^{[ 178 ]} 1970 年代初頭にHerbie Hancockとライブで演奏していたPatrick Gleesonは、初期のシンセサイザーが想定していなかった負荷がかかるツアー環境でのシンセサイザーの使用を先駆的に行いました。^{[ 179 ] [ 180 ]}

1974年、ケルンのWDRスタジオはEMS Synthi 100シンセサイザーを入手し、多くの作曲家がこれを使用して、ロルフ・ゲールハールの『5つのドイツ舞曲』（1975年）、カールハインツ・シュトックハウゼンの『シリウス』（1975～1976年）、ジョン・マクガイアの『パルス・ミュージックIII』（1978年）などの著名な電子音楽を制作した。^{[ 181 ]}

1970年代の電子機器の小型化のおかげで、1980年代初頭にはキーボードシンセサイザーは軽量化され、手頃な価格になり、必要なオーディオ合成回路とピアノスタイルの鍵盤自体が単一の薄型ユニットに統合されました。これは、1960年代と1970年代に使用されていたかさばる機械と「ケーブルスパゲッティ」とは対照的です。まずアナログシンセサイザーでこの傾向が見られ、その後デジタルシンセサイザーやサンプラーにも同様の傾向が見られました（下記参照）。

1975年、日本のヤマハは、 1971年からスタンフォード大学で実験を行っていたジョン・チャウニングから周波数変調合成（FM合成）のアルゴリズムのライセンスを取得した。^{[ 182 ] [ 183 ]}​​ ヤマハのエンジニアは、チャウニングのアルゴリズムをデジタルシンセサイザーで使用できるように改良し始め、周波数変調中にアナログシステムで通常発生する歪みの発生を回避するために、「キースケーリング」方式などの改良を加えた。^{[ 184 ]}

1980年、ヤマハはついに初のFMデジタルシンセサイザー、Yamaha GS-1を発売したが、高価だった。^{[ 185 ]} 1983年、ヤマハは初のスタンドアロンデジタルシンセサイザー、DX7を発表した。これもFMシンセシスを使用しており、史上最も売れたシンセサイザーの1つとなった。^{[ 182 ]} DX7は、 57kHzという高いサンプリングレートのおかげで、特徴的な明るい音色で知られていた 。^{[ 186 ]}

Korg Poly-800は、1983年にKorgから発売されたシンセサイザーです。発売当初の定価は795ドルで、1000ドル未満で販売された初のフルプログラマブルシンセサイザーとなりました。8音ポリフォニーに対応し、各音に1つのデジタル制御発振器（DCO）を搭載していました。

カシオCZ-101は、カシオCZシリーズ初の、そして最も売れたフェーズディストーションシンセサイザーでした。1984年11月に発売されたこの機種は、500ドル以下で購入できる、初の（あるいは最初の）フルプログラマブルポリフォニックシンセサイザーの一つでした。

ローランドD-50は、ローランドが製造し、1987年4月に発売されたデジタルシンセサイザーです。減算合成、内蔵エフェクト、データ操作用のジョイスティック、アナログシンセサイザーを彷彿とさせるレイアウトデザインなどが特徴です。外部プログラマーであるローランドPG-1000（1987年～1990年）をD-50に接続することで、より複雑な音作りが可能でした。

サンプラーとは、実際の楽器の音（ピアノ、バイオリン、トランペットなど）、録音された楽曲の抜粋（ファンクソングの5秒間のベースギターリフなど）、または環境音（サイレンや波の音など）の録音（「サンプル」）を使用する電子楽器またはデジタル楽器です。サンプルは、ユーザーまたはメーカーによってロードまたは録音されます。これらの音は、サンプラープログラム自体、 MIDIキーボード、シーケンサー、またはその他のトリガーデバイス（電子ドラムなど）を使用して再生され、演奏や作曲に使用されます。これらのサンプルは通常デジタルメモリに保存されるため、情報にすばやくアクセスできます。多くの場合、1つのサンプルをピッチシフトして異なるピッチにすることで、音階や和音を作成できます。

コンピューターのメモリベースのサンプラーが登場する以前は、ミュージシャンはアナログテープに録音を保存するテープ再生キーボードを使用していた。鍵盤を押すと、テープヘッドが動いているテープに接触して音が再生される。メロトロンは最も有名なモデルで、1960年代後半から1970年代にかけて多くのグループで使用されたが、複数のテープ機構が関わっていたため高価で重く、楽器の音域は最大でも3オクターブに制限されていた。音色を変えるには、楽器に新しいテープセットを装着する必要があった。デジタルサンプラーの登場により、サンプリングははるかに実用的になった。

