西洋絵画

西洋絵画の歴史は、古代から現代まで、断絶しながらも継続した伝統を表しています。 ^[1] 19世紀半ばまでは、主に具象的で伝統的な制作様式が重視されていましたが、その後、より現代的で抽象的で概念的な形式が好まれるようになりました。^[2]

西洋絵画は当初は帝国、私的、市民的、宗教的な後援を受けていたが、後に貴族や中流階級の観客を獲得した。中世からルネサンスにかけて、画家たちは教会や裕福な貴族のために作品を制作した。^[3]バロック時代以降、芸術家たちはより教育を受け裕福な中流階級から私的な注文を受けるようになった。^{[4] 「}芸術のための芸術」^[5]という考え方は、フランシスコ・デ・ゴヤ、ジョン・コンスタブル、JMWターナーなどのロマン派画家の作品に表れ始めた。^[6] 19世紀には商業ギャラリーが設立され、20世紀にも後援を提供し続けた。^{[7] [8]}

西洋絵画は、デッサン、遠近法の使用、野心的な建築、タペストリー、ステンドグラス、彫刻、そして印刷機の出現前後の時代と相まって、ルネサンス時代にヨーロッパで頂点に達しました。 [ 9 ]ルネサンスの発見の^深さと革新の複雑さに続いて、西洋絵画の豊かな遺産はバロック時代から現代美術まで引き継がれました。^[10]

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  オーロックスの 洞窟壁画、ラスコー、フランス
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  ラスコー、馬
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  ラスコー、雄牛と馬
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  ペトログリフ、スウェーデン、北欧青銅器時代（彩色）

絵画の歴史は先史時代の芸術家たちの遺物にまで​​遡り、あらゆる文化にまたがっています。最も古い絵画はフランスのショーヴェ洞窟にあり、一部の歴史家は約 32,000 年前のものだと主張しています。これらの絵画は、赤土と黒の顔料を使用して彫刻および塗装されており、馬、サイ、ライオン、バッファロー、マンモス、または狩りをする人間などが描かれています。

先史時代のヨーロッパの洞窟壁画は、世界中で発見されている他の先史時代の壁画と共通のテーマを共有しており、目的の普遍性と、画家たちにその絵を描くよう促した衝動の類似性を暗示している。^[要出典]これらの壁画が画家たちにとってどのような意味を持っていたかについては、さまざまな推測がなされている。先史時代の人々は、動物をより簡単に狩るためにその魂や精神を「捕らえる」ために動物を描いたのかもしれないし、壁画はアニミズム的なビジョンと周囲の自然への敬意を表しているのかもしれないし、人間に生来備わっている表現の基本的な欲求の結果であるのかもしれないし、画家の人生経験やその仲間の人たちの関連する物語の記録であるのかもしれない。

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  クノッソス、ミノア文明、青銅器時代の クレタ島
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  ミケーネ女性のフレスコ画
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  ピツァのパネル、古代ギリシャ（紀元前 540～530年頃）から現存する数少ない板絵のひとつ
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  パエストゥムのダイバーの墓にある饗宴の場面、紀元前 480 年頃ギリシャ美術
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  古代マケドニア、テッサロニキのアギオス・アタナシオスの兵士の壁画、紀元前 4 世紀
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  ギリシャ、テッサロニキのアギオス・アタナシオスの墓の宴会のフレスコ画の詳細、紀元前 4 世紀
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  ヘレニズム時代のギリシャの テラコッタの葬祭壁画、紀元前3世紀
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  鎖かたびらの鎧を身にまとい、トゥレオスの盾を持った古代マケドニアの兵士 (トラキタイ)のフレスコ画、紀元前 3 世紀
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  ローマ美術、ポンペイ、秘儀の別荘、紀元前60～50年頃
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  ヘラクレスとテレポスを描いたローマ美術
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  ローマ美術、ボスコレアーレ邸のフレスコ画、c.紀元前40年
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  ローマ美術、ポンペイ
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  ローマ美術、ポンペイ
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  宴会の場面、フレスコ画、ヘルクラネウム、イタリア、紀元前 50 年頃
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  ローマ美術、ローマ時代のエジプトのファイユームのミイラの肖像画、紀元後 120～130 年頃
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  ポンペイのヴェッティ家のローマ美術、紀元1世紀
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  竪琴を弾くキューピッド、ヘルクラネウムのローマ時代のフレスコ画
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  ローマ時代のフレスコ画、座ったヴィーナス、いわゆる「バルベリーニの女神」、紀元後 4 世紀
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  ローマ美術、ローマ時代のエジプトのファイユームのミイラの肖像画
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  竪琴を弾くシレノス、ポンペイの秘儀荘より、紀元前50年頃
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  アフガニスタンのベグラム（かつてはグレコ・バクトリア王国の一部、その後クシャーナ朝の支配下にあった）で発見された、剣闘士の絵が描かれたローマ時代のガラス、西暦52～125年^[11]
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  ドゥラ・エウロポス・シナゴーグ、ローマ時代のシリア、サミュエルによって油を注がれたダビデを描いたフレスコ画、紀元後3世紀

ミノア絵画は、紀元前3000年から1100年頃の青銅器時代の エーゲ海 ミノア文明によって制作された芸術であるが、最も広範囲で優れた現存作品は紀元前2300年から1400年頃のものである。エーゲ海美術というより広いグループの一部を形成し、後期にはキクラデス美術に支配的な影響を与えた時期もあった。木材や織物は分解されているため、ミノア美術の最も保存状態の良い（そして最も教訓的な）現存例は、陶器、宮殿建築（ 「世界最古の純粋な風景画」を含むフレスコ画を含む）^[12]、様々な素材で作られた小さな彫刻、宝石、金属製の容器、精巧に彫刻された印章である。

ミノア文明は、より長い間洗練された都市芸術を生み出してきた古代エジプトや古代近東の近隣文化の影響を受けていたが、小規模ながら裕福な商業都市であったミノア文明の性格は非常に異なっており、大規模な寺院を基盤とした宗教、君主、戦争の痕跡はほとんどなく、「非常に若い文化の想像力と子供のような新鮮さ」がすべて残っていた。^[13] ミノア文化のこれらすべての側面は、むしろ謎に包まれたままである。シンクレア・フッドは、「一連の非常に形式的な慣習に従いながらも、動きと生命の雰囲気を作り出す能力は、最高のミノア芸術の本質的な性質である」と説明した。^[14]

ミノア美術の最大かつ最良のコレクションは、クレタ島北岸のクノッソス近くのイラクリオン考古学博物館（AMH）にあります。ミノア美術やその他の物質文化の遺物、特に陶器の様式の順序は、考古学者によってミノア文化の3つの主要な段階（EM、MM、LM）とその多くのサブ段階を定義するために使用されました。これらに付けられる日付については、狭い範囲ではありますが、依然として多くの議論が続いています。^[15]

ミノア美術と他の同時代の文化、そして後の古代ギリシャ美術との関係については多くの議論がなされてきた。クレタ島がミケーネ人に占領された後も、ミノア美術は同時代のミケーネ美術やキクラデス美術を支配していたことは明らかであるが^{[16] 、}ミケーネ文明崩壊後の ギリシャ暗黒時代を生き延びたのはその伝統の一部に過ぎなかった^[17]。

紀元前 1100 年頃、ギリシャ北部の部族がギリシャを征服し、ギリシャの芸術は新たな方向へと向かいました。古代ギリシャの文化は、視覚芸術への顕著な貢献で注目に値します。古代ギリシャの陶器や陶磁器に描かれた絵は、古代ギリシャの社会がどのように機能していたかを垣間見るのに特に有益です。黒絵式花瓶画や赤絵式花瓶画の優れた例が数多く現存しています。

木製パネルを制作し、文献にも登場する有名なギリシャの画家には、アペレス、ゼウクシス、パラシウスなどがいますが、ピツァのパネルを唯一の例外として、古代ギリシャの板絵の例は現存しておらず、同時代の人や後のローマ人による記述のみが残っています。ゼウクシスは紀元前5世紀に生き、スフマート技法を初めて使用したと言われています。大プリニウスによると、彼の絵画の写実性は、鳥が描かれたブドウを食べようとするほどでした。アペレスは古代最高の画家と言われ、完璧な描画技術、鮮やかな色彩、造形力で知られています。

ローマ美術はギリシャの影響を受けており、部分的には古代ギリシャ絵画の子孫とみなすことができます。しかし、ローマ絵画には重要な独自の特徴があります。現存するローマ絵画には壁画やフレスコ画があり、その多くは南イタリアのカンパニア州の別荘、ポンペイやヘルクラネウムなどの遺跡から出土しています。このような絵画は4つの主要な「スタイル」または期間に分類でき^[18]、トロンプ・ルイユ、疑似遠近法、純粋な風景画の最初の例が含まれている可能性があります。^[19]

古代世界から現存するほぼ唯一の絵画肖像画は、エジプトのアル・ファイユーム墓地で発見された多数の棺桶肖像の胸像である。これらは最高級の時代でも最高品質のものでもないが、それ自体が印象的で、最高級の古代作品が持つはずの品質を思い起こさせる。後期古代の挿絵本からのミニアチュールもごく少数現存しており、中世初期からのそれらのコピーはかなり多数残っている。

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  ビザンチン様式のイコン、6世紀
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  ビザンチン、6世紀
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  ケルズの書
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  ケルズの書
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  カロリング朝
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  カロリング朝の聖マルコ
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  モーガン・リーフ、ウィンチェスター聖書1160-75、ダビデの生涯の場面
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  ヤロスラヴリ福音書 1220 年代頃
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  チマブーエ
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  ボナベントゥラ ベルリングギエーリ、アッシジの聖フランシスコ、1235 年
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  ジョッティーノ
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  ヴィターレ・ダ・ボローニャ
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  シモーネ・マルティーニ
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  アンドレイ・ルブリョフ
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  アンドレイ・ルブリョフ
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  アンブロージョ・ロレンツェッティ
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  ピエトロ・ロレンツェッティ
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  ドゥッチョ
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  リンブルグ兄弟

