ポップアート

ポップアートは、 1950年代半ばから後半にかけてイギリスとアメリカで生まれた芸術運動である。^{[1] [2]この運動は、}広告、漫画、ありふれた大量生産品などの大衆文化やマスカルチャーのイメージを取り入れることで、美術の伝統に挑戦した。その目的の1つは、大衆文化のイメージを芸術に取り入れ、ほとんどの場合皮肉を使って、文化の平凡でキッチュな要素を強調することである。^[3]また、アーティストが機械的な複製手段やレンダリング技術を使用することとも関連している。ポップアートでは、素材が既知の文脈から視覚的に取り除かれたり、孤立したり、無関係な素材と組み合わされたりすることがあります。^{[2] [3]}

ポップアート運動を形作った初期の芸術家には、イギリスではエドゥアルド・パオロッツィやリチャード・ハミルトン、アメリカではラリー・リヴァース、レイ・ジョンソン、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョーンズなどがいた。ポップアートは、当時支配的だった抽象表現主義の考えに対する反応、またはその考えの拡張として広く解釈されている。^[4]ファウンドオブジェクトやイメージを利用するため、ダダに似ている。ポップアートとミニマリズムは、ポストモダンアートに先立つ芸術運動、またはそれ自体がポストモダンアートの最も初期の例であると考えられている。^[5]

ポップアートは、現在広告で使用されているイメージをしばしば取り入れています。商品のラベルやロゴは、ポップアーティストが選ぶイメージの中で大きな位置を占めており、アンディ・ウォーホルのキャンベルスープ缶のラベルにそれが見られます。小売用の食品を梱包した配送箱の外側のラベルさえも、ウォーホルのキャンベルのトマトジュースの箱、1964年（写真） に見られるように、ポップアートの題材として使用されています。

北米におけるポップアートの起源は、イギリスとは異なる形で発展した。^[3]アメリカでは、ポップアートは芸術家たちの反応であり、ハードエッジな構成と具象芸術への回帰を示した。彼らは、非人格的で日常的な現実、皮肉、パロディを用いて、抽象表現主義の個人的な象徴主義と「絵画的な緩さ」を「和らげた」 。^{[4] [6]アメリカでは、}ラリー・リヴァース、アレックス・カッツ、マン・レイの作品がポップアートの先駆けとなった。^[7]

対照的に、戦後イギリスのポップアートの起源は、皮肉やパロディを用いていたものの、より学術的だった。イギリスは、アメリカのポップカルチャーのダイナミックで逆説的なイメージを、生活パターン全体に影響を及ぼす強力で操作的な象徴装置として注目し、同時に社会の繁栄を向上させた。^{[6]イギリスの初期のポップアートは}、遠くから見ると、アメリカの大衆文化 に刺激されたアイデアの問題であった。^{[4]同様に、ポップアートは}ダダイズムの延長であると同時に否定でもあった。^[4]ポップアートとダダイズムは同じ主題をいくつか探求したが、ポップアートは、ダダ運動の破壊的、風刺的、無政府主義的な衝動を、大衆文化の産物への客観的な肯定に置き換えた。^[4]ポップアートにつながる作品を制作したと見なされているヨーロッパの芸術家には、パブロ・ピカソ、マルセル・デュシャン、クルト・シュヴィッタースがいる。

イギリスとアメリカのポップアートはどちらも1950年代に始まったが、マルセル・デュシャンやフランシス・ピカビア、マン・レイといったヨーロッパのアーティストは、この運動より前から存在していた。さらに、アメリカでは「ありのままの」文化的オブジェクトを利用したプロトポップの起源もいくつかあった。 ^[4] 1920年代には、アメリカのアーティスト、パトリック・ヘンリー・ブルース、ジェラルド・マーフィー、チャールズ・デムス、スチュアート・デイビスが、ポップカルチャーのイメージ（アメリカの商業製品や広告デザインから集めたありふれたオブジェクト）を盛り込んだ絵画を制作し、ポップアート運動を「予見」するほどだった。^{[8] [9]}