初期のデジタルサンプリングは、ピーター・グロゴノ（ソフトウェア）、デビッド・コッカレル（ハードウェアおよびインターフェース）、ピーター・ジノヴィエフ（システム設計および運用）が1969年頃にロンドン（パトニー）のスタジオで開発したEMS Musysシステムで行われた。

市販された最初のサンプリングシンセサイザーは、ハリー・メンデルによるコンピュータ・ミュージック・メロディアン（1976年）であった。

1977年から1978年に初めて発売された^{[ 187 ]} FMシンセシスを使用したSynclavier Iは、ヤマハから再ライセンス供与され^{[ 188 ]}、主に大学に販売されましたが、その汎用性、最先端の技術、独特のサウンドにより、商業の世界からの初期の採用者であるマイク・ソーンを含む電子音楽の作曲家と音楽プロデューサーの両方に大きな影響を与えました。

最初のポリフォニックデジタルサンプリングシンセサイザーは、オーストラリア製のFairlight CMIで、1979年に初めて発売されました。これらの初期のサンプリングシンセサイザーは、ウェーブテーブルシンセシスを使用していました。^{[ 189 ]}

1980年、ミュージシャンと楽器販売業者のグループが集まり、新しい楽器が他の楽器やコンピュータと制御指示をやり取りするために使用できるインターフェースを標準化しました。この標準は、Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) と呼ばれ、当初はSequential Circuits、Oberheim、Roland などの大手メーカーの協力によって実現し、後にYamaha、Korg、Kawaiなどの他の参加者も加わりました。^{[ 190 ]} Sequential Circuits のDave Smithが論文を執筆し、1981 年にAudio Engineering Societyに提案しました。そして、1983 年 8 月に MIDI 仕様 1.0 が完成しました。

MIDI技術を用いることで、キーボードのキー操作、コントロールホイールの操作、ペダル操作、あるいはマイクロコンピュータからのコマンド一つで、スタジオ内のすべての機器を遠隔操作かつ同期的に作動させることが可能になり、各機器は作曲家によってあらかじめ設定された条件に従って反応する。

MIDI楽器とソフトウェアの登場により、高度な楽器を強力に制御できる技術が、多くのスタジオや個人にとって手頃な価格で利用可能になった。また、サンプリングやサンプリングROMベースの楽器を通して、アコースティックサウンドがスタジオに再び取り入れられるようになった。

ミラー・パケットは、4X用のグラフィック信号処理ソフトウェアMax (マックス・マシューズにちなんで) を開発し、後にそれをMacintoshに移植しました (デイブ・ジカレッリがOpcode用に拡張) ^{[ 191 ] 。}これにより、アルゴリズム作曲が、コンピュータプログラミングの知識がそれほどないほとんどの作曲家に利用可能になりました。

1980年代初頭にはベースシンセサイザーが台頭し、最も影響力があったのはローランドTB-303で、 1981年後半に発売されたベースシンセサイザー兼シーケンサーであり、後にエレクトロニックダンスミュージック、特にアシッドハウスの定番となった。^{[ 192 ] [ 193 ]}最初にこれを使用した人物の一人は1982年のチャランジット・シンだが、1987年のフューチャーの「アシッドトラックス」まで普及しなかった。^{[ 193 ]}音楽シーケンサーは20世紀半ば頃から使用され始め、1970年代半ばの冨田勲のアルバムは後の例である。^{[ 154 ]} 1978年、イエローマジックオーケストラはコンピューターベースの技術とシンセサイザーを組み合わせてポピュラー音楽を制作し、マイクロプロセッサベースのローランドMC-8マイクロコンポーザーシーケンサーを初期に使用した。^{[ 194 ] [ 195 ] [ 196 ]}

ドラムマシン（リズムマシンとも呼ばれる）も1950年代後半頃から使われ始め、後の例としては、電子ドラムやシンセサイザーとともにリズムマシンを使用した北島修のプログレッシブ・ロック・アルバム『弁財天』（1974年）がある。 ^{[ 155 ]} 1977年、ウルトラボックスの「ヒロシマ・モナムール」は、ローランドTR-77ドラムマシンのメトロノームのようなパーカッションを使用した最初のシングルの1つだった。^{[ 163 ]} 1980年、ローランド株式会社は、最初期で最も人気のあるプログラマブル・ドラムマシンの1つであるTR-808を発売した。最初にこれを使用したバンドは1980年のイエロー・マジック・オーケストラで、その後、1982年にマーヴィン・ゲイの「セクシャル・ヒーリング」とアフリカ・バンバータの「プラネット・ロック」がリリースされると広く人気を博した。 ^{[ 197 ]} TR-808は1980年代後半のデトロイト・テクノ・シーンの基本的なツールであり、デリック・メイとファン・アトキンスが好んで使用したドラムマシンだった。^{[ 198 ]}

