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サム・ギリアム（/ ˈ ɡ ɪ l i əm / GHIL -ee-əm ; 1933年11月30日 - 2022年6月25日）は、アメリカの抽象画家、彫刻家、美術教育者。ミシシッピ州で生まれ、ケンタッキー州で育ったギリアムは、成人してからの人生のすべてをワシントンDCで過ごし、最終的には同市の芸術コミュニティの「長老」と呼ばれるようになった。 [ 1 ]当初は、1950年代から1960年代にかけてカラーフィールド絵画から抽象芸術の一形態を発展させたワシントン地域の芸術家グループであるワシントン・カラー・スクールと関係があったが、ギリアムは60年代半ばに、プロセスと彫刻の要素を絵画に取り入れることで、グループの中核的な美学である平坦な色彩のフィールドを超越した。 [ 2 ] [ 3 ]
色彩と形態に関する初期の実験の後、ギリアムは、1960年代後半に初めて開発され、その後10年間にわたって米国および国際的に広く展示されたドレープ絵画で最もよく知られるようになりました。 [ 4 ]これらの作品は、キャンバスを張っていない絵具で染み付いたキャンバスや、ストレッチャーバーのない工業用布で構成されており、ギャラリーや屋外スペースで吊り下げたり、ドレープしたり、地面に配置したりしました。ギリアムは、この特定の方法でキャンバスをストレッチャーから「解放」し、絵画をその設置場所の建築と対話させた最初のアーティストとして認識されています。[ 5 ]現代美術では、これは絵画と彫刻の間の空間を崩壊させ、インスタレーションアートの発展に影響を与えました。[ 6 ]これは一部の批評家やキュレーターの目には彼の代表的なスタイルとなったが、ギリアムは1980年代初頭以降、ドレープ絵画からほぼ離れ、主にいくつかの依頼作品や晩年の作品シリーズでこの形式に戻ったが、それらは通常、彼が他の作品で探求していた新しい技法や方法を用いて制作された。[ 7 ]
彼はさまざまなスタイルと素材で作品を制作し、絵画、彫刻、版画の境界を探求した。その他の有名な作品シリーズには、1960年代半ばに始まった初期の「スライス」絵画があり、壁から突き出るように特注の面取りされたストレッチャーバーで展示されることが多い。 [ 8 ] 1970年代後半の「ブラック・ペインティング」は、コラージュされた形態の上に厚い黒いインパストを重ねて制作された。[ 9 ]そして、1980年代から1990年代にかけていくつかの公共の依頼のために制作された、記念碑的な塗装金属彫刻のシリーズがある。[ 10 ]
1972年にヴェネツィア・ビエンナーレで米国を代表する最初のアフリカ系アメリカ人アーティストの一人となるなど、初期に批評家から高い評価を得た後、ギリアムのキャリアは1980年代と1990年代に美術界からの注目度が低下した時期を迎えたが、彼は作品を広く展示し続け、数多くの大規模な公的および私的委託を完成させた。[ 11 ] 2000年代半ばから、彼の作品は再び国内外で注目を集めるようになり、現代美術への彼の貢献はいくつかの出版物や展覧会で再検討および再評価された。[ 7 ]彼の作品はその後、叙情的抽象と評されるようになった。[ 12 ]後期のマイルストーンとしては、2016年に当時新しく開館した国立アフリカ系アメリカ人歴史文化博物館のロビーに常設展示される作品を制作したこと、2017年にヴェネツィア・ビエンナーレに2度目の出展をしたことが挙げられる。[ 1 ]
サム・ギリアム・ジュニアは、1933年11月30日にミシシッピ州テューペロで、サム・ギリアム・シニアとエステリー・ギリアムの8人の子供のうち7番目として生まれた。[ 7 ][8]ギリアム一家は1942年にケンタッキー州ルイビルに引っ越した。 [ 13 ]ギリアムによると、父親は趣味で大工をしていたほか、「農夫、野球のピッチャー、執事、用務員」など様々な仕事をしていたという。[ 14 ]母親は学校の教師で、大家族の世話をし、近所の裁縫グループの活動的なメンバーだった。[ 7 ] [ 13 ]ギリアムは幼い頃から漫画家になりたいと思っており、母親の励ましを受けてほとんどの時間を絵を描くことに費やしていた。 [ 15 ] [ 16 ]大人になってから、ギリアムは子供の頃の家庭生活において創造性が不可欠な部分であったことを回想している。「私の家族のほとんど全員が手を使って何かを作っていました…このような建設的な雰囲気の中で、私も才能を開花させ始めました。」[ 13 ]中学と高校の教育を通して、彼は学校が主催する専門的な美術プログラムに参加した。[ 7 ]彼はルイビルのセントラル高校に通い、1951年に卒業した。[ 17 ]
高校卒業後、ギリアムはルイビル大学に進学し、1955年に黒人学部生として2期生として絵画の学士号を取得した。 [ 7 ] [ 18 ]在学中は、ユージン・リーク、メアリー・スペンサー・ネイ、ウルフェルト・ウィルケなどの教授の下で学び、最終的にはウィルケのスタジオアシスタントとして働くようになった。ギリアムは、ウィルケの木版画、アフリカの彫刻、パウル・クレーの作品のコレクションに興味を持つようになった。[ 19 ]ウィルケは、ギリアムがクレーやエミール・ノルデなどのドイツ表現主義に興味を持つきっかけを作り、同様のスタイルを追求するよう勧めた。[ 20 ]ギリアムは後に、ウィルケは「キャンバスを尊重しすぎた」という理由で、授業中に油絵具の使用を拒否することが多かったと語っている。[ 21 ]ウィルケはギリアムに水彩絵具で絵を描くことをさせ、絵具は塗布時にある程度制御不能に広がる可能性があるため、絵の具のプロセスである程度の制御を手放し、最終的な作品に偶然性を持たせることを学ばせた。[ 22 ] [ 23 ]
1954年、バスでドロシー・バトラーを見かけたことがきっかけで彼女と知り合い、二人は交際を始めた。 [ 24 ]彼は卒業の翌年、1956年に大学で初の個展を開催した。[ 24 ] 1956年から1958年まで、ギリアムはアメリカ陸軍に所属し、横浜に駐屯した。[ 24 ]日本滞在中、彼は1967年に取り壊される前のフランク・ロイド・ライトの帝国ホテルを訪れ、 [ 24 ]具体美術協会について学び、東京の展覧会でイヴ・クラインの作品に出会った。[ 25 ]ギリアムは後に、特にクラインの作品を見たことが「私に影響を与え、通常展示される室内空間を超えて、より外の世界で芸術を作ることを考えるようになった」と語った。[ 25 ]彼は三等特技兵の階級で名誉除隊した。[ 24 ]
彼は1958年にルイビル大学に戻り、 1961年にチャールズ・クロデルの下で絵画の修士号を取得した。[ 26 ] [ 24 ]この時期のギリアムの作品のほとんどは、抽象画に近い表現主義的な具象絵画であり、美術史家のジョナサン・P・ビンストック[注1 ]は「典型的には暗く濁った色調」と評している。[ 28 ]この時期、彼は主にベイエリア具象運動に関連する数人のアーティスト、リチャード・ディーベンコーン、デイヴィッド・パーク、そして特にネイサン・オリベイラから影響を受けた。オリベイラの作品は、学部時代の教授ウィルケによって紹介され、また1958年にルイビルのスピード美術館に巡回した第2回パシフィック・コースト・ビエンナーレ展を見てギリアムは影響を受けた。[ 29 ] [ 28 ]偶然やアクシデントを受け入れる様式で活動するこの芸術家グループに触発されたギリアムの論文は、指導教官のクロデルには受け入れられず、[ 30 ]クロデルは「主観的すぎる」と考えていたが、[ 21 ]ギリアムはそれでもクロデルを自身の作品の発展に重要な影響を与えた人物とみなしていた。[ 30 ]ギリアムは特に、学生と教師の関係に対する敬意と美術史研究の重要性を植え付けてくれたクロデルに感謝している。[ 30 ]大学院在学中、彼は画家のケネス・ビクター・ヤングとも親交を深めた。[ 31 ]ギリアムはNAACPの地元支部の執行委員会で青年顧問を務め、地元のユニテリアン教会と連携して、人種隔離に反対する数多くの座り込み、ピケ、抗議活動を組織するのに貢献した。[ 32 ]彼は非暴力的な市民的不服従で何度か逮捕され、投獄された。[ 21 ]
バトラーはコロンビア大学で修士号を取得したが、ギリアムはルイビルに留まり、彼女を訪ねるために頻繁にニューヨークへ旅行した[ 32 ] 。そこで彼はハンス・ホフマン、バーネット・ニューマン、マーク・ロスコの作品にも興味を持つようになった[ 33 ]。 1962年に二人は結婚し、バトラーがワシントン・ポスト紙初の黒人女性記者として新しい仕事に就くため、ワシントンへ移った[注2 ]。ギリアムは残りの人生をワシントンDCで暮らし、働くことになる[ 9 ]。
1962年にワシントンに到着したギリアムとバトラーは、アダムズ・モーガン地区にアパートを借りた。[ 24 ]ギリアムは、同じベイエリア具象スタイルに興味を持つ絵画教授ロバート・ゲイツのもとでアメリカン大学の絵画コースに登録しようとしたが、ゲイツはギリアムが自分の生徒になっても得るものは少ないだろうと言って断った。[ 34 ]ギリアムはハワード大学の教職にも応募したが、美術学部長のジェームズ・ポーターに断られた。ギリアムによると、ポーターはギリアムは「教えることを心配するにはあまりにも『情熱的』な画家だ」と言い、代わりに地元の高校で教えることで、より多くの時間を作品制作と展示に費やすことができるようにすることを勧めたという。[ 34 ]ビンストック[注 1 ]は、ポーターがギリアムを拒否した理由の一つとして、ギリアムの抽象的な具象スタイルが、当時の文化的な変化や社会運動（ブラックパワー運動を含む）の中で、ポーターが考えていた学校の方向性と衝突したことも考えられると示唆した。これらの変化や社会運動は、芸術において明確で宣言的、そしてしばしば露骨に政治的な美学として現れていた。「ギリアムのやや非現実的で、人種とは無関係に見える人物像は、ポーターには無関係に思えたのかもしれない」。[ 34 ]ギリアムはポーターの助言、そして大学の教授たちの助言[ 18 ]に従って高校教師になり、ワシントンDCのマッキンリー技術高校で5年間美術を教え、最終的には友人や同僚としてポーターと親しくなった。[ 34 ]美術教師として、ギリアムは生徒の授業のために確保された平日に自分の芸術に時間を費やすことができ、[ 18 ]デュポンサークル近くの北西17番街とQストリートにある絵画スタジオを借りていた。[ 35 ] [ 36 ]