キリスト教の台頭により、絵画の様式に異なる精神と目的がもたらされた。ビザンチン美術は、6世紀までにその様式が確立されると、伝統的な図像学と様式の保持を重視し、ビザンチン帝国の千年にわたる統治とギリシャおよびロシア正教のイコン絵画の伝統の存続の中で徐々に進化した。ビザンチン 絵画に​​は神聖さがあり、イコンは神の啓示の表現とみなされていたし、現在もそうである。フレスコ画は数多くあったが、現存するものはモザイクよりも少ない。ビザンチン美術は、その平面性と人物や風景の高度に様式化された描写において、同時代の抽象美術と比較されてきた。ビザンチン美術のいくつかの時代、特に10世紀頃のいわゆるマケドニア美術は、アプローチがより柔軟である。14世紀初頭のパレオロジー・ルネサンスのフレスコ画は、イスタンブールのコーラ教会に現存している。

古代以降のカトリックヨーロッパで、絵画を含む最初の独特の芸術様式が出現したのは、ブリテン諸島の島嶼芸術であり、現在残っているのはケルズの書などの彩飾写本に描かれたミニアチュールのみである。^[20]これらは抽象的な装飾で最も有名であるが、特に福音伝道者の肖像画では人物や時には場面も描かれている。カロリング朝とオットー朝の芸術も主に写本で残っているが、壁画もいくつか残っており、文書化されているものも多い。この時代のアートは、島嶼と「蛮族」の影響と、強いビザンチンの影響、そして古典的な記念碑性と落ち着きを取り戻そうとする願望が融合している。

ロマネスク様式やゴシック様式の教会の壁は彫刻だけでなくフレスコ画で飾られており、残っている数少ない壁画の多くは非常に強烈で、島嶼部美術の装飾的なエネルギーと人物の扱いにおける新しい記念碑性が融合しています。この時代から残っている装飾写本には、ゴシック時代まで続く同じ特徴を示すミニアチュールがはるかに多く残っています。

ロマネスク時代には、ビザンチン様式のイコンの影響を強く受け、板絵がより一般的になりました。13世紀半ばに向けて、中世美術とゴシック絵画はより写実的になり、イタリアではチマブーエ、次いでその弟子ジョットによって立体感と遠近法の描写に対する関心が高まり始めました。ジョット以降、最高の画家による構図の扱いも、はるかに自由で革新的になりました。彼らは西洋文化における中世絵画の2人の偉大な巨匠と見なされています。チマブーエは、ビザンチンの伝統の中で、より写実的で劇的なアプローチを芸術に使用しました。彼の弟子のジョットは、これらの革新をより高いレベルに引き上げ、今度は西洋絵画の伝統の基礎を築きました。両芸術家は、自然主義への移行の先駆者でした。

教会にはますます多くの窓が設けられ、色鮮やかなステンドグラスの使用が装飾の定番となりました。その最も有名な例の 1 つは、パリのノートルダム大聖堂に見られます。14 世紀までに、西洋社会はより豊かで教養が高くなり、画家たちは貴族や中産階級にまで新しいパトロンを見つけました。装飾写本は新しい性格を帯び、風景画にはスリムでファッショナブルな服を着た宮廷女性が描かれました。このスタイルはすぐに国際ゴシック様式として知られるようになり、1375 年から 1425 年まで主流となり、テンペラ板画や祭壇画が重要性を増しました。

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  ヤン・ファン・エイク、1434年
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  ロジャー・ファン・デル・ウェイデン、c. 1435
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  フーゴ・ファン・デル・グース、1470年頃
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  ディルク・バウツ、1464–1467
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  ハンス・メムリンク1466年頃 - 1473年
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  ペトルス・クリストゥス、1470年頃
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  ヒエロニムス・ボス、1480年頃–1505年
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  パオロ・ウッチェロ、1470年頃
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  マサッチオ、1426–1427
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  フィリッポ・リッピ1440–1445
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  アンドレア・マンテーニャ、c. 1458–1460
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  ピエロ デラ フランチェスカ1463–1465
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  サンドロ・ボッティチェリ、1483–1485
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  レオナルド・ダ・ヴィンチ、1503–1506
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  ラファエロ、1505–1506
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  ミケランジェロ、1511年頃
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  ルーカス・クラーナハ（父）、1530年頃
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  アルブレヒト・デューラー、1500年
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  マティアス・グリューネヴァルト、1512–1516
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  ジョヴァンニ・ベリーニ、1480年頃
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  ジョルジョーネ、1505年頃
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  ポントルモ1526–1528
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  ブロンズィーノ、1540–1545
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  ピーテル・ブリューゲル、1565年
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  ハンス・ホルバイン（子）、1527年
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  ヤコポ・ティントレット、1582年
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  パオロ・ヴェロネーゼ、1562年–1563年
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  ヨアヒム・ウテワール、1595
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  エル・グレコ1596–1600

ルネサンス（フランス語で「再生」）は、およそ14世紀から17世紀半ばにかけての文化運動で、ルネサンス人文主義と古典の研究によって推進されました。絵画では、1420年代と1430年代にイタリアと低地諸国の代表的な画家たちがそれぞれ新しい絵画技法を開発し、既存の画家の作品よりも写実的な絵画を実現しました。そのスタイルは国際ゴシック、または場合によってはプロト・ルネサンス（主にイタリア）と呼ばれています。1495年頃まで続いたこの時代は、初期ルネサンスとして知られるようになりました。

低地諸国のフランドル地方では、写本の装飾技法の発達、特に1416年に死去したリンブール兄弟の活躍を受けて、芸術家たちは目に見える世界の実体に魅了され、極めて自然主義的な方法で対象を表現し始めた。 ^[21]板絵に初めて油絵を使用したのはヤン・ファン・エイクであると伝統的に（しかし誤って）信じられているが、油絵の採用によって、この自然主義を描く新たな真実味が生まれた。油絵の具という媒体は、メルヒオール・ブローデルラム（1409年に死去）の作品にすでに存在していたが、ロベール・カンピン（以前はフレマールの巨匠として知られていた）とファン・エイクは、その使用を新たな高みにまで引き上げ、自分たちが目指していた自然主義を表現するために油絵の具を採用した。この新しい媒体によって、この時代の画家たちは、深みのある強烈な色調でより豊かな色彩を創り出すことができた。磁器のような仕上げで光り輝くような錯覚は初期フランドル絵画の特徴であり、イタリアで使われたテンペラ絵の具のマットな表面との大きな違いであった。^[21]

古代ローマ美術の影響を強く受けたイタリア人とは異なり、北方人は中世の彫刻や装飾写本（特に自然主義）の様式的名残を保持していた。この時期のもう一人の重要なフランドル画家は、カンピンの弟子ロヒール・ファン・デル・ウェイデンで、その作品は人間の感情とドラマを強調しており、例えば『十字架降下』にそれが表れている。『十字架降下』は15世紀の最も有名な作品の一つであり、キリストの磔刑を描いた最も影響力のあるフランドル絵画である。他の重要な芸術家としては、フーゴ・ファン・デル・グース（その作品はイタリアで大きな影響力があった）、ディールク・バウツ（単一の消失点の使用を実証した最初の北方画家の一人）^{[21] 、} ペトルス・クリストゥス、ハンス・メムリンク、ヘラルト・ダヴィドがいる。アルプス以北のヨーロッパにおける絵画の進歩は、総じて北方ルネサンスとして知られている。

イタリアのルネサンス絵画では、古典古代の芸術が理想を強調した絵画様式に影響を与えた。1420年代にマサッチオは線遠近法、人物の立体感の表現、人物の顔の感情表現を進歩させたとされている。その後、1495年頃まで続いた初期ルネサンス期にはパオロ・ウッチェロ、フラ・アンジェリコ、ピエロ・デラ・フランチェスカ、アンドレア・マンテーニャ、フィリッポ・リッピ、サンドロ・ボッティチェッリなどの芸術家が、1495年頃から1520年頃の盛期ルネサンス期にはレオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ・ブオナローティ、ラファエロが、遠近法の使用、人体構造と比率の研究、そして前例のないほど洗練された描画と絵画の技法の開発を通じて、絵画をより高いレベルに引き上げた。ヴェネツィアでは、いくぶん自然主義的な盛期ルネサンス様式が生まれました。ジョヴァンニ・ベリーニ、ジョルジョーネ、ティツィアーノ、ヴェロネーゼなどのヴェネツィア派の画家たちは、絵の精密さよりも、より自然な絵画へのアプローチによって実現できる色彩の豊かさと効果の統一性を重視しました。

アルブレヒト・デューラー、ルーカス・クラーナハ、マティアス・グリューネヴァルト、ハンス・ホルバイン（子）など、北方ルネサンス盛期のフランドル、オランダ、ドイツの画家たちは、イタリアの画家たちとは違った、より現実的であまり理想化されていない手法をとっていた。1490年代のデューラーに始まる北方画家たちの中には、イタリア盛期ルネサンスの作品を見るためにイタリアに渡り、イタリア美術の特徴をさまざまな程度で自らの作品に取り入れた者もいた。一世代後、ペーター・アールツェンとピーテル・ブリューゲルによって、大作の題材としての風俗画が始まります。ローマに渡り、イタリアルネサンスの理想化された手法の多くを取り入れた、後の世代の北方ルネサンスの画家たちは、ロマニストとして知られるようになりました。

ルネサンス絵画は、この時期に起こった思想と科学（天文学、地理学）の革命、宗教改革、そして印刷機の発明を反映している。版画はますます重要になり、多くの画家によって実践された。最も偉大な版画家の一人とされるデューラーは、画家は単なる職人ではなく思想家でもあると述べている。ルネサンスにおけるイーゼル画の発達により、絵画は建築から独立した。イーゼル画（簡単に壁に掛けられる可動式の絵）は、家具、壁、その他の構造物に固定された絵画に代わる人気となった。宗教的なイメージが支配的だった数世紀を経て、世俗的な主題がゆっくりと西洋絵画に戻ってきて、芸術家たちは周囲の世界のビジョンや自分自身の想像の産物を絵画に取り入れた。費用を負担できる者はパトロンとなり、自分や家族の肖像画を依頼することができた。