1952年にロンドンで設立されたインディペンデント・グループ（IG）は、ポップアート運動の先駆者とみなされている。^{[2] [10]}彼らは、文化に対する当時のモダニズムのアプローチや伝統的な美術観に異議を唱える若い画家、彫刻家、建築家、作家、評論家の集まりだった。彼らのグループディスカッションは、マス広告、映画、製品デザイン、漫画、SF、テクノロジーなどの要素からポップカルチャーへの影響を中心に行われた。1952年の最初のインディペンデント・グループの会合では、共同設立者でありアーティストで彫刻家のエドゥアルド・パオロッツィが、 1947年から1949年にかけてパリに滞在していた間に集めた「 Bunk! 」と題した一連のコラージュを使って講演を行った。 ^{[2] [10]}広告、漫画のキャラクター、雑誌の表紙、さまざまな大量生産されたグラフィックなどの「ファウンド・オブジェクト」の素材は、主にアメリカの大衆文化を表していた。そのプレゼンテーションのコラージュの1つは、パオロッツィの「私は金持ちの遊び人」（1947年）で、リボルバーから出る煙の雲の中に「ポップ」という言葉が初めて登場しています。^{[2] [11]} 1952年のパオロッツィの独創的なプレゼンテーションに続いて、IGは主にアメリカの大衆文化、特にマス広告のイメージに焦点を当てました。^[6]

ジョン・マクヘイルの息子によると、「ポップアート」という用語は、1954年にフランク・コーデルとの会話の中で父親が初めて作ったものだという^[12]が、他の資料ではイギリスの批評家ローレンス・アロウェイがその起源であるとしている^{[13] [14]}（どちらのバージョンも、この用語が1955年半ばまでに インディペンデント・グループの議論で使用されていたことに同意している。）

「ポップアート」という呼称は、1955年のIG第2回会合でIGメンバーによる議論の中で使われ、特定の用語「ポップアート」が初めて印刷物に登場したのは、1956年にIGメンバーのアリソンとピーター・スミスソンがArk誌に寄稿した記事「しかし今日、私たちは広告を集めている」である。 ^[15]しかし、この用語は、正確には「大衆文化」という言葉が使われているにもかかわらず、イギリスの 美術評論家/キュレーターの ローレンス・アロウェイが1958年に書いた「芸術とマスメディア」というエッセイで使われたとされることが多い。^[16]「さらに、私が当時意味していたのは、今の意味とは違います。私はその言葉、そして「ポップ カルチャー」を、大衆文化を題材にした芸術作品ではなく、マス メディアの産物を指すために使用しました。いずれにせよ、1954 年から 1955 年の冬から 1957 年の間に、この言葉が会話の中で使われるようになりました...」^[17]それでも、アロウェイは、大衆文化のイメージを美術に含めることを擁護した主要な批評家の 1 人でした。アロウェイがこれらの用語を明確にしたのは 1966 年で、その時点では、ポップ アートは既に美術学校や小さなギャラリーから、芸術界の大きな力へと移行していました。しかし、その成功はイギリスではありませんでした。実質的に同時に、そして独立して、ニューヨーク市がポップ アートの温床となっていました。^[17]

ロンドンでは、1960年に王立英国芸術家協会（RBA）が毎年開催する若手アーティストの展覧会で初めてアメリカのポップの影響が示された。1961年1月、RBAのヤング・コンテンポラリーズで最も有名なのは、デイヴィッド・ホックニー、アメリカのRBキタイ、ニュージーランド人のビリー・アップル、アレン・ジョーンズ、デレク・ボシャー、ジョー・ティルソン、パトリック・コールフィールド、ピーター・フィリップス、ポーリン・ボティ、ピーター・ブレイクだった。アップルは1961年と1962年のヤング・コンテンポラリーズ展のポスターと招待状をデザインした。^[18]ホックニー、キタイ、ブレイクは同年、リバプールのジョン・ムーアズ展で賞を受賞した。アップルとホックニーは、1961年のロイヤル・カレッジの夏休み中に一緒にニューヨークを旅行しました。このとき、アップルは初めてアンディ・ウォーホルと接触しました。その後、両者はアメリカに移住し、アップルはニューヨークのポップアート界に関わるようになりました。^[18]

ポップアートは1950年代初頭に始まったが、アメリカでは1960年代に最も勢いを増した。「ポップアート」という用語が正式に導入されたのは1962年12月、ニューヨーク近代美術館が主催した「ポップアートに関するシンポジウム」がきっかけだった。^[19]この頃までに、アメリカの広告は近代美術の多くの要素を取り入れ、非常に洗練されたレベルで機能していた。その結果、アメリカのアーティストは、芸術をデザイン性が高く巧妙な商業素材から遠ざける劇的なスタイルをもっと深く探さなければならなかった。^[6]イギリス人はアメリカの大衆文化のイメージをやや離れた視点から見ていたため、彼らの見方にはロマンチックで感傷的でユーモラスなニュアンスが込められることが多かった。対照的に、大量生産されたイメージの多様性に毎日さらされていたアメリカのアーティストは、一般的にもっと大胆で攻撃的な作品を制作した。^[10]