チップミュージック特有のローファイなサウンドは、当初は初期のコンピューターのサウンドチップやサウンドカードの技術的な限界から生まれたものでしたが、その後、そのサウンド自体が人気を集めるようになりました。

1980年代初期の家庭用コンピュータでよく使われた安価で人気のあるサウンドチップには、コモドール64のSIDや、ZXスペクトラム、アムストラッドCPC、MSX互換機、アタリSTモデルなどで使用されたジェネラル・インストゥルメントAYシリーズとそのクローン（ヤマハYM2149など）がある。

シンセポップは1980年代後半まで続き、ダンスミュージックに近い形式へと進化していった。イギリスのデュオであるペット・ショップ・ボーイズ、イレイジャー、ザ・コミュニナーズなどの作品は、1990年代の大部分で成功を収めた。

この傾向は今日まで続いており、世界中の現代のナイトクラブでは定期的にエレクトロニック ダンス ミュージック (EDM) が演奏されている。今日では、エレクトロニック ダンス ミュージックにはラジオ局^{[ 199 ]}、ウェブサイト^{[ 200 ]} 、 Mixmagのようなこのジャンル専用の出版物がある。業界が特定の EDM ブランドを作成しようと試みているにもかかわらず、この頭字語はダンス ポップ、ハウス、テクノ、エレクトロ、トランス、およびそれぞれのサブジャンルを含む複数のジャンルの包括的な用語として使用され続けている。^{[ 201 ] [ 202 ] [ 203 ]}さらに、このジャンルは、米国ポップ ミュージックに取り入れられた大人気のビッグ ルーム ハウス/ EDM サウンド^{[ 204 ]}と、エレクトリック デイジー カーニバル、トゥモローランド、ウルトラ ミュージック フェスティバルなどの大規模な商業レイヴの台頭により、米国と北米で商業的および文化的に重要な意味を持つようになった。

一方、厳密にはダンスのためではなくリスニングを目的とした幅広い電子音楽スタイルは、「エレクトロニカ」という包括的な名称で知られるようになった^{[ 205 ] [ 206 ]。}これは1990年代初頭のイギリスの音楽シーンでもあった^{[ 206 ]} 。1997年のビルボードの記事によると、「クラブコミュニティとインディーズレーベルの融合」が、エレクトロニカ・アクトが発展し、最終的にメインストリームに到達する実験的でトレンドセッター的な環境を提供し、アストラルワークス（ケミカル・ブラザーズ、ファットボーイ・スリム、フューチャー・サウンド・オブ・ロンドン、フルーク）、ムーンシャイン（DJキオキ）、シティ・オブ・エンジェルズ（クリスタル・メソッド）などのアメリカのレーベルが最新の電子音楽の普及に貢献したとしている^{[ 207 ] 。}

^{「インディー・エレクトロニック」（または「インディートロニカ」） [ 208 ]}というカテゴリーは、シンセサイザー、サンプラー、ドラムマシン、コンピュータプログラムなどの電子要素や、初期の電子音楽、クラウトロック、シンセポップ、ダンスミュージックなどの影響を受けた、インディペンデント・ロックにルーツを持つグループの波を指すために使われてきた。 ^{[ 209 ]}録音は一般的に、デジタルオーディオワークステーションを使用してラップトップで行われる。^{[ 208 ]}

インディーズ・エレクトロニック・アーティストの第一波は、1990年代にStereolab（ビンテージ機材を使用）やDisco Inferno（最新のサンプリング技術を採用）などのアーティストによって始まり、2000年代にはホームレコーディングやソフトウェアシンセサイザーが普及するにつれてジャンルが拡大した。^{[ 209 ]}その他には、 Broadcast、Lali Puna、Múm、The Postal Service、Skeletons、School of Seven Bellsなどがある。^{[ 209 ]}このスタイルに関連するインディーズレーベルには、Warp、Morr Music、Sub Pop、Ghostly Internationalなどがある。^{[ 209 ]}

回路ベンディングとは、電池で動くおもちゃやシンセサイザーを改造して、意図しない新しい音響効果を生み出すことである。これは1960年代にリード・ガザラによって開拓され、彼は1992年にこの用語も作った。^{[ 216 ]}

回路改造文化に続いて、ミュージシャンたちも独自のモジュラーシンセサイザーを製作し始め、1960年代初頭の設計への関心が再び高まった。ユーロラックは人気のシステムとなった。