イタリアの盛期ルネサンスは、 1520年以降、マニエリスムとして知られる様式化された芸術を生み出したが、ティツィアーノやパオロ・ヴェロネーゼなど、一部の画家は、世紀後半まで盛期ルネサンス様式で絵を描き続けた。16世紀初頭の芸術の特徴であったバランスのとれた構図や合理的な遠近法のアプローチに代わって、マニエリスム派は不安定さ、人為的表現、疑念を求めた。ラファエロの穏やかな聖母やレオナルドの題材の穏やかな表情は、ポントルモの悩める表情やエル・グレコの感情の激しさに取って代わられた。落ち着きがなく不安定な構成、遠近法の極端または不連続な効果、様式化されたポーズは、ティントレット、ポントルモ、ブロンズィーノなどのイタリアのマニエリスム派の特徴であり、後にヘンドリック・ホルツィウス、バルトロメウス・シュプランガー、ヨアヒム・ウテワールなどの北方マニエリスム派の作品にも現れました。

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  カラヴァッジョ1595–1597
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  アルテミジア・ジェンティレスキ、1614–1620
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  ピーテル・パウル・ルーベンス、1632–1635
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  フランス・ハルス、1624年
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  ユディト・レイスター、1630年
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  レンブラント・ファン・レイン、1642年
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  ピーテル・デ・ホーホ、1658
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  ヨハネス・フェルメール、1660年頃
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  ヤン・ステーン、1665年頃
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  ヤコブ・ファン・ロイスダール、1670年
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  ウィレム・クラース・ヘダ、1631年
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  ディエゴ ベラスケス、1656–1657
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  ジュセペ・デ・リベラ、1620–1624
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  ニコラ・プッサン、c. 1637–1638
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  ジョルジュ・ド・ラ・トゥール、1640年代
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  グイド・レーニ、1625
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  サルヴァトール・ローザ、1645年頃
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  バルトロメ・エステバン・ムリーリョ、c. 1650–1655
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  クロード・ロラン、1648年
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  アンソニー・ヴァン・ダイク、1635–1636
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  カナレット、1723
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  ジョヴァンニ・バティスタ・ティエポロ、c. 1752–1753
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  アントワーヌ・ヴァトー、1720年頃
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  ジャン＝オノレ・フラゴナール、c. 1767–1768
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  フランソワ・ブーシェ、1751年
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  エリザベート＝ルイーズ・ヴィジェ＝ルブラン、1782年以降
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  モーリス・クエンティン・ド・ラ・トゥール、c. 1761年
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  トーマス・ゲインズバラ、1770年頃
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  ジョシュア・レイノルズ、1769
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  ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン、c. 1728年
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  ウィリアム・ホガース、1757年頃
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  アンジェリカ・カウフマン、1780年頃

バロック絵画はバロック 文化運動と関連付けられており、この運動は絶対主義や対抗宗教改革、カトリック復興と同一視されることが多い。 ^{[22] [23]}しかし、非絶対主義国やプロテスタント国にも重要なバロック絵画が存在していたことは、この様式が西ヨーロッパ中に広まったことによるその人気を強調している。^[24]

バロック絵画は、ルネッサンス期に重んじられた冷静な合理性ではなく、感情や情熱を呼び起こすために、素晴らしいドラマ、豊かで深みのある色彩、強烈な光と暗い影を特徴としています。最も初期のバロック画家には、16世紀末のカラッチ兄弟、アンニーバレとアゴスティーノ、そして16世紀最後の10年間のカラヴァッジョがいます。カラヴァッジョは、最も偉大なバロック画家の一人であり、盛期ルネッサンス期の人文主義絵画の継承者として知られています。暗い背景を背景にドラマチックにスポットライトを当て、実物から直接描かれた人物像に対する彼の写実的なアプローチは、同時代の人々に衝撃を与え、絵画の歴史に新たな一章を開きました。バロックは、1600年頃から始まり、17世紀を通じて続いた絵画の主流となりました。バロック時代の最も偉大な画家には、ルーベンス、ベラスケス、レンブラント、フランス・ハルス、ヨハネス・フェルメール、ル・ナン、ジュゼッペ・デ・リベーラ、プッサン、トゥール、クロード・ロレーヌなどがおり、彼らは風景画に力を入れた。プッサン、クロード、ラ・トゥールはいずれもフランス人で、感情よりも色彩よりも絵画の人物の輪郭を重視した「古典的な」バロック様式を採用した。これらの画家のほとんどは修行の一環としてイタリアに渡り、その後バロック様式を母国に持ち帰ったが、中にはキャリアの大半をイタリアで過ごした者もいた（クロードとプッサン）。イタリアでは、バロック様式は、カラッチ、グイド・レーニ、ルカ・ジョルダーノなどの芸術家によるグランマナーの宗教画や神話画に代表される。ピエトロ・ダ・コルトーナによる幻想的な教会の天井のフレスコ画は、空に向かって開いているように見えます。

ネーデルラント連邦共和国では、はるかに静かなタイプのバロックが出現した。そこでは、日常的な主題のイーゼル画が中流階級の収集家の間で人気があり、多くの画家が風俗画の専門家となり、他の画家は風景画や海景画、静物画の専門家となった。フェルメール、ヘラルト・テル・ボルヒ、ピーテル・デ・ホーホは、ウィレム・クラースが静物画に進んだように、家庭の風景画に大きな技術的洗練をもたらした。対照的に、レンブラントはあらゆる種類の主題を描くことに優れ、カラヴァッジョやユトレヒトのカラヴァッジョ派に由来する明暗法や暗い背景が演劇的な品質を失った、独自の絵画スタイルを開発した。オランダのバロック絵画は、しばしばオランダ黄金時代の絵画と呼ばれる。

18 世紀には、バロックのより軽い延長としてロココ絵画が登場し、軽薄でエロチックなことが多く、淡いパステルカラーが使われていました。ロココはフランスの装飾芸術と室内装飾で最初に発展しました。ルイ 15 世の即位により、宮廷芸術家と一般的な芸術的流行に変化がもたらされました。1730 年代は、アントワーヌ ヴァトーとフランソワ ブーシェの作品に代表される、フランスにおけるロココ発展の絶頂期でした。ロココは複雑な形状と入り組んだパターンに対するバロックの趣を維持していましたが、この時点では、東洋のデザインや非対称の構成に対する趣向など、さまざまな多様な特徴を統合し始めていました。

ロココ様式は、フランスの芸術家や彫刻出版物によって広まりました。ドイツ、ボヘミア、オーストリアのカトリック地域ではすぐに受け入れられ、そこで活気のあるドイツのバロック様式の伝統と融合しました。ドイツのロココは、特に南部で教会や宮殿に熱心に取り入れられ、一方、プロイセン王国ではフリードリヒ派のロココが発展しました。

フランスの巨匠であるヴァトー、ブーシェ、フラゴナールがこの様式を代表するが、ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロやジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンもこの様式を代表する。シャルダンは、18世紀最高のフランス画家、いわゆるアンチ・ロココ派であると考えられている。肖像画はどの国でも絵画の重要な要素であったが、特にイギリスでは、ウィリアム・ホガースによる露骨な写実主義、フランシス・ヘイマン、アンジェリカ・カウフマン（スイス人）、トーマス・ゲインズバラ、ジョシュア・レイノルズらが、アンソニー・ヴァン・ダイクの影響を受けたより媚びへつらうような様式で先駆者となった。ロココ時代のフランスでは、ジャン＝バティスト・グルーズ（ドニ・ディドロのお気に入りの画家）^{[25] が肖像画や}歴史画に優れ、モーリス・カンタン・ド・ラ・トゥールやエリザベート・ヴィジェ＝ルブランは非常に優れた肖像画家であった。ラ・トゥールはパステル画を専門としており、パステル画はこの時期に人気のあった画材でした。

ウィリアム・ホガースはロココ美の理論的基礎を築くのに貢献した。意図的にこの運動に言及したわけではないが、彼は『美の分析』（1753年）の中で、ロココで顕著な波打つ線とS字カーブが芸術や自然の優美さと美しさの基礎である（古典主義の直線や円とは異なる）と主張した。ロココの終焉の始まりは、ヴォルテールやジャック＝フランソワ・ブロンデルのような人物が芸術の浅薄さと退廃を批判し始めた1760年代初頭に訪れた。ブロンデルは、現代の室内装飾における「貝殻、ドラゴン、葦、ヤシの木、植物のばかげた寄せ集め」を非難した。^[26]

1785年までに、フランスではロココ様式は廃れ、ジャック＝ルイ・ダヴィッドなどの新古典主義芸術家の秩序と真剣さが取って代わりました。ダヴィッドの印象的な歴史画は、歴史的出来事と現代の出来事の両方を描き、フランス革命の理想を体現していました。

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  ジャック＝ルイ・ダヴィッド、1787年
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  ジョン・シングルトン・コプリー、1778年
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  アントワーヌ＝ジャン・グロ、1804年
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  ジョン・コンスタブル、1802年
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  ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングル、1808
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  フランシスコ・ゴヤ、1814年
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  テオドール・ジェリコー、1819年
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  カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ、1822年頃
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  カール・ブルロフ、1827
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  ウジェーヌ・ドラクロワ、1830年
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  JMWターナー、1838年
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  イヴァン・アイヴァゾフスキー、1850年
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  ギュスターヴ・クールベ、1849–1850
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  アルバート・ビアスタット、1866年
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  カミーユ・コロー、1867年頃
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  カミーユ・ピサロ1872
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  クロード・モネ、1872年
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  ピエール＝オーギュスト・ルノワール、1876年
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  エドガー・ドガ、1876年
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  エドゥアール・マネ、1882年
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  メアリー・カサット、1893年～1894年
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  ヴァレンティン・セロフ、1887年
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  フィンセント・ファン・ゴッホ、1888年
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  アルノルト・ベックリン、1883年
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  イリヤ・レーピン、1891年
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  ポール・ゴーギャン、1897–1898
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  ジョルジュ＝ピエール・スーラ、1884–1886
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  トーマス・エイキンス、1884–1885
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  アルバート・ピンカム・ライダー、1890年
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  ウィンスロー・ホーマー、1899年
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  フェルディナント・ホドラー、1906年
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  ポール・セザンヌ、1906年