歴史家、キュレーター、評論家のヘンリー・ゲルツァーラーによると、「レイ・ジョンソンのコラージュ作品『エルヴィス・プレスリーNo.1』と『ジェームズ・ディーンのコラージュ』は、ポップ・ムーブメントのプリマス・ロックと言える」とのこと。^[20]作家のルーシー・リップアードは、「エルヴィスとマリリン・モンローのコラージュは、ウォーホル風ポップの到来を告げた」と書いている。^[21]ジョンソンはグラフィック・デザイナーとして働き、1956年までにアンディ・ウォーホルと出会い、2人でニュー・ディレクションズや他の出版社の本の表紙を数冊デザインした。ジョンソンはオフセット印刷で印刷したデザイン・サービスを宣伝する風変わりなチラシを郵送し始めた。後に彼は「ニューヨーク通信学校」の創設者としてメール・アートの父として知られるようになり、同時代の人たちのように大きな作品を作るのではなく、切り抜きや絵を封筒に詰める小さな作品を作り始めた。^{[22] 1958年1月の}アートニュースの表紙画像に関する記事では、「[ジャスパー]ジョーンズの最初の個展は、彼をラウシェンバーグ、トゥオンブリー、カプロー、レイ・ジョンソンなどのよく知られた同僚たちと並べたものである」と指摘されている。^[23]

実際、アメリカのポップアートの語彙を確立した他の二人の重要な芸術家は、画家のジャスパー・ジョーンズとロバート・ラウシェンバーグである。^[10]レイ・ジョンソンと同じく、第二次世界大戦後にノースカロライナ州のブラックマウンテン・カレッジに通ったラウシェンバーグは、クルト・シュヴィッタースや他のダダ芸術家たちの初期の作品に影響を受け、「絵画は芸術と人生の両方に関係している」という彼の信念は、当時の支配的なモダニズムの視点に挑戦したものだった。^[24]彼は廃棄されたレディメイドの物（コンバイン）やポップカルチャーのイメージ（シルクスクリーンの絵画）を使用することで、作品をアメリカの日常の話題の出来事と結び付けた。^{[10] [25] [26] 1962年から64年のシルクスクリーンの絵画は、表現力豊かな筆遣いと}、ライフ、ニューズウィーク、ナショナルジオグラフィックなどの雑誌の切り抜きをシルクスクリーンで組み合わせたものである。ジョンズのアメリカの国旗、標的、数字、地図などの絵画や、ビール缶の立体描写は、芸術における表現の問題に注目を集めました。^{[27]ジョンズとラウシェンバーグの1950年代の作品は、}ネオ・ダダと呼ばれることが多く、1960年代初頭に爆発的に流行した典型的なアメリカのポップアートとは視覚的に異なります。^{[28] [29]}

ロイ・リキテンスタインは、アメリカのポップアートにとって同等の重要性を持っています。彼の作品、そしてそのパロディの使用は、おそらく他のどの作品よりもポップアートの基本的前提を定義しています。^[10]昔ながらのコミックストリップを題材に選んだリキテンスタインは、記録しながらもソフトな方法でパロディ化した、ハードエッジで正確な構成を生み出しています。リキテンスタインは、DCコミックスのシークレットハーツ# 83のリードストーリーから流用したDrowning Girl（1963）など、最もよく知られた作品で油絵具とマグナペイントを使用しています。（ Drowning Girlは、ニューヨーク近代美術館のコレクションの一部です。）^[30]彼の作品は、写真複製で作成されたかのように、太いアウトライン、大胆な色、特定の色を表すベンデイドットを特徴としています。リヒテンシュタインは、「抽象表現主義者はキャンバスに何かを描き、色の位置や大きさなど、自分がやったことに対して反応した。私のスタイルは全く違うように見えるが、線を描くという性質はほぼ同じだ。私のものは、ポロックやクラインの作品のように書道風には見えないだけだ」と述べている。^[31]ポップアートは、ユーモア、皮肉、認識可能なイメージやコンテンツを混ぜ合わせながら、大衆文化と美術を融合させている。

リヒテンシュタインの絵画は、アンディ・ウォーホルやトム・ウェッセルマンらの絵画と同様に、アメリカの大衆文化のありふれたイメージに直接結びついているが、同時に主題を非人格的に扱い、大量生産の理想化をはっきりと示している。^[10]

