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映画は、映画、モーション ピクチャー、ムービング ピクチャー、ピクチャー、フォトプレイ、フリックとも呼ばれ、経験をシミュレートしたり、アイデア、ストーリー、認識、感情、または雰囲気を、一般的には音や (まれに) その他の感覚刺激を伴う動画の使用を通じて伝える視覚芸術作品です。 ^{[1] 「映画」という言葉は、「}撮影技術」という言葉の短縮形であり、映画製作、映画産業、芸術形式全体、または映画館を指すために使用されます。

映画の動画は、映画用カメラで実際のシーンを撮影したり、伝統的なアニメーション技術を使用して図面やミニチュアモデルを撮影したり、 CGIやコンピュータアニメーションを使用したり、あるいはこれらの技術の一部またはすべてと他の視覚効果を組み合わせたりして作成されます。

デジタル制作が導入される前は、化学的に感光したセルロイド（写真フィルム ストック）のストリップに、通常 24コマ/秒の速度で一連の静止画像が記録されていました。画像は記録されたのと同じ速度で映写機に転送され、ジュネーブ駆動により、各フレームが短い投影時間中は静止したままになります。回転シャッターによりストロボのような暗い間隔が生じますが、フリッカー融合により視聴者は中断に気付きません。画面上で動いているように見えるのは、視覚が個々の画像を高速で識別できないため、画像の印象が暗い間隔と混ざり合って 1 つの動画のような錯覚を生み出すためです。類似の光学サウンドトラック（話し言葉、音楽、その他の音のグラフィック記録）は、フィルム上、サウンドトラック専用に確保された部分に沿って流れており、投影されていません。

現代の映画は、通常、制作、配給、上映の全プロセスを通じて 完全にデジタル化されています。

「フィルム」という名前は、もともと映画の記録と表示に 実際に使用されていたセルロイドストリップ上の光化学乳剤^[2]の薄い層を指していました。

個々の映画には、「ピクチャー」、「ピクチャーショー」、「ムービングピクチャー」、「フォトプレイ」、「フリック」など、他の多くの用語があります。米国で最も一般的な用語は「ムービー」ですが、ヨーロッパでは「フィルム」が好まれます。古い用語には、「アニメーションピクチャー」や「アニメーション写真」などがあります。

「フリック」は一般的に俗語であり、1926年に初めて記録されました。これは、初期の映画のちらつきに由来する動詞「フリッカー」に由来しています。^[3]

一般的に、この分野でよく使われる用語には、「大画面」、「映画」、「銀幕」、「映画館」などがあります。このうち最後の用語は、学術的なテキストや批評的なエッセイでは、包括的な用語としてよく使用されます。初期の頃は、「スクリーン」の代わりに「シート」という言葉が使われることがありました。

映画芸術は、口承、文学、演劇、視覚芸術などの分野におけるいくつかの以前の伝統を引き継いでいます。動画や投影された画像をすでに取り入れていた芸術や娯楽の形態には、次のものがあります。

• 影絵、おそらく先史時代から使われていた
• カメラオブスキュラは、先史時代から芸術的な補助として使われてきた可能性のある自然現象です。
• 影絵は、紀元前200年頃に中央アジア、インド、インドネシア、または中国で始まったと考えられています。
• マジックランタンは 1650 年代に開発されました。このマルチメディアファンタスマゴリアは、マジック ランタンが 1790 年から 19 世紀前半を通じて人気を博し、機械式スライド、リア プロジェクション、モバイル プロジェクター、スーパーインポーズ、ディゾルブ ビュー、生身の俳優、煙 (時には画像を投影するため)、匂い、音、さらには電気ショックまでも備えていたことを示しています。

ストロボアニメーションの原理は、1833年にストロボディスク（フェナキスティコープとしてよく知られている）とともに導入され、その後、ゾエトロープ（1866年以降）、パラパラ漫画（1868年以降）、プラキシノスコープ（1877年以降）に応用され、映画撮影の基本原理となりました。

初期のフェナキスティコープ ベースのアニメーション プロジェクターの実験は、少なくとも 1843 年には行われ、1847 年に公開されました。ジュール デュボスクは、 1853 年頃から1890 年代まで フランスでフェナキスティコープ投影システムを販売していました。

写真技術は1839 年に導入されましたが、当初は写真乳剤に長時間の露出が必要だったため、動いている被写体を記録するのは不可能に思われました。少なくとも 1844 年には、さまざまなポーズをとった被写体の写真シリーズが作成され、動きのシーケンスを示唆したり、さまざまな視野角を記録したりしていました。立体写真の出現は、1840 年代に初期の実験が行われ、1850 年代初頭から商業的に成功し、色と動きを捉える手段を追加して写真媒体を完成させることへの関心が高まりました。1849 年、ジョセフ プラトーは、立体鏡の発明者チャールズ ホイートストンの提案に従って、彼の発明であるフェナキスティスコープと立体鏡を組み合わせ、さまざまなポーズの石膏像の写真を組み合わせて、組み合わせた装置でアニメーション化するというアイデアを発表しました。1852 年、ジュール デュボスクは「立体鏡ファンタスコープ、またはバイオスコープ」という機器の特許を取得しましたが、非常に短期間しか販売されず、成功しませんでした。機械の立体写真が収められたバイオスコープ ディスクが 1 枚、ゲント大学のプラトー コレクションに収蔵されていますが、機器やその他のディスクはまだ見つかっていません。

1850年代後半までに瞬間写真撮影の最初の例が現れ、モーション写真撮影が間もなく可能になるという希望が生まれましたが、一連の連続画像をリアルタイムで記録する方法とうまく組み合わせられるまでには数十年かかりました。 1878年、エドワード・マイブリッジは、ついにトラックに沿って一列に並べたカメラのバッテリーで走る馬の一連の写真を撮ることに成功し、その結果をキャビネットカードに「The Horse in Motion」として出版しました。 マイブリッジだけでなく、エティエンヌ＝ジュール・マレー、オットマール・アンシュッツなど多くの人が、さらに多くのクロノフォトグラフィーの研究を作成しました。 マイブリッジは、数十のクロノフォトグラフィーシリーズの輪郭をガラスディスクにトレースし、 1880年から1895年にかけての講義でズープロキシスコープで投影しました。

