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リプスキーはニューヨーク市で育った。1963年にコーネル大学で美術学士号（BFA）を取得し、その後マンハッタンのハンターカレッジ大学院絵画プログラムで美術修士号（MFA）を取得した。ハンターカレッジでは、画家であり彫刻家でもあるトニー・スミスに師事した。
画家の母とエンジニアの父に育てられたリプスキーは、ニューヨークのアンドレ・エメリッヒ・ギャラリーで初の個展を開催した。[ 1 ] [ 2 ]当時の彼女の作品は「叙情的抽象」の様式を強く打ち出していた。1969年のキャンバス作品「Spiked Red 」（フォートワース近代美術館所蔵、ピーター・ビーンストック夫妻寄贈、ニューヨーク）は、リプスキーの当時の作風、すなわち、近似色、鮮やかな色彩の波と爆発を示している。ニューヨーク・タイムズ紙の評論家ヒルトン・クレイマーは、この画家の作品が美的過去と未来の両方を見据えていると評し、「リプスキー女史は、抽象表現主義の滴り、飛沫、塗りつぶしを、注目すべき反表現主義的な目的のために再導入している…彼女はまた、非常に明確な独自のアイデンティティを示している。彼女の絵は非常に美しく、既に大胆な絵画的知性を備えている彼女が今後どのように発展させていくのかを見るのは興味深いだろう」と述べている。
リプスキーは、全米を巡回し、ニューヨークのホイットニー美術館で最高潮を迎えた影響力のある1970年から1971年のリリカル・アブストラクション展への参加を招待されました。評論家のノエル・フラックマンは、彼女の作品の新鮮さ、ジェスチャー、そして奔放さを高く評価し、そのスタイルは「色彩の純粋な素晴らしさを称えるムードを維持している。これらの形の輪郭は炎のように燃え上がり、衝動的でありながら方向性のある形には燃えるような鮮やかさがある…これらは食欲をそそる絵画である」と述べています。[ 3 ]
70年代後半から80年代にかけて、リプスキーはより大胆な色彩と幾何学的な形態を取り入れ、その表現の幅を広げた。[ 4 ]また、批評家のキャサリン・クラムが後に書いたように、叙情的な抽象表現という彼女のルーツに真っ向から挑戦する絵画的語彙の探求も始めていた。[ 1 ] 2003年までに、批評家のカレン・ウィルキンは『ニュー・クリテリオン』誌でリプスキーを「反省しない抽象画家」と断言した。 [ 5 ]ウィルキンは、その作品に「芸術を鑑賞する経験を含め、あらゆる種類の生涯にわたる蓄積された経験」を見出した。「もちろん、抽象であれ具象であれ、あるいはその中間であれ、真剣に受け止める価値のあるすべての芸術は、まさにそれに取り組むべきものだ」とウィルキンは述べている。
1980年代と1990年代、リプスキーはより広範な色彩への関心を磨き続け、より陰鬱で、より明確に定義された色彩パレットを確立した。この時期の作品群「ブラック・ペインティング」は、1994年にマイアミ[ 6 ]、1997年にニューヨーク市[ 7 ]で展示された 。ウィルキンはこの時期の「意図的に限定された」暗い作品を「劇的」で「力強い」と評した[ 8 ]。批評家のエリサ・ターナーは、これらの作品を現代抽象絵画の「洗練さ」から離れ、めまい、感情、曖昧さの方向へと向かう一歩だと再び評した。「このめまいは、洗練され、非人格的な抽象芸術の伝統に、不安を掻き立てる、感情に満ちたひねりを加えている…空間における線や形の位置に関するこのような曖昧さは、彼女の絶妙な色彩感覚にも反映されている。」ニューヨーカー誌は、この時期の彼女の作品を、穏やかなモダニズム画家ピエト・モンドリアンやパウル・クレーの「古典的」スタイルと関連付けた。[ 9 ]
2000年代、リップスキーはパレットの再定義を始め、大胆な中心イメージの中に色彩を再び取り入れた。ニューヨーク・タイムズ紙に寄稿した評論家のケン・ジョンソンは、これらの絵を機械的な形態や音楽と関連付けた。[ 10 ]ジョンソンは、それらの「魅惑的な卵殻のような表面」に注目し、ミニマリスト画家のフランク・ステラとアド・ラインハルトに関連付けた。「その効果は3次元でポリリズム的であり、帯は機械のバルブのように上下に動いているように見え、バッハのような音楽性を感じさせる。見つめれば見つめるほど、より魅力的になる。」リップスキーは、シリーズで提示される単一のイメージに焦点を当て始めた。