20世紀のクラシック音楽

19世紀末（しばしば世紀末と呼ばれる）には、ロマン主義様式は崩壊し始め、印象主義やポストロマン主義など、様々な並行する流れへと発展していった。20世紀に入ると、前世紀の音楽から生まれた様々な様式が作曲家たちに影響を与え、新たな潮流を追求するようになった。それは前世紀の音楽への反動として、あるいはその延長として生まれたものであり、両方の潮流は20世紀後半まで共存した。表現主義などの前者の潮流については後述する。

20世紀初頭、多くの作曲家は19世紀のロマン派音楽の延長線上にある音楽を作曲し、オーケストラや弦楽四重奏などの伝統的な楽器編成が最も一般的でした。交響曲や協奏曲などの伝統的な形式も引き続き使用されました。グスタフ・マーラーやジャン・シベリウスは、伝統的な交響曲の形式を取り上げ、それを再構築した作曲家の例です。（ロマン派音楽を参照。）シェーンベルクの作品はワーグナーやブラームスの後期ロマン派の伝統にしっかりと位置づけられると主張する著者もおり^{[ 12 ]}、より一般的には、「ワーグナー後期と20世紀を最も直接的かつ完全に結びつける作曲家はアルノルト・シェーンベルクである」^{[ 13 ]と主張しています。}

新古典主義は、二つの世界大戦の間に発展した様式で、17世紀と18世紀の均衡のとれた形式と明確に認識できる主題プロセスを復活させ、後期ロマン主義の誇張された身振りや無形式性を否定しようとした。これらの作曲家は一般的に、模範とした機能的調性を拡張調性、旋法、または無調性に置き換えたため、この用語はしばしばバロック様式や古典様式のパロディや歪曲を意味すると解釈される。^{[ 14 ]}有名な例としては、プロコフィエフの古典交響曲、ストラヴィンスキーのプルチネッラ、詩篇交響曲、変ホ長調協奏曲「ダンバートン・オークス」などがある。パウル・ヒンデミット（交響曲：マティス・デア・マーラー）、ダリウス・ミヨー、フランシス・プーランク（コンサート・シャンペトル）、マヌエル・デ・ファリャ（エル・レタブロ・デ・マエセ・ペドロ、チェンバロ協奏曲）もこのスタイルを使用しました。モーリス・ラヴェルの『クープランのトンボー』は、しばしばネオ・バロック(建築用語)とみなされますが、この用語の区別は常に行われているわけではありません。

多くの作曲家がジャズの語法とクラシックの作曲様式を融合させたが、特に以下の作曲家が挙げられる。

• マルコム・アーノルドによるベニー・グッドマンのための2つのクラリネット協奏曲
• レナード・バーンスタイン出演の『ウエスト・サイド・ストーリー』と『キャンディード』
• アーロン・コープランドのピアノ協奏曲とクラリネット協奏曲
• ジョージ・ガーシュウィンの代表作には、『ラプソディ・イン・ブルー』、『巴里のアメリカ人』、『3つの前奏曲』（ガーシュウィン作曲）、そして数々のミュージカルがある。
• ニコライ・カプースチン作曲「古風な様式の組曲」と「24の前奏曲」（ピアノのための）（1988年）作品53
• コンスタント・ランバート の『リオ・グランデ』、ピアノ・ソナタ、そしてピアノと9つの楽器のための協奏曲
• ダリウス・ミヨー「La création du monde」
• モーリス・ラヴェルのピアノ協奏曲とヴァイオリン・ソナタ第2番
• グンター・シューラー（サードストリーム）の「トランスフォーメーション」、「コンチェルティーノ」、「アブストラクション」、「セロニアス・モンクのテーマの変奏曲」
• ジョン・セリー・シニアの「アメリカン・ラプソディ」と「フリー・ベース・アコーディオンのための協奏曲」
• ドミートリイ・ショスタコーヴィチ作曲「ジャズ・オーケストラのための組曲第1番」および「ジャズ・オーケストラのための組曲第2番」
• イゴール・ストラヴィンスキーの「黒檀協奏曲」^{[ 15 ]}