アンシュッツは1881年に最初の瞬間写真を作った。1882年には1/1000秒という短いシャッタースピードが可能な携帯型カメラを開発した。彼の写真の質は、マイブリッジやエティエンヌ＝ジュール・マレーのクロノ写真作品よりもはるかに優れていると一般に考えられていた。^[4] 1886年、アンシュッツはエレクトロタキスコープを開発した。これは、1.5メートル幅の回転ホイールを手で回して毎秒約30フレームの速度で動かし、24枚のガラス板写真を短い動画ループで表示する初期の装置であった。1887年から少なくとも1894年まで、さまざまなバージョンが多くの国際博覧会、見本市、コンベンション、ゲームセンターで展示された。1891年以降、コイン式ののぞき箱型エレクトロタキスコープモデルがベルリンのシーメンス・ハルスケ社で約152個製造され、国際的に販売された。^{[5] [4]} 1892年の夏、ベルリン万博公園で34,000人近くの観客がこの映画を鑑賞した。ロンドンや1893年のシカゴ万国博覧会でも鑑賞した。1894年11月25日、アンシュッツはベルリンで6×8メートルのスクリーンを備えたエレクトロタキスコープ映写機を発表した。1895年2月22日から3月30日の間に、ベルリンの旧国会議事堂の300席のホールで、約40シーンの1時間半のショーを鑑賞するために合計約7,000人の観客が訪れた。^[6]

エミール・レイノーは、 1877年の特許出願で、すでにプラキシノスコープの画像を投影する可能性について言及していた。彼は1880年6月4日にフランス写真協会でプラキシノスコープ投影装置を発表したが、1882年より前にはプラキシノスコープの投影を市場に出していなかった。その後、彼はこの装置をさらに開発し、別々の背景を持つより長いシーケンスを投影できるテアトル・オプティークを製作し、1888年に特許を取得した。彼は、ボール紙の枠にはめ込まれ布の帯で固定された何百枚ものゼラチンプレートに画像を描き、この機械でいくつかの映画を制作した。1892年10月28日から1900年3月まで、レイノーはパリのグレヴァン美術館で12,800回以上のショーを行い、合計50万人を超える来場者を動員した。

1880 年代の終わりまでに、セルロイド 写真フィルムの導入と、たった 1 つのレンズを使用して高速の連続画像を撮影できる映画カメラの発明により、アクションを 1 本のコンパクトなフィルムリールに記録して保存できるようになりました。

映画は当初、エレクトロタキスコープ、キネトスコープ、ミュートスコープなどの「ピープショー」装置を通じて一度に 1 人ずつ公開されていました。その後間もなく、映画館側は劇場の観客向けに大型スクリーンで映画を 映写できるようになりました。

入場料を徴収した最初の公開上映は、1895年にアメリカ人のウッドヴィル・レイサムとその息子たちが、彼らのアイドロスコープ社が製作した映画を使って行った。^[7]スクラダノフスキー兄弟と、おそらくもっと有名なフランスのオーギュストとルイ・リュミエール兄弟が、自ら製作した10本の映画を使った。^[要出典]プライベート上映は、これらの上映より数か月前に行われており、レイサムの上映は他の上映よりわずかに先行していた。^[要出典]

最も初期の映画は、編集やその他の映画技法を使わずに、出来事や行動を1 枚の静止ショットで表現しただけのものでした。典型的な映画では、工場の門から出てくる従業員、通りを歩く人々、街のメインストリートを走る路面電車の前方からの眺めなどが映し出されていました。伝説によると、機関車が高速で観客に近づいてくる様子が映画に映し出されると、観客はパニックに陥り、劇場から逃げ出したそうです。20 世紀に入る頃、映画はストーリーを伝えるために複数のシーンをつなぎ合わせるようになりました。(複数のショットやシーンを初めて組み合わせた映画製作者たちは、1 つのショットが別のショットの後に続くと、その行為によって、視聴者の心の中で個別のショットの内容の関係が確立されることを発見しました。この関係によって、あらゆる映画のストーリーテリングが可能になります。簡単な例を挙げると、人が窓の外を見ている場面がある場合、次のショットに何が映っていても、それがその人が見ていた景色とみなされます。) 各シーンは、その前に起こっている行動を伴う 1 枚の静止ショットでした。その後、シーンは複数のショットに分割され、異なる距離や角度から撮影されました。カメラの動きなどの他の技術は、映画でストーリーを伝える効果的な方法として開発されました。1920年代後半にトーキー映画が商業的に実用化されるまで、映画は純粋に視覚的な芸術でしたが、これらの革新的な無声映画は大衆の想像力をつかみました。観客に映写機の騒音だけを伴奏として残すのではなく、劇場のオーナーはピアニストやオルガン奏者、または都市部の大劇場ではフルオーケストラを雇って、映画の雰囲気に合った音楽を演奏させました。 1920年代初頭までには、ほとんどの映画にはこの目的で使用する楽譜のリストが用意され、主要な作品では完全な映画音楽が作曲されました。

ヨーロッパ映画の発展は第一次世界大戦の勃発によって中断されたが、一方でアメリカの映画産業はハリウッドの台頭とともに繁栄し、その代表例としてD・W・グリフィスの『国民の創生』（1915年）や『イントレランス』（1916年）といった革新的な作品が挙げられます。しかし、1920年代には、エイゼンシュタイン、FW・ムルナウ、フリッツ・ラングといったヨーロッパの映画製作者たちが、グリフィスやチャールズ・チャップリン、バスター・キートンらの貢献を通じて戦時中の映画の急速な進歩にさまざまな形で触発され、急速にアメリカ映画製作に追いつき、映画という媒体をさらに発展させ続けました。

1920 年代には、電子音声記録技術の発達により、画面上のアクションと同期した音声、音楽、効果音のサウンドトラックを組み込むことが現実的になりました。 ^{[引用が必要]}結果として生まれた音声付き映画は、当初は「トーキー」または「トーキー」と呼ばれ、通常の無声の「動画」または「映画」と区別されていました。^{[引用が必要]}それらがもたらした革命は迅速でした。1930 年までに、無声映画は米国で事実上消滅し、すでに「古いメディア」と呼ばれていました。^{[引用が必要]}

映画における音響の進化は、動画と既存の蓄音機の音響技術を組み合わせるというアイデアから始まった。トーマス・エジソンのキネトスコープやワーナー・ブラザースが使用したヴァイタフォンなどの初期のサウンド・フィルム・システムは、映画における同期音響の基礎を築いた。ベル電話会社やウェスタン・エレクトリックと共同で開発されたヴァイタフォン・システムは、当初は高額な設備費のために抵抗に遭ったが、 『ドン・ファン』（1926年）や『ジャズ・シンガー』 （1927年）などの映画で映画の音響は受け入れられていった。^[8]

アメリカの映画スタジオは、ヨーロッパではトビス・クラングフィルムとトリエルゴンのシステムを標準化しました。この新しい技術により、映画の流動性が向上し、キングコング（1933）のようなより複雑で壮大な映画が生まれました。^[9]