彼女の最近の展覧会には、剥ぎ取られて繰り返される形で繰り返される色彩が含まれている。画家であり批評家のスティーブン・ウェストフォールは、『アート・イン・アメリカ』誌でこれらの絵画を「彼女の最も成功した作品」と呼び、彼女の「古典主義」を「究極的には最良の意味で独特」であるとし、アド・ラインハルトとフィリップ・ガストンとのつながりを見出し、「ガストンとラインハルトが出会ったようなもの。絵画文化に満ちているとはいえ、今の時代にはまさにふさわしい統合だ」と述べている。[ 11 ]一方、批評家のデイヴィッド・コーエンは、『ニューヨーク・サン』紙で、古典主義とは正反対の「鋼鉄のように冷静で、一見無感情に見える落ち着き」の中に「沸き立つ美的感情の蓄え」があると指摘し、「リプスキーは現代幾何学的抽象の第一人者であるだけでなく、その支配者でもある」と述べている。[ 12 ]
カレン・ウィルキンは、リプスキーの2006年の展覧会を評して、作品の中に、最終的には解放をもたらすという逆の機能を果たすシンプルさを発見した。「リプスキーの複雑で豊かな暗示に満ちた対位法は、絵画として彼女の絵画に細心の注意を払うことを要求し、そして私たちの想像力を解き放つことで私たちに報いてくれる。」[ 13 ]
2015年、リプスキーのここ数十年の絵画作品がボストンのアクメ・ファイン・アーツで「パット・リプスキー：20年」展として展示された。ボストン・グローブ紙の評論家ケイト・マククエイドは、その作品を「息づいていて有機的で、抑制されつつも官能的」と評した。[ 14 ]
2016年、リップスキーの初期の絵画20点が、半世紀近く保存された後、再発見された。そのうち11点が翌春、ニューヨークのジェラルド・ピーターズ・ギャラリーで展示された。評論家のカーター・ラトクリフはカタログのエッセイで、「リップスキーは画家世代の最前線に登場した」と書き、「これらの絵画はそれぞれ、制作の長く続く活気に満ちた瞬間に私たちを引き込み、抑制のない自発性と規律ある判断を調和させるアーティストの力を直感的に感じさせる」と付け加えた。[ 15 ]リップスキーはジェームズ・フエンテス・ギャラリーに所属している。
リプスキーの絵画は、ホイットニー美術館、スミソニアン博物館のハーシュホーン美術館、サンフランシスコ近代美術館、ボカラトン美術館、ウォーカー・アート・センター、ブルックリン美術館、ハーバード大学フォッグ美術館など、25の公共コレクションに収蔵されている。
リップスキーは、画家の長年の友人である批評家クレメント・グリーンバーグを中心としたポスト・ペインタリー・アブストラクション派と同一視されることもあるが、 [ 16 ]この見解に異議を唱える者もいる。[ 1 ] 2007年のインタビューで、リップスキーは視覚芸術の分野以外からも幅広い影響を受けたと述べている。
私は「違い」の意味に興味があります。プルーストやエリオットの読書、ベッリーニ、ジョルジョーネ、ティツィアーノ、アルバース、コーネル、ポロックの鑑賞、バッハやセロニアス・モンクの音楽鑑賞、エリック・ロメールやモンティ・パイソンの好意は、一見全く無関係に見えるかもしれませんが、同じ教訓を教えてくれます。違いは重要だということです。モンクが別の音符ではなく一つの音符を弾くと、作品は救われるか、台無しになるかのどちらかです。アルバースが黄色の隣に白を置くと、黄色が変わり、白も変わります。プルーストが別の人物ではなくある人物を追うことを選び、4ページではなく50ページ書くことを選ぶと、読者の体験は最も親密で直接的な方法で変化します。私たちは芸術作品を一つの大きな単位として見ていますが、実際には何百、何千もの個々の小さな単位から構成されており、それぞれが決定です。私がキャリアを通して実験してきたのは、まさにそうした単位なのです。[ 17 ]
リプスキーは、マーク・ロスコやジャクソン・ポロックといった第一世代の抽象表現主義者、ヘレン・フランケンターラーやモリス・ルイスといった第二世代の画家、そして彼女の師であるトニー・スミスの影響についても論じている。[ 18 ]
リプスキーのエッセイや批評は、『タブレット』、『パブリック・ブックス』、『ニュー・クリテリオン』などに掲載されている。2024年秋には、リプスキーの回顧録『ブライトニング・グランス』が2025年秋に出版されることが発表された。「現代画家の人生に内在する苦闘と犠牲、喜びと興奮を明らかにする肖像画」[ 19 ]