1963年、彼はアダムズ・モーガン・ギャラリーで市内初の個展を開催し、初期のシリーズ「パーク・インベンション」から、近くのロック・クリーク・パークの風景を描いた具象的で写実的な油彩と水彩画を選りすぐって展示した。[ 37 ]ギリアムはワシントンに到着した時点では抽象芸術運動について知らなかったが、当時ワシントン・カラー・スクールとして知られるようになった、抽象的なカラーフィールド絵画を制作するアーティストの緩やかな集まりを紹介された。この集まりは歴史的にデュポン・サークルを中心としていた。[ 38 ]ワシントン・カラー・スクールの第一世代で市内に住んでいた唯一の中心メンバーであるトーマス・ダウニングは、展覧会のオープニングに出席し、すぐにギリアムの支援者および指導者となった。 [ 23 ]ダウニングはギリアムに、展覧会で最も優れた作品は完全に抽象的な水彩画1点だと伝え、このフィードバックがギリアムに緩やかな絵画スタイルをより全面的に受け入れるきっかけとなった。[ 33 ] [ 23 ]ギリアムは抽象画に全力で取り組み始め、ニューヨークへ通い続け、著名な現代アーティストを研究し、彼らの理論、スタイル、手法を深く実験し、[ 33 ]彼自身の言葉によれば、「私の目を開かせてくれた多くの画家たちのスタイルから脱却するため」だった。[ 39 ]彼によれば、他者のスタイルを模倣して独自のスタイルを確立するというこの手法は、制作中の具象作品の構図が抽象表現主義の画家ハンス・ホフマンの絵画の構造に似ていることに気づいたときに初めて起こり、それが彼が完全に抽象画に移行した瞬間となったという。[ 40 ]
ギリアムとバトラーは、ギリアムの最初の展覧会の直後にマナーパーク地区の賃貸住宅に引っ越した。 [ 36 ] 1963年にマッキンリーでの教師としての1年目が終わると、彼は夏の仕事を見つけられず、数ヶ月間さまざまな抽象表現のスタイルを探求することができ、明確な幾何学的形状のスタイルを受け入れ始めた。[ 36 ] 1963年8月、ギリアムとバトラーは、マーティン・ルーサー・キング・ジュニアが「私には夢がある」演説を行ったワシントン大行進に参加した。[ 41 ]ギリアムは大学時代に活動家として深く関わっていたが、批評家のヴィヴィアン・レイナーは後に、彼が「幻滅して出てきた」と書き、「彼の活動の総和は、他人に政治的な栄誉を与える以上のことはほとんどなかった」と感じていたと述べている。[ 21 ] 1963年のワシントン大行進は、ギリアムにとって最後の大きな社会変革の抗議活動となった。ビンストックによれば、彼は芸術制作を「少なくとも政治と同じくらい重要」と考えるようになった[注1 ] [ 42 ]。これは、政治の中心地であるワシントンの一般的な見方と、芸術を政治とは無関係に本質的に価値のあるものとは見なさず、政治的行動やメッセージ発信の手段として捉えていた一部の黒人活動家や芸術家の一般的な態度の両方から大きく逸脱していた[ 41 ] [ 43 ] [ 42 ]。 1993年、ギリアムはこの時期に活動家のストークリー・カーマイケルが彼と他の数人の黒人芸術家を集めて「君たちは黒人芸術家だ！君たちが必要だ！だが、もうきれいな絵は描けなくなるだろう」と言ったことを回想している[ 44 ]。同時代の多くの芸術家の間でこのような一般的な雰囲気があったにもかかわらず、ギリアムは明確に読み取れる具象表現ではなく、形式主義的な抽象表現を探求することに専念した。[ 42 ] 20年後、この時期を振り返って批評家のジョン・ラッセルは、ギリアムは「抽象芸術は黒人アメリカ人の生活とは無関係だと言われていた時代に、彼自身の絵画スタイルを堅持した」と書いた。[ 45 ]
1963年12月、ギリアムは自身の芸術家としてのキャリアに対する不安に関連してルイビルで入院した。[ 46 ]彼は双極性障害と診断され、リチウムを処方された。[ 47 ] [ 48 ]
1964年、ギリアムはハードエッジとカラーフィールドのスタイルを実験的に取り入れた一連の絵画の制作を開始した。その作品は、ダウニング、ジーン・デイビス、モリス・ルイス、ケネス・ノーランドといったワシントン・カラー・スクールの画家たちの作品に似た、正確な幾何学的な色彩のフィールドを特徴としていた。[ 39 ]ダウニングらは、ヘレン・フランケンターラーのソーク・ステイン技法に影響を受けていた。[ 49 ]ビンストックは、ギリアムの作品はダウニングと、彼がこの運動の形成に果たした役割に大きく影響を受けていると主張している。ルイスやノーランドとは異なり、ダウニングはまだ美術評論家のクレメント・グリーンバーグに支持されていなかった。[ 50 ]グリーンバーグの称賛は、ワシントン・スクールの画家たちの地位向上に大きく貢献していた。[ 51 ]ダウニングは、この運動の強みはグリーンバーグが焦点を当てていた色彩の平面性の重要性よりも広いと考えており、ギリアムらに抽象のより広範な定義を受け入れるよう促した。[ 52 ]二人は親しく、妻たちと一緒に夕食に招くことも多かったが、ギリアムは彼らの関係、そして他のアーティストとの関係を競争的なものと表現し、後にダウニングは「私に影響を与えたのではなく、私が打ち負かさなければならない、競争しなければならない相手だった。つまり、私たちは一緒に時間を過ごした」と述べている。[ 54 ]ダウニングはまた、ギリアムに仲間が使用していた技法や材料を紹介した。例えば、キャンバスの上に重ね塗りするのではなく、キャンバスに染み込ませることができるマグナアクリル樹脂絵具の使い方や、グループのいわゆる「秘密の材料」である水張力緩和剤などである。 [ 55 ]ギリアムはキャンバスの「毛穴を開く」ために水張力緩和剤でキャンバスに下地処理をし、パレット上で混ぜるのではなく、染み込ませながら絵具の色を混ぜ合わせ、半透明の外観にした。[ 55 ]ギリアムは1964年、アダムズ・モーガン・ギャラリーでの2回目の個展で、初期のハードエッジの実験作品を発表した。これは彼にとって初めての抽象画のみの展覧会だった。同年、彼はコーコラン美術館で夏期講習の講師も務め始めた。[ 32 ]
ギリアムはこのスタイルで制作するにあたり、いくつかの明確な段階を経てきた。最初は、交互に異なる色の斜めのストライプで二分され、細い線でキャンバスのむき出しの部分が区切られた、単色のフィールド絵画のシリーズから始まった。 [ 56 ]これは、ジーン・デイビスがストライプのモチーフを多用したことや、モリス・ルイスの最後のストライプの抽象画シリーズに触発されたものである。[ 56 ]ギリアムのストライプ絵画に続いて、縞模様の形式とケネス・ノーランドの幾何学的なシェブロン絵画のスタイルを組み合わせたペナント絵画のシリーズが制作された。[ 56 ]このハードエッジ抽象の時期のギリアムの絵画には、右下隅で色の異なる領域が混ざり合っていることから、ワシントン・スクールの中心的なスタイルを超えつつあることを示している「シュート・シックス」がある。 [ 56 ]
1965年、ギリアムはワシントンで最も有名な商業ギャラリーの1つであるジェファーソン・プレイス・ギャラリーで、新しいハードエッジ絵画の個展を開催した。 [ 56 ]ダウニングがギャラリーのオーナーであるネスタ・ドランスに彼を紹介し、グループ展への参加を提案したが、ドランスは彼を個展に招待した。[ 56 ]ギリアムはこの展覧会で1点しか売れず、批評家の注目も成功もあまり得られなかったが、[ 56 ]ギャラリーとの関係はその後8年間続いた。[ 15 ]
あまり熱心ではないレビューもあったものの、この一連の作品によってギリアムは批評家の間でワシントン・カラー・スクールの継承者の一人として確固たる地位を築いた。[ 57 ]彼が最初にメディアで取り上げられたのは、1965年10月に創刊されたワシントニアン誌の特集記事で、彼は「若手（31歳）、あまり知られていない『ワシントン・カラー・ペインター』の一人」と評された。[ 58 ] 1966年には、彼のハードエッジ絵画がワシントン国立美術館で開催されたグループ展「ハードエッジ・トレンド」に出品された。[ 59 ]批評家のアンドリュー・ハドソンはワシントン・ポスト紙でこの展覧会の作品を否定的にレビューし、[注2 ]彼の絵画を「出来が悪い」と評し、「ギリアムは色が混ざり合うことを望んでいるのか、それとも望んでいないのか、なぜ鋭いエッジや明確な色の領域を捨ててどうなるか試してみないのか疑問に思う」と書いた。[ 60 ] 1966年にワシントン・スター紙[注3 ]に寄稿した批評家のベンジャミン・フォージーは、ギリアムを「カラー・スクールの後を追うマイナーな追随者の一人」と評した。 [ 61 ]ギリアムは後に、ワシントン・スクールとの関わりは、彼が創作活動を続ける上で重要な節目となったと語った。[ 62 ]
この初期のメディア報道は、ワシントン以外でのいくつかのグループ展とも時期を同じくしており、彼の全国的な知名度を高めるのに役立った。その中には、ロサンゼルスでの2つの展覧会が含まれる。1つは、グリーンバーグがキュレーションしたロサンゼルス郡立美術館での「ポスト・ペインタリー・アブストラクション」 （1964年）[ 3 ]、もう1つは、ジェームズ・ポーターがキュレーションしたUCLAでの「アメリカ美術における黒人」（1966年）で、彫刻家のメルビン・エドワーズも参加し、エドワーズとギリアムが友人や同僚になるきっかけとなった、アフリカ系アメリカ人美術の歴史的概観である。 [ 63 ]
ギリアムは、ハードエッジ絵画を制作するために、下地処理をしていないキャンバスの一部をテープで覆い、ブラシやスポンジを使って露出した部分に絵具を染み込ませた。[ 64 ] [ 65 ] 1966年、彼は絵具が乾く前にテープを剥がし始め、ダウニングが1963年に初めて賞賛した水彩画のように、色が画面全体に流動的に混ざり合うようにした。[ 66 ]