印象派は、クロード・ドビュッシーが主導し、ワーグナーに代表されるドイツ・ロマン主義の感情的な奔放さと叙事詩的なテーマに対する反動としてフランスで始まった。ドビュッシーの考えでは、芸術は知的あるいは倫理的なものではなく、感覚的な経験であった。彼は同胞たちに、音楽は人を魅了し、楽しませ、「感覚の幻想」として機能することを意図していた18世紀のフランスの巨匠たちを再発見するよう促した。^{[ 16 ]}

印象主義に関連する他の作曲家には、モーリス・ラヴェル、アルベール・ルーセル、イサーク・アルベニス、ポール・デュカス、マヌエル・デ・ファリャ、シャルル・マルタン・ロフラー、シャルル・グリフス、フレデリック・デリウス、オットリーノ・レスピーギ、シリル・スコット、カロル・シマノフスキなどがいる。^{[ 17 ]}アルベール・ルーセル、シャルル・ケクラン、アンドレ・カプレ、そして後にオリヴィエ・メシアンなど、多くのフランス人作曲家が1920年代以降も印象主義の言語を継承した。武満徹などの非西洋文化の作曲家や、デューク・エリントン、ギル・エヴァンス、アート・テイタム、セシル・テイラーなどのジャズミュージシャンも印象主義の音楽言語から強い影響を受けている。^{[ 18 ]}

20世紀初頭、チャールズ・アイヴスはアメリカとヨーロッパの伝統、そして民俗音楽と教会音楽の様式を融合させ、リズム、ハーモニー、形式において革新的な技法を用いた。^{[ 21 ]}彼の技法には、多調性、ポリリズム、トーンクラスター、偶然性要素、四分音の使用が含まれていた。エドガー・ヴァレーズは、珍しい響きと未来的な科学的に聞こえる名前を用いた、非常に不協和音の多い作品を書いた。彼は新しい楽器と電子リソースの使用を先駆的に行った（下記参照）。

1920年代後半には、多くの作曲家が漠然と表現主義的な作風で作曲を続けていたものの、それはドイツの新即物主義や新古典主義のより非個人的なスタイルに取って代わられつつあった。ナチスによって汚名を着せられたあらゆる運動と同様に、表現主義も第二次世界大戦後に同情的な再評価を得たため、ハンス・ヴェルナー・ヘンツェ、ピエール・ブーレーズ、ピーター・マックスウェル・デイヴィス、ヴォルフガング・リーム、ベルント・アロイス・ツィンマーマンなどの作曲家の作品に表現主義音楽が再び現れた。^{[ 22 ]}

ポストモダニズムはモダニズムへの反動であると同時に、社会の態度の根深い変化への対応と見なすこともできる。後者の見方によれば、ポストモダニズムは、遅くとも1930年までに、歴史的（個人的ではない）楽観主義が悲観主義に転じたときに始まった。^{[ 23 ]}

ジョン・ケージは20世紀の音楽界で著名な人物であり、モダニズムとポストモダニズムの複雑な交わりは単純な図式に還元できないため、モダニズムとポストモダニズムの両方において正当な評価を受けている。^{[ 24 ]}彼の影響力は生涯を通じて着実に拡大した。彼はしばしば偶然の要素を用いる。12台のラジオ受信機のための「想像上の風景第4番」や、ピアノのための「変化の音楽」などである。「ソナタと間奏曲」 （1946～48年）は、プリペアド・ピアノのために作曲された。プリペアド・ピアノとは、通常のピアノの内部に弦に接触するさまざまな物体を注意深く配置することで、音色を劇的に変化させたものである。現在、ポストモダニズムには、アルゼンチンのアストル・ピアソラやアメリカのミゲル・デル・アギラなど、20世紀後半のアヴァンギャルドや実験的なスタイルに反発する作曲家も含まれる。