1940年代から1950年代にかけてテレビの脅威が台頭し、映画業界は観客を引き付けるために革新を必要とした。音響技術の面では、これはサラウンドサウンドやシネラマの7チャンネルシステムのようなより洗練されたオーディオシステムの開発を意味した。しかし、これらの進歩には、機器を操作し、劇場での音響体験を維持するために多数の人員が必要だった。^[9]

1966年、ドルビー研究所はドルビーAノイズリダクションシステムを発表しました。これはレコーディング業界の標準となり、以前の標準化の取り組みに伴うヒスノイズを排除しました。革命的なサラウンドサウンドシステムであるドルビーステレオがそれに続き、映画館の設計者は劇場を設計する際に音響を考慮できるようになりました。この革新により、小規模な会場の観客は大都市の劇場と同等のオーディオ体験を楽しむことができました。^[10]

現在、映画音響の将来は不透明であり、人工知能、リマスターされたオーディオ、個人的な視聴体験などの潜在的な影響がその発展を形作っています。^{[11] [12]}しかし、映画音響の進化は、継続的な革新と、観客にとってより没入感があり魅力的な体験を創り出したい欲求によって特徴づけられてきたことは明らかです。

映画における重要な技術的進歩は、「ナチュラルカラー」の導入であった。これは、手彩色やステンシル彩色などの技術を使用して白黒プリントに手動で色を追加するのではなく、写真を通じて自然から直接色を捉えたものである。^{[13] [14]}初期のカラー処理では、「自然」とは程遠い色が生成されることが多かった。^[15]無声映画からサウンド映画への急速な移行とは異なり、カラーが白黒に取って代わるのはより緩やかであった。^[16]

決定的な革新は、テクニカラーの3ストリップ版であり、1932年にアニメで初めて使用されました。^{[17] [18]}この方法は、後に実写短編映画、長編映画の特定のシーケンス、そして最終的には1935年に長編映画「ベッキー・シャープ」全体に適用されました。^[19]この方法は高価でしたが、興行収入の増加に表れているように、一般の人々の肯定的な反応により、追加コストは概ね正当化されました。^[13]その結果、カラーで制作される映画の数は年々徐々に増加しました。^{[20] [21]}

1950年代初頭、白黒テレビの普及により、北米の映画館への観客動員数が著しく減少し始めた。^[要出典]観客を映画館に呼び戻す試みとして、より大きなスクリーンが設置され、ワイドスクリーン方式、偏光3D映写、ステレオ音響が導入され、より多くの映画がカラーで製作され、それはすぐに例外ではなく規則となった。いくつかの重要な主流のハリウッド映画は1960年代半ばまでまだ白黒で製作されていたが、それは一つの時代の終わりを告げるものでした。カラーテレビ受信機は1950年代半ばから米国で入手可能でしたが、当初は非常に高価で、カラー放送はほとんどありませんでした。1960年代には、価格が徐々に下がり、カラー放送が一般的になり、売上が急増しました。カラーを支持する圧倒的な世論の評価は明らかでした。 1970年代半ばに白黒映画の最後のラッシュが公開された後、ピーター・ボグダノヴィッチやマーティン・スコセッシなどの「スター」映画監督の強い要望があった場合を除き、ハリウッドのスタジオ作品はすべてカラーで撮影されるようになった。^[要出典]

1960 年代にスタジオ システムが衰退した後の数十年間で、映画の制作とスタイルに変化が見られました。さまざまなニュー ウェーブ運動 (フランス ニュー ウェーブ、ニュー ジャーマン シネマウェーブ、インド ニュー ウェーブ、日本ニューウェーブ、ニュー ハリウッド、エジプト ニュー ウェーブなど) と、映画学校で教育を受けた独立系映画製作者の台頭が、20 世紀後半に映画というメディアが経験した変化に貢献しました。デジタル技術は、1990 年代から 2000 年代にかけて、変化の原動力となってきました。デジタル 3D 映写は、問題を抱えていた以前の 3D 映画システムに取って代わり、2010 年代初頭に人気が高まりました。^[要出典]

「映画理論」は、芸術としての映画を研究するための簡潔で体系的な概念を開発することを目指しています。芸術形式としての映画の概念は、1911年にリッチョット・カヌードの宣言書『第六芸術の誕生』で始まりました。世界最古の映画学校であるモスクワ映画学校は、映画理論の教育と研究を目的として1919年に設立されました。ルドルフ・アルンハイム、ベーラ・バラージュ、ジークフリート・クラカウアーが主導した形式主義映画理論は、映画が現実とどのように異なるかを強調し、したがって映画は正当な芸術とみなされる可能性があるとしました。アンドレ・バザンはこの理論に反発し、映画の芸術的本質は現実との相違ではなく、現実を機械的に再現する能力にあると主張し、これがリアリスト理論を生み出しました。ジャック・ラカンの精神分析やフェルディナン・ド・ソシュールの記号論などに刺激された最近の分析は、精神分析映画理論、構造主義映画理論、フェミニスト映画理論などを生み出した。一方、ウィトゲンシュタインの影響を受けた分析哲学の伝統を持つ批評家たちは、理論的研究で使用される誤解を明らかにしようとし、映画の語彙と生活様式とのつながりの分析を生み出している。

映画には独自の言語があると考えられている。ジェームズ・モナコは、この点を扱った映画理論の古典的テキスト「映画の読み方」を著した。イングマール・ベルイマン監督は、「アンドレイ・タルコフスキーは私にとって最も偉大な監督であり、人生を反映として、人生を夢として捉えるという映画の本質に忠実な新しい言語を発明した人物である」と有名な​​言葉を残している。この言語の例としては、1人の俳優の左側の横顔、続いて別の俳優の右側の横顔、そしてこれを繰り返すという一連の前後の画像があり、これは観客が会話を示す言語として理解する。これは、視覚的な構成と編集の使用を通じて心理的に存在している状況に視聴者を置く能力を備えた視覚的な物語を伝える装置としての、映画の別の理論である180度ルールを説明している。映画の古典時代にカリフォルニア州ハリウッドに拠点を置く映画スタジオがこのルールを圧倒的に実践したため、 「ハリウッドスタイル」にはこの物語理論が含まれる。映画言語の別の例としては、沈黙して反省している表情をしている俳優の額にズームインするショットがあり、その後、最初の俳優に漠然と似ている若い俳優のショットに切り替わり、最初の人物が過去の自分を思い出していることを示し、時間の遷移を引き起こす構成の編集が行われます。

モンタージュは、映画の編集技術の一種で、映画の断片を選択して編集し、組み合わせることで、映画の中に新しいセクションやシーケンスを作成する。この技術は、異なるショットを並置することで物語を伝えたり、感情的または知的な効果を生み出したりするために使用され、多くの場合、時間、空間、または情報を凝縮する目的で使用されます。モンタージュには、フラッシュバック、並行アクション、またはさまざまな視覚要素の相互作用が含まれ、ストーリーテリングを強化したり、象徴的な意味を生み出したりします。^[22]