ギリアムの初期のハードエッジ抽象画やこの新しい過渡期のスタイルの作品を見た美術収集家のマージョリー・フィリップスは、1967年秋にデュポンサークルのフィリップス・コレクションで初の美術館個展を開催するよう彼を招待した。[ 67 ]ギリアムは、全米芸術基金（NEA）からの個人アーティスト助成金のおかげで、展覧会に向けてマッキンリーの教職を辞して絵画に専念することができ、 [ 68 ]また、マウントプレザント地区に家を購入するのにも使用した。 [ 67 ]当時、ギリアムとバトラーは3人目の子供を妊娠中で、2人ともプロとして成功を収めていたにもかかわらず、生活費をやりくりするのに苦労していた。 [ 67 ] 1人目の子供が生まれた後、スタジオを借りる余裕がなくなったため、ギリアムはマナーパークの自宅の地下室でほぼ専ら絵を描いていた。[ 35 ] [ 36 ]ギリアムは1967年にメリーランド美術大学でも教え始めた。[ 69 ]
展覧会の準備をする中で、ギリアムは数週間前に行った流動的な実験を見直し、後に「グリーン・スライス」と題した習作を発見した。これは1967年初頭に和紙に描かれた水彩画で、ギリアムはいつ作ったのか覚えていないと語っている[ 70 ] 。これは彼が習作や実験を制作していたスピードを示している[ 71 ] 。これは、柔らかな青、緑、バラ色の、ややしわくちゃの水彩画で、絵具を塗った直後に作品を部分的に折り曲げて、絵の下端から垂直に伸びるいくつかの「スライス」を作ったようだ[ 72 ] 。ワシントン近代美術館（WGMA）でモリス・ルイスの死後展覧会を見た後、ギリアムはルイスのブラシレス絵画技法のレンズを通して「グリーン・スライス」を見るようになった。 [ 73 ]彼は、以前の抽象画のようにあらかじめ決められた構造を持たない絵画の制作を始め、代わりに絵画の物理的なプロセスに焦点を当て、床に置かれたキャンバスに水で薄めたアクリル絵具を素早く注ぎ、キャンバスを物理的に操作することで絵具の溜まりを互いに動かし、即興と偶然の両方によって構図が現れるようにした。[ 74 ] [ 75 ] [ 70 ]その結果、ギリアムが絵具を溜めた箇所から濃い赤色の円が広がり、異なる絵具がキャンバス全体に混ざり合った流動的な動きの痕跡が見られる「赤い花びら」のような作品が生まれた。[ 76 ] [ 70 ]
この時点で、ギリアムはスライスシリーズを制作し、形式化しました。床に置いたキャンバスに薄めたアクリル絵具を染み込ませ続け、絵具に粉末アルミニウムなどの金属を混ぜ始め、キャンバスに物理的に絵具を飛び散らすようになりました。[ 77 ] [ 78 ]グリーン スライスの手法を取り入れ、キャンバスを折り重ねて明確な「スライス」を作り、構図全体に色のプールを二分してから、積み重ねて乾燥させ、時には乾燥中にさらに絵具を飛び散らし、最終的なイメージにいくつかの偶然の要素を加えました。[ 77 ] [ 78 ]最後に、スライスキャンバス用にカスタムの面取りされたストレッチャー バーを作り、ストレッチャーを壁側または鑑賞者側に交互に向けてキャンバスを張りました。[ 77 ] [ 79 ]壁側に向けると、面取りによってキャンバスは浮いているように見え、正面から見ると物理的な支えから切り離されているように見えました。鑑賞者の方を向いたとき、キャンバスの下に面取りされた支持部が見え、作品は角が斜めにカットされた彫刻的なレリーフのように見える。[ 80 ] [ 79 ]この面取りされたストレッチャーの使用は、友人のロックニー・クレブスから紹介されたロン・デイビスの面取りされたグラスファイバーとプレキシガラスの絵画構造に触発されたものである。
「盗んだんだよ。」[笑い]「ロン・デイビスから盗んだんだ。実際、いつも僕が物を盗むのを手伝ってくれていたロックニーが、僕にこうすべきだと教えてくれたんだ。ロン・デイビスがプレキシガラスを斜めに切った縁の上に置いて、宙に浮かせているのを彼が教えてくれたんだ。それで試しに持ち上げてみたら、うまくいった。それからひっくり返してみたら、もっとうまくいったよ。」
—サム・ギリアム、口述歴史インタビュー、スミソニアン・アメリカ美術アーカイブ（1989年11月）[ 35 ]
1967年にフィリップス・コレクションで行われた展覧会で、ギリアムはその年に制作した6点のスライス絵画を壁に向かって斜めに張った状態で展示し、さらに「赤い花びら」、「緑のスライス」、そして3点の水彩画も展示した。[ 80 ]美術館は「赤い花びら」を購入し、ギリアムの作品が美術館のコレクションに初めて収蔵された。[ 81 ]彼はこの展覧会に続き、年末までにジェファーソン・プレイス・ギャラリーで別のスライス絵画展を開催した。 [ 82 ]彼はスライス絵画のサイズを大きくし始め、最終的には壁一面を埋め尽くすほどの大きさになった。[ 78 ]彼は後に、1960年代には「スケールへの欲求」を感じていたと語り、[ 78 ]それは「実用的かつ心理的」なものだったと述べている。[ 83 ]ギリアムは1968年6月にバイロン・ギャラリーで、ニューヨークでの初個展で、面取りされたスライス絵画をさらに展示した。その中には、ギャラリーの壁の幅に合わせて30×9フィートの絵画「Sock-It-to-Me」も含まれていた。[ 84 ]「Sock - It - to-Me」は非常に重く、壁を破壊した。ギリアムによると、ギャラリーのオーナーは、作品が大きすぎて売れないだろうという意思表示として、オープニングで一時的に照明を消したという。[ 85 ] [ 83 ]この展覧会を見た後、アーティストのウィリアム・T・ウィリアムズはギリアムと長期にわたる文通を始めた。[ 86 ]
フィリップス美術館での展覧会は地域の美術評論家から高く評価され、特にスライス絵画と、ギリアムがワシントン・カラー・スクールの核心的な信条を超えて進化を遂げたことを称賛する声が多かった。[ 74 ] [ 87 ]ワシントン・スター紙のベンジャミン・フォージー[注3 ]は、ギリアムがワシントン・スクールの硬質な幾何学とは対照的に絵画を「柔らかく」し始めたと書き、新作は「新たな解放を経験した芸術家の躍動感」を示していると評した。[ 87 ]一方、1968年にアートフォーラム誌に寄稿したアンドリュー・ハドソンは、ギリアムを「ワシントン・カラー・スクールの元信奉者」であり、「『平坦な色彩領域』のスタイルから脱却し、独自の独創的な画家として登場した」と評した。[ 88 ]ビンストックは、批評家たちがギリアムの芸術的才能と可能性を認めつつ、同時に初期のワシントン・スクール様式を過去の運動として確立しようとし、ギリアムのような地元の革新を奨励してワシントンを芸術の中心地としての役割を確固たるものにしようとしていたと主張した。[ 84 ]ニューヨークでのギリアムの個展はあまり注目されなかったが、 [ 84 ]アートフォーラム誌の批評家エミリー・ワッサーマンは、彼のスライス絵画の色彩の立体的な性質を「物質としての色彩」と表現し、高く評価した。[ 89 ]
1966年、キュレーターのウォルター・ホップスは進歩的なシンクタンクである政策研究所で働き始めました。[ 73 ] 1967年にはWGMAの代理ディレクターに就任し、政策理念を統合するために尽力し、地元の現役アーティストに焦点を当て直し、ワシントンDCの黒人コミュニティを部分的に対象としたアウトリーチプログラムを構築しました。 [ 90 ]間もなく、ギリアムにWGMAの新しいアーティスト・イン・レジデンス・プログラムのスペースを提供しました。[ 91 ] 1967年12月、ギリアムのフィリップスでの展覧会の直後に、5,000ドルの奨励金とダウンタウンにある機関の新しいワークショップのスタジオスペース、50,000ドルの運営予算というこの申し出により、彼は教職に戻る代わりにフルタイムで絵を描き続けることになりましたが、ワークショップは1968年4月まで開所せず、ギリアムが奨励金を受け取ったのは6月になってからでした。[ 92 ]この決断を振り返って、ギリアムは「5,000ドルの約束だけで少なくとも6ヶ月は生き延びた」と言い、「かなりの勇気が必要だった」と付け加えた。[ 92 ] 1968年にWGMAのワークショップが開設されたとき、ギリアムはクレブスとスペースを共有した。プログラムに参加した他のアーティストには、版画家のルー・ストーバル[ 92 ]がおり、彼は後にギリアムの長年の同僚であり協力者となる。[ 93 ]
1967年後半から1968年中頃にかけて、ギリアムは絵画をキャンバスに張らず、下地の木製支持構造も使わずにそのままにするという実験を始めた。この技法は後に彼が「ドレープ絵画」と呼ぶものへと発展した。[ 94 ]地面に置いたキャンバスを水に浸し、染色し、水しぶきをかけ、しわくちゃにして折り畳んで乾燥させるという、スライス作品と同様の絵画制作プロセスを経て、乾燥後、キャンバスをキャンバスに張る代わりに、ロープ、革、ワイヤー、その他の日常的な素材を使って、地下室やWGMAの工房の壁や天井から絵画を吊り下げたり、垂らしたり、結んだりし始めた。[ 94 ] [ 95 ] [ 96 ]スライス絵画で始めた濡れたキャンバスの折り畳みと同様に、ドレープのジェスチャーは、キャンバスが予測不能に折り畳まれたり束になったりするため、作品の視覚的存在感の大部分を偶然に委ねることになったが、スライス絵画とは異なり、各ドレープの形は、作品が掛けられている空間の具体的なレイアウトと、作品を設置する人の行動によっても部分的に決定される。[ 97 ] [ 98 ]ドレープ絵画の正確なインスピレーションは不明であり、ギリアムは生涯を通じて複数の説明を提供した。[ 1 ]最もよく引用される起源の話の一つは、近所の物干し竿に干された洗濯物があまりにも多く、その重さを支えるために物干し竿を支えなければならなかったことからインスピレーションを得たというもので、これは彼が1973年にARTnewsに語った説明である。 [ 99 ]彼はその後、人生でいくつかの異なる説明を提示し、[ 100 ] [ 101 ]最終的には洗濯物が起源であるという話を直接否定した。[ 1 ]