ロココの後、18世紀後半には建築、そして絵画において厳格な新古典主義が起こり、ダヴィッドやその後継者であるアングルなどの芸術家がその代表例です。アングルの作品にはすでに官能性は多く見られますが、ロマン主義の特徴である自発性はまったくありません。

19世紀半ばまでに、画家たちは、宗教、神話、肖像画、歴史上の場面のみを描くというパトロンの要求から解放されました。フランシスコ・デ・ゴヤ、ジョン・コンスタブル、JMWターナーなどの画家の作品では、芸術はより純粋に個人的な表現の手段となりました。ロマン主義の画家たちは、それまでマイナーなジャンル、または人物構成の装飾的な背景と考えられていた風景画を主要なジャンルに変えました。この時代を代表する画家には、ウジェーヌ・ドラクロワ、テオドール・ジェリコー、JMWターナー、カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ、ジョン・コンスタブルなどがいます。フランシスコ・ゴヤの晩年の作品は非合理性に対するロマン主義的な関心を示し、アルノルド・ベックリンの作品は神秘を呼び起こし、イギリスのラファエル前派の作品は自然への熱心な献身と中世文化への郷愁を融合させ、そして美学運動の芸術家ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの絵画は洗練、退廃、「芸術のための芸術」の哲学を呼び起こす。アメリカ合衆国では、ロマン主義的な風景画の伝統はハドソン川派として知られていた。^[27]代表者にはトーマス・コール、フレデリック・エドウィン・チャーチ、アルバート・ビアスタット、トーマス・モラン、ジョン・フレデリック・ケンセットがいる。ルミニズムはハドソン川派に関連したアメリカの風景画の運動であった。

20世紀半ばの写実主義への転換の主力となったのはギュスターヴ・クールベで、一般の人々を描いたクールベの非理想化された絵画は、アカデミックな芸術の慣習的な主題や陳腐な仕上げに慣れた鑑賞者の反感を買ったが、多くの若い芸術家にインスピレーションを与えた。バルビゾン派の代表的画家ジャン＝フランソワ・ミレーも風景画や農民の生活風景を描いた。バルビゾン派とゆるやかに結びついたのがカミーユ・コローで、ロマン主義と写実主義の両方の傾向で絵を描いた。彼の作品は印象派の先駆けであり、ヨハン・ヨンキントやウジェーヌ・ブーダン（屋外で絵を描いた最初のフランス人風景画家の一人）の絵画も同様である。ブーダンは若きクロード・モネに大きな影響を与え、1857年にモネに外光での絵画制作を紹介した。

1930 年代後半には、エドゥアール・マネ、クロード・モネ、ピエール＝オーギュスト・ルノワール、カミーユ・ピサロ、アルフレッド・シスレー、ベルト・モリゾ、メアリー・カサット、エドガー・ドガなどの印象派の画家たちが、それまで公に発表されていたものよりも直接的な手法で作品を制作した。彼らは寓話や物語を避け、現代世界に対する個別の反応を好み、時にはほとんどあるいは全く下調べをせずに、巧みなデッサン力と非常に色彩豊かなパレットに頼って描いた。モネ、ピサロ、シスレーは風景を主なモチーフとし、光と天候の移ろいが彼らの作品で大きな役割を果たした。1930 年代半ばまでに人気が高まった習慣に従い、彼らはしばしば一緒に田舎に出て戸外で絵を描いたが、それはスタジオで慎重に仕上げた作品にするための下絵を描くという伝統的な目的のためではなかった。^[28]彼らは、自然からの太陽光を直接利用し、世紀の初めから利用可能になった鮮やかな合成顔料を大胆に使用して、より軽くて明るい絵画技法を開発しました。

マネ、ドガ、ルノワール、モリゾ、カサットは、主に人間を題材に描いていた。マネとドガはどちらも、古典的な具象画の規範を現代の状況に合わせて再解釈したが、マネの場合、その再解釈は世間の反発を招いた。ルノワール、モリゾ、カサットは家庭生活にインスピレーションを求め、ルノワールは女性の裸体画に焦点を当てた。シスレーは印象派の風景画の本来の原則に最も忠実であったが、モネは色彩が豊かで変化に富んだ条件に挑戦し、ジヴェルニーで描いた睡蓮の記念碑的なシリーズで頂点に達した。

ポール・セザンヌや、それより少し年下のフィンセント・ファン・ゴッホ、ポール・ゴーギャン、ジョルジュ＝ピエール・スーラなどのポスト印象派の画家たちは、芸術をモダニズムの端へと導いた。ゴーギャンにとって、印象派は個人的な象徴主義に道を譲った。スーラは印象派の断片的な色彩を、フリーズのような構成で構成された科学的な光学的研究へと変換した。彼が開発した分割主義と呼ばれる絵画技法は、ポール・シニャックなど多くの追随者を引きつけ、1880年代後半の数年間、ピサロは彼の手法の一部を採用した。ゴッホの激しい絵の具の塗り方は、響き渡る色使いと相まって、表現主義やフォーヴィスムを予見するものとなり、古典的な構成と自然形態の革命的な抽象化を融合させたいと願ったセザンヌは、20世紀芸術の先駆者と見なされるようになった。

印象派の魅力は世界中に広がり、米国では、チャイルド・ハッサム、ジョン・ヘンリー・トワクトマン、セオドア・ロビンソンといったアメリカ人印象派の絵画にとって、印象派は欠かせないものとなった。また、肖像画家であり風景画家でもあるジョン・シンガー・サージェントなど、理論的には主に印象派ではなかった画家にも影響を与えた。同時に、20世紀初頭のアメリカには、トーマス・エイキンズの具象画、アッシュカン派、ウィンスロー・ホーマーの風景画や海景画に豊かに体現されているように、土着的でほぼ孤立したリアリズムが存在し、彼らの絵画はどれも自然の形の堅固さに深く関心を寄せていた。幻想的な風景画は、夜想曲の曖昧さに大きく依存するモチーフであり、アルバート・ピンカム・ライダーやラルフ・アルバート・ブレイクロックがその支持者となった。

19世紀後半には、20世紀の若い芸術家、特にフォーヴィスムやシュルレアリストの共感を呼んだ、かなり異なる象徴主義の画家のグループもいくつかありました。その中には、ギュスターヴ・モロー、オディロン・ルドン、ピエール・ピュヴィス・ド・シャヴァンヌ、アンリ・ファンタン＝ラトゥール、アルノルド・ベックリン、フェルディナント・ホドラー、エドヴァルド・ムンク、フェリシアン・ロップス、ヤン・トーロップ、グスタフ・クリムト、そしてミハイル・ヴルーベリのようなロシア象徴主義の画家たちがいます。

象徴主義の画家たちは、魂の視覚言語として神話や夢のイメージを掘り起こし、静寂の静的な世界を思い起こさせる刺激的な絵画を求めた。象徴主義で使われるシンボルは、主流の図像学でよく見られるエンブレムではなく、非常に個人的、私的、不明瞭で曖昧な参照である。象徴主義の画家たちは、実際の芸術スタイルというよりもむしろ哲学として、同時代のアール・ヌーヴォー運動やナビ派に影響を与えた。夢のような主題の探求において、象徴主義の画家たちは何世紀にもわたって、そして文化を超えて存在し、それは今日でも同様である。ベルナール・デルヴァイユは、ルネ・マグリットのシュルレアリスムを「象徴主義プラスフロイト」と表現した。^[29]

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  アンリ・マティス、1905年、フォーヴィスム
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  アンリ・ルソー、1905年、フォーヴィスムという用語の由来]とオリジナルの「野獣」
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  アンリ・マティス、1909年、後期フォーヴィスム
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  パブロ・ピカソ、1907年、初期キュビズム
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  ジョルジュ・ブラック、1910年、分析的キュビズム
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  フアン・グリス、1912年、キュビズム
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  ジョルジョ・デ・キリコ、1914年、シュルレアリスム以前

ゴッホ、セザンヌ、ゴーギャン、スーラなどの画家の遺産は、近代美術の発展に不可欠でした。20世紀初頭、アンリ・マティスと、プレキュビズムのジョルジュ・ブラック、アンドレ・ドラン、ラウル・デュフィ、モーリス・ド・ヴラマンクを含む他の若い芸術家たちは、批評家がフォーヴィスムと呼んだ「野性的」で多色使いの表現力豊かな風景画や人物画でパリの美術界に革命を起こしました。アンリ・マティスの「ダンス」の2番目のバージョンは、彼のキャリアと近代絵画の発展における重要なポイントを示しています。^{[30]マティスが}原始芸術に魅了され始めたことを反映しています。冷たい青緑色の背景に映える強烈な暖色と、踊る裸婦のリズミカルな連続は、感情的な解放感と快楽主義を伝えます。パブロ・ピカソは、自然界のすべての描写は、立方体、球体、円錐の3 つの立体に還元できるというセザンヌの考えに基づいて、最初のキュビズム絵画を制作しました。絵画「アヴィニョンの娘たち」 （1907 年）で、ピカソは、アフリカの部族の仮面と彼自身のキュビズムの発明を彷彿とさせる、暴力的に塗られた女性 5 人の売春宿の場面を描いた、新しく過激な絵を創り出しました。キュビズムは、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックによって 1908 年から 1912 年頃に共同で発展させられ、ここに示すのはブラックの「パリのヴァイオリンと燭台」（1910 年）です。キュビズムの最初の明確な表現は、ブラック、ピカソ、ジャン・メッツァンジェ、アルベール・グレーズ、フェルナン・レジェ、アンリ・ル・フォーコニエ、ロベール・ドローネーによって実践されました。フアン・グリス、マルセル・デュシャン、アレクサンダー・アルキペンコ、ジョセフ・チャキーらもすぐに加わった。^{[31]ブラックとピカソが実践した}総合的キュビズムは、異なるテクスチャ、表面、コラージュ要素、パピエ・コレ、そして多種多様な融合された主題の導入を特徴とする。^[31]

