ルシンダ・チャイルズ

ルシンダ・チャイルズ（1940年6月26日生まれ）は、アメリカのポストモダン ダンサー、振付師です。彼女の作品は、ミニマルな動きと複雑な移行で知られています。チャイルズは、わずかな動きを複雑な振り付けに変えることができることで最も有名です。パターン、反復、方言、テクノロジーを使用することで、実験と学際性を取り入れた独自の振り付けスタイルを生み出しました。

ルシンダ・チャイルズはニューヨーク市で生まれた。彼女は6歳の時にキングコイト・スクールでダンスを始めた。11歳の時、チャイルズはニューヨーク・シティ・バレエ団のタナキル・ルクレールを紹介された。ルクレールはチャイルズにダンスの道に進むよう刺激を与えたが、チャイルズは自分が全てを完璧にこなすことはできないと感じていた。^[1]女優のミルドレッド・ダノックと出会った時、彼女の野心は女優になることへと変わった。

ダンスの訓練を続け、ペリー・マンスフィールド演劇学校でハリエット・アン・グレイとヘレン・タミリスに師事した。 ^{[1]チャイルズは}パサデナ・プレイハウスの演出家バーニー・ブラウンとも仕事をした。ペリー・マンスフィールドで2年目に、チャイルズはタミリスのオーディションを受け、ダニエル・ナーギンとトリオに配役された。1959年の夏、チャイルズはコロラド・カレッジに進学し、ハニヤ・ホルムに師事してダンスと作曲の勉強を続けた。ここでマース・カニンガムと出会い、ダンスに専念するようになった。^[1]

ミュージカルの振付師であるタミリスは、チャイルズに初めての演技の仕事を与えたが、それはチャイルズにとって恐ろしい経験となった。このトラウマ的な経験の後、チャイルズはダンスに集中することを決意し、ダンスの学士号を取得した。彼女は、ジュディス・ダン、ベッシー・シェーンバーグ、マース・カニンガムに師事することで、技術的な経験を広げることができた。チャイルズは、カニンガムについて、「ダンスにおけるある種の特殊性と明瞭性を明らかにしたが、それは私がその時点までに経験したこととはまったく異なると感じた」と述べている。カニンガムのスタジオで学んでいる間、チャイルズはイヴォンヌ・レイナーを紹介され、レイナーは週に一度のジャドソン・ワークショップでチャイルズに初期の作品を披露するよう勧めた。これらのワークショップの1つで、チャイルズはジャドソン記念教会でソロ作品「Pastime（1963）」を披露した。^[1]ライナーはまた、 1963年にジェームス・ワーリング、ヴァルダ・セッターフィールド、アーリーン・ロスラインなどのダンサーとともにジャドソン・ダンス・シアターに参加するようチャイルズを奨励した人物でもあった。ここでチャイルズは主にソリストとして活動し、独自のダンススタイルと振り付けを探求し実験することを許された。チャイルズは「ジャドソンは私にダンスへの興味を抱かせてくれたが、同時にテクニック、ダンスの語彙以外のもの、物やテキストの使用など、さまざまなことの間で引き裂かれるような気持ちにもさせた」と述べている。^[2]

ルシンダ・チャイルズは1968年まで着実に振付を続けていたが、その年に休止して自身のダンススタイルに集中することを決意した。この休止期間中、彼女は様々な振付手法を試した。^[3]

1973年に自身のダンスカンパニー、ルシンダ・ダンス・カンパニーを設立した後、チャイルズはロバート・ウィルソンやフィリップ・グラスといったアーティストとコラボレーションした。チャイルズ、グラス、ウィルソンはオペラ『浜辺のアインシュタイン』で共演した。チャイルズは主演および振付師として参加し、その演技でオビー賞主演女優賞を受賞した。 ^{[4]彼女はまた、1977年}に『パティオに座っていたとき、この男が現れた、幻覚を見ていると思った』というショーにも出演した。チャイルズは1982年にオフブロードウェイの『アルバート・ノッブスの多彩すぎる人生』でヒューバート・ペイジ役を初演した。ジャネット・マクティアは後にグレン・クローズの相手役としてこの役を演じ、アカデミー賞にノミネートされた。

チャイルズは1992年以降、リュック・ボンディ演出のリヒャルト・シュトラウスの『サロメ』を皮切りに、主にオペラの分野で活動している。^[4]また、1995年にはスコットランド歌劇場のボンディ演出の『マクベス』の振付も担当。 ^[4]同年、チャイルズはベルギーのブリュッセルにあるモネ劇場で上演されたモーツァルトの『ザイド』で初のオペラ監督を務めた。[4] 2001年には、ロサンゼルス^歌劇場でケント・ナガノ指揮のワーグナーの『ローエングリン』の振付を担当。^{[4] 2002年には、スコットランド歌劇場で}『オルフェオとエウリディーチェ』の演出を担当。^[4] 2003年には、ジュネーヴ歌劇場バレエ団のラヴェルの『ダフニスとクロエ』^{の振付を担当。 [4]}チャイルズは2007年にサンフランシスコバレエ団でジョン・アダムスのオペラ『ドクター・アトミック』^{を振付した。 [4]}また、2012年にはオペラ・デュ・ラインのためにヴィヴァルディのオペラ『ファルナーチェ』^{の振付・演出も手掛けた。 [4]}最新作『THE DAY 』は2019年8月1日にジェイコブス・ピロー・ダンス・フェスティバルで初演された。 ^[5]