ギリアムは1968年後半にジェファーソン・プレイス・ギャラリーで開催されたグループ展で初めてドレープ絵画を公に展示した[ 102 ]。このグループ展には「スイング」などの作品も含まれていた[ 103 ]。同年、ホップスはWGMAとコーコラン美術館の合併を仲介し、新たに合併した機関のディレクターに就任し、ギリアム、クレブス、エド・マクゴーウィンをコーコラン美術館に招いて新作を共同で発表させた[ 92 ] 。 1969年の展覧会「ギリアム/クレブス/マクゴーウィン」では、コーコラン美術館の2階建てアトリウムギャラリーの梁から吊り下げられた長さ150フィートのキャンバス「バロック・カスケード」や、ギャラリーの側面に掛けられた長さ75フィートの壁一面のキャンバスなど、ギリアムの当時までで最大かつ最も没入感のあるドレープ作品10点が展示された。[ 104 ]特にバロック・カスケードは、絵画と建築を組み合わせて空間、色彩、形を探求するという類まれな成果を成し遂げたとして批評家から広く称賛され、 [ 105 ]ルグレース・G・ベンソンはアートフォーラム誌で「目に見える、触覚的な、そして動的なあらゆる要素が、説得力のある力の集合体へと引き込まれている」と書いた。 [ 106 ]フォージィは後にこの展覧会を「ワシントンの美術界がその進化を測る指標の一つ」と呼んだ。[ 1 ]彼はまた、ドレープ絵画のために新しい生地のテストを始め、リネン、シルク、綿素材を使って、浸漬や染色技法に最適なキャンバスを探した。[ 106 ]
Gilliam was neither the first or the only artist to experiment with unstretched painted canvases and fabrics during this era, but he was noted for taking the method a step further than his contemporaries, situating each piece differently depending on the space it was being presented in and working on a much greater scale to create an immersive experience for the viewer that blended architecture and sculpture with painting, a development that would influence the burgeoning field of installation art.[107][108] Conceptually, the Drape paintings can also be understood in the frameworks of site-specificity or site-responsiveness,[109] along with art intervention and performance art,[110] all themes explored by a range of other artists cited by Gilliam as influences at the time, from early land artists to the happenings of Allan Kaprow.[97] Because Gilliam's particular form of unstretched canvas went beyond other artists' experiments and emerged with conceptual parallels to an array of rising art movements, critics and art historians identified him as a key pioneer in contemporary art of the era,[111][112] and he has been cited as the "father of the draped canvas."[9]
In 1969 Gilliam presented several large Slice paintings in the group exhibition X to the Fourth Power, alongside work by William T. Williams, Melvin Edwards, and Stephan Kelsey, at the newly established Studio Museum in Harlem.[113][114] Afterward, Gilliam, Edwards, and Williams – all African-American artists working in abstraction – became closer, and went on to stage exhibitions as a trio multiple times in the 1970s.[115][116]
ウィリアムズは、あらゆる種類の芸術制作をそれ自体解放的な行為とみなす黒人アーティストと、抽象的な美学を反急進的で黒人の観客には無関係だと考えるアーティストとの間で意見の相違が高まっていた時期に、抽象芸術のみの展覧会を企画した。[ 43 ]この議論はスタジオ美術館のスタッフや支援者の間で繰り広げられていた。[ 117 ] [ 118 ]展覧会のレビューのいくつかは、この認識された緊張に焦点を当てていた。[ 118 ] [ 119 ]ほぼ同時期に、ギリアムは、マーティン・ルーサー・キング・シリーズからの「April」、「April 4」、「Red April」など、いくつかのスライス絵画のタイトルに政治や時事問題への明確な言及を導入した。このシリーズの各絵画の名前となっている日付は、1968 年 4 月のキング牧師の暗殺、キング牧師の殺害後に全国で発生した暴動や蜂起、そして国内でも最も激しいもののひとつで、特にギリアムの自宅があるマウント プレザントや、彼が同じ月に使い始めた WGMA スタジオに近い地域を中心に、ワシントンの広範囲が焼け焦げたワシントン特有の市民騒乱と対応している。 [ 120 ]彼は後に、これらの絵画はキング牧師の抽象的な肖像画として理解されることを意図したものではないと説明した。 [ 121 ]
「タイトルは私にとって絵画の意味を変えるものではありません。むしろ、時代や概念を解釈し、明確にするのに役立ちます。具象絵画は、私が制作しているような非物語的なメディア指向の絵画と同様に、黒人性を表現するものではありません。問題は、作品が紋章的なメタファーを扱っている点です。私はマーティン・ルーサー・キングを題材にした絵画を6、7点制作しました。これらの絵画は、地球上、あるいは世界における人間の歩みの全体的な存在感を表現しています。」
—サム・ギリアム、ジョセフ・ジェイコブス著『ハーレム・ルネッサンス以降：アフリカ系アメリカ人芸術の50年』（1985年）[ 122 ]
初期のドレープ作品が批評家から高い評価を受けた後、ギリアムは1970年代前半から中頃にかけて、多くの美術館やギャラリーで作品を発表するよう招待され、新しいドレープ作品のインスタレーションを制作したり、以前の作品を再展示したりした。[ 123 ] 1970年には、不安と鬱病のため2度目の入院もした。[ 124 ] 1971年4月、彼はブラック・エマージェンシー・カルチュラル・コアリション（BECC）が組織したボイコットに連帯して、ニューヨークのホイットニー美術館で開催された現代アフリカ系アメリカ人美術のグループ展から撤退した。 [ 125 ]ギリアムや他のアーティストは、ホイットニー美術館のプログラムに黒人アーティストが不足していることに対するBECCの以前の抗議を受けて同美術館が企画した展覧会に不満を抱いていた。彼らは、キュレーターが展覧会を形作るために、著名な黒人キュレーターやアフリカ系アメリカ人美術の学者に連絡を取ろうとした試みが表面的なものに過ぎないと考えていた。[ 125 ] [ 126 ]
この時期を通して、彼はより大きく没入感のあるドレープを作り続け、 [ 68 ]金属、岩、[ 127 ]木の梁、はしご、[ 128 ]のこぎり台で絵画の環境を装飾し、時にはキャンバスを上から吊るす代わりに、オブジェクトの上にドレープしたり積み重ねたりした。[ 129 ]「A」と大工 IとSoftly Still はどちらも、しわくちゃで伸ばされていない染みのあるキャンバスに縫い付けられたパッチワークの要素が、地面に置かれた木ののこぎり台の上に配置されている。 [ 127 ]これらの 2 つの作品は、ビンストック[注 1 ]が「ドロップクロス美学」と呼んだものを典型的に表しており、アーティストのスタジオの床を保護するために使用された防水シートのように見えるキャンバスでギリアムが探求した新しいテクスチャと、進行中の作品でいっぱいのスタジオに似たインスタレーションの両方を説明している。[ 129 ] 1970年代初頭、彼はドレープにキャンバスの代わりに、またキャンバスに加えて工業用ポリプロピレン生地を使用し始めた。この素材は従来の織物よりも強度が高く軽量であり、ギリアムは水張力破壊剤と組み合わせることで顔料の吸収に適していることを発見した。[ 130 ]
1971年にWGMAのワークショップスペースが閉鎖された後、ギリアムとクレブスは残りの運営予算を個人のスタジオの資金として使い続けることが許され、さらに7年間彼らを支えることができた。[ 92 ]