モンタージュの概念は1920年代に登場し、セルゲイ・エイゼンシュテインやレフ・クレショフなどのソ連の映画監督の先駆者たちがモンタージュ理論を発展させた。エイゼンシュテインの映画『戦艦ポチョムキン』（1925年）はモンタージュの革新的な使用の好例であり、複雑な画像の並置によって観客に直感的な衝撃を与えた。^[23]

モンタージュの芸術が進化するにつれ、映画製作者は音楽と視覚の対位法を取り入れ、よりダイナミックで魅力的な視聴者体験を生み出すようになりました。ミザンセーヌ、編集、特殊効果によるシーン構成の発達により、オペラやバレエで使用されているものと比較できる、より洗練された技術が生まれました。^[24]

1950年代後半から1960年代にかけてのフランスのヌーヴェルヴァーグ運動でもモンタージュ技法が取り入れられ、ジャン＝リュック・ゴダールやフランソワ・トリュフォーなどの映画監督がモンタージュを使って独特で革新的な映画を制作した。この手法は現代の映画にも影響を与え続けており、監督たちはモンタージュを使って映画の中で記憶に残るシーンを作り上げている。^[25]

現代映画では、モンタージュは物語を形作り、感情的な共鳴を生み出す上で重要な役割を果たし続けています。映画製作者は、伝統的なモンタージュ技法を現代映画の進化する美学と物語のスタイルに合わせて採用してきました。

1. 高速編集とテンポの速いモンタージュ：デジタル編集ツールの登場により、映画製作者は情報や感情を素早く伝えるために、高速で複雑なモンタージュを作成できるようになりました。ダーレン・アロノフスキーの『レクイエム・フォー・ドリーム』 （2000年）やエドガー・ライトの『ショーン・オブ・ザ・デッド』（2004年）などの映画では、テンポの速い編集技術を採用して、観客に没入​​感と強烈な体験を生み出しています。^[24]
2. ミュージックビデオの影響：ミュージックビデオが映画に与えた影響により、ポピュラー音楽を伴う様式化されたモンタージュシーケンスが取り入れられるようになった。『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』（2014年）や『ベイビー・ドライバー』（2017年）などの映画では、モンタージュを使用して、娯楽性と物語性を兼ね備えた視覚的に印象的なシーケンスを作成している。^[26]
3. スポーツとトレーニングのモンタージュ：スポーツとトレーニングのモンタージュは現代の映画では定番となっており、時間を凝縮して登場人物の成長や発達を示すためによく使用されます。この例としては、ロッキー（1976年）、ベスト・キッド（1984年）、ミリオンダラー・ベイビー（2004年）などがあります。^[27]
4. クロスカッティングとパラレルアクション：現代の映画製作者は、並行するストーリーラインをクロスカッティングすることで緊張感とサスペンスを生み出すためにモンタージュをよく使用します。クリストファー・ノーラン監督の 『インセプション』（2010年）や『ダンケルク』（2017年）では、複雑なクロスカッティング手法を使用して物語の勢いを増し、観客の感情的な関与を高めています。^[28]
5. テーマモンタージュ：モンタージュは映画のテーマ要素やモチーフを伝えるためにも使われる。ウェス・アンダーソン監督の 『ザ・ロイヤル・テネンバウムズ』 （2001年）では、モンタージュを使って映画のテーマである家族、郷愁、喪失を反映した視覚言語を作り出している。 ^[29]

映画という媒体が進化し続ける中、モンタージュは視覚的なストーリーテリングの不可欠な要素であり続け、映画製作者はこの強力な技術を活用する新しい革新的な方法を見つけています。

映画批評とは、映画の分析と評価です。一般に、これらの作品は、映画学者による学術的な批評と、新聞やその他のメディアに定期的に掲載されるジャーナリズムの映画批評の2つのカテゴリに分けられます。新聞、雑誌、放送メディアで働く映画評論家は、主に新作を批評します。通常、彼らは特定の映画を一度しか見ず、意見をまとめるのに1、2日しかありません。それにもかかわらず、批評家は、特に特定のジャンルの映画に対する観客の反応と観客動員数に重要な影響を与えます。大衆向けのアクション、ホラー、コメディ映画は、批評家の映画に対する全体的な判断にあまり影響されない傾向があります。ほとんどの映画レビューの大部分を占める映画のあらすじや説明、監督や脚本家の作品の評価は、人々が映画を見るかどうかに依然として重要な影響を与える可能性があります。ほとんどのドラマや芸術映画などの名作映画にとって、レビューの影響は重要です。主要な新聞や雑誌の著名な批評家によるレビューが悪いと、観客の関心や観客動員数が低下することがよくあります。

映画の興行成績に対する評論家の影響については議論の余地がある。2000年代の映画マーケティングは、非常に熱心で、よく調整され、資金も潤沢であるため、脚本や撮影の質の低い大ヒット作が市場で成功するのを評論家が阻止することはできないと主張する評論家もいる。しかし、厳しくレビューされた一部の大々的な宣伝映画が壊滅的な失敗に終わったことや、批評家から賞賛された独立系映画が予想外に成功したことは、極端な批評家の反応がかなりの影響力を持つ可能性があることを示している。他の評論家は、肯定的な映画レビューがあまり知られていない映画への関心を喚起することが示されていると指摘している。逆に、映画会社があまり自信がないため、映画が広く酷評されるのを避けるために評論家に先行上映の機会を与えない映画もいくつかある。しかし、これはたいてい裏目に出る。評論家はその戦術に気づいており、映画は見る価値がないかもしれないと一般大衆に警告し、その結果映画の成績が悪くなることが多いためである。ジャーナリストの映画評論家は、映画評論家と呼ばれることもある。映画に対してより学術的なアプローチを取る批評家は、映画雑誌に記事を投稿したり、映画理論や映画研究のアプローチを用いて映画に関する本を執筆したりして、映画や撮影技術がどのように機能し、人々にどのような影響を与えるかを研究します。批評家たちの記事は、新聞やテレビでレビューが掲載されるのではなく、学術雑誌や高級雑誌に掲載されます。また、彼らは教授や講師として大学に所属する傾向があります。