2009年、チャイルズは生涯功労賞であるベッシー賞を受賞した。また、フランス政府からも最高位のダンサーとして表彰された。^[4]チャイルズは自身の作品以外にも、パリ・オペラ座バレエ団、リヨン・オペラ座バレエ団、パシフィック・ノースウエスト・バレエ団、ベルリン・オペラ座バレエ団の振付も手掛けている。^[4]

2015年、彼女はロバート・ウィルソンとアルヴォ・ペルトの『アダムの受難』で主要な役を演じた。

2017年のヴェネツィア・ダンス・ビエンナーレでは、生涯の功績が認められ金獅子賞を受賞しました。

2018年現在、ルシンダダンスカンパニーは閉鎖されている。カンパニーの閉鎖についてインタビューを受けたチャイルズは、「ほとんど自然なことです。誰もが次のステップに進む準備ができています」と述べている。^[6]彼女のカンパニーが閉鎖するのは今回が初めてではないが、これが最後となると思われる。

「アメリカを代表するモダンダンスの振付家の一人として、彼女はコンセプチュアルダンスと形容される作品を作っています。」^[7]彼女のミニマリスト的な動きはシンプルですが、振付の美しさは空間の探求にあります。彼女の作品は、スキップやターンなどの基本的な繰り返し動作によって舞台上で人体が作り出すさまざまなパターンの素晴らしさを魅了します。^[8]彼女は、1つの単純な組み合わせに基づいてパフォーマンス作品全体を作り上げ、それを何度も異なる方法で繰り返しました。組み合わせを分解して並べ替えるか、単に逆にするかに関わらず、同じ動きが最初に紹介されたように繰り返されることはありません。^{[9]多くの場合、}ストリートダンス（1964）など、彼女が振付した作品には、彼女の動きだけでなく作品の内容を説明するモノローグが付いていました。

2018年にダンスマガジンのレイチェル・F・エルソンが行ったインタビューで、チャイルズは振付をする際には「音楽に反応している」と述べている。^[10]彼女は音楽を聴き、それからさまざまなシーケンスについて考え、「私たちが従う音楽の移行はどこにあり、従わない移行はどこにあるのか」を考えようとする。^[1]チャイルズはまた、著書『Speaking of Dance: Twelve Contemporary Choreographers on Their Craft 』（2004年）の中で、ジャクソン・ポロック、バーネット・ニューマン、マーク・ロスコ、ジャスパー・ジョーンズ、ロバート・ラウシェンバーグの作品が彼女の作品に影響を与えたと述べている。^[1]チャイルズは1973年にカンパニーを設立したとき、「シンプルで幾何学的な空間パターンを持つダンスを創造すること」に興味を持っていた。^[1]そのため、このテーマを探求した結果、チャイルズは各ダンサーの道筋を示す図式的な楽譜を作成することになった。^[1]

ストリート ダンス(1964)では、チャイルズはマンハッタンの通りに舞台を作り、観客は近くのロフトの住人でした。6 分間のダンスは周囲の環境に基づいており、パフォーマーは通りで起こっていることに溶け込んでいました。彼らはときどき、建物の外観やさまざまなウィンドウ ディスプレイのさまざまな詳細を指摘しました。観客はパフォーマーが指しているものが正確に何なのかを完全には見ることができませんでしたが、近くのオーディオ テープから説明を聞くことができました。チャイルズはこのパフォーマンスについて、「観客は実際の知覚の範囲を超えて存在する情報を想像するよう求められた」と述べている。^[11]チャイルズは方言、建築、舞台設定など、あらゆる角度からこの作品にアプローチした。この作品は、観客に目の前にあるものを超えて、代わりに異なる感覚を使って目に見えないものを視覚化するよう求めた。このダンスは3回しか上演されておらず、最近では2013年のフィラデルフィアで再演された。^[12]再演では、ダンサーは時間を計るためにストップウォッチを使用した。^[12]

これは、フィリップ・グラスやロバート・ウィルソンとコラボレーションし、チャイルズが伝統的な舞台で上演した最初の作品だった。これ以前の彼女の作品はすべて、教会、博物館、ギャラリー、歩道などの「オルタナティブ・スペース」で上演されていた。^[1]これはまた、チャイルズが作曲家と取り組んだ最初の作品でもあった。『浜辺のアインシュタイン』（1976年）は5時間の公演で、通常は午後6時半に始まり、午後11時半頃に終了し、物語は語られなかった。^[13]物語は観客が決めることになっており、それが作品自体の重要な部分となった。第1幕第1場におけるチャイルズのソロは、オペラの3つの視覚的および音楽的モチーフと構造的に結びついていた。チャイルズはまた、このソロの中で身振りを通して多くの異なるキャラクターを体現した。^[14]この作品の振付は、ロバート・ウィルソンの指導による構造化された即興によって生まれた。^[13] 『浜辺のアインシュタイン』（1976年）はチャイルズにとって転機となり、彼女の最も有名な作品『ダンス』（1979年）への足がかりとなった。