1971年11月、彼はニューヨーク近代美術館で初の美術館個展を開催し[ 69 ]、ギャラリー内にアーティストが設置した梯子に天井から吊り下げられ、2つの異なる空間の間の角を回り込むように張られた、長さ約18フィートのキャンバス「カルーセル・マージ」[131][132]と、水彩画一式、そして彼の「カウルズ」シリーズからの壁掛けドレープ数点[ 133 ] [ 134 ]を展示した。ギリアムの「カウルズ」は、ドレープ形式の小型版で、それぞれ染色および塗装されたキャンバスが、キャンバス上部のカウルのような一連の折り目を介して1点で壁に吊り下げられ、様々な角度で上向きまたは下向きに配向され、キャンバスの残りの部分に放射状に広がっている[ 135 ] 。
1970年代初頭、ギリアムは版画技法と紙を自身の制作に積極的に取り入れ始め、1972年にストーバルと共同で最初の版画を制作した。[ 69 ]ストーバルは版画工房でギリアムを「その場で興味深い形式を考案できるほど迅速かつ確実に作業できる数少ないアーティストの一人」と評した。[ 136 ]一連の依頼や展覧会のために没入型のドレープ・インスタレーションを新たに制作する一方で、ギリアムはこの頃、長方形のキャンバスの形式にも回帰し、エイハブ・シリーズから始めた。彼はこれを「完璧な」白い構図を作ろうとした最初の試みだと述べている。[ 137 ]これらの作品は、彼のスライス絵画と同様に、キャンバスに色を付けて斜めにカットした木材に張ることから始まり、 [ 138 ]その後、白いアクリル釉薬とラッカーシンナーで塗布したフロッキングを何層にも重ね、ストーバルと共同で制作した特注のアルミフレームに収められた。[ 139 ]
ホップスはこの時期もギリアムの作品を擁護し続け、[ 92 ]ワシントン・ポスト紙[注2 ]に、ギリアムの「ドレープ」は「キャンバスの触知できる柔らかな質感を扱うことで、絵画の伝統的なパネル絵画の模倣から脱却している」と語っている。[ 140 ]彼は、ラリット・カラ・アカデミーでの1969年のトリエンナーレ・インドを含むギリアムの最初の国際展のために他のキュレーターにギリアムを推薦し、[ 92 ]パリのギャラリーで1970年にギリアムの最初のヨーロッパ展を開催し、彼の最も長く続く美術商となったギャラリストのダーシア・スペイヤーに彼を紹介した。[ 69 ]ホップスはまた、スミソニアン博物館がヴェネツィア・ビエンナーレで企画した1972年のアメリカ館のグループ展にも彼を参加させた。[ 25 ]ギリアムは、壁一面に描かれた初期のドレープ絵画「チンギス1世」、「光の深み」、「ダカール」の3点を展示し、[ 141 ]作品の設置のため、パビリオンに1週間滞在した。[ 142 ]彼の絵画は、ダイアン・アーバス、ロン・デイビス、リチャード・エステス、ジム・ナット、キース・ソニエの作品とともにヴェネツィアで展示された。[ 143 ]ギリアムは、ビエンナーレの展覧会でアメリカ合衆国を代表した3人目のアフリカ系アメリカ人アーティストである。彼はしばしば最初のアーティストとして挙げられるが、1956年にジェイコブ・ローレンスとノーマン・ルイスが先行していた。 [ 144 ]
1973年、彼はサンフランシスコ近代美術館で開催されたグループ展「Works in Spaces」に出展し、ギャラリー空間を「Autumn Surf」で完全に埋め尽くした。これは、天井から垂れ下がり、部屋全体に広がる長さ365フィート[ 130 ]のポリプロピレン製のドレープで、鑑賞者が作品の中に「入り込む」ことができる角度のついた空間を作り出した[ 128 ] 。彼はギャラリーの周囲に天井までの高さの垂直なオーク材の梁を数本設置し、その下に水平の梁を取り付けて骨組みを作り、そこから絵画の一部を垂らした[ 128 ] 。梁はまた、一連のコード、ロープ、滑車のアンカーとしても機能し、絵画の他の部分をさらに吊り下げ、高く波のような形を作り出した[ 123 ] 。美術史家のコートニー・J・マーティンは、これを「ギリアムの制作活動における転換点であり、彼の作品がその時点までどのように成熟したかを示している」[ 145 ]と呼び、このインスタレーションは「空間で制作したいという彼の願望を表している」と述べた。 [ 146 ]ビンストック[注 1 ]は、この作品をギリアムのドレープの「おそらく最も優れた例」と評している。[ 123 ]ギリアムは、その後 10 年にわたり、さまざまな展覧会のために変更された構成や新しい追加物で、オータム サーフの塗装されたポリプロピレンを何度も 再配置および再利用し、再設置時には新しいタイトルが付けられることもあった。この作品は、元のタイトルのほか、ナイアガラおよびナイアガラ エクステンデッドというタイトルでも 1982 年まで展示された。[ 147 ] 1973 年、彼はまた、ウィスコンシン州のジョーンズ ロード プリント ショップと厩舎で、版画家のウィリアム ウィージと最初の作品を制作した。 [ 69 ]この関係は、かなりの数の共同版画作品を生み出し、その多くは、ウィージが設立したUW–マディソンのタンデム プレスから版画として出版された。 [ 148 ]
この頃、ギリアムはアッサンブラージュの実験を始め、その集大成として、ミクストメディア作品『ダーク・アズ・アイ・アム』が制作されました。この作品は、1973年11月にジェファーソン・プレイス・ギャラリーで没入型インスタレーションとして展示されるまで、5年間、アーティストのスタジオで様々な形で存在していました。 [ 70 ]この作品は、スタジオにあった道具、衣服、拾い集めたオブジェの集合体で構成されており、[ 149 ]陸軍の徴兵カードも含まれていました。 [ 150 ]それらはすべてペンキで飛び散り、梯子、ペンキのバケツ、その他のオブジェが近くにある壁に掛けられた木製のドアに取り付けられていました。[ 151 ]また、彼は床に置かれた木の板に絵画用のブーツを釘で打ち付け、ドアの横の壁にデニムジャケットを掛け、[ 149 ]壁にクレヨンで落書きをし、小さなギャラリーの照明器具にサングラスを取り付けました。[ 152 ] インスタレーションの初公開後、批評家のポール・リチャードはワシントン・ポスト紙[注2 ]で、「楽しさによって切り裂かれた重苦しさを感じた」と書き、「[ギリアムの]遊び心の中に苦悩を見た」と述べた。[ 152 ]その後の数ヶ月で、ギリアムはアッサンブラージュの要素を再構成し、それらをより小さなボードに凝縮し、さらに塗料を塗り重ね、新しいバージョンを「Composed (旧名 Dark as I Am)」と改名した。この作品と、同時期の他のアッサンブラージュはすべて彼の「Jail Jungle」シリーズからのもので、ギリアムの研究者たちは、それらが率直に自伝的または物語的な作品であるという点で、彼の全作品の中で独特であると考えている。[ 113 ] [ 153 ] [ 154 ]「Jail Jungle」というタイトルは、ギリアムの娘の一人が学校に行く途中で荒廃した近所を歩いているときに思いついた言葉だった。[ 155 ]ギリアムはこのシリーズが、彼の既存のスタイルに慣れ親しんだ視聴者を「ショック」させる試みだったと述べ、[ 156 ]『Composed』は、黒人アーティストによる抽象芸術が正当な表現形式として受け入れられていないという彼の感覚に対する、ややユーモラスな反応として開発されたものであり、特にギリアムが「自らを人種から排除した」と書いた批評家への反論として生まれたと述べている。[ 157 ]ビンストック[注1 ]は次のように示唆した。『Composed』は、具象芸術ではなく抽象芸術を追求していたことから、ギリアムが「アフリカ系アメリカ人が直面する困難に無関心であるという非難に対する最も明確な回答」であった。[ 116 ]数十年後、自身の芸術における人種問題について語った際、ギリアムは次のように述べている。
「私は、自分の作品の主題がアフリカ系アメリカ人であるという意味で、特にアフリカ系アメリカ人アーティストだとは考えていません。私はアフリカ系アメリカ人アーティストです。その点では、私は私です。しかし、人種に関して提起される具体的な問題は、私の作品とは関係がないと感じています。」
—サム・ギリアム、ウィリアム・R・フェリス著「サム・ギリアム」『物語の南部：作家と芸術家の声』（2013年）[ 158 ]
『Composed』を完成させた後、ギリアムは1974年にコラージュ技法の開発を始め、さまざまな染色キャンバスから形を切り抜き、それらを幾何学的なデザインにコラージュしました。多くの場合、大きな正方形の中に円形のコラージュが配置されており、[ 159 ] [ 129 ]ギリアムが初めて円形のモチーフに取り組んだことを示しています。[ 160 ]これらの初期のコラージュは、彼のハードエッジ・カラーフィールド作品の正確な幾何学と、彼のスライス絵画や水彩画のダイナミックなパターンと対照的な色調を組み合わせたものです。[ 159 ] [ 129 ]
ギリアムは1975年2月にコーコラン美術館で開催された第34回現代アメリカ絵画ビエンナーレに出品し、歌手、俳優、活動家のポール・ロブソンにちなんで名付けられた「Three Panels for Mr. Robeson」を初公開した。[ 161 ] [ 68 ] [ 162 ]その2年前、バトラーはワシントン・ポスト紙に寄稿していた頃、[注2 ]ロブソンの伝記の調査を始めていたが、幼い娘のメリッサが母親の興奮に気づき、ロブソンにインタビューを依頼する手紙を書いた。これがきっかけとなり、ギリアムはロブソンを称える自身のプロジェクトを始めた。[ 163 ] [ 162 ]「Three Panels」は、ギャラリーの高い天井からそれぞれ吊り下げられ、地面に水平に広げられた3枚の巨大な屋内ドレープで構成され、ピラミッド型[ 162 ]またはテントのような形を成していた。[ 161 ]美術史家のヨーゼフ・ヘルフェンシュタインは、スリー・パネルズを「不安定な織物建築」と評し、同時期のギリアムのドレープ・インスタレーションを「仮設シェルター」に例えた。 [ 127 ]フォージィは、ワシントン・スター紙で展覧会を評し、 [注 3 ]このインスタレーションを称賛し、「おそらく彼がこれまでに作った中で最高の絵画だ」と述べ、「ギリアムはどういうわけか自分のあらゆる過剰さを一つにまとめ、絵画で事実上飽和した部屋を作り出している」と語った。[ 161 ]