アンディ・ウォーホルはおそらくポップアート界で最も有名な人物だろう。実際、美術評論家のアーサー・ダントーはかつてウォーホルを「美術史が生んだ哲学的天才に最も近い存在」と呼んだことがある。^[19]ウォーホルはポップを芸術的スタイルを超えてライフスタイルにまで高めようとし、彼の作品には同時代の多くの作品に見られる皮肉やパロディを排した人間味の欠如がしばしば表れている。^{[32] [33]}

クレス・オルデンバーグ、ジム・ダイン、トム・ウェッセルマンは、1959年と1960年にジャドソン・ギャラリーで最初の展覧会を開き、その後1960年から1964年にかけて、マンハッタンの57丁目のグリーン・ギャラリーでジェームズ・ローゼンクイスト、ジョージ・シーガルらと共に展覧会を行った。1960年、マーサ・ジャクソンはインスタレーションとアサンブラージュを発表した。「ニューメディア - ニューフォーム」では、ハンス・アルプ、クルト・シュヴィッタース、ジャスパー・ジョーンズ、クレス・オルデンバーグ、ロバート・ラウシェンバーグ、ジム・ダイン、メイ・ウィルソンの作品を取り上げた。1961年は、マーサ・ジャクソンの春の展覧会「環境、状況、空間」が開催された年であった。^{[34] [35]アンディ・ウォーホルは1962年7月にロサンゼルス}のアーヴィング・ブラムのフェラス・ギャラリーで初の個展を開催し、キャンベルのスープ缶を描いた32点の絵画を展示した。各フレーバーごとに1点ずつである。ウォーホルはこの絵画セットをブラムに1,000ドルで売却した。1996年にニューヨーク近代美術館がこのセットを購入したとき、その価値は1,500万ドルであった。^[19]

マックス・ファクター・ジュニアの息子で、美術収集家で前衛 文芸誌 『ノマド』の共同編集者でもあるドナルド・ファクターは、同誌の最終号『ノマド/ニューヨーク』にエッセイを寄稿した。このエッセイは、後にポップアートとして知られるようになるものについての最初のものの一つであったが、ファクター自身はその用語を使用していなかった。「4人の芸術家」と題されたこのエッセイは、ロイ・リキテンスタイン、ジェームズ・ローゼンクイスト、ジム・ダイン、クレス・オルデンバーグに焦点を当てていた。^[36]

1960年代、ポップアート運動と関わりを持つようになったオルデンバーグは、当時のパフォーマンスアートに関連した作品であるハプニングを数多く手がけた。彼は自身の作品を「レイガンシアター」と名付けた。彼のパフォーマンスに出演した仲間には、アーティストのルーカス・サマラス、トム・ウェッセルマン、キャロリー・シュネーマン、オイヴィンド・ファールストローム、リチャード・アルトシュヴァーガー、ディーラーのアニーナ・ノセイ、美術評論家のバーバラ・ローズ、脚本家のルディ・ワーリッツァーなどがいた。^[37]彼の最初の妻で、彼の初期のソフトスカルプチャーの多くを縫製したパティ・ミュシャは、彼のハプニングに常に出演していた。この大胆で、しばしばユーモラスなアートへのアプローチは、アートは本質的に「深遠な」表現やアイデアを扱うという当時の一般的な感覚と大きく相容れないものであった。 1961年12月、彼はマンハッタンのローワー・イースト・サイドに店を借り、そこで1か月間にわたるインスタレーション「ザ・ストア」を開催した。これは彼がニューヨークのマーサ・ジャクソン・ギャラリーで初めて発表したもので、大体消費財の形をした彫刻が並べられていた。^[37]

1962年にオープンしたウィレム・デ・クーニングのニューヨークの美術商、シドニー・ジャニス・ギャラリーは、アメリカ、フランス、スイス、イタリアの新リアリズムとイギリスのポップアートを概観する画期的な国際新リアリスト展を主催しました。展示された54人のアーティストには、リチャード・リンドナー、ウェイン・ティーボー、ロイ・リキテンスタイン（とその絵画『ブラム』）、アンディ・ウォーホル、クレス・オルデンバーグ、ジェームズ・ローゼンクイスト、ジム・ダイン、ロバート・インディアナ、トム・ウェッセルマン、ジョージ・シーガル、ピーター・フィリップス、ピーター・ブレイク（ 1961年の『ラブ・ウォール』）、オイヴィンド・ファールストローム、イヴ・クライン、アルマン、ダニエル・スポエリ、クリスト、ミモ・ロテラが含まれていました。この展覧会は、ニューヨークでヨーロッパ人のマーシャル・レイス、ニキ・ド・サンファル、ジャン・ティンゲリーらが鑑賞し、アメリカの作品の大きさと見た目に驚愕した。また、マリソル、マリオ・シファーノ、エンリコ・バイ、オイヴィンド・ファールストロームも展示された。ジャニスは、マーク・ロスコ、ロバート・マザーウェル、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストンがギャラリーを辞めたため、抽象表現主義のアーティストの一部を失ったが、ディーン、オルデンバーグ、シーガル、ウェッセルマンを獲得した。 ^[38]コレクターのバートン・トレメインが開いたオープニング・ナイトの夜会にウィレム・デ・クーニングが登場したが、皮肉なことにトレメインはデ・クーニングの作品を多数所有していたため、入場を拒否した。ローゼンクイストは、「その瞬間、アート界で何かが確実に変わったと思った」と回想している。^[19]尊敬される抽象芸術家を拒否したことは、1962年にはすでにポップアート運動がニューヨークの芸術文化を支配し始めていたことを証明した。