フィリップ・グラス、ソル・ルウィットとコラボレーションした『ダンス』（1979年）では、彼女の振付のミニマリスト的性質が明らかである。この1時間の作品では、ダンサーたちはペアになって舞台上を動き回り、19分55秒間、同じバレエ風の幾何学的な動きを繰り返す。その後、ソリストが登場し、再び同じ動きの組み合わせを17分間繰り返す。^[15]各カップルとソリストは、グリッド状のパターンで舞台上を移動する。『ダンス』（1979年）のフィルムバージョンを投影することで、観客は一度に複数の角度から作品を見ることができ、グリッドと幾何学的な抽象パターンの感覚が増している。^[16]

ダンス（1979）は、8人のダンサーまたは4組のカップルを含む3つのアンサンブルセクションと、2つのソリストセクションで構成されていました。^[16]チャイルズは最初にグラスの作曲した曲を取り上げ、音楽がどのように構成されているかを分析し、それと相互作用する独自の動きの構造を設計しました。チャイルズは、ある時点では音楽と一体になり、別の時点ではそれに対抗するようにこの作品を振り付けました。2つの構造は似ていますが、真の反映ではありませんでした。^[1]

チャイルズは、この作品の間、カップルを舞台上に立たせた。カップルがダンサーと観客の空間的な関係を高めると感じたからだ。^[16]舞台上のダンサーが1人ではなく2人いると、空間が広がり、エネルギーが満ちる。^[16]また、ダンサーの前のスクリーンには映画が投影されていた。ダンサーはスクリーンの後ろから見え、映画のダンサーと同期して踊っていた。このコラボレーションの映画的な要素は、ソル・ルウィットによるものである。オリジナルの舞台では、撮影されたダンサーは舞台上と同じであった。^[16] 2014年に再演された『ダンス』（1979）では、映画に描かれたダンサーはオリジナルのダンサーであるが、ライブのパフォーマーは変更されている。ルウィットはオリジナルのダンサーを様々な角度から撮影した。クローズアップショット、ロングショット、オーバーヘッドショットを使用して、抽象的でほとんど幽霊のような投影を作り出した。^[1]舞台上のダンサーと映画のダンサーを組み合わせる最も一般的な方法は、水平方向に分割されたステージで、舞台上のカップルは映画の下で踊っていました。ソロセクションでは、ダンサーの前面と背面を同時に表示するために垂直方向に分割されました。^[1]チャイルズは、ダンサーが装飾、舞台要素になるという投影の使用について説明しています。これは、ルウィットがダンサーと映画を組み合わせるというアイデアを思いつく前の元々の提案であった抽象芸術作品を使用するのではなく、ダンサーが装飾、舞台要素になるという投影の使用です。^[16]

チャイルズの最新作は2部構成で、デイヴィッド・ラングが作曲し、ウェンディ・ウェランが踊った。チェロ奏者のマヤ・ベイザーが舞台に座り、ウェランが踊る中、ラングの音楽を演奏する。 『THE DAY』 （2019年）の第2部は「来世」だった。『THE DAY』（2019年）のこの部分は、ユダヤ教が捉える死後の世界についての考えだった。この作品は2001年9月11日頃に着手され、後に作品の一部にそのことが反映された。^[17]当時の喪失感についてのスポークンワードが音楽に重ねられている。メッセージは作品の中でアルファベット順に並べられている。作品全体は30分で、6秒ごとにテキストが挿入される。^[17]

チャイルズは、より抽象的な第2部から振り付けを始めた。第1部の各構造は、テキストとともに、使用された小道具に応じて異なる意味を持ち、チャイルズは構造をテキストと直接関係させたり、そうでなかったりすることができた。^[5]前半には多くの小道具があり、すべて主に即興で演じられた。^{[5]特定の動きが設定されていないものの、} THE DAY （2019）の第1部は小道具の動きに合わせて設定されていた。チャイルズとウェランは、各小道具をどのように動かすかを探り、それを残りの動きの流れの焦点にし、素材は毎晩似ていながらも少しずつ異なるようにした。この作品における小道具の焦点は、物体を操作して動きを生み出すというチャイルズの最初の関心に遡る。^[14]

• IMDbのルシンダ・チャイルズ
• インターネット・オフ・ブロードウェイ・データベースのルシンダ・チャイルズ
• 2002 年にジェイコブズ ピローで上演されたルシンダ チャイルズのチャコニーのアーカイブ フィルム
• ルシンダ・チャイルズによる「カーネーション」について、MoMA オーディオ: ジャドソン・ダンス・シアター: 仕事は決して終わらない、2017 年