コーコラン美術館でのアーティストや報道関係者向けのプレオープニングレセプションの後、ギリアムはメンフィス美術アカデミーへ向かい、講演と1週間のワークショップを行う予定だった。[ 164 ]彼は、スリー・パネルズなどの大型作品を全国各地に設置した後、大きなストレスを感じたと報告し、 [ 164 ]精神科医から不安症の薬ダルメーンを処方され、飛行機に乗る前に初めて服用した。[ 124 ]飛行中、彼は方向感覚を失い興奮し、飛行機が墜落すると信じて救命ボートに乗ろうとし、[ 124 ]メンフィスに着陸すると、同乗者を暴行し、乗務員の業務を妨害したとして逮捕された。[ 165 ] [ 166 ]この事件は、コーコラン美術館の展覧会が一般公開されている最中に、スター紙[注3 ]とポスト紙[注2 ]で報じられた。 [ 165 ] [ 166 ]この事件はその年の後半に裁判に持ち込まれ、裁判所命令の精神科医が「彼は一時的な躁うつ病または統合失調症の発作に苦しんでいた」と証言し、2日間の裁判の後、彼は無罪となった。[ 164 ]
コーコラン展の準備期間中、ギリアムは自身最大かつ最も有名なドレープ作品の一つである「タツノオトシゴ」も準備した。これは彼にとって初めての公共美術作品として依頼された作品である。この作品は1975年4月と5月にフィラデルフィア美術館で開催された市全体のフェスティバルの一環として展示された。 [ 167 ]美術館の建物の頂上を飾る大きなブロンズのリングに触発されたギリアムは、ネプチューンがタツノオトシゴを神殿に縛り付けるためにそれを使用している様子を想像したと述べている。 [ 168 ]この作品は、それぞれ40×95フィートの2枚 と30×60 フィートの4枚の、6枚の巨大な未張りの絵画キャンバスで構成されており、[ 169 ]すべて美術館の外壁のそれぞれの最上部の角から吊り下げられ、リングを介して取り付けられ、逆さまのアーチ状のひだとなって垂れ下がっていた。[ 170 ] 1977年、彼はブルックリン美術館の外壁に、6枚ではなく5枚のキャンバスで、2度目にして最後の再設置を行った。[ 162 ]「タツノオトシゴ」は、屋外に展示された伝統的なキャンバス素材で作られており、フィラデルフィアとブルックリンの両方で風によって美術館の壁から吹き飛ばされた。[ 171 ] [ 15 ]そして、ニューヨークで撤去する頃には、キャンバスはぼろぼろになり、一部が破損していた。[ 172 ]
1970年代半ば、ギリアムは、染みのあるキャンバスに厚い白いアクリル絵具とアクリル硬化剤を重ね塗りし、初期の白いエイハブの絵画よりも立体的に見えるようにし、表面を掻き出して質感と物理的な奥行きを出しました。その後、これらのキャンバスから長い部分を切り取り、水平または垂直に配置してコラージュし、表面のパターンを崩しました。[ 159 ] [ 173 ]このシリーズは、1976年に彼の「ホワイト・ペインティング」として正式に確立されました。[ 173 ]
1977年、ギリアムはニューヨーク州北部のアートパーク州立公園でのアーティスト・イン・レジデンス期間中に、ランドアートに初めて本格的に取り組みました。[ 174 ] [ 175 ]彼の作品「カスタム・ロード・スライド」は、風景にドレープされた染色された布、木材、岩の複数の異なるインスタレーションで構成されており、彼はレジデンス期間中にそれを再加工し、再設置しました。[ 174 ] [ 175 ] 1977年には、新しく設立されたファブリック・ワークショップ・アンド・ミュージアムの最初のアーティスト・イン・レジデンスの一人でもあり、ワークショップの工業用スクリーン印刷機を使用して、布のドレープ作品に絵の具の代わりに印刷されたデザインを加えました。 [ 176 ] [ 177 ]批評家のグレース・グルックはこの作品を「彼の抽象絵画と同じくらい繊細で美しい」と評しました。[ 178 ]
70年代後半、彼は「白の絵画」の後に「道の分岐点を作る」という決断だったと語る「黒の絵画」で、色彩スペクトルの異なる端を探求した。[ 173 ]彼はコラージュ技法を調整し、制作中の絵画から1つ以上の形を切り取り、それを別の、より大きな、明るく着色され、伝統的な方法で張られたキャンバスの中央にコラージュした。[ 179 ] [ 180 ]彼は新しい表面の質感やテクスチャーの実験を続け、後に思い出せなくなったという特定の組み合わせでさまざまな絵具、硬化剤、物理的な素材を使用し、岩のようなタールやアスファルトに似た、長方形のキャンバスの面取りされた端まで広がる、コラージュの上に重ねられた黒い構成を作り出した。[ 181 ] [ 180 ]「Azure」や「Rail」などの作品はこのシリーズを典型的に表しており、[ 173 ]厚い黒い絵具のインパストの下に、鮮やかな色の斑点や鋭い幾何学的形状の輪郭が部分的に見えている。[ 159 ] [ 181 ]彼の「Black Paintings」は展示を始めた当初から広く称賛され、新たな制度的支援の波をもたらした。[ 173 ]
ギリアムの新たな批評的成功により作品の価格が上昇し、1979年に14番街とUストリート北西近くの建物を購入することができた[注4 ]。この建物はクレブスと共有され、30年以上にわたって彼の主要なスタジオとして使われた[ 182 ]。購入代金は6万ドルと彼の絵画3点であった[ 52 ] 。
ギリアムは、自身の「ブラック・ペインティング」のテクスチャーで探求したものを反復し、1980 年までに、キャンバスの表面を黒と白以外の色やコラージュの断片でさらに構築し始めた。[ 183 ] また、染色およびコラージュされたキャンバスを、それぞれ 9 つの異なるエッジを持つ不規則な多角形の斜めの木枠に張り、その上に熊手で塗った絵の具の面を塗る実験も行い、[ 184 ]チェイサーと呼ばれる 17 の新しい形態を生み出した。[ 183 ] これは、絵画を彫刻として探求する回帰を示しており、美術史家のスティーブン・ザッカーは、チェイサーの 1 つを「私たちが見ている絵画というよりは、壁の上の物体」と表現している。[ 185 ]色、テクスチャー、形状の組み合わせにより、多くの批評家や歴史家が、アフリカやアフリカ系アメリカ人のキルトのパターンに似ていることから、チェイサーの絵画や同時期の他の絵画を「キルト」と表現している。[ 185 ] [ 186 ]彼の「ブラック・ペインティング」と「チェイサー」の間の移行は、彼の「ワイルド・グース・チェイス」シリーズで最も明確に見ることができる。[ 9 ] [注 5 ]
彼は、複数の鋭角な幾何学的キャンバスを一列に並べて制作した「赤と黒」シリーズで、形状キャンバスへのアプローチを調整しました。これらのキャンバスの多くは、さまざまな配置で展示したり、角の周りに設置したりできます。 [ 115 ] [ 188 ]アクリルエマルジョンであるロプレックスを混ぜた黒または赤のアクリル絵具で交互に描かれ、表面を広範囲に掻き出したこれらの絵画は、以前のシリーズと同様の質感を持っていますが、絵具の中を引いて幾何学的形態の輪郭を作り、構図の上と内部に重ね合わせるという明確な線が追加されています。[ 115 ] [ 183 ]ギリアムは1982年にスタジオ美術館で個展を開き、赤と黒の絵画シリーズを発表した。同時期に制作された「D」の絵画も数点展示された。それぞれの「D」の絵画は、顔料とコラージュで構成された小さなキャンバスに描かれ、通常は絵画の隅に単一の金属製の要素（文字「D」）が描かれており、作品の端からはみ出している。[ 115 ]ギリアムとバトラーは1982年に別居し、その後まもなく離婚した。[ 182 ]
ギリアムの「D」の絵画は、大規模な公共委託作品「Dのある彫刻」[ 189 ]の制作から始まった。彼はこれを「ドレープ絵画の背後にあるアイデアを、金属というより形式的な素材に直接変換した例」と述べ、この時期の作品を「構築絵画」と呼んだ。[ 190 ] 1980年代半ばから後半にかけて、彼は塗装や印刷された金属、木材、プラスチックを多くの新作の主要素材として幅広く取り入れ、パターン、質感、形状、素材を交互に組み合わせた多次元のコラージュを制作した。[ 191 ] [ 192 ]ギリアムは、ますます重く手間のかかるこれらの作品を完成させるために、1985年頃に2人目のスタジオアシスタントを雇い、1990年代までに彼の彫刻絵画はより精巧になり、自立型の彫刻と壁面設置型の両方の形態をとるようになった。[ 193 ]彼はまた、ピアノやドアの蝶番などの新しい要素を使って、作品のさまざまな部分に視覚的なレイヤーを作り出し、折り畳んだり広げたりして展示できる蝶番付きのパネルを作品に与え始めた。[ 192 ]
1980年代後半から2000年代初頭にかけて、ギリアムはニューヨークのアート界ではやや見過ごされていました。[ 11 ] [ 7 ]彼はニューヨークで作品を発表することは非常に稀でしたが、[ 7 ]新しい形式で絵画や彫刻を制作し続け、抽象表現への新しいアプローチを開発し、ワシントン、全米各地、そしていくつかの国際展で幅広く展示しました。[ 11 ]ワシントンに滞在することについて、ギリアム自身は1989年に「私にとって本当に良いことと現実であることの違いを学びました。私は、ここを愛するようになったと言っているわけではありませんが、ここに滞在するということを受け入れることを学びました」と述べています。[ 7 ]ビンストックは、ギリアムが黒人アーティストとして抽象表現を追求し、常設ギャラリーを持たないという選択が、彼が「成長または拡大のプロセス、そしておそらくは冷え込みまたは縮小の期間」とみなしたものに貢献したと主張した。[ 8 ] 2013年にギリアムは、美術界の一部の人々に見過ごされた理由について別の説明をし、この時代に作品を制作していた若いポストブラックアーティストは「私ができなかったこと、つまり政治を前面に出すことができた」ため、より大きな注目を集めたと示唆した。[ 6 ]この用語は通常、キュレーターのテルマ・ゴールデンに帰せられ、作品の中で黒人の歴史、文化、政治を明確に呼び起こし探求するが、すべての黒人や文化がどのように表現されるべきかという単一の考え方や、その表現に伴う責任を避けるために「黒人アート」というラベルを拒否する黒人アーティストを説明することを意図している。[ 194 ] [ 195 ]