その少し前に西海岸では、ニューヨークからロイ・リキテンスタイン、ジム・ダイン、アンディ・ウォーホル、デトロイトからフィリップ・ヘファートンとロバート・ダウド、オクラホマシティからエドワード・ルシェとジョー・グッド、カリフォルニアからウェイン・ティーボーが「ありふれた物の新しい絵画」展に参加していた。アメリカで最初のポップアート美術館でのこの展覧会は、パサデナ美術館でウォルター・ホップスがキュレーションしたものだった。^[39]ポップアートはアート界を変える準備ができていた。1963年、ニューヨークがパサデナに続き、グッゲンハイム美術館でローレンス・アロウェイがキュレーションした「6人の画家と物」展が開催された。アーティストはジム・ダイン、ジャスパー・ジョーンズ、ロイ・リキテンスタイン、ロバート・ラウシェンバーグ、ジェームズ・ローゼンクイスト、アンディ・ウォーホルだった。^[40]もう一つの重要な初期の展覧会は、 1964年にビアンキーニギャラリーが企画した「アメリカンスーパーマーケット」である。この展覧会は典型的な小さなスーパーマーケットの環境として提示されたが、農産物、缶詰、肉、壁のポスターなど、そこにあるすべてのものが、アップル、ウォーホル、リヒテンシュタイン、ウェッセルマン、オルデンバーグ、ジョーンズなど、当時の著名なポップアーティストによって作成されたものであった。このプロジェクトは、2002年にテートギャラリーの「ショッピング：アートと消費者文化の世紀」の一環として再現された。^[41]

1962年までに、ポップアーティストはニューヨークとロサンゼルスの商業ギャラリーで展示を開始した。一部のアーティストにとっては、これが初めての商業的な個展となった。フェラスギャラリーはロサンゼルスでアンディ・ウォーホルの作品を展示した（ 1963年にはエド・ルシェも展示）。ニューヨークでは、グリーンギャラリーがローゼンクイスト、シーガル、オルデンバーグ、ウェッセルマンの作品を展示した。ステイブルギャラリーはR・インディアナとウォーホルの作品を展示した（ウォーホルにとってニューヨークでの最初の個展）。レオカステリギャラリーはラウシェンバーグ、ジョーンズ、リヒテンシュタインの作品を展示した。マーサ・ジャクソンはジム・ダイン、アレン・ストーンはウェイン・ティーボーの作品を展示した。1966年までに、グリーンギャラリーとフェラスギャラリーが閉館した後、レオカステリギャラリーはローゼンクイスト、ウォーホル、ラウシェンバーグ、ジョーンズ、リヒテンシュタイン、ルシェの作品を展示した。シドニー・ジャニス・ギャラリーはオルデンバーグ、シーガル、ディーン、ウェッセルマン、マリソルの代理を務め、アレン・ストーンは引き続きティーボーの代理を務め、マーサ・ジャクソンは引き続きロバート・インディアナの代理を務めた。^[42]

1968年、サンパウロ9展覧会「環境USA：1957-1967」では、ポップアートの「Who's Who」が特集された。アメリカのポップアート時代の古典的段階の総括として考えられたこの展覧会は、ウィリアム・ザイツがキュレーションした。アーティストは、エドワード・ホッパー、ジェームズ・ギル、ロバート・インディアナ、ジャスパー・ジョーンズ、ロイ・リキテンスタイン、クレス・オルデンバーグ、ロバート・ラウシェンバーグ、アンディ・ウォーホル、トム・ウェッセルマンであった。^[43]