映画の製作と上映は、その製法が発明されるや否や、利益の源となった。彼らの新しい発明とその製品が母国フランスで大成功を収めたのを見て、リュミエール兄弟はすぐにヨーロッパ大陸を巡業し、王族には内々に、大衆には公的に最初の映画を上映した。それぞれの国で、彼らは通常、カタログに新しい地元のシーンを追加し、すぐにヨーロッパのさまざまな国で地元の起業家を見つけて、機材を購入させ、追加の製品を商業的に撮影、輸出、輸入、上映させた。1898年のオーバーアマガウの受難劇^[31]は、史上初の商業映画だった。すぐに他の映画も続々と製作され、映画はヴォードヴィル界を凌ぐ独立した産業となった。映画の製作と配給を専門とする劇場や会社が設立され、映画俳優は有名人となり、出演料として巨額の報酬を要求した。1917年までに、チャーリー・チャップリンは年間100万ドルの報酬を要求する契約を結んだ。 1931年から1956年まで、ビデオテープレコーダーが導入されるまで、フィルムはテレビ番組の唯一の画像保存および再生システムでもありました。

アメリカ合衆国では、映画産業の多くはカリフォルニア州ハリウッドに集中している。ムンバイを中心とするボリウッドや、世界で最も多くの映画を製作しているインド映画産業の ヒンディー語映画など、他の地域の中心地は世界各地に存在する。 ^{[32]映画製作にかかる費用のせいで、映画製作は}映画スタジオの支援のもとに集中してきたが、最近では手頃な価格の映画製作機材の進歩により、独立系映画製作が盛んになっている。

映画製作は費用がかかりリスクも伴うため、利益は映画産業の重要な原動力となっている。多くの映画は大幅な予算超過に見舞われており、その一例がケビン・コスナーの『ウォーターワールド』である。しかし、多くの映画製作者は永続的な社会的意義を持つ作品を作ろうと努めている。アカデミー賞（「オスカー」としても知られる）は米国で最も著名な映画賞であり、毎年、その芸術的価値に基づいて映画に表彰を行っている。また、講義やテキストの代わりに、またはそれに加えて制作される教育映画や教育用映画の大きな産業もある。映画館で公開される大ヒット映画に依存しているため、この業界の収益は不安定なことがある。代替の家庭用娯楽の台頭により、映画産業の将来について疑問が生じており、特に中低予算映画についてはハリウッドでの雇用が不安定になっている。^[33]

派生的な学術研究分野は、映画理論や映画分析のように、映画制作と関わりながら、また独立して発展することもある。映画批評、映画史、権威主義政権における映画宣伝部門、あるいは潜在意識に訴える効果（上映中に点滅するソーダ缶など）に関する心理学など、映画の存在に派生的または依存する学術研究分野が創出されてきた。これらの分野は、新聞の映画評論欄やテレビ番組ガイドなどの派生分野をさらに創出することもある。ポップコーンメーカーや映画関連の玩具（スターウォーズのフィギュアなど）など、映画から派生したサブ産業が生まれることもある。既存産業のサブ産業は、プロダクトプレイスメントや映画内のその他の広告など、映画に特化していることもある。

映画を説明するために使用される用語は、イギリス英語とアメリカ英語とでかなり異なります。イギリス英語では、この媒体の名称はfilmです。movieという言葉は理解されますが、めったに使用されません。^{[34] [35]}さらに、pictures（複数形）は、映画が上映される場所を指すのにかなり頻繁に使用されます。アメリカ英語ではこれはthe moviesと呼ばれることがありますが、この用語は時代遅れになりつつあります。他の国では、映画が上映される場所はcinemaまたはmovie theatreと呼ばれることがあります。

対照的に、米国では、映画というメディアを指す用語として主に使われている。映画と映画という言葉は互換的に使われることもあるが、芸術的、理論的、技術的な側面を考慮する場合には映画の方がより頻繁に使われる。映画という用語は、デートで夜に楽しむ場所など、娯楽や商業的な側面を指すことが多い。たとえば、 「How to Understand a Film」というタイトルの本は、おそらく映画の美学や理論に関するものであり、「Let's Go to the Movies」というタイトルの本は、おそらく娯楽映画や大ヒット映画の歴史に関するものであろう。

映画産業では、さまざまな形式や媒体を区別するために、さらに別の用語が使用されています。映画や動画は、スターウォーズなど、劇場公開を特に目的とした映画や映画作品を指すことが多い用語です。DVD 、ブルーレイディスク、ビデオテープは、光化学フィルムを複製できるビデオ形式です。これに基づく複製は、転送と呼ばれます。劇場用映画が産業として登場した後、テレビ業界はビデオテープを記録媒体として使い始めました。何十年もの間、テープは、動画を記録または転送できるアナログ媒体に過ぎませんでした。フィルムと撮影は、それぞれ、視覚画像を化学的に記録する光化学媒体と記録行為を指します。ただし、デジタルカメラなど、他の視覚媒体で画像を撮影する行為は、依然として撮影と呼ばれ、その結果得られる作品は、フィルムで撮影されていないにもかかわらず、映画と交換可能なものとしてフィルムと呼ばれることがよくあります。サイレント映画は完全に無音である必要はありませんが、音楽の伴奏がある映画も含めて、聞き取れる会話のない映画や映画です。トーキーという言葉は、音楽の伴奏の有無にかかわらず、映画に合わせて再生するために録音された音声付き映画のうち最も初期のものを指します。映画は、広義では映画と映画の両方を包含するか、映画と劇場上映とほぼ同義であり、芸術のカテゴリを指す場合はどちらも大文字で表記されます。シルバー スクリーンは、映画を上映するために使用される映写スクリーンを指し、ひいては映画産業全体の 換喩としても使用されます。

ワイドスクリーンとは、以前の歴史的なアスペクト比と比較して、フレームの幅と高さの比が大きいことを指す。[36] 長編映画、またはフィーチャーフィルムは、通常60分以上の従来の全長であり、チケット制の上映では他の映画がなくても商業的に自立できる。[37] 短編映画^は、長編映画ほど長く^なく、他の短編映画と一緒に上映されるか、長編映画の前に上映されることが多い映画である。インディペンデント映画は、従来の映画産業の外で製作された映画である。

米国では、映画やビデオを公立または私設の劇場のスクリーンで上映または映写することを言う。イギリス英語では、映画の上映は映画館で行われる（劇場とは言わない。劇場は全く別の媒体であり場所である）。^[35]映画館は通常、スクリーンが壁に固定されており、映画を上映するために特別に設計されたアリーナを指すのに対し、劇場は通常、演台またはその他の種類のステージ（円形劇場を含む）から、ライブで録画されていないアクションまたはその組み合わせが行われる場所を指す。劇場は今でも映画を上映することができるが、そうするためには劇場を改装する必要がある。イギリス英語では、活動、または時には映画を指すときに「映画館に行く」と言うことがあるが、米国では「映画館に行く」という表現が通常である。映画館では通常、フィルムプロジェクターまたは最近ではデジタルプロジェクターを使用したフロントプロジェクションスクリーン方式で、量販映画が上映される。しかし、映画館では、十分な映写品質がある場合や、映画の元となったフィルムマスターやプリントの紛失や劣化により、転送された状態でしか存在しない映画など、必要に応じて、ブルーレイディスク、DVD、ビデオカセットなどのホームビデオ転送から劇場映画を上映することもあります。デジタル映画の制作と配給の出現により、物理的なフィルムが完全になくなる可能性があります。

