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ジャンルの階層構造とは、ある芸術形式における様々なジャンルを、社会的地位や文化的価値に基づいて順位付けするあらゆる形式化のことである 。
文学において、叙事詩は最高の形式と考えられていた。その理由は、サミュエル・ジョンソンが『ジョン・ミルトンの生涯』の中で述べている通りである。「批評家たちの一般的な合意によれば、叙事詩の作者は天才として最初に称賛されるべきである。なぜなら、叙事詩は他の作品には単独では十分であるあらゆる能力の集合体を必要とするからである。」[ 1 ] その下に叙情詩、喜劇詩があり、戯曲も同様の順位であった。小説がこの階層の中で確固たる地位を確立するまでには長い時間がかかり、19世紀に形式に関する体系的な階層への信念が消滅した後にようやく確立された。
音楽においては、少なくともバロック時代までは、歌詞に曲をつけた楽曲は単なる器楽曲よりも高い地位を与えられており、オペラはその後もずっと高い地位を維持した。作品の地位は、演奏者や歌手の人数によっても異なり、大規模な編成で書かれた作品は、作曲がより難しく、上演費用も高額になるため、より高い地位を与えられた。喜劇的な要素は作品の地位を低下させたが、他の芸術形式と同様に、人気を高めることが多かった。
具象芸術における階層構造は、16 世紀のイタリアで絵画のために最初に定式化されたものであり、19 世紀初頭までほとんど変化なく支配的でした。これらは17 世紀から近代にかけてヨーロッパのアカデミーによって形式化され、推進されました。その中で最も影響力があったのはフランスのアカデミー・ド・ペインチュール・エ・ド・スカルプチャーであり、アカデミー芸術において中心的な役割を果たしました。完全に発展した階層構造は、次のものを区別しました。[ 2 ]
その階層は、「物事の普遍的な本質を可視化する」（イタリア語でimitare ）という知的努力を伴う芸術と、「特定の外観を機械的に模倣する」（ ritrarre）だけの芸術との区別に基づいていた。[ 3 ]ルネサンス期の新プラトン主義哲学に沿って、理想主義は現実主義よりも優遇された。
この用語は主に絵画の分野で使用され、盛期ルネサンス以降、絵画が最高の芸術形式として確立された時代に使われるようになった。中世美術ではそうではなく、美術品を発注する社会層がこの見解を完全に受け入れるまでにはかなりの時間を要した。ラファエロのカルトンは、16世紀に最も高価な芸術形式であったタペストリーの地位が継続していたことの明確な例である。中世初期には、豪華な金属細工が最も高く評価され、貴重な素材は少なくとも17世紀まで芸術鑑賞の重要な要素であり続けた。19世紀まで、最も贅沢な美術品は、新品でも美術市場でも、ごく少数の絵画を除いて、すべてよりも高価であった。個々の芸術家の卓越した技量を高く評価する古典文献は影響力があり、また、ルネサンス期の芸術家が中世では通常不可能だったほどに、自身の技量と独創性を発揮することを可能にした芸術の発展も影響を与えた。
絵画の階層構造は、絵画を自由芸術の一つとして認めさせようとする闘争から生まれ、その後、建築や彫刻と同等あるいはそれ以上の地位を確立しようとする論争へと発展した。これらの問題は、レオン・バッティスタ・アルベルティ、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ジョルジョ・ヴァザーリといった芸術家であり理論家でもある人々によって非常に重要視された。彫刻家に対して、レオナルドは、三次元の錯覚を生み出すために必要な知的努力によって、絵画の芸術は、単に外見を記録するだけで済む彫刻家の芸術よりも優れていると主張した。[ 4 ] 1441年の 著書『絵画について』（ De Pictura）の中で、アルベルティは、多人数の歴史画は最も高貴な芸術形式であり、他のすべての芸術形式を習得する必要がある最も難しい形式であり、視覚的な歴史形式であり、見る者を感動させる可能性が最も高いと主張した。彼は、身振りや表情によって人物間の相互作用を描写する能力を重視した。[ 5 ]