ヌーヴォー・レアリスムは、 1960年に美術評論家のピエール・レスタニ^[44]と芸術家のイヴ・クラインによってミラノのアポリネール画廊で最初の集団博覧会の際に創設された芸術運動を指す。ピエール・レスタニは1960年4月に「新リアリズムの構成宣言」と題されたグループのオリジナルのマニフェストを書き、「ヌーヴォー・レアリスム ― 現実を認識する新しい方法」と宣言した。 ^[45]この共同宣言は1960年10月27日にイヴ・クラインの工房で9人によって署名された：イヴ・クライン、アルマン、マーシャル・レイス、ピエール・レスタニ、ダニエル・スポエリ、ジャン・ティンゲリーとウルトラ・レトリス、フランソワ・デュフレーヌ、レイモン・アン、ジャック・ド・ラ・ヴィルグレ。 1961年にセザール、ミンモ・ロテッラ、ニキ・ド・サンファル、ジェラール・デシャンがこれに加わった。アーティストのクリストもこのグループに加わった。グループは1970年に解散した。 ^[45]

アメリカのポップアートの同時代人であり、しばしばフランスにおけるその転用として考えられているニューリアリズムは、フルクサスや他のグループとともに、1960年代の前衛芸術の数多くの傾向の1つであった。グループは当初、クラインとアルマンの出身地であるフランスのリビエラのニースを拠点として選んだ。そのため、ニューリアリズムは、エコール・ド・ニース[fr]運動の初期の代表であると後から歴史家によって考えられている。 [ 46 ^]彼らの造形言語の多様性にもかかわらず、彼らは作品の共通の基盤を認識していた。それは、レスタニーの言葉を借りれば「都市、産業、広告の現実の詩的なリサイクル」に相当する、現実を直接流用する方法であった。 ^[47]

スペインでは、ポップアートの研究は、非公式主義の危機の根源から生まれた「新しい具象」と結び付けられています。エドゥアルド・アロヨは、環境への関心、マスメディアコミュニケーションと絵画の歴史の両方の象徴を取り入れた私たちのメディア文化に対する批判、そしてほぼすべての確立された芸術スタイルに対する軽蔑により、ポップアートのトレンドに当てはまると言えます。しかし、最も真正に「ポップ」アートの一部であると考えられるスペインのアーティストは、彼の作品に人気のあるイメージと空白を使用しているアルフレド・アルカインです。^{[引用が必要]}

スペインのポップアートのカテゴリーには、1964年から1981年までバレンシアで存在した「クロニクルチーム」（ El Equipo Crónica ）も含まれ、アーティストのマノロ・バルデスとラファエル・ソルベスによって結成されました。彼らの運動は、漫画や宣伝画像の使用、画像と写真構成の単純化により、「ポップ」と特徴付けられます。映画監督のペドロ・アルモドバルは、 1970年代のマドリードの「ラ・モビーダ」サブカルチャーから登場し、低予算のスーパー8のポップアート映画を制作し、その後、当時のメディアからスペインのアンディ・ウォーホルと呼ばれました。アルモドバルに関する本「アルモドバル」では、1950年代の映画「ファニーフェイス」が彼の作品の中心的なインスピレーションであったと語っています。アルモドバルの映画のポップなトレードマークの1つは、シーンに挿入される偽のコマーシャルを常に制作することです。^[要出典]

ニュージーランドでは、1990年代以降、ポップアートが主に栄え、しばしばキウィアナと結び付けられている。キウィアナは、ミートパイ、キウイフルーツ、トラクター、ジャンダル、フォースクエアスーパーマーケットなど、古典的なニュージーランドの象徴をポップ中心に理想化した表現であり、その本来のキャンプさは、文化的メッセージを示すためにしばしば覆される。 ^[48]ディック・フリッゼルは、有名なニュージーランドのポップアーティストであり、古いキウィアナのシンボルを現代文化のパロディとして使うことで知られている。例えば、フリッゼルは、外国人アーティストの作品を模倣し、彼らの作品にニュージーランド独自の視点や影響を与えることを楽しんでいる。これは、ニュージーランドが歴史的に世界に与える影響が控えめであることを示すために行われ、ナイーブアートはこのようにアオテアロアのポップアートと結び付けられている。^[49]

これは、ミシェル・タフリーの有名な作品「ピスポ・ルア・アフェ（コーンビーフ 2000） 」のように、攻撃的で無表情な方法でも行われる。サモア系であるタフリーは、ピスポと呼ばれる加工食品の缶詰で雄牛を表現したこの作品を制作した。この作品は、タフリーが非西洋文化に対する新植民地主義や人種差別（作品の素材である食品の缶詰は、西洋がサモア人にもたらした経済的依存を表している）というテーマを盛り込んでいる点で、西洋のポップアートの中でもユニークな作品である。紛れもない先住民族の視点が、より一般的な非先住民族のポップアート作品と一線を画している。^{[50] [51]}