二本立て上映とは、独立して販売される 2 本の長編映画を上映することです。鑑賞とは、映画を観ることです。興行収入と興行収入は、劇場で販売されるチケット、またはより最近では、個別の上映のために販売される権利を指します。公開とは、映画の配給であり、多くの場合、同時上映です。プレビューとは、本公開に先立って行われる上映です。

映画には続編がある場合もあります。続編では、映画の出来事の後の出来事が描かれます。『フランケンシュタインの花嫁』はその初期の例です。同じキャラクター、ストーリー展開、または主題のテーマを持つ映画が複数ある場合、これらの映画はシリーズになります。たとえば、ジェームズ・ボンド シリーズなどです。特定のストーリーのタイムラインの外側に存在していても、通常、映画がシリーズの一部ではないというわけではありません。別の映画のタイムラインで以前に発生した出来事を描写し、その映画の後に公開される映画は、前編と呼ばれることがあります。たとえば、『ブッチ・アンド・サンダンス: アーリー・デイズ』などです。

クレジット、またはエンドクレジットは、映画の制作に関わった人々の功績を称えるリストです。1970年代以前の映画では、通常、映画の冒頭はクレジットで始まり、タイトルカードのみで終わることが多く、タイトルカードには「The End」またはそれに相当するもの（制作言語によって異なることが多い）が表示されていました。^[要出典]それ以降、映画のクレジットは通常、ほとんどの映画の最後に表示されます。ただし、映画の最後にクレジットが表示される映画では、主演俳優などの一部のクレジットが映画の冒頭近くで繰り返されるため、2回表示されます。一方、まれに、映画の冒頭近くに表示されるクレジットが、最後には表示されず、そこにのみ表示されることもあります。これは、監督のクレジットでよく発生します。映画の冒頭近くに表示されるクレジットは、通常、タイトルまたは冒頭タイトルと呼ばれます。ポストクレジットシーンは、クレジット終了後に表示されるシーンです。『フェリスはある朝突然に』には、エンドクレジット後のシーンがあり、フェリスが観客に映画は終わったので家に帰るように告げる。

映画のキャストとは、映画に出演する、または主演する俳優や女優の集まりを指します。スターとは俳優または女優で、多くの場合は人気俳優であり、映画の中心人物を演じる有名人です。この単語は、監督や マーティン・スコセッシなどの他の著名人など、クルーの他のメンバーの名声を指す場合もあります。クルーは通常、キャストの参加以外で映画の物理的な構成に関与する人々と解釈され、監督、映画編集者、写真家、グリップ、照明係、セット装飾者、小道具係、衣装デザイナーが含まれます。映画「逃げるは恥だが役に立つ」で監督と主演を務めたウディ・アレンのように、1人が映画のキャストとクルーの両方に所属することもあります。

映画ファン、映画通、または映画マニアとは、映画が好きな人、またはよく映画を見に行く人のことであり、後者の場合が多いが、映画や映画、または映画の制作過程の研究者であると自らをみなす人もいる。映画、映画理論、映画批評への強い関心は、シネフィリアとして知られている。映画愛好家は、シネフィルまたはシネアストとして知られている。

試写会とは、映画が一般公開される前に、通常は企業の宣伝のために選ばれた観客に映画を上映することを指す。試写会は観客の反応を判断するために使われることがあり、観客の反応が予想外に否定的だった場合、観客の反応に基づいて特定のセクションを再編集したり、再撮影したりすることがある。試写会の反応が否定的だった後に変更された映画の一例として、1982年の『ランボー』がある。試写会の観客が映画の最後で主人公のジョン・ランボー（ベトナム帰還兵）の死に非常に否定的な反応を示したため、会社は登場人物が生き残る新しい結末を書き直し、撮影し直した。^[38]

予告編やプレビューは、映画館で 1 ～ 3 か月後に上映される映画の宣伝です。映画館が 1 ～ 2 スクリーンしかなかった初期の頃は、そこで上映される映画の特定の予告編だけが上映されていました。その後、映画館がスクリーンを増やしたり、多数のスクリーンを備えた新しい映画館が建設されたりすると、その映画をその映画館で上映しない場合でも、さまざまな予告編が上映されるようになりました。映画スタジオは、予告編を多く上映すればするほど (その特定の映画館で上映しない場合でも)、公開時にその映画を見るために別の映画館に行く観客が増えることに気付きました。予告編という用語は、もともと映画のプログラムの最後に上映されていたことに由来しています。観客は映画が終わると映画館を去る傾向があったため、この慣習は長くは続きませんでしたが、その名前は定着しました。現在、予告編は映画 (または 2 本立てのプログラムの「A 映画」) が始まる前に上映されます。映画の予告編は、DVD や Blu-ray ディスク、インターネット、モバイル デバイスでも一般的です。予告編は、視聴者を惹きつけ、興味をそそるように作られている。その結果、インターネット時代では、視聴者は予告編を求めてそれを見ることが多い。2008年にオンラインで視聴された年間100億本のビデオのうち、映画の予告編はニュースとユーザー作成ビデオに次いで3位だった。[ ^39]ティーザーは、10秒から30秒しか続かない、はるかに短いプレビューまたは広告である。ティーザーは、今後6か月から12か月以内に公開される映画への期待を高めるために使われる。ティーザーは、映画の製作が完了する前にも制作されることがある。

映画は特定の文化によって生み出された文化的遺物であり、異文化間の対話を促進します。映画は娯楽性と歴史的価値を提供する重要な芸術形式であると考えられており、多くの場合、ある時代を視覚的に記録します。このメディアの視覚的な基盤は、映画に普遍的なコミュニケーション力を与え、多くの場合、吹き替えや字幕を​​使用してセリフを他の言語に翻訳することでさらに広がります。 ^[42]映画でロケ地を見るだけで、その場所への観光が促進され、メディアの示唆的な性質がいかに強力であるかを実証しています。^[43]

映画は、異文化間の対話を効果的に行う能力があることから、教育やプロパガンダなど、さまざまな目的で使用されています。目的が主に教育である場合、映画は「教育映画」と呼ばれます。例としては、学術的な講義や実験の記録、または古典小説に基づいた映画などがあります。ナチスドイツでレニ・リーフェンシュタールが制作した映画、第二次世界大戦中の米国の戦争映画の予告編、スターリン政権下でセルゲイ・エイゼンシュテインが制作した芸術映画など、映画は全体的または部分的にプロパガンダである場合があります。また、アンジェイ・ワイダの映画や、より微妙なところではアンドレイ・タルコフスキーの映画のように、政治的抗議の作品である場合もあります。映画の分類は主観的になり得るため、同じ映画でも、ある人は教育的であると見なし、他の人はプロパガンダと見なすことがあります。