さらに、数人の著者とギリアムの家族[ 48 ]は、その期間に彼が企画・参加した展覧会の幅広さを理由に、彼のキャリアが本当に衰退したという考えに反論し、後から考えるとこれは誇張された物語であると示唆した[ 196 ] [ 48 ] 。アート・イン・アメリカ誌に寄稿したグレッグ・アレンは、「もしギリアムの長いキャリアのある時期に彼が見えないように見えたとしたら、それは単に人々が彼を見ようとしなかったからである」と述べた[ 196 ]。この時期のワシントンやその他の場所でのギリアムの作品に対する当時の批評は肯定的で、彼のキャリアは継続的な成功として位置づけられていた[ 197 ] 。批評家のアリス・ソーソンは、1991年のワシントン・シティ・ペーパー紙でギリアムを「20世紀絵画の認められた巨匠であり、ワシントンで最も有名な現役アーティスト」と評した。 [ 198 ]また、AP通信は1996年に彼を「主流に受け入れられた数少ない黒人アメリカ人アーティストの一人」と評した。[ 199 ]
1990年代を通して、ギリアムは比較的短期間のうちに数多くの公的および私的な依頼を完成させ、いくつかの助成金を受け、定期的に作品を販売し[ 48 ] 、特にHBCUの美術館やギャラリーで継続的に作品が購入された[ 200 ] 。この時期の彼の依頼作品は、主に大型の塗装彫刻で構成されており、例えば、1996年にラガーディア空港の旧ターミナルBのアトリウムで、螺旋状の形をした記念碑的な塗装アルミニウム作品であるDihedral [ 201 ] [ 202 ]や、 1998年にミシガン大学社会福祉学部の図書館の天井近くの4つの別々の棚に設置された、複数の部分からなる塗装木製構造物であるThe Real Blue [ 203 ]などがある。
ギリアムは1991年にウィージと共同で、ソウルのウォーカーヒルアートセンターで木版画で装飾された大きなドレープ作品を制作した[ 204 ] [ 205 ] 。これは、国務省が調整した多くの国際的な作品展示の1つである[ 17 ]。ギリアムは1997年にドイツのマクデブルクにあるクンストミュージアム・クロスター・ウンザー・リーベン・フラウエンに、美術館の歴史的な礼拝堂内でインスタレーションを制作するよう招待された[ 206 ] 。彼はウィージと制作したプリント生地を再利用し、礼拝堂の天井から切り取った布を縫い付ける前に、作品にペイントを加えた[ 203 ] 。
1997年から1998年にかけて、ギリアムはロードアイランド・スクール・オブ・デザインの客員アーティストを務めた。
ギリアムは1998年にワシントンのクリーガー美術館で個展を開催した最初のアーティストである。[ 11 ]彼は、クリーガー美術館の有名なモダニズム建築の細部をデジタルでレンダリングした木製絵画[ 207 ]や、美術館の屋外プールに浮かべた小さなドレープ絵画の一時的なインスタレーションなど、新しい形式のサイトスペシフィシティを実験的に試みた作品を発表した。[ 11 ]
2000年代初頭から、ギリアムは初期の幾何学的抽象画の新しいバージョンに戻りました。[ 208 ] 2001年にオハイオ大学でモノクロの版画作品を制作する実験を行った後、彼は木材にモノクロの絵画シリーズを制作し、最初は「Slats」と名付け、後に「Slatts」と改名しました。[ 209 ]彼は木材に高光沢のアクリル絵具をゲルメディウムで厚く塗り重ね、磨き上げられた、ほぼ反射する表面を持つ壁掛け作品を制作しました。[ 210 ]中には、交互に並んだ長方形のパズルのようなインセットを持つものもあります。[ 211 ] [ 192 ]
ギリアムは2005年にコーコラン美術館で初の本格的な回顧展を開催し、ビンストックがキュレーターを務め、展覧会に合わせてギリアム初のモノグラフも執筆した。[ 212 ] 1990年代にギリアムのキャリアに関する博士論文の研究で初めてギリアムと出会ったビンストックは、回顧展の企画を始めることを条件にコーコラン美術館に雇われたと述べている。[ 11 ]ワシントン・ポスト紙の展覧会評で、評論家のマイケル・オサリバンはギリアムのキャリアにおける幅広いスタイルを指摘し、「スタイル的には前進と後退を繰り返し、あることをやめて数年後にまた取り上げる」と述べている。[ 211 ]
ギリアムは、1979年に物件を購入して以来、激しい高級化が進んだ地域にある14番街とUストリート北西のスタジオを2010年に385万ドルで売却し、 16番街ハイツ地区の新しい建物に移転した。[ 52 ]
2011年のフィリップス・コレクション90周年を記念して、ギリアムは、1967年にフィリップスで初の個展を開催してから約45年後、美術館内部の楕円形の螺旋階段の隣にある大きな井戸のためのサイトスペシフィック・インスタレーションの制作を依頼された。 [ 213 ] [ 83 ]同年後半には、アメリカン大学美術館で個展を開催し、別のサイトスペシフィックなドレープ作品を制作した。[ 196 ] [ 214 ]サイトスペシフィック・インスタレーションの制作に対する自身のアプローチについて、彼はキュレーターに、「作品をその環境から取り除くのではなく、絵画は絵画ではなく、風になり得る」と説明した。[ 215 ]
2010年代初頭の数年間、ギリアムは双極性障害の治療のためにリチウムを長期にわたって使用していたため、深刻な健康上の合併症に悩まされていた。リチウムは腎臓に広範囲に損傷を与え、数年にわたるうつ病を引き起こした。[ 47 ] [ 48 ]彼はほとんど仕事ができず、娘のメリッサはこの時期の彼を「ソファで昏睡状態のような状態」と表現した。[ 48 ]
ギリアムは2013年にロサンゼルスのデイヴィッド・コーダンスキー・ギャラリーで、若手アーティストのラシッド・ジョンソンがキュレーションした初期のハードエッジ抽象画の展覧会を開催し、彼の作品に新たな全国メディアの注目を集めた。[ 52 ]デイヴィッド・コーダンスキーは、ギリアムの初期の絵画に対する相互の賞賛を通じてジョンソン（著名なコンセプチュアル・アーティスト[ 216 ]、この時期の作品はしばしばポスト・ブラック[ 217 ]と評された）と親交を深め、2012年に一緒にギリアムにギャラリーの代理契約と展覧会を提案した。コーダンスキーによれば、この提案はギリアムを涙させたという。[ 218 ] [ 219 ]展覧会当時、ジョンソンについてギリアムは「彼はどちらかというとドキュメンタリータイプのアーティストで、私は絵画アーティスト、彼はコンセプチュアルアーティストだ」と語った。[ 216 ]批評家のクリストン・キャップスは、ワシントン・シティ・ペーパーに寄稿し、批評家や市場によるギリアム作品のこの「再発見」は、実際には彼のキャリアを通じて何度か起こっていたと主張し、ギリアムがコーダンスキーとジョンソンの申し出に感動したのは、彼らが「常に彼を避けてきた唯一のもの、つまり成功ではなく、文脈を約束してくれたからだ」と示唆した。[ 52 ]ギリアム自身も後に、コーダンスキーは「私にとって最高の存在だった」と述べ、「彼はアーティストであり、私のために働いてくれるからだ」と付け加えた。[ 220 ]コーダンスキーはその後、ギリアムの作品をニューヨーク近代美術館やメトロポリタン美術館に収蔵するのを手伝い、ギリアムの過去の作品や新作の展覧会をいくつか企画した。[ 52 ]
ギリアムの復活を報じた複数のニュースメディアは、過去数十年間の彼のキャリアの低迷ぶりを誇張したり、彼が完全に姿を消したと誤って描写したりした。[ 48 ] [ 52 ]ニューヨーク・タイムズは、ギリアムがかつて洗濯洗剤と引き換えに絵画を物々交換したと主張した後、訂正記事を掲載せざるを得なかった。[ 52 ]また、ガーディアン紙は、コーダンスキーとジョンソンが「彼を忘却から救った」と主張した。[ 219 ] [ 48 ]
2014年頃に医師を変え、リチウムの使用を中止した後、[ 47 ]ギリアムは健康上の問題から大きく回復し、より速いペースで仕事や旅行を始めた。[ 48 ]
次の10年間、ギリアムは数多くの著名な個展やグループ展に参加し、いくつかの新しい委嘱作品を制作した[ 7 ]。その中には、 2016年にワシントンに新しくオープンした国立アフリカ系アメリカ人歴史文化博物館のロビーに常設展示された作品も含まれる[ 221 ]。彼の絵画『Yet Do I Marvel, Countee Cullen』は、2000年代半ばに探求し始めたスタイルで、木材にアクリル絵具で描かれた光沢のある幾何学的な色の長方形のシリーズで構成されており、ハーレム・ルネッサンスの作家カウンティー・カレンの詩に触発されたもので、その詩が作品のタイトルにもなっている[ 222 ] 。翌年、彼はヴェネツィア・ビエンナーレに2度目の出展を果たし、ジャルディーニのメインパビリオンで開催された「Viva Arte Viva」展に出品した。[ 7 ]彼の作品「イヴ・クライン・ブルー」は、大規模なドレープ絵画で、会場の入り口の外に掛けられており、1970年代の初期の依頼作品「タツノオトシゴ」に似ており、ギリアムは「初期の作品のように波打つようにしたかった」と語った。 [ 25 ] [ 223 ]ヨーロッパでの最初の個展「サム・ギリアム：色の音楽」は、2018年にバーゼル美術館で開催され、主に初期のドレープとスライス絵画に焦点を当てた。[ 224 ] [ 225 ]同年、彼はアートフェア「アート・バーゼル」でサイトスペシフィックなドレープ・インスタレーションを上演した。[ 225 ] ギリアム自身は、この時期の「価格の上昇」により、新しい大規模な作品を追求する自由が増えたと語った。[ 225 ]また、彼は2018年に長年のパートナーであるガウラックと結婚した。[ 10 ]