ニュージーランドの最も初期の有名なポップアーティストの一人はビリー・アップルで、英国王立芸術家協会の数少ない非英国人会員の一人である。 1961年1月のRBA展覧会「Young Contemporaries 」でデイヴィッド・ホックニー、アメリカ人RBキタイ、ピーター・ブレイクらとともに特集されたアップルは、すぐに1960年代の象徴的な国際的アーティストになった。これは彼が「ビリー・アップル」というあだ名を思いつく前のことであり、彼の作品は本名のバリー・ベイツで展示されていた。彼は名前だけでなく外見でも自分を区別しようとしたため、レディ・クレロール・インスタント・クリーム・ホイップで髪と眉毛を脱色した。後にアップルは1970年代のコンセプチュアルアート運動と関係した。^[52]

日本では、ポップアートは国内の著名な前衛芸術から発展した。1920年代後半から1930年代前半にかけて古賀春江が制作したフォトモンタージュ風の絵画に、雑誌からコピーした現代世界のイメージが使われ、ポップアートの要素を予感させた。 ^[53]日本の具体運動は、1958年にマーサ・ジャクソンのニューヨークのギャラリーで「具体」展を開催することになり、その2年前にはポップアートを有名にした有名な「ニュー・フォームズ・ニュー・メディア」展が開催されていた。^[54]草間彌生の作品はポップアートの発展に貢献し、アンディ・ウォーホルなど多くのアーティストに影響を与えた。^{[55] [56]} 1960年代半ばには、グラフィックデザイナーの横尾忠則が最も成功したポップアーティストの一人となり、日本のポップアートの国際的なシンボルとなった。彼は広告や、ビートルズ、マリリン・モンロー、エリザベス・テイラーなどポップカルチャーのアイコンへのアートワークの制作でよく知られています。 ^[57]当時のもう一人の代表的なポップアーティストは田名網敬一でした。スピード・レーサーや鉄腕アトムなど、日本の漫画やアニメの象徴的なキャラクターもポップアートのシンボルとなっています。日本の漫画やアニメは、村上隆や彼のスーパーフラット運動 など、後のポップアーティストにも影響を与えました。

イタリアでは、1964 年までにポップ アートが知られ、ローマの「ポポロ広場」のように、マリオ シファノ、フランコ アンジェリ、ジョゼッタ フィオローニ、タノ フェスタ、クラウディオ チントーリなどのポップ アーティストやいくつかの芸術作品が参加するなど、さまざまな形をとりました。ピエロ・マンゾーニ、ルチョ・デル・ペッツォ、ミンモ・ロテッラ、ヴァレリオ・アダミによる。

イタリアのポップアートは 1950 年代の文化に端を発し、正確にはエンリコ・バジとミモ・ロテッラの作品がこのシーンの先駆者とみなされています。実際、バジとロテッラが以前のキャリア (完全にポストダダイズムであったにもかかわらず、一般的には非具象ジャンルに属すると定義されるかもしれません) を捨て、周囲に湧き出していた新しいイメージの世界とそれに対する反映に飛び込んだのは、1958 年から 1959 年頃でした。ロテッラの引き裂かれたポスターは、ますます具象的な趣味を示し、しばしばその時代の偉大なアイコンを明示的かつ意図的に参照していました。バジの作品は現代のキッチュに浸っており、それがイメージの「金鉱」となり、全世代のアーティストにとって刺激となりました。

新しさは、「国内の壁」の内側と屋外の両方における新しい視覚的パノラマから生まれました。車、道路標識、テレビ、すべての「新しい世界」、すべてが芸術の世界に属し、それ自体が新しいものです。この点で、イタリアのポップアートは、国際舞台と同じイデオロギーの道を歩んでいます。唯一変わるのは、図像学と、場合によってはそれに対するより批判的な態度の存在です。この場合でさえ、プロトタイプは、社会との関係において中立からは程遠いロテッラとバジの作品にまで遡ることができます。しかし、これは排他的な要素ではありません。ジャンニ・ルッフィ、ロベルト・バルニ、シルヴィオ・パゾッティ、ウンベルト・ビグナルディ、クラウディオ・チントーリなど、現実を玩具として捉え、幻滅感と軽薄さをもって素材を引き出すためのイメージの宝庫として捉え、アルド・パラッツェスキ風の「楽しませてくれ」という新たな精神で伝統的な言語のロールモデルに疑問を投げかける芸術家が数多く存在する。^[58]