初期および盛期ルネサンスの理論家たちは、少なくとも新プラトン主義に強く影響を受けたミケランジェロの後期の著作までは、自然を忠実に表現することの重要性を認めていた。[ 6 ]ジャン・パオロ・ロマッツォやフェデリコ・ズッカリ（どちらも画家）のようなマニエリスムの理論家 の時代になると、これははるかに優先順位が低くなった。両者とも美を「神の心から人間の心に直接注入され、感覚的印象とは無関係に存在するもの」として強調し、写実主義に依存する作品の地位をさらに低下させる見解となった。[ 7 ] 実際には、この階層は、世俗の歴史画を宗教画と同じクラスに置き、静的な象徴的な宗教的主題と物語的な人物場面を（必ずしも明確ではないが）区別し、後者に高い地位を与えたことを除けば、中世および古典の思想とほとんど断絶していなかった。礼儀作法の観念も階層に影響を与え、滑稽、卑俗、または単に軽薄な主題や扱いは、高尚で道徳的なものよりも低い地位に位置づけられた。
ルネサンス期には、風景画、風俗画、静物画は確立されたジャンルとしてほとんど存在しなかったため、さまざまな種類の絵画の地位や重要性についての議論は、当初は小さくて気取らない肖像画や、象徴的な肖像画タイプの宗教的および神話的主題とは対照的に、主に歴史を主題とした作品に集中していた。ほとんどの画家にとって、肖像画にはある程度の写実主義へのこだわりが必要だった。ミケランジェロのように、メディチ家の礼拝堂の彫刻でメディチ家の実際の姿をほとんど無視し、「千年後には誰も違いに気づかないだろう」と言ったとされるような傲慢なアプローチを取る画家はほとんどいなかった（ゲインズバラも、より短い期間で同様の反論をしたと言われている）。[ 8 ]
多くの肖像画は極めて美化されており、それは理想主義への訴えや被写体の虚栄心によって正当化できるかもしれない。理論家のアルメニーニ[ 9 ]は1587年に「優れた画家による肖像画は、他の画家によるものよりも優れた様式[マニエラ]とより高い完成度で描かれていると考えられているが、多くの場合、似顔絵としては劣っている」と主張した[ 10 ] 。 一方、宮廷の被写体やその両親、求婚者、廷臣の多くは、画家が被写体の現実を全く正当に表現できていないと不満を述べた[ 11 ] 。
1563年のトレント公会議における美術に関する法令以降、宗教美術における品位の問題はカトリック教会の集中的な取り組みの焦点となった。聖書の出来事を当時の裕福なイタリア人の家庭で起こっているかのように描いた絵画は攻撃を受け、まもなく姿を消した。世紀末にカラヴァッジョが挑戦するまで、宗教美術は徹底的に理想化されたものとなった。
風景画、風俗画、動物画、静物画といった新しいジャンルは、プロテスタント諸国で宗教画が事実上消滅し、裕福な中産階級の間で絵画の購入が拡大した17世紀に本格的に発展した。同様の発展はヨーロッパの先進国すべてで起こったが、オランダ黄金時代絵画とフランドル・バロック絵画という非常に生産性の高い流派において最も顕著であった。しかし、新しいジャンルを擁護する理論家は現れず、カレル・ファン・マンデル、サミュエル・ディルクスゾーン・ファン・ホーグストラテン[ 12 ] 、ジェラール・デ・ライレスらによる比較的少ないオランダの理論書は、ほとんどがイタリアの見解を焼き直すことに終始していたため、彼らの著作は、当時のオランダ美術の実際の制作状況とは奇妙なほどかけ離れているように見えることがある[ 13 ] 。
ヒエラルキーはほとんどの画家によって受け入れられ、ヤン・ステーン、カレル・デュジャルダン、フェルメールなどのジャンル専門家でさえ、依頼があれば報酬は高かったものの、一般的には売るのがはるかに難しかった歴史画をいくつか制作した。レンブラントの最後の歴史画の依頼作品である『クラウディウス・キウィリスの陰謀』（1661年）の不幸な歴史は、彼がその形式にこだわっていたことと、観客を見つけるのに苦労していたことの両方を示している。[ 14 ] フランドルでは、大量の純粋なジャンル作品に加えて、動物、風景、静物など、主要なジャンル要素を持つ歴史画への傾向があった。異なる要素はしばしば異なる画家によって描かれ、ルーベンスとフランス・スナイデルスはこのようにしてよく協力した。
この時代、絵画のサイズ、そして多くの場合、その価格が、ヒエラルキーにおける位置をますます反映する傾向にあった。ロマン主義時代までは、本質的には風景画である作品の価格と販売可能性は、小さな神話的または宗教的な人物像を追加することで高めることができ、人物像のある風景画を作成することができた。この慣習は、16 世紀初頭のフランドルのヨアヒム・パティニールの世界風景画における風景画の始まりにまで遡る。フランドル・バロック絵画は、しばしば最も低いジャンルを大きなサイズで描いた最後の流派であったが、通常は人物主題と組み合わされていた。