彼はニューヨークで作品を発表する機会が増え、2017年にはムニューシン・ギャラリーで約20年ぶりに同市で初の個展を開催し、歴史的な作品の展覧会を行った。[ 7 ]その後、2019年にはFLAGアート財団で一連の新作水彩画を発表した。[ 83 ]同年、ギリアムはペース・ギャラリーを通じて代理人を獲得し、同市のギャラリーとの初めての長期的な関係を築いた。[ 226 ] 2020年にはペースで初の個展を開催し、[ 227 ]染色と塗装を施したモノクロの木製彫刻の新作を発表した。これらの作品の中には、キャスター付きの小さなピラミッドの形をしたものもあり、さまざまな組み合わせで展示できる。これらの作品は、彼がバーゼルで過ごした時間にインスピレーションを得たもので、そこで彼は最近到着した多くの移民を目にし、彼が「初期のアフリカ」と呼ぶものの形についてより深く考えるようになったと述べている。[ 145 ]
ギリアムは当初、2020年にワシントンのハーシュホーン美術館で全キャリア回顧展を開催する予定だったが、パンデミックのため展覧会は延期され、内容が変更された。[ 228 ]展覧会は最終的に2022年5月に、主に新作の展覧会として開幕した。[ 1 ]彼は、ギリアムの作品としては初めてとなる円形絵画シリーズを発表した。これは、木板に円形の構図で描かれた作品で、斜めにカットされた額縁の中に、木屑、小さな金属球、スタジオの残骸などでテクスチャーをつけた、穴だらけの絵具のフィールドがあり、構図が額縁自体に溢れ出ているものもあった。[ 229 ] [ 230 ]絵画の斜めにカットされた額縁と円形の探求は、アーティストが1960年代と1970年代に最初に探求した形式への回帰を表していた。[ 160 ]展覧会に先立って、ギリアムはこれを「本当に美しい終わり」と呼んだ。[ 231 ]この展覧会はギリアムの死の1ヶ月前に開幕し、彼の生前最後の展覧会となった。[ 232 ]
1962年、ギリアムはルイビル出身でワシントン・ポスト紙初の黒人女性コラムニストであるドロシー・バトラーと結婚した。二人の間にはステファニー（1963年生まれ）[ 32 ] 、メリッサ（1965年生まれ）[ 32 ]、L・フランクリン（1967年生まれ）[ 69 ]の3人の子供が生まれた。ギリアムとバトラーは1982年に別居し、その後すぐに離婚した[ 182 ] 。 1986年、彼はワシントンのGファインアートギャラリーのオーナーであるアニー・ガウラックと出会った[ 233 ]。ギリアムとガウラックは30年のパートナーシップを経て2018年に結婚した[ 52 ] 。
ギリアムは2022年6月25日、88歳でワシントンD.C.の自宅で腎不全のため死去した。 [ 7 ]
1970年代後半から、ギリアムの作品の一部は公共建築物からの依頼によるものとなった。彼が初めて恒久的な公共展示のために制作した作品は「トリプル・バリアント」で、アースカラーのキャンバスに広範囲に切り抜きを施し、平らにボルトで固定して壁に掛け、2つの湾曲した大理石のブロックとアルミニウムの梁を地面に置いたものである。[ 189 ]これは、一般調達局の建築における芸術プログラムを通じて依頼され、[ 234 ] 1979年にアトランタのリチャード・B・ラッセル連邦ビルに設置された。 [ 235 ] [ 236 ]
彼の作品のいくつかは大学の建物に設置されている。1986年には、ヨーク大学のラウンジに「ソーラーキャノピー」が設置された。これは、高さ60フィート（18メートル）の天井から吊り下げられた、塗装された3Dアルミニウムの形状からなる34フィート×12フィートの彫刻で、中央の環状部がその下に他の形状を支えている。[ 237 ] また、2002年には、アーカンソー州のフィランダー・スミス大学が、図書館のためにドレープ状のキャンバスである「チェアキー」を依頼した 。[ 238 ]
その他のインスタレーションは、交通機関の駅や空港からの依頼によるものでした。[ 239 ] 1980年、彼はArts on the Lineの依頼で「Dの彫刻」をデザインしました。これは1983年にボストンのレッドラインのデイビス地下鉄駅に設置されました。この重なり合うアルミニウムの形状の集合体は、原色とタイダイペイントを混ぜて塗装され、互いに、そして支持グリッドに取り付けられています。さまざまな角度から見ると、集合体の文字が駅の名前を綴っています。[ 240 ] 1991年、彼の幾何学的なアルミニウム彫刻「ジャマイカセンター駅の乗客、青」がジャマイカセンター駅の階段の上に設置されました。[ 241 ]この彫刻は、青い外側の楕円と、地下鉄の路線を表す赤と黄色の内側の部分で構成されています。アーティストの言葉によれば、支配的な青は「地下に近い移行領域に視覚的な立体感」を提供し、この作品は「動き、回路、速度、テクノロジー、旅客船」を想起させます。[ 242 ] そして2011年には、彼のガラスモザイク作品「モデルから虹へ」がワシントンメトロのタコマ駅の屋外通路に設置された。[ 243 ]
ギリアムの最後の恒久的な公共委託作品である「A Lovely Blue and ! 」は、2021年に完成した、斜めにカットされたキャンバスに描かれた20×8フィートの絵画で、ワシントンの旧ニューゼアムビルにあるジョンズ・ホプキンス大学ブルームバーグセンターのロビーのために制作され、 [ 244 ] 2023年に設置された。[ 245 ]
ギリアムの作品は生前広く称賛され、数々の賞や助成金を受け取った。
彼は8つの名誉博士号を授与され[ 52 ]、その中には1980年に母校であるルイビル大学から授与されたものも含まれ、2006年には同大学の年間最優秀卒業生に選ばれた[ 246 ] 。彼はシカゴ美術館のノーマン・ウォルト・ハリス賞[ 247 ] 、ケンタッキー州知事芸術賞[ 246 ]、そして大使館芸術プログラムへの長年の貢献に対して2015年に国務省から初代芸術功労賞を授与された[ 52 ] [ 17 ]。彼の作品は、キャリアを通じて20か国以上の大使館や外交施設で展示された。[ 52 ]彼は1967年から複数のNEA助成金を受け、 1968年のワシントン近代美術館や1971年のグッゲンハイム・フェローシップなど、数多くのフェローシップやアーティスト・イン・レジデンス・プログラムに参加した。 [ 248 ]
2023年にギリアムが亡くなった後、彼の未亡人アニー・ガウラックは、アーティストのコレクションとアーカイブを管理し、ギリアムの作品に関する学術研究と展覧会を発展させるためにサム・ギリアム財団を設立した。[ 249 ]設立後まもなく、財団はディア芸術財団と提携し、個人アーティストの活動を支援するために年間7万5000ドルの賞金であるサム・ギリアム賞を設立した。[ 250 ]この賞は、 2024年にイブラヒム・マハマ、 2025年にシーラ・ゴウダに授与された。 [ 251 ] [ 252 ] 2024年、財団はギリアムの故郷ルイビルのスピード美術館に客員アーティストプログラムとキュレーターのポストを寄付した。 [ 253 ]同年、財団はワシントンDCに新しくオープンしたジョンズ・ホプキンス大学のブルームバーグセンターで毎年開催されるサム・ギリアム講演シリーズに資金を提供した。 [ 254 ]
彼の死後、いくつかのギャラリーや美術館が彼の作品の追悼展を開催した。その中には以下のようなものがある。
ギリアムは米国および海外で定期的に展覧会を開催した。注目すべきグループ展には、ヒューストンでの「 The De Luxe Show」（1971年）[ 259 ] 、 1972年[ 8 ]と2017年のヴェネツィア・ビエンナーレ[ 25 ]、2016年のマラケシュ・ビエンナーレ[ 260 ]などがある。また、メルヴィン・エドワーズとウィリアム・T・ウィリアムズとの3人展シリーズとして、シカゴ美術館附属美術大学での「Interconnections」（1972年）、ワズワース・アテネウムでの「Extensions」（1974年）、モーガン州立大学での「Resonance」（1976年）[ 261 ] 、ペース・ギャラリーでの「Epistrophy」（2021年）[ 262 ]を開催した。
サム・ギリアムの生前最後の展覧会「サム・ギリアム：フルサークル」は、彼の死の1か月前の2022年5月にワシントンのハーシュホーン美術館で開幕した。 [ 1 ]
ギリアムはワシントンをはじめ全米各地、そして海外の幅広いギャラリーを通じて作品を展示・販売し、そのキャリアは作品への関心と価格の上昇と停滞が幾度となく繰り返された時期によって特徴づけられた。[ 52 ]ギリアムの絵画「レディ・デイ II」は2018年11月にニューヨークのクリスティーズで行われたオークションで217万ドルで落札され、このアーティストの記録となった。[ 107 ] [ 278 ]
ギリアムのワシントンでの最初の専属ディーラーは、1965年から1973年までジェファーソン・プレイス・ギャラリーでした[ 15 ]。その後、フェンドリック・ギャラリー、そしてミデンドルフ/レーン・ギャラリーへと移りました[ 69 ] 。パリでは、1970年から2000年代にギャラリーを閉鎖するまで、ギャラリストのダーシア・スペイヤーが代理を務めていました[ 52 ]。これは、ギリアムがどのギャラリーとも最も長く継続した関係でした[ 69 ] 。 1970年代から2010年代初頭にかけて、彼は全米各地のディーラーと関係を持っていました[261]。1990年代後半には、ワシントンDCのマーシャ・マテイカ・ギャラリーで精力的に作品を発表し始めました[ 233 ]。ここは、2013年にロサンゼルスのデビッド・コーダンスキー・ギャラリー[ 52 ]と、2019年にニューヨークで初めての専属ディーラーであるペース・ギャラリーに加わるまで、彼の主要なディーラーでした。[ 7 ]コーダンスキーとペースは引き続きギリアムの遺族を共同で代理している。
ギリアムは、2004年に学者ロヒニ・タララとのインタビューで語ったように、父親が地元の教会の劇の舞台セットを作る大工として働いていたことから、キャンバスに布をかけるというアイデアに部分的に影響を受けた。
フィスク大学やアトランタ大学、ハワード大学などの機関に通っていたとき、私たちが見つけたのは、
アルマ
トーマス、サム ギリアム、ウィリアム T. ウィリアムズでした。これは、抽象芸術家とより広いコミュニティとの関わりについての別の物語を私たちに与えてくれます。