1905年のサロン・ドートンヌは、アンリ・マティスとフォーヴィスムの作品に悪評と注目を集めた。批評家のルイ・ヴォーセルが彼らの作品を「野獣の中のドナテッロ」という表現で評したことから、このグループの名前が付けられた。 ^[32]これは、彼らの絵画を、同じ部屋にあったルネッサンス風の彫刻と対比させたものだった。 ^[33]アンリ・ルソー（フォーヴィスム派ではなかった）のジャングルを描いた「飢えたライオンがカモシカに飛びかかる」という絵がマティスの作品の近くに飾られており、新聞で皮肉を込めて使われた言葉の元になったのかもしれない。^[34]ヴォーセルのコメントは1905年10月17日、日刊紙ジル・ブラスに掲載され、一般大衆に広まった。^{[33] [35]}

20 世紀の最初の 20 年間とキュビスムの後には、未来派(バラ)、抽象芸術(カンディンスキー) 、青騎士( カンディンスキー とフランツ ・ マルク)、バウハウス( カンディンスキー とクレー)、オルフィスム(ドローネーとクプカ)、シンクロミズム(ラッセル)、デ・ステイル(ドゥースブルフとモンドリアン)、シュプレマティズム(マレーヴィチ)、構成主義(タトリン) 、ダダイズム(デュシャン、ピカビア、アルプ)、シュルレアリスム(デ・キリコ、アンドレ・ブルトン、ミロ、マグリット、ダリ、エルンスト) など、いくつかの重要な運動が起こりました。近代絵画は、モダニズムの建築やデザインから前衛的な映画、演劇、モダンダンスまで、あらゆる視覚芸術に影響を与え、写真やコンクリート詩から広告アートやファッションまで、視覚体験を表現する実験室となりました。

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  ワシリー・カンディンスキー、デア・ブルー・ライター、1903
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  アンリ・マティス、緑の縞、フォーヴィスム、1905年
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  アンドレ・ドラン、フォーヴィスム、1906年
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  モーリス・ド・ヴラマンク、フォーヴィスム、1906
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  アレクセイ・フォン・ヤウレンスキー、デア・ブルー・ライター、1909

フォーヴィスムは、20世紀初頭の芸術家たちの緩やかなグループであり、その作品は絵画的な特質と、具象的な価値よりも深い色彩の想像力豊かな使用を強調していた。この運動の指導者はアンリ・マティスとアンドレ・ドランで、それぞれに追随者を持つ、ある種友好的なライバルだった。最終的にマティスは、20世紀にピカソの陰に対して陽となった。フォーヴィスムの画家には、アルベール・マルケ、シャルル・カモワン、モーリス・ド・ヴラマンク、ラウル・デュフィ、オットン・フリース、オランダの画家キース・ファン・ドンゲン、ピカソのキュビスムのパートナーであるジョルジュ・ブラックなどがいた。^[36]

フォーヴィスムには明確な理論がなく、1905年に始まって1907年に終わるという短命な運動であった。展覧会は3回しか開かれなかった。マティスは年齢的に年長であり、アカデミックな美術界で以前に自己を確立していたことから、この運動のリーダーと見なされていた。1905年にマティス夫人を描いた肖像画『緑の縞』は、初めて展示されたときにパリでセンセーションを巻き起こした。彼は楽しむための芸術を作りたかったと述べており、明るい色使いは構図の静けさを保とうとしていると言える。1906年、アンドレ・ドランは画商アンブロワーズ・ヴォラールの勧めでロンドンに行き、印象派の画家クロード・モネの有名な連作を言い換えたフォーヴィスム様式の『ロンドンのチャリング・クロス橋』を含む一連の絵画を制作した。

1907年までにフォーヴィスムはもはや衝撃的な新しい運動ではなくなり、アポリネールはラ・ファランジュ誌に掲載された記事の中でマティスについて「我々はここで、突飛な、あるいは過激な企てを目の当たりにしているわけではない。マティスの芸術は極めて合理的である」と述べた。^[37]

ブリュッケは1905年にドレスデンで結成されたドイツ表現主義芸術家のグループである。創設メンバーはフリッツ・ブライユ、エーリッヒ・ヘッケル、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー、カール・シュミット＝ロットルフである。後にマックス・ペヒシュタインとオットー・ミューラーがメンバーに加わった。この独創的なグループは20世紀の近代美術の発展に大きな影響を与え、表現主義のスタイルを生み出した。^[38]

青騎士は1911年から1914年まで続いたドイツの運動で、表現主義の基礎となった。ワシリー・カンディンスキー、フランツ・マルク、アウグスト・マッケ、ロシアのダンサーを精神的に表現力豊かに描いた絵画『アレクサンダー・サハロフの肖像』（1909年）がここに掲載されているアレクセイ・フォン・ヤウレンスキー、マリアンネ・フォン・ヴェレフキン、リオネル・ファイニンガーらは、カンディンスキーの絵画『最後の審判』が展覧会で拒否されたことを受けて青騎士グループを結成した。青騎士には中心となる芸術的マニフェストはなかったが、カンディンスキーとマルクを中心にしていた。ガブリエーレ・ミュンターやパウル・クレーといった芸術家も関わっていた。この運動の名前はカンディンスキーの1903年の絵画に由来している。カンディンスキーにとって青は精神の色であり、青が濃いほど、永遠への人間の欲求が目覚めるという。^[39]

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  グスタフ クリムト、表現主義、1907 ～ 1908 年
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  マルク・シャガール、表現主義とシュルレアリスム、1911年
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  アーサー・ダブ、初期アメリカモダニズム、1911年
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  エゴン・シーレ『象徴主義と表現主義』1912年
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  ピエール・ボナール、1913年、ヨーロッパのモダニスト物語画
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  アメデオ・モディリアーニ『象徴主義と表現主義』1917年
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  マースデン・ハートリー『アメリカのモダニズム』1914年
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  パウル・クレー、バウハウス、1921年
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  スチュアート・デイヴィス、アメリカのモダニズム、1921年
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  パトリック・ヘンリー・ブルース、アメリカのモダニズム、1929-1930年

表現主義と象徴主義は、西ヨーロッパ、東ヨーロッパ、北ヨーロッパで制作されていた前衛芸術の多くを支配した、20 世紀絵画におけるいくつかの関連する運動を含む幅広い分類です。表現主義の作品は主に第一次世界大戦から第二次世界大戦の間に、主にフランス、ドイツ、ノルウェー、ロシア、ベルギー、オーストリアで描かれました。フォーヴィスム、橋、青騎士は、表現主義と象徴主義の画家の中で最もよく知られている 3 つのグループです。マルク シャガールの絵画「私と村」は、芸術的象徴主義の用語集とともに、芸術家とその出自との関係を検証する自伝的な物語を語っています。グスタフ・クリムト、エゴン・シーレ、エドヴァルド・ムンク、エミール・ノルデ、シャイム・スーティン、ジェームズ・アンソール、オスカー・ココシュカ、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー、マックス・ベックマン、フランツ・マルク、ジョルジュ・ルオー、アメディオ・モディリアーニ、そしてマースデン・ハートリーやスチュアート・デイヴィスなどの海外のアメリカ人は、影響力のある表現主義の画家と考えられています。アルベルト・ジャコメッティは主にシュルレアリスムの彫刻家と考えられていますが、強烈な表現主義の絵画も制作しました。

第一次世界大戦から第二次世界大戦の間の期間、アメリカの画家たちは評価を得るためにヨーロッパに行く傾向があった。マースデン・ハートリー、パトリック・ヘンリー・ブルース、ジェラルド・マーフィー、スチュアート・デイヴィスなどのモダニズムの芸術家たちは海外で名声を築いた。パトリック・ヘンリー・ブルース^{[40]がヨーロッパで}キュビズム関連の絵画を制作した一方で、スチュアート・デイヴィスとジェラルド・マーフィーはともにアメリカのポップアート^{[41] [42] [43]}の初期のインスピレーションとなった絵画を制作し、マースデン・ハートリーは表現主義の実験を行った。1920年代、写真家のアルフレッド・スティーグリッツは、ニューヨークのギャラリー291で、ジョージア・オキーフ、アーサー・ドーブ、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、チャールズ・デムス、ジョン・マリンや、ヨーロッパの巨匠アンリ・マティス、オーギュスト・ロダン、アンリ・ルソー、ポール・セザンヌ、ピカソを含む他の芸術家の作品を展示した。^[44]ヨーロッパでは、アンリ・マティスやピエール・ボナールのような巨匠たちが、いかなる運動からも独立して独自の物語スタイルを発展させ続けました。

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  ピエト・モンドリアン、1911年、初期のデ・ステイル
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  ロベール・ドローネー、1912年、「都市の同時窓」、ハンブルク美術館、オルペウス主義とダダ
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  ワシリー・カンディンスキー、1913年、抽象芸術の誕生

ワシリー・カンディンスキーは、一般的に近代 抽象芸術における最初の重要な画家の一人と考えられています。初期のモダニストとして、彼は同時代の神秘主義者や神智学者と同様に、純粋な視覚的抽象は音や音楽と必然的に振動するという理論を立てました。彼らは、純粋な抽象が純粋な精神性を表現できると仮定しました。彼の初期の抽象作品は、一般的に作曲家の作品と関連づけて、コンポジション VIIの例のように題名が付けられました。カンディンスキーは抽象芸術に関する自身の理論の多くを著書『芸術における精神性について』に盛り込んでいます。初期抽象芸術の主要な先駆者には、スウェーデンの画家ヒルマ・アフ・クリント、ロシアの画家カジミール・マレーヴィチ、スイスの画家パウル・クレーなどがいます。ロベール・ドローネーはオルペウス主義（純粋抽象とキュビズムのつながりを彷彿とさせる）と関連付けられるフランスの芸術家です。抽象絵画に対する彼の主な貢献は、大胆な色使いと、深みと色調の両方の実験です。

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  フランシス・ピカビア、1916年、ダダ
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  マックス・エルンスト（1921年）、シュルレアリスム
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  アンドレ・マッソン、1922年、初期シュルレアリスム
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  クルト・シュヴィッタース、1919年、絵画コラージュ、ダダ
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  ハンナ・ヘッヒ、コラージュ、1919年、ダダ
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  マックス・エルンスト、1920年、初期シュルレアリスム
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  ジョアン・ミロ、馬、パイプ、赤い花、1920年、初期シュルレアリスム

Marcel Duchamp came to international prominence in the wake of the New York City Armory Show in 1913 where his Nude Descending a Staircase, No. 2 became a cause célèbre. He subsequently created The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, Large Glass. The Large Glass pushed the art of painting to radical new limits being part painting, part collage, part construction. Duchamp (who was soon to renounce artmaking for chess) became closely associated with the Dada movement that began in neutral Zürich, Switzerland, during World War I and peaked from 1916 to 1920. The movement primarily involved visual arts, literature (poetry, art manifestoes, art theory), theatre, and graphic design to advance its antiwar politic and rejection of the prevailing standards in art through anti-art cultural works. Other artists associated with the Dada movement include Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, and Sophie Taeuber-Arp. Duchamp and several Dadaists are also associated with Surrealism, the movement that dominated European painting in the 1920s and 1930s.