歴史家、建築家、そしてフランス古典主義の理論家であったアンドレ・フェリビアン が1667年に発表した影響力のある定式化は、18世紀の古典的理論となった。
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruit、des fleurs ou des coquilles。生き生きとした人生の中で、最も価値あるものを表現するために、死を選んだものと、何もないものを選びます。 & 美しい人物像、最高のパフェを与え、人間の肖像画を模倣し、美しいオーストラリア人を模倣し、最高の芸術作品を加えてください... 肖像画を描く、完璧な作品をアンコールする必要はありません。 l'Art、およびne peut prétendre à l'honneur que reçoivent les plus sçavans。プルシューアンサンブルを表現するために、私は最高の人生を送ります。イル・フォー・トレイター・ヒストワールとラ・ファブル。歴史上の大規模な行動の代表者であり、詩的な作品の最高責任者です。 & モンタン アンコール プラス オー、イル フォー パル デ コンポジション アレゴリケ、sçavoir couvrir sous le voile de la fable les vertus des grands hommes、および les mystères les plus relevez。[ 15 ]
完璧な風景画を描く者は、果物や花、貝殻だけを描く者よりも優れている。生きている動物を描く者は、動きのない死んだものだけを描く者よりも高く評価されるべきであり、人間は地上における神の最も完璧な創造物であるから、人物像を描くことで神を模倣する者は、他の誰よりも優れていることは間違いない。肖像画だけを描く画家は、まだ芸術の最高の完成度には達しておらず、最も熟練した画家にふさわしい栄誉を期待することはできない。そのためには、単一の人物を描くことから複数の人物を同時に描くことへと進み、歴史や神話を描き、歴史家のように、あるいは詩人のように、人々の心を喜ばせる主題で偉大な出来事を表現しなければならない。さらに高みを目指して、寓話の中で偉大な人物の美徳と、それらが明らかにする神秘を神話のベールで覆い隠す技術を身につけなければならない。
寓意画は他の歴史画よりも上位に位置づけられ、宗教、神話、歴史、文学、寓意を題材とした絵画は、これらを総称して「大ジャンル」と呼び、人生の解釈を体現したり、道徳的あるいは知的なメッセージを伝えたりしていた。古代神話の神々は人間の精神の様々な側面を表し、宗教の人物像は様々な思想を表し、歴史は他の資料と同様に、思想の弁証法や相互作用を表していた。複数の人物を描いた主題は、単独の人物を描いた主題よりも高く評価された。特にフランス革命期には、歴史画はしばしば英雄的な男性の裸体像を描くことに重点を置いていたが、これは19世紀には衰退していった。
歴史画の次に、価値の低い順に、肖像画、日常生活の場面（「風俗画」 、または「大風俗画」と対比して「小風俗画」とも呼ばれる）、風景画、動物画、そして最後に静物画が続いた。彼の定義によれば、これらの絵画は道徳的な力や芸術的な想像力を欠いた単なる記録画であるため、劣っているとされた。風俗画は、様式的に理想的でもなく、主題的に高尚でもないが、その技術、創意工夫、さらにはユーモアで賞賛され、決して高尚な芸術と混同されることはなかった。
ジャンルの階層構造には、それに対応するフォーマットの階層構造も存在した。歴史画は大判、静物画は小判である。過去には、特にフランドル派の大作や、オランダの画家パウルス・ポッターの記念碑的な作品『若き雄牛』 、アンニーバレ・カラッチの2枚の『肉屋の店』のうち大きい方などにおいて、この階層構造が破られることもあった。しかし、大抵の場合、異なるジャンルで得られる相対的な価格が、サイズの階層構造をも保証していた。依頼された集団肖像画を除けば、下位ジャンルの非常に大きな主題を描くことは経済的ではなかった。ルーベンスの最大の風景画は、彼自身の家のために描かれたものである。
線や色彩といった絵画の要素を用いて究極的な統一テーマや思想を伝えることは、芸術の最高の表現とみなされ、自然界に見られる形態を一般化し、ひいては作品全体の統一性に従属させるという理想主義が芸術に採用された。それは自然の模倣を通して普遍的な真理を目指した。後にゴットホルト・エフライム・レッシングなどの異論を唱える理論家たちは、この寓意へのこだわりは誤りであり、ホラティウスの格言「絵画が詩であるように」（ ut pictura poesis ）に根ざした造形芸術と詩の誤った類推に基づいていると主張した。