ベルギーでは、アポロ計画の際に月面に残された彫刻作品『Fallen Astronaut』を制作したポール・ファン・ホーイドンクや他の著名なポップ・アーティストによって、ある程度ポップ・アートが代表されました。マルセル・ブロータース（「あなたは人形ですか？」）、エヴェリン・アクセル、パナマレンコなど、世界的に有名なアーティストはポップアート運動に恩恵を受けている。ブロータースに大きな影響を与えたのはジョージ・シーガルである。もう一人の有名なアーティスト、ロジャー・ラヴェールは、絵画の1つに本物の生きた鳩の入った鳥かごを載せている。1960年代末から1970年代初めにかけて、ベトナム戦争のますます残酷な性格からアメリカに対してより批判的な態度をとるようになった一部のアーティストの作品からポップアートへの言及は消えた。しかし、パナマレンコは今日までポップアート運動に内在する皮肉を保持し続けている。ナミュール出身のエヴェリン・アクセルは、 1964年から1972年にかけて多作なポップアーティストだった。アクセルは女性ポップアーティストの先駆者の1人で、マグリットに師事し、最もよく知られている絵画は「アイスクリーム」である。^[59]

オランダには正式なポップアート運動はなかったが、ポップアートの初期にニューヨークに滞在し、国際的なポップアート運動からインスピレーションを得たアーティストのグループがいた。オランダのポップアートの代表者としては、ダーン・ファン・ゴールデン、ギュスターヴ・アッセルベルグス、ジャック・フレンケン、ヤン・クレマー、ヴィム・T・シッパーズ、ウッディ・ファン・アーメンなどがいる。彼らは、ユーモラスでありながらもシリアスな雰囲気の作品を制作することで、オランダのプチブルジョア精神に対抗した。この種の作品の例として、ウッディ・ファン・アーメンの『Sex O'Clock』やジャック・フレンケンの『Crucifix / Target 』などがある。^[60]

ロシアはポップアート運動に参加するのが少し遅れ、ポップアートに似た芸術作品は、ロシアが共産主義国で大胆な芸術的表現が厳しく監視されていた1970年代初頭にようやく登場した。ロシア独自のポップアートはソビエトをテーマにしており、ソッツアートと呼ばれていた。1991年以降、共産党は権力を失い、表現の自由がもたらされた。ロシアのポップアートは別の形をとり、 1990年にドミトリー・ヴルーベリが描いた「神よ、この致命的な愛から生き延びるのを助けたまえ」に代表される。1950年代に国の富を宣伝するために作られたソビエトのポスターは、それ自体がポップアートの一種だったと主張する人もいるかもしれない。^[61]

• ブロック、マーク。ブルックリン・レール。「具体：1953-1959」、2018年6月。
• ディゴリー、テレンス（2013）『ニューヨーク派詩人百科事典』（アメリカ文学図書館所蔵）。ISBN 978-1-4381-4066-7 
• フランシス、マーク、フォスター、ハル（2010）ポップ。ロンドンおよびニューヨーク：ファイドン。
• ハスケル、バーバラ (1984) BLAM! ポップ、ミニマリズム、パフォーマンスの爆発 1958-1964。ニューヨーク: WW ノートン & カンパニー、ホイットニー美術館と提携。
• ミハイル・リフシッツ『醜さの危機：キュービズムからポップアートへ』。デイヴィッド・リフによる翻訳と序文。ライデン：BRILL、2018年（ロシア語版はIskusstvo社、1968年初版）。
• リパード、ルーシー・R. (1966) 『ポップアート』、ローレンス・アロウェイ、ナンシー・マーマー、ニコラス・カラス、フレデリック・A・プレーガー寄稿、ニューヨーク。
• セルツ、ピーター（司会）、アシュトン、ドーレ、ゲルツァーラー、ヘンリー、クレイマー、ヒルトン、クニッツ、スタンレー、スタインバーグ、レオ（1963年4月）「ポップアートに関するシンポジウム」『アートマガジン』、pp.36-45。1962年12月13日にニューヨーク近代美術館で開催されたシンポジウムの記録。

ウィキメディア・コモンズには、ポップアートに関連するメディアがあります。

Wikiquote にはポップアートに関する引用があります。

• ポップアート：簡単な歴史、MoMAラーニング
• メトロポリタン美術館の現代美術におけるポップアート
• ブルックリン美術館展: 魅惑的な転覆: 女性ポップアーティスト 1958-1968、2010 年 10 月-2011 年 1 月
• ブルックリン美術館、Wiki/ポップ（女性ポップアーティスト）
• テート用語集のポップアート用語