20世紀後半、ラ・モンテ・ヤング、アルヴォ・ペルト、フィリップ・グラス、テリー・ライリー、スティーヴ・ライヒ、ジョン・アダムズといった作曲家たちは、現在ミニマリズムと呼ばれるものを探求し始めた。ミニマリズムでは、作品は最も基本的な要素にまで削ぎ落とされ、音楽はしばしば反復と反復を特徴とする。初期の例としては、テリー・ライリーの『イン・C』（1964年）が挙げられる。これは偶然性に基づく作品で、短いフレーズが演奏者によって決められたリストから選ばれ、任意の回数演奏される一方、その背後でC音が8分音符で繰り返される。

スティーヴ・ライヒの作品『ピアノ・フェイズ』（1967年、2台のピアノのための作品）と『ドラミング』 （1970～71年、打楽器、女性の声、ピッコロのための作品）は、フェイズと呼ばれる技法を用いている。この技法では、一定のテンポで演奏するフレーズを、もう一方の奏者がそれより少し速いテンポで同時に演奏する。これにより、奏者同士の「位相ずれ」が生じ、再び位相が合うまで演奏が続く。ライヒによれば、「『ドラミング』はフェイズ技法の最終的な拡張と洗練であり、同時に4つの新しい技法を初めて用いた作品でもある。（1）拍を休符に（あるいは休符を拍に）徐々に置き換える技法、（2）リズムと音高を一定に保ちながら音色を徐々に変化させる技法、（3）異なる音色の楽器を同時に組み合わせる技法、（4）楽器の音色を正確に模倣することで人間の声を音楽アンサンブルの一部にする技法」。^{[ 25 ]}ドラミングはライヒがフェージング技法を最後に用いた例である。

フィリップ・グラスの「1 + 1」（1968年）は、短いフレーズを徐々に拡張していく加算的な手法を用いている。ラ・モンテ・ヤングの「コンポジションズ 1960」は、非常に長い音、極めて大きな音量、そして「直線を描いてそれに沿って進む」や「火を起こす」といった音楽以外の技法を用いている。マイケル・ナイマンは、ミニマリズムはセリエリズムと不確定性の両方に対する反動であり、またそれらによって可能になったと主張している。^{[ 26 ]} （実験音楽も参照。）

アルノルト・シェーンベルクは20世紀の音楽において最も重要な人物の一人である。初期の作品はワーグナーの影響を受けた後期ロマン派様式（浄夜、1899年）であったが、第一次世界大戦前の数年間で無調の語法へと発展した（3つのピアノ曲、 1909年、ピエロ・リュネール、 1912年）。1921年、数年にわたる研究の後、彼は12音技法による作曲法を開発し、1923年に初めて関係者に個人的に説明した。^{[ 27 ]}この技法のみを用いて作曲された最初の大規模作品は、1923年から24年にかけて作曲された木管五重奏曲作品 26である。後期の例としては、管弦楽のための変奏曲作品26などがある。 31 (1926–28)、第3および第4弦楽四重奏曲(それぞれ1927年と1936年)、ヴァイオリン協奏曲(1936年)、ピアノ協奏曲(1942年)。晩年には、断続的に調性的なスタイルに戻った (室内交響曲第2番、1906年に着手したが1939年に完成。オルガンのためのレチタティーヴォによる変奏曲、 1941年)。

彼はアントン・ウェーベルンとアルバン・ベルクを教え、この3人の作曲家はしばしば第二ウィーン楽派の主要メンバーと呼ばれている（この文脈では、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン、そして時にはシューベルトが第一ウィーン楽派と見なされている）。ウェーベルンは厳格な十二音技法を用いて作品を作曲し、トータル・セリエリズムの発展に影響を与えた。ベルクはシェーンベルクと同様に、後期ロマン派またはポスト・ロマン派の様式の中で十二音技法を用いた（バッハのコラールを引用し、古典派形式を用いたヴァイオリン協奏曲）。彼は2つの主要なオペラ（ヴォツェックとルル）を作曲した。