In 1924 André Breton published the Surrealist Manifesto. The Surrealist movement in painting became synonymous with the avant-garde and featured artists whose works varied from the abstract to the super-realist. With works on paper like Machine Turn Quickly, Francis Picabia continued his involvement in the Dada movement through 1919 in Zürich and Paris, before breaking away from it after developing an interest in Surrealist art. Yves Tanguy, René Magritte and Salvador Dalí are particularly known for their realistic depictions of dream imagery and fantastic manifestations of the imagination. During the 1920s André Masson's work was decisive in helping the young artist Joan Miró find his roots in Surrealist painting. Miró's The Tilled Field (1923–1924) verges on abstraction while suggesting a complex of objects and figures and arrangements of sexually active characters; it was Miró's first Surrealist masterpiece.^[45] Joan Miró, Jean Arp, André Masson, and Max Ernst were very influential, especially in the United States during the 1940s.

Max Ernst, whose 1920 painting Murdering Airplane is seen here, studied philosophy and psychology in Bonn and was interested in the alternative realities experienced by the insane. His paintings may have been inspired by the psychoanalyst Sigmund Freud's study of the delusions of a paranoiac, Daniel Paul Schreber. Freud identified Schreber's fantasy of becoming a woman as a castration complex. The central image of two pairs of legs refers to Schreber's hermaphroditic desires. Ernst's inscription on the back of the painting reads: The picture is curious because of its symmetry. The two sexes balance one another.^[46]

Throughout the 1930s, Surrealism continued to become more visible to the public at large. A Surrealist group developed in Britain and, according to Breton, their 1936 London International Surrealist Exhibition was a high-water mark of the period and became the model for international exhibitions. Surrealist groups in Japan, and especially in Latin America, the Caribbean and in Mexico produced innovative and original works. Other prominent surrealist artists include Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, and Leonor Fini.

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  George Grosz, 1920, Neue Sachlichkeit
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  Thomas Hart Benton, 1920, Regionalism
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  George Bellows, 1924, American realism
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  Charles Demuth Spring, 1921, American Precisionism (proto Pop Art)
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  Charles Demuth, 1931, Precisionism
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  Georgia O'Keeffe, 1921, Southwestern modernism
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  Grant Wood, American Gothic, 1930, Social Realism.
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  Diego Rivera, Recreation of Man at the Crossroads (renamed Man, Controller of the Universe), originally created in 1934
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  Edward Hopper, 1942, American Scene painting

During the 1920s and the 1930s and the Great Depression, the European art scene was characterized by Surrealism, late Cubism, the Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, and Expressionism; and was occupied by masterful modernist color painters like Henri Matisse and Pierre Bonnard.

In Germany Neue Sachlichkeit ("New Objectivity") emerged as Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz and others politicized their paintings. The work of these artists grew out of expressionism, and was a response to the political tensions of the Weimar Republic, and was often sharply satirical.

During the 1930s radical leftist politics characterized many of the artists connected to Surrealism, including Pablo Picasso.^[47] On 26 April 1937, during the Spanish Civil War, the Basque town of Gernika was the scene of the "Bombing of Gernika" by the Condor Legion of Nazi Germany's Luftwaffe. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque Government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.

Guernica is an immense black-and-white, 3.5-metre (11 ft) tall and 7.8-metre (23 ft) wide mural painted in oil. The mural presents a scene of death, violence, brutality, suffering, and helplessness without portraying their immediate causes. The choice to paint in black and white invokes the immediacy of a newspaper photograph.^[48] The painting was first exhibited in Paris in 1937, then Scandinavia and London, and in 1939 at Picasso's request the painting was sent to the United States in an extended loan (for safekeeping) at MoMA. Finally in accord with Picasso's wish to give the painting to the people of Spain as a gift, it was sent to Spain in 1981.

From the Great Depression of the 1930s through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting. Regionalism movements that contained both political and social commentary dominated the art world in the USA. Artists such as Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, and others became prominent.

American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics assumed it was satirical in intent; it was thought to be part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America exemplified by Sherwood Anderson's 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis' 1920 Main Street, and Carl Van Vechten's The Tattooed Countess in literature.^[49] However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.

A renaissance of the arts in Latin America included the Uruguayan painter Joaquín Torres García, the Mexican painter Rufino Tamayo, artists of the Mexican muralist movement such as Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez and Santiago Martinez Delgado, and the Symbolist painter Frida Kahlo. The muralists conveyed historic and political messages. Diego Rivera is perhaps best known by the public world for his 1933 mural, Man at the Crossroads, in the lobby of the RCA Building at Rockefeller Center. When his patron Nelson Rockefeller discovered that the mural included a portrait of Lenin and other communist imagery, he fired Rivera, and the unfinished work was eventually destroyed by Rockefeller's staff.

Frida Kahlo's works relate to Surrealism and to the Magic Realism movement in literature. Her works are often characterized by their stark portrayals of pain. Of her 143 paintings 55 are self-portraits, which frequently incorporate symbolic portrayals of her physical and psychological wounds.^[50]

The 1940s in New York City heralded the triumph of American abstract expressionism, a movement that combined lessons learned from European Modernists via great teachers in America like Hans Hofmann and John D. Graham. American artists benefited from the presence of Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst and the André Breton group, Pierre Matisse's gallery, and Peggy Guggenheim's gallery The Art of This Century, as well as other factors.

Post-Second World War American painting called Abstract expressionism included artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, and Theodoros Stamos, among others. American Abstract expressionism got its name in 1946 from the art critic Robert Coates.^[51][52] Abstract expressionism, Action painting, and Color Field painting are synonymous with the New York School.^[53]

Technically Surrealism was an important predecessor for Abstract expressionism with its emphasis on spontaneous, automatic or subconscious creation. Jackson Pollock's dripping paint onto a canvas laid on the floor is a technique that has its roots in the work of André Masson. Another important early manifestation of what came to be abstract expressionism is the work of American Northwest artist Mark Tobey, especially his "white writing" canvases, which, though generally not large in scale, anticipate the "all over" look of Pollock's drip paintings.

Additionally, Abstract expressionism has an image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, rather nihilistic. In practice, the term is applied to any number of artists working (mostly) in New York who had quite different styles, and even applied to work which is not especially abstract nor expressionist. Pollock's energetic "action paintings", with their "busy" feel, are different both technically and aesthetically, to the violent and grotesque Women series of Willem de Kooning. Woman V is one of a series of six paintings made by de Kooning between 1950 and 1953 that depict a three-quarter-length female figure. He began the first of these paintings, Woman I, in June 1950, repeatedly changing and painting out the image until January or February 1952, when the painting was abandoned unfinished. The art historian Meyer Schapiro saw the painting in de Kooning's studio and encouraged the artist to persist. De Kooning's response was to begin three other paintings on the same theme; Woman II, Woman III, and Woman IV. During the summer of 1952, spent at East Hampton, de Kooning further explored the theme through drawings and pastels. He finished work on Woman I by November 1952, and probably the other three women pictures were concluded at much the same time.^[54] The Woman series are decidedly figurative paintings. Another important artist is Franz Kline, as demonstrated by his painting High Street (1950), who was labelled an action painter because of his seemingly spontaneous and intense style, focusing less, or not at all, on figures or imagery, but on the actual brush strokes and use of canvas.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and the serenely shimmering blocks of color in Mark Rothko's work (which is not what would usually be called expressionist and which Rothko denied was abstract), are classified as abstract expressionists, albeit from what Clement Greenberg termed the Color field direction of abstract expressionism. Both Hans Hofmann and Robert Motherwell can be described as practitioners of action painting and Color field painting.

During the 1950s Color Field painting initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell and Adolph Gottlieb. It essentially involved abstract paintings with large, flat expanses of color that expressed the sensual, and visual feelings and properties of large areas of nuanced surface. Art critic Clement Greenberg perceived Color Field painting as related to but different from Action painting. The overall expanse and gestalt of the work of the early color field painters speaks of an almost religious experience, awestruck in the face of an expanding universe of sensuality, color and surface. During the early-to-mid-1960s Color Field painting came to refer to the styles of artists like Jules Olitski, Kenneth Noland, and Helen Frankenthaler, whose works were related to second-generation abstract expressionism, and to younger artists like Larry Zox, and Frank Stella – all moving in a new direction.

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  George Bellows, 1924, American realism
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  Edward Hopper, Nighthawks, 1942, Cityscape

During the 1930s through the 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as abstract expressionism, Color Field painting, Post-painterly Abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, and Lyrical Abstraction. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction allowing imagery to continue through various new contexts like the Bay Area Figurative Movement in the 1950s and new forms of expressionism from the 1940s through the 1960s. Throughout the 20th century many painters practiced Realism and used expressive imagery in landscape and figurative painting with contemporary subjects. They include artists as varied as Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., and Elaine de Kooning.