本質的に、映画を製作する手段は、映画製作者が見せたい内容と、それを表示するための装置によって決まります。ゾーエトロープでは、紙片上の一連の画像のみが必要です。したがって、映画製作には、カメラを持った1人（スタン・ブラッキッジの1963年の映画「モスライト」のようにカメラなしの場合もあります）しか必要ありませんが、実写の長編大作の場合は、何千人もの俳優、エキストラ、スタッフが必要です。ほとんどすべての映画に必要なステップは、構想、計画、実行、改訂、および配給に要約できます。制作が複雑になるほど、各ステップの重要性が増します。ハリウッドスタイルの映画の一般的な制作サイクルでは、これらの主な段階は、開発、プリプロダクション、制作、ポストプロダクション、および配給と定義されます。

この制作サイクルは通常 3 年かかります。最初の 1 年は開発に費やされます。2 年目はプリプロダクションと制作で構成されます。3 年目はポストプロダクションと配給で構成されます。制作が大きくなるほど、必要なリソースも増え、資金調達の重要性も増します。ほとんどの長編映画は、クリエイター (映画監督、撮影監督、脚本家など) の観点からは芸術作品であり、制作会社にとっては営利事業体です。

映画クルーは、映画会社が「制作」または「撮影」の段階で雇用し、映画や動画を制作する目的で雇う人々のグループです。クルーは、カメラの前に登場したり、映画の登場人物の声を担当したりする俳優であるキャストとは区別されます。クルーは、プロデューサー、マネージャー、会社の代表者、そのアシスタント、および脚本家や映画編集者など、プリプロダクションまたはポストプロダクションの段階で主な責任を負う人々で構成される制作スタッフとやり取りしますが、制作スタッフとは区別されます。制作とクルーの間の連絡は、通常、監督とそのアシスタントスタッフを介して行われます。中規模から大規模のクルーは、通常、部門間のやり取りと協力の明確な階層と基準を持つ部門に分かれています。演技以外では、クルーは、小道具や衣装、撮影、音響、電気設備 (照明など)、セット、制作特殊効果など、撮影段階のすべてを処理します。ケータリング業者（映画業界では「クラフトサービス」として知られています）は通常、クルーの一員とは見なされません。

フィルムストックは、透明なセルロイド、アセテート、またはポリエステルの ベースに感光性化学物質を含む乳剤を塗布したものです。セルロースナイトレートは、映画を記録するために最初に使用されたフィルムベースでしたが、その可燃性のため、最終的にはより安全な材料に置き換えられました。ストックの幅とリール上の画像のフィルムフォーマットには豊かな歴史がありますが、ほとんどの大規模な商業映画は今でも35 mmプリントで撮影され (劇場に配給されています) ています。もともと、動画フィルムは、手回し式のカメラとプロジェクターを使用してさまざまな速度で撮影および映写されていました。1000 フレーム/分 (16 ⁠2/3⁠フレーム/秒は一般に無声映画の標準的な速度として挙げられるが、研究によれば、ほとんどの映画は16フレーム/秒から23フレーム/秒の間で撮影され、18フレーム/秒以上で上映されていた（多くの場合、リールには各シーンをどのくらいの速さで表示するかの指示が含まれていた）。^[44] 1920年代後半にシンクロサウンドフィルムが導入されたとき、サウンドヘッドには一定の速度が求められた。24フレーム/秒が選ばれたのは、十分な音質を確保できる最も遅い（したがって最も安価な）速度だったためである。^[45]この基準は、1927年にワーナー・ブラザースの 『ジャズ・シンガー』とヴァイタフォン・システムで確立されました。 ^{[46] [47]} 19世紀後半以降の改良には、カメラの機械化（一定の速度で録音できる）、静かなカメラ設計（カメラを覆う大きな「飛行船」を必要とせずに現場で録音されたサウンドを使用できる）、より洗練されたフィルムとレンズの発明（監督がますます暗い状況で撮影できる）、同期サウンドの開発（対応するアクションとまったく同じ速度でサウンドを録音できる）などがあります。サウンドトラックは映画の撮影とは別に録音できますが、実写映画の場合、サウンドトラックの多くの部分が同時に録音されるのが通常です。

フィルムは写真の基礎として開発された技術であるため、メディアとして映画に限定されません。静止画像の連続をスライドショーの形式で表示するために使用できます。フィルムはマルチメディアプレゼンテーションにも組み込まれており、主要な歴史的文書としての重要性を持つこともよくあります。ただし、歴史的なフィルムは保存と保管の点で問題があり、映画業界は多くの代替手段を模索しています。セルロースナイトレートベースのフィルムのほとんどは、現代の安全フィルムにコピーされています。一部のスタジオでは、セパレーションマスターを使用してカラーフィルムを保存しています。セパレーションマスターとは、赤、緑、青のフィルターを通して露光した3つの白黒ネガです（基本的にテクニカラープロセスの逆です）。デジタル手法もフィルムの修復に使用されていますが、陳腐化サイクルが続くため（2006年現在）、長期保存には適していません。劣化したフィルムストックのフィルム保存は、映画史家やアーキビストだけでなく、既存の製品を保存して将来の世代に提供することに関心のある企業（それによって収益を増やす）にとっても懸念事項です。硝酸塩フィルムやシングルストリップカラーフィルムは劣化率が高いため、保存には一般に大きな懸念事項があります。一方、安全ベースの白黒フィルムやテクニカラー吸収プリントで保存されたカラーフィルムは、適切な取り扱いと保管を前提とすれば、保存状態がはるかに良好になる傾向があります。

最近の数十年間の映画の中には、テレビ制作で使用されているのと同様のアナログ ビデオ技術を使用して録画されているものもあります。現代のデジタル ビデオカメラやデジタル プロジェクターも普及しつつあります。これらのアプローチは、特にデジタル シネマで撮影された映像は、フィルム ストックの処理を待たずに、非線形編集システム(NLE)で評価および編集できるため、一部の映画製作者に好まれています。移行は徐々に進み、2005 年の時点では、主要な映画のほとんどはまだフィルムで撮影されていました。^{[更新が必要]}