イギリスの画家、サー・ジョシュア・レイノルズは、1770年代と1780年代の著書『論考』の中で、静物画は画家が中心的な形態、すなわち精神の一般化能力の産物にアクセスするのを妨げるという理由で、ジャンルの階層において最下位に位置づけられるべきだと主張した。頂点に君臨したのは歴史画であり、それは人体を中心としていた。人体の形態に精通することで、画家は無数の人体形態を比較検討し、そこから人体の本質や理想を表す典型的あるいは中心的な特徴を抽象化することができたのである。
レイノルズは、ジャンルの自然な順序についてはフェリビアンに同意していたものの、天才の手によって、あらゆるジャンルの絵画から重要な作品が生み出される可能性があると主張した。「人物像であれ、動物であれ、あるいは無生物であれ、どんなに見栄えの悪いものでも、天才画家の手にかかれば、威厳を帯び、感情を伝え、感動を生み出すことができる。ウェルギリウスが糞さえも威厳をもって地面に投げ捨てたと言われているが、それはティツィアーノにも当てはまる。彼が触れたものは、どんなに本来は卑しく、ありふれたものであっても、一種の魔法によって壮大さと重要性を吹き込んだのだ。」
ヨーロッパのアカデミーは通常、この階層構造を厳格に守っていたが、その支配下で、多くの芸術家が新たなジャンルを生み出し、より格下の主題を歴史画と同等の重要性にまで高めることができた。レイノルズ自身も、グランド・マナーと呼ばれる肖像画の様式を考案することでこれを実現した。彼はモデルを神話上の人物になぞらえることで、彼らを称賛した。ジャン＝アントワーヌ・ワトーはフェット・ギャラントと呼ばれるジャンルを考案し、アルカディア風の風景の中で行われる宮廷の娯楽の場面を描いた。これらの場面はしばしば詩的で寓意的な性質を持ち、それによって高貴なものとみなされた。
クロード・ロランは「理想風景」と呼ばれるジャンルを実践しました。これは、自然をゆるやかにベースとし、聖書や歴史上のテーマの背景として古典的な遺跡を点在させる構図です。風景画と歴史画を巧みに融合させ、前者の正当性を高めました。これは「歴史的風景」という用語と同義であり、1817年にこのジャンルに対するローマ賞が設立されたことで、アカデミー・フランセーズで公式に認められました。最後に、ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンは、最高の寓意画と並ぶほどの魅力と美しさを持つ静物画を制作することができました。しかし、この階層構造を認識していたシャルダンは、 1730年頃から作品に人物、主に女性と子供を描き始めました。
ロマン主義は風景画の地位を大きく高め、それはイギリス美術から始まり、風俗画の地位も徐々に向上させた。風俗画は、フランスの吟遊詩人様式における逸話的な描写や、その他の地域における同様の傾向を通して、歴史画にも影響を与え始めた。風景画は、その新たな重要性を反映してサイズが大きくなり、特にアメリカのハドソン・リバー派やロシア絵画では、歴史画と並ぶほどの大きさになった。動物画もサイズと威厳を増したが、王族の肖像画でさえ、全身像は主に大きな公共建築物のために用いられるようになった。
19世紀半ばまで、女性は歴史画を描くことがほとんど不可能だった。なぜなら、慎み深さを守るため、芸術家としての訓練の最終段階である人物デッサンへの参加が許されていなかったからである。彼女たちはレリーフ、版画、石膏像、そして巨匠たちの作品を参考にすることはできたが、裸体モデルを描くことはできなかった。その代わりに、肖像画、風景画、風俗画といった、より低級な絵画形式への参加が奨励された。これらの形式は、知性よりも視覚に訴えるものと考えられていたため、より女性的であるとみなされていたのである。
19世紀末になると、画家や批評家たちは、歴史画に与えられた地位を含め、アカデミー・フランセーズの多くの規則に反抗し始めた。歴史画は、個人購入者がより低い階層の主題を好むようになったため、主に何らかの公的機関によって購入されるようになっていた。イギリスでは、ラファエル前派運動が歴史画の活性化を試みたが、成功はまちまちだった。他の運動も同様の試みを行った。ラファエル前派の多くの画家は、主に他の主題を描いてキャリアを終えた。新しい芸術運動には、写実主義と印象派があり、それぞれが歴史的な意義とは切り離して、目で見た現在の瞬間や日常生活を描写しようとした。写実主義者は風俗画や静物画を選ぶことが多かったのに対し、印象派は風景画に最も重点を置いた。