In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.^[55]

Arshile Gorky's portrait of Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham Gorky created bio-morphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky's work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.^[56][57]

Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X, 1953 is a painting by the Irish-born artist Francis Bacon and is an example of Post World War II European Expressionism. The work shows a distorted version of the Portrait of Innocent X painted by the Spanish artist Diego Velázquez in 1650. The work is one of a series of variants of the Velázquez painting which Bacon executed throughout the 1950s and early 1960s, over a total of forty-five works.^[58] When asked why he was compelled to revisit the subject so often, Bacon replied that he had nothing against the Popes, that he merely "wanted an excuse to use these colours, and you can't give ordinary clothes that purple colour without getting into a sort of false fauve manner."^[59] The Pope in this version seethes with anger and aggression, and the dark colors give the image a grotesque and nightmarish appearance.^[60] The pleated curtains of the backdrop are rendered transparent, and seem to fall through the Pope's face.^[61]

The figurative work of Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth and others served as a kind of alternative to abstract expressionism. Nighthawks (1942) is a realist painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper's most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper's work. One of the most well-known images in 20th-century American art is Wyeth's tempera painting, Christina's World, in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts a woman lying on the ground in a treeless, mostly tawny field, looking up at and crawling towards a gray house on the horizon; a barn and various other small outbuildings are adjacent to the house.^[62]

After World War II the term School of Paris often referred to Tachisme, the European equivalent of American Abstract expressionism and those artists are also related to Cobra. Important proponents being Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, and Georges Mathieu, among several others. During the early 1950s Dubuffet (who was always a figurative artist) and de Staël abandoned abstraction, and returned to imagery via figuration and landscape. De Staël's return to representation (seascapes, footballers, jazz musicians, seagulls) during the early 1950s can be seen as an influential precedent for the American Bay Area Figurative Movement, as many of those abstract painters like Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown and others made a similar move; returning to imagery during the mid-1950s. Much of de Staël's late work – in particular his abstract landscapes of the mid-1950s – predicts Color Field painting and Lyrical Abstraction of the 1960s and 1970s. Milton Avery as well through his use of color and his interest in seascape and landscape paintings connected with the Color field aspect of Abstract expressionism as manifested by Adolph Gottlieb and Mark Rothko as well as the lessons American painters took from the work of Henri Matisse.^[63][64]

Pop art in America was to a large degree initially inspired by the works of Jasper Johns, Larry Rivers, and Robert Rauschenberg, although the paintings of Gerald Murphy, Stuart Davis and Charles Demuth during the 1920s and 1930s foreshadow the style and subject matter of Pop art.

In New York City during the mid-1950s, Rauschenberg and Johns created works of art that at first seemed to be continuations of Abstract expressionist painting. Actually their works, and the work of Larry Rivers, were radical departures from abstract expressionism especially in the use of banal and literal imagery and the inclusion of mundane materials into their work. Johns' use of various images and objects like chairs, numbers, targets, beer cans and the American Flag; Rivers' paintings of subjects drawn from popular culture such as George Washington crossing the Delaware, and his inclusions of images from advertisements like the camel from Camel cigarettes; and Rauschenberg's surprising constructions using inclusions of objects and pictures taken from popular culture, hardware stores, junkyards, the city streets, and taxidermy, gave rise to a radical new movement in American art. Eventually by 1963 the movement came to be known worldwide as Pop art.

Pop art is exemplified by the artists Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann and Roy Lichtenstein among others. Lichtenstein used oil and Magna paint in works such as Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83.^[65]) Thick outlines, bold colors and Ben-Day dots reproduce the appearance of commercial printing. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."^[66] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix. In October 1962 the Sidney Janis Gallery mounted The New Realists, the first major Pop art group exhibition in an uptown art gallery in New York City. The show sent shockwaves through the New York School and reverberated worldwide. Campbell's Soup Cans (sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans) is the title of an Andy Warhol work of art that was produced in 1962. It consists of thirty-two canvases of equal size, each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each canned soup variety the company offered at the time. The individual paintings were produced with a semi-mechanised silkscreen process, using a non-painterly style. They helped usher in Pop art as a major art movement that relied on themes from popular culture.

Earlier in England in 1956 the term Pop Art was used by Lawrence Alloway for paintings that celebrated consumerism of the post World War II era. This movement rejected Abstract expressionism and its focus on the hermeneutic and psychological interior, in favor of art which depicted material consumer culture, advertising, and iconography of the mass production age.^[67] The early works of English artist David Hockney, such as A Bigger Splash, and the works of Richard Hamilton, Peter Blake, and Eduardo Paolozzi, are considered seminal examples in the movement. In New York's East Village 10th Street galleries artists were formulating an American version of Pop art. Claes Oldenburg had his storefront, and the Green Gallery on 57th Street began to show Tom Wesselmann and James Rosenquist. There is a connection between the radical works of Duchamp, and Man Ray, the rebellious Dadaists – with a sense of humor; and Pop Artists like Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein and the others.

During the 1950s and 1960s as abstract painting in America and Europe evolved into movements such as Color Field painting, Post painterly abstraction, Op art, hard-edge painting, Minimal art, shaped canvas painting, Lyrical Abstraction, and the continuation of Abstract expressionism. Other artists reacted as a response to the tendency toward abstraction with Art brut,^[68] as seen in Court les rues, 1962, by Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, allowing imagery to re-emerge through various new contexts like Pop art, the Bay Area Figurative Movement (a prime example is Diebenkorn's Cityscape I,(Landscape No. 1) (1963), and later in the 1970s Neo-expressionism. The Bay Area Figurative Movement of whom David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira and Richard Diebenkorn whose painting Cityscape 1 (1963) is a typical example, were influential members flourished during the 1950s and 1960s in California. Younger painters practiced the use of imagery in new and radical ways. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, and Vija Celmins were a few who became prominent between the 1960s and the 1980s. Fairfield Porter was largely self-taught, and produced representational work in the midst of the Abstract Expressionist movement. His subjects were primarily landscapes, domestic interiors and portraits of family, friends and fellow artists.

Also during the 1960s and 1970s, there was a reaction against painting. Critics like Douglas Crimp viewed the work of artists like Ad Reinhardt, and declared the "death of painting". Artists began to practice new ways of making art. New movements gained prominence some of which are: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, the situationists, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art and body art among others.^[69][70]

Neo-Dada is also a movement that started in the 1950s and 1960s and was related to Abstract expressionism only with imagery. This trend, in which manufactured items are combined with artist materials, is exemplified by the work of Jasper Johns and Robert Rauschenberg. Rauschenberg's "combines" in the 1950s were forerunners of Pop Art and Installation art, and made use of the assemblage of large physical objects, including stuffed animals, birds and commercial photography. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, and Edward Kienholz among others created new conventions of art-making; they made acceptable in serious contemporary art circles the radical inclusion of unlikely materials as parts of their works of art.^[71][72]

• 
  Yves Klein, 1962, New Realism

During the 1960s and 1970s abstract painting continued to develop in America through varied styles. Geometric abstraction, Op art, hard-edge painting, Color Field painting and minimal painting, were some interrelated directions for advanced abstract painting as well as some other new movements. Morris Louis was an important pioneer in advanced Colorfield painting, his work can serve as a bridge between Abstract expressionism, Colorfield painting, and Minimal Art. Two influential teachers, Josef Albers and Hans Hofmann, introduced a new generation of American artists to their advanced theories of color and space. Albers is best remembered for his work as a Geometric abstractionist painter and theorist. Most famous of all are the hundreds of paintings and prints that make up the series Homage to the Square. In this rigorous series, begun in 1949, Albers explored chromatic interactions with flat colored squares arranged concentrically on the canvas. Albers' theories on art and education were formative for the next generation of artists. His own paintings form the foundation of both hard-edge painting and Op art.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland,^[73] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento^[74] are artists closely associated with Geometric abstraction, Op art, Color Field painting, and in the case of Hofmann and Newman Abstract expressionism as well. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, are examples of artists associated with Minimalism and (exceptions of Martin, Baer and Marden) the use of the shaped canvas also during the period beginning in the early 1960s. Many Geometric abstract artists, minimalists, and Hard-edge painters elected to use the edges of the image to define the shape of the painting rather than accepting the rectangular format. In fact, the use of the shaped canvas is primarily associated with paintings of the 1960s and 1970s that are coolly abstract, formalistic, geometrical, objective, rationalistic, clean-lined, brashly sharp-edged, or minimalist in character. The Bykert Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Minimalism and shaped canvas painting in New York City during the 1960s.

Color Field painting pointed toward a new direction in American painting, away from abstract expressionism. Related to Post-painterly abstraction, Suprematism, Abstract Expressionism, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction,^[75] Color Field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, and others painted with a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated recognizable imagery. Certain artists made references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, artists wanted to present each painting as one cohesive, monolithic image. Gene Davis along with Kenneth Noland, Morris Louis and several others was a member of the Washington Color School painters who began to create Color Field paintings in Washington, D.C. during the 1950s and 1960s, Black, Grey, Beat is a large vertical stripe painting and typical of Gene Davis's work. Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, and Al Loving are examples of artists associated with the use of the shaped canvas during the period beginning in the early 1960s.

From 1960 Frank Stella produced paintings in aluminum and copper paint and his first works using shaped canvases (canvases in a shape other than the traditional rectangle or square), often being in L, N, U or T-shapes. These later developed into more elaborate designs, in the Irregular Polygon series (1967), for example. Later he began his Protractor Series (1971) of paintings, in which arcs, sometimes overlapping, within square borders are arranged side by side to produce full and half circles painted in rings of concentric color. Harran II, 1967, is an example of the Protractor Series.

The Andre Emmerich Gallery, the Leo Castelli Gallery, the Richard Feigen Gallery, and the Park Place Gallery were important showcases for Color Field painting, shaped canvas painting and Lyrical Abstraction in New York City during the 1960s. There is a connection with post-painterly abstraction, which reacted against abstract expressionisms' mysticism, hyper-subjectivity, and emphasis on making the act of painting itself dramatically visible – as well as the solemn acceptance of the flat rectangle as an almost ritual prerequisite for serious painting. During the 1960s Color Field painting and Minimal art were often closely associated with each other. In actuality by the early 1970s both movements became decidedly diverse.