独立系映画製作は、ハリウッドや他の大手スタジオシステムの外で行われることが多い。独立系映画（またはインディーズ映画）とは、当初は大手映画スタジオからの資金提供や配給を受けずに製作された映画のことである。創造的、ビジネス的、技術的な理由はすべて、20世紀後半から21世紀初頭のインディーズ映画界の成長に貢献した。ビジネス面では、大予算のスタジオ映画のコストは、キャストやスタッフの保守的な選択にもつながる。ハリウッドでは共同出資の傾向がある（ 2000年にワーナー・ブラザースが製作した映画の3分の2以上は合弁事業で、1987年の10％から増加している）。^[48]有望な監督は、映画やテレビ業界でかなりの経験を積んでいない限り、大予算のスタジオ映画の仕事を得る機会がほとんどない。また、スタジオは、特に主役で無名の俳優を起用した映画を製作することはめったにない。

デジタルの代替手段が登場する前は、プロ用の映画機材やフィルムのコストも、従来のスタジオ映画を制作、監督、主演する上での障害となっていました。しかし、1985年に民生用カムコーダが登場し、さらに重要なことに、1990年代初頭に高解像度のデジタルビデオが登場したことで、映画制作の技術的障壁は大幅に下がりました。制作費とポストプロダクション費はどちらも大幅に下がり、2000年代には、ポストプロダクション用のハードウェアとソフトウェアを市販のパソコンにインストールできるようになりました。DVD 、FireWire接続、プロ用および民生用のさまざまなビデオ編集ソフトウェアなどのテクノロジーにより、映画制作は比較的手頃になりました。

デジタル ビデオDV技術の導入以来、制作手段はより民主化されました。映画製作者は、デジタル ビデオ カメラで映画を撮影し、その映画を編集し、サウンドと音楽を作成および編集し、高性能の家庭用コンピュータで最終カットをミックスすることが可能です。ただし、制作手段が民主化されても、資金調達、配給、マーケティングを従来のシステム以外で実現するのは依然として困難です。ほとんどの独立系映画製作者は、映画祭を利用して映画を宣伝し、配給用に販売しています。YouTubeやVeohなどのインターネット ベースのビデオ Web サイトの登場により、映画製作の状況はさらに変化し、独立系映画製作者が映画を一般に公開できるようになりました。

オープンコンテンツ映画はインディーズ映画によく似ているが、オープンコラボレーションを通じて制作される。そのソース素材は、従来の著作権ではなく、他者がファンフィクションや派生作品を作成できるほど寛容なライセンスの下で提供される。インディーズ映画製作と同様に、オープンソース映画製作はハリウッドやその他の大手スタジオシステムの外で行われる。例えば、映画「バルーン」は冷戦中に実際に起こった出来事に基づいている。^[49]

ファン映画とは、映画、テレビ番組、漫画本、または同様のソースからインスピレーションを得て、ソースの著作権所有者や作成者ではなくファンによって作成された映画またはビデオです。ファン映画製作者は伝統的にアマチュアでしたが、最も有名な映画のいくつかは、実際には映画学校の授業プロジェクトまたはデモンストレーションリールとしてプロの映画製作者によって制作されました。ファン映画の長さは、存在しない映画の短い偽のティーザー予告編から、より珍しい長編映画まで、非常に多様です。

映画配給は、観客が映画を鑑賞できるようにするプロセスです。これは通常、プロの映画配給業者の仕事であり、映画のマーケティング戦略、映画を上映または鑑賞できるようにするメディアを決定し、公開日やその他の事項を設定する場合があります。映画は、映画館（歴史的に映画が配給される主な方法）または個人の家庭鑑賞用テレビ（DVDビデオまたはブルーレイディスク、ビデオオンデマンド、オンラインダウンロード、放送シンジケーションによるテレビ番組などを含む）を通じて一般の人々に直接上映される場合があります。映画を配給する他の方法には、 VHSテープやDVDなどのさまざまなメディアと形式での映画のレンタルまたは個人購入、またはコンピューターを使用した インターネットダウンロードまたはストリーミングがあります。

アニメーションは、コンピュータ グラフィックとして生成されるか、描画した画像を撮影するか、モデル ユニットに小さな変更を繰り返し加え (クレイアニメやストップ モーションを参照)、その結果を特殊なアニメーション カメラで撮影することによって、フィルムの各フレームを個別に作成する手法です。フレームをつなぎ合わせて、結果として得られるフィルムを 1 秒あたり 16 フレーム以上の速度で表示すると、連続した動きの錯覚が生じます (ファイ現象による)。このようなフィルムの生成は非常に労働集約的で退屈ですが、コンピュータ アニメーションの開発により、プロセスが大幅に高速化されました。アニメーションの制作には非常に時間がかかり、多くの場合非常に高価であるため、テレビや映画のアニメーションの大部分はプロのアニメーション スタジオによるものです。ただし、独立系アニメーションの分野は少なくとも 1950 年代から存在しており、アニメーションは独立系スタジオ (場合によっては 1 人) によって制作されています。独立系アニメーション プロデューサーの中には、プロのアニメーション業界に参入した人もいます。

リミテッドアニメーションは、アニメーションの制作過程で「近道」を使うことで、制作費を下げ、制作費を増やす手法である。この手法はUPAが開拓し、米国ではハンナ・バーベラ社、日本では手塚治虫が普及させ、漫画が映画館からテレビへと移行するにつれて他のスタジオにも取り入れられた。^[50]現在、ほとんどのアニメーションスタジオは制作にデジタル技術を使用しているが、フィルムに依存する特定のアニメーションスタイルもある。ノーマン・マクラーレン、レン・ライ、スタン・ブラッケージなどの映画製作者によって有名になったカメラレスアニメーションは、フィルムに直接ペイントや描画を施し、プロジェクターで流すものである。

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• Burton, Gideon O.、および Randy Astle、共編 (2007)。「モルモンと映画」、特別号全体、BYU Studies (ブリガムヤング大学)、第 46 巻 (2007)、第 2 号。336 ページ、図解。ISSN 0007-0106  。
• ヒッケンルーパー、ジョージ(1991)。『Reel [sic] Conversations: Candid Interviews with Film's Foremost Directors and Critics』、シタデル・プレス・ブックス・シリーズ。ニューヨーク：キャロル・パブリッシング・グループ。xii、370ページ。ISBN 0-8065-1237-7。 
• トムソン、デイヴィッド(2002)。『新映画人名辞典』（第4版）。ニューヨーク：AA ノップフ。ISBN 0-375-41128-3。
• ジェフリー・ザックス（2014年）。 『フリッカー：映画で脳が働く』オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-998287-5。

• Allmovie – 映画に関する情報: 俳優、監督、経歴、レビュー、キャストおよび制作クレジット、興行収入、その他の映画データ。
• 映画サイト – 名作映画のレビュー
• カーリーの映画
• Rottentomatoes.com – 映画のレビュー、プレビュー、フォーラム、写真、キャスト情報など。
• IMDb : インターネット映画データベース – 現在および過去の映画とキャストリストに関する情報 (1997 年 1 月 22 日アーカイブ)