Lyrical Abstraction (the term being coined by Larry Aldrich, the founder of the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), encompassed what Aldrich said he saw in the studios of many artists at that time.^[76] It is also the name of an exhibition that originated in the Aldrich Museum and traveled to the Whitney Museum of American Art and other museums throughout the United States between 1969 and 1971.^[77] Lyrical Abstraction is a type of freewheeling abstract painting that emerged in the mid-1960s when abstract painters returned to various forms of painterly, pictorial, expressionism with a predominate focus on process, gestalt and repetitive compositional strategies in general.^[78][79] In contrast to Action Painting, where emphasis is on brushstrokes and high compositional drama, in Lyrical Abstraction—as exemplified by the 1971 Ronnie Landfield painting Garden of Delight—there is a sense of compositional randomness, relaxed compositional drama and an emphasis on process, repetition, and an all over sensibility. Lyrical Abstraction in the late 1960s is characterized by the paintings of Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young and others, and along with the Fluxus movement and Postminimalism (a term first coined by Robert Pincus-Witten in the pages of Artforum in 1969)^[80] sought to expand the boundaries of abstract painting and Minimalism by focusing on process, new materials and new ways of expression. Postminimalism often incorporating industrial materials, raw materials, fabrications, found objects, installation, serial repetition, and often with references to Dada and Surrealism is best exemplified in the sculptures of Eva Hesse.^[80] Lyrical Abstraction, Conceptual Art, Postminimalism, Earth Art, Video, Performance art, Installation art, along with the continuation of Fluxus, Abstract Expressionism, Color Field painting, Hard-edge painting, Minimal Art, Op art, Pop art, Photorealism and New Realism extended the boundaries of Contemporary Art in the mid-1960s through the 1970s.^[81]

One of the first artists specifically associated with Minimalism was Frank Stella, whose early "stripe" paintings were highlighted in the 1959 show, "16 Americans", organized by Dorothy Miller at the Museum of Modern Art in New York. The widths of the stripes in Stella's stripe paintings were not entirely subjective, but were determined by the dimensions of the lumber used to construct the supportive chassis upon which the canvas was stretched. In the show catalog, Carl Andre noted, "Art excludes the unnecessary. Frank Stella has found it necessary to paint stripes. There is nothing else in his painting." These reductive works were in sharp contrast to the energy-filled and apparently emotionally charged paintings of Willem de Kooning or Franz Kline and leaned more toward less gestural coloristic field paintings of Barnett Newman and Mark Rothko.

Artists such as Larry Poons—whose work related to Op Art with his emphasis on dots, ovals and after-images bouncing across color fields—Kenneth Noland, Ralph Humphrey, Robert Motherwell and Robert Ryman had also begun to explore stripes, monochromatic and Hard-edge formats from the late 1950s through the 1960s.^[82]

Because of a tendency in Minimalism to exclude the pictorial, illusionistic and fictive in favor of the literal—as demonstrated by Robert Mangold, who understood the concept of the shape of the canvas and its relationship to objecthood—there was a movement away from painterly and toward sculptural concerns. Donald Judd had started as a painter, and ended as a creator of objects. His seminal essay, "Specific Objects" (published in Arts Yearbook 8, 1965), was a touchstone of theory for the formation of Minimalist aesthetics. In this essay, Judd found a starting point for a new territory for American art, and a simultaneous rejection of residual inherited European artistic values. He pointed to evidence of this development in the works of an array of artists active in New York at the time, including Jasper Johns, Dan Flavin and Lee Bontecou. Of "preliminary" importance for Judd was the work of George Earl Ortman [2], who had concretized and distilled painting's forms into blunt, tough, philosophically charged geometries. These Specific Objects inhabited a space not then comfortably classifiable as either painting or sculpture. That the categorical identity of such objects was itself in question, and that they avoided easy association with well-worn and over-familiar conventions, was a part of their value for Judd.

In a much more general sense, one might find European roots of Minimalism in the geometric abstractions painters in the Bauhaus, in the works of Piet Mondrian and other artists associated with the movement DeStijl, in Russian Constructivists and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. American painters such as Brice Marden and Cy Twombly show a clear European influence in their pure abstraction, minimalist painting of the 1960s. Ronald Davis polyurethane works from the late 1960s pay homage to the Broken Glass of Marcel Duchamp. This movement was heavily criticised by high modernist formalist art critics and historians. Some anxious critics thought Minimalist art represented a misunderstanding of the modern dialectic of painting and sculpture as defined by critic Clement Greenberg, arguably the dominant American critic of painting in the period leading up to the 1960s. The most notable critique of Minimalism was produced by Michael Fried, a Greenbergian critic, who objected to the work on the basis of its "theatricality". In Art and Objecthood (published in Artforum in June 1967) he declared that the Minimalist work of art, particularly Minimalist sculpture, was based on an engagement with the physicality of the spectator. He argued that work like Robert Morris's transformed the act of viewing into a type of spectacle, in which the artifice of the act observation and the viewer's participation in the work were unveiled. Fried saw this displacement of the viewer's experience from an aesthetic engagement within, to an event outside of the artwork as a failure of Minimal art.

Ad Reinhardt, actually an artist of the Abstract Expressionist generation, but one whose reductive all-black paintings seemed to anticipate minimalism, had this to say about the value of a reductive approach to art: "The more stuff in it, the busier the work of art, the worse it is. More is less. Less is more. The eye is a menace to clear sight. The laying bare of oneself is obscene. Art begins with the getting rid of nature."^[83]

During the 1960s and 1970s artists as powerful and influential as Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Sam Francis, Gene Davis, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, and younger artists like Sam Gilliam, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Joan Snyder, Richard Tuttle, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile, and dozens of others produced vital and influential paintings.

Still other important innovations in abstract painting took place during the 1960s and the 1970s characterized by Monochrome painting and Hard-edge painting inspired by Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, and Ellsworth Kelly. Artists as diversified as Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden and others explored the power of simplification. The convergence of Color Field painting, Minimal art, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, and Postminimalism blurred the distinction between movements that became more apparent in the 1980s and 1990s. The Neo-expressionism movement is related to earlier developments in Abstract expressionism, Neo-Dada, Lyrical Abstraction and Postminimal painting.

In the late 1960s the abstract expressionist painter Philip Guston helped to lead a transition from abstract expressionism to Neo-expressionism in painting, abandoning the so-called "pure abstraction" of abstract expressionism in favor of more cartoonish renderings of various personal symbols and objects. These works were inspirational to a new generation of painters interested in a revival of expressive imagery.^[84] His painting Painting, Smoking, Eating is an example of Guston's return to representation.

In the late 1970s and early 1980s, there was also a return to painting that occurred almost simultaneously in Italy, Germany, France and Britain. These movements were called Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,^[85] Neo-expressionism, the school of London, and in the late 80s the Stuckists respectively. These painting were characterized by large formats, free expressive mark making, figuration, myth and imagination. All work in this genre came to be labeled neo-expressionism.

Neo-expressionism was a style of modern painting that became popular in the late 1970s and dominated the art market until the mid-1980s. It developed in Europe as a reaction against the conceptual and minimalistic art of the 1960s and 1970s. Neo-expressionists returned to portraying recognizable objects, such as the human body (although sometimes in a virtually abstract manner) in a rough and violently emotional way using vivid colors and banal color harmonies. The veteran painters Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck and Georg Baselitz, along with the slightly younger artists Damien Hirst, Anselm Kiefer, the Americans Eric Fischl, Susan Rothenberg, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, and Keith Haring, the Italians Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, and Enzo Cucchi, and many others became known for working in this intense expressionist vein of painting. Critical reaction was divided. Some critics regarded it as driven by profit motivations by large commercial galleries.^[84]

Anselm Kiefer is a leading figure in European Neo-expressionism.^[86] By the 1980s, Kiefer's themes widened from a focus on Germany's role in civilization to the fate of art and culture in general. His work became more sculptural and involves not only national identity and collective memory, but also occult symbolism, theology and mysticism.^[87] The theme of all the work is the trauma experienced by entire societies, and the continual rebirth and renewal in life.

Painting still holds a respected position in contemporary art. Art is an open field no longer divided by the objective versus non-objective dichotomy. Artists can achieve critical success whether their images are representational or abstract. What has currency is content, exploring the boundaries of the medium, and a refusal to recapitulate the works of the past as an end goal.^[88][89][90]

Throughout the 20th century and into the 21st century, with the advent of Modern and Postmodern art forms, distinctions between what is generally regarded as the fine arts and the low arts have started to fade,^[91] as contemporary high art continues to challenge these concepts by mixing with popular culture.^[92]

Mainstream painting has been rejected by artists of the postmodern era in favor of artistic pluralism.^[93] According to art critic Arthur Danto there is an anything goes attitude that prevails; an "everything going on", and consequently "nothing going on" syndrome; this creates an aesthetic traffic jam with no firm and clear direction and with every lane on the artistic superhighway filled to capacity.^[94]

• Art periods
• Hierarchy of genres
• History of art
• History painting
• List of painters
• Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects
• Self portrait
• Timeline of Italian artists to 1800
• Visual arts of Australia
• Visual arts of the United States
• Gothic book illustration

• Clement Greenberg, Art and Culture, Beacon Press, 1961
• Hendrickson, Janis (1988). Roy Lichtenstein. Cologne, Germany: Benedikt Taschen. ISBN 3-8228-0281-6.
• The Triumph of Modernism: The Art World, 1985–2005, Hilton Kramer, 2006, ISBN 0-15-666370-8
• Pictures of Nothing: Abstract Art since Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts), Kirk Varnedoe, 2003
• O'Connor, Francis V. Jackson Pollock Exhibition Catalogue, (New York, Museum of Modern Art, [1967]) OCLC 165852
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On the effects of Gutenberg's printing

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• More recent, abridged version: Elizabeth L. Eisenstein, The Printing Revolution in Early Modern Europe, Cambridge University Press, 2Rev ed, 12 September 2005, Paperback, ISBN 0-521-60774-4
• Marshall McLuhan, The Gutenberg Galaxy: The Making of Typographic Man (1962) University of Toronto Press (1st ed.); reissued by Routledge & Kegan Paul ISBN 0-7100-1818-5.
• Briggs & Burke, A Social History of the Media: The Print Revolution in Context (2002)

• History of Painting
• History of Art: From Paleolithic Age to Contemporary Art
• Robert Hughes from Artchive
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