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オランダ黄金時代の絵画とは、オランダの歴史においておおよそ17世紀にわたる時期、すなわちオランダ独立のための八十年戦争（1568年～1648年）の後半とその後の時期に描かれた絵画のことである。[ 1 ]
新しいオランダ共和国はヨーロッパで最も繁栄した国であり、ヨーロッパの貿易と科学をリードしていた。[ 2 ]新しい国家を構成していたオランダ北部の州は、伝統的に南部のフランドルの都市ほど重要な芸術の中心地ではなかった。戦争による激動と大規模な人口移動、そして古い君主制とカトリックの文化伝統からの急激な断絶は、オランダの芸術がほぼ完全に自己改革を迫られることを意味し、オランダはこの課題において非常に大きな成功を収めた。宗教的主題の絵画は急激に衰退したが、あらゆる種類の世俗的主題の大きな新しい市場が成長した。
オランダ黄金時代の絵画は、ヨーロッパにおけるバロック絵画の一般的な時代区分に含まれ、その特徴を多く備えているものの、近隣のフランドル地方の作品を含め、多くのバロック作品に見られるような理想化や華麗さへの愛着はほとんど見られない。この時代の作品の中でも特に有名なものを含め、ほとんどの作品は、初期ネーデルラント絵画から受け継がれた緻密な写実主義の伝統を反映している。
この時代の特徴は、絵画のさまざまなジャンルが数多く出現したことであり、 [ 3 ]ほとんどの画家はこれらのジャンルのいずれかで作品の大部分を制作した。この専門化が完全に発展したのは1620年代後半からで、それから1672年のフランス侵攻までの期間が黄金時代の絵画の中核をなす。画家たちはキャリアのほとんどを肖像画、風俗画、風景画、海景画、船、静物画、そして多くの場合、これらのカテゴリー内の特定のサブタイプを描くことに費やした。これらの主題の多くは西洋絵画では新しいものであり、この時代のオランダ人がそれらをどのように描いたかが、その後の発展を決定づけた。
それまでのヨーロッパ絵画と比べて、この時代の際立った特徴は、宗教画の少なさであった。オランダのカルヴァン主義は教会での宗教画を禁じており、聖書を題材とした作品は私邸では許容されていたものの、制作された数は比較的少なかった。歴史画や肖像画といった他の伝統的なジャンルは存在したが、この時代は農民生活、風景、都市景観、動物のいる風景、海洋画、花卉画、様々な種類の静物画など、数多くの専門的なカテゴリーに細分化された、多種多様なジャンルでより注目に値する。これらの絵画の多くの発展は、17世紀のオランダの画家たちによって決定的に影響を受けた。
絵画における「ジャンルの階層」という広く受け入れられている理論、すなわち、あるジャンルが他のジャンルよりも格上とみなされるという理論は、多くの画家が歴史画を描きたいと願うようになった原因となった。 [ 4 ]しかし、レンブラントでさえ経験したように、歴史画は最も売れにくいジャンルだった。多くの画家は、はるかに売れやすい肖像画や風俗画を描かざるを得なかった。地位の高い順に、階層におけるカテゴリーは以下の通りである。
オランダ人は「下位」のカテゴリーに重点を置いたが、階層の概念を否定したわけではない。[ 6 ]ほとんどの絵画は比較的小さく、本当に大きな絵画で一般的なのはグループ肖像画だけだった。壁に直接絵を描くことはほとんどなく、公共の建物の壁面を装飾する必要がある場合は、通常、額装されたキャンバスが使用された。硬い表面で可能なより精密さのために、多くの画家は西ヨーロッパの他の地域で木製パネルの使用が放棄された後も、木製パネルを使い続けた。銅版画を使用した画家もおり、通常は版画の版を再利用していた。その一方で、18世紀から19世紀にかけて画家によって新しい作品で上塗りされたため、現存する黄金時代の絵画の数は減少した。質の低い作品は、通常、新しいキャンバス、ストレッチャー、フレームよりも安価だった。
この時期のオランダの彫刻作品は非常に少なく、主に墓碑や公共建築物に見られる程度で、家屋用の小さな彫刻はほとんどなく、銀器や陶器がその役割を担っていた。デルフト焼きのタイルは非常に安価で普及していたが、本当に質の高いものは稀だった。一方、銀器、特に耳飾りの様式はヨーロッパを席巻した。この例外を除けば、最高の芸術的努力は絵画と版画に集中していた。
外国人は、制作された膨大な量の美術品と、多くの絵画が売買された大規模な市に感嘆した。 1640年以降の20年間だけで、130万点以上のオランダ絵画が描かれたと概算されている。[ 7 ] 制作量が多かったため、最も有名な画家を除けば、価格はかなり低かった。その後のほとんどの時代と同様に、より流行の画家には急激な価格差があった。[ 8 ]当時強い評価を得ていなかったり、流行遅れになっていたりした画家、例えばフェルメール、フランス・ハルス、晩年のレンブラントなど、現在ではこの時代の最も偉大な画家の一人とみなされている画家の多くは、生計を立てるのにかなり苦労し、貧困のうちに亡くなった。多くの画家は他の仕事に就いたり、美術を完全に放棄したりした。[ 9 ]特に、1672年のフランス侵攻（ 「災厄の年」、 Rampjaar）は美術市場に深刻な不況をもたらし、以前のような高水準に戻ることはなかった。[ 10 ]
絵画の流通は非常に広範で、「鍛冶屋や靴屋などが、鍛冶場や店先に何かしらの絵画を飾っていることがよくある。これが、この地方の住民が絵画に対して抱く一般的な認識、傾向、喜びである」と、1640年にイギリスの旅行者が報告している。[ 11 ] 事実上初めて、多くのプロの美術商がおり、その中にはフェルメールとその父、ヤン・ファン・ゴーイェン、ウィレム・カルフといった著名な画家もいた。レンブラントの美術商ヘンドリック・ファン・ウイレンブルフとその息子ヘリットは最も重要な人物の一人であった。風景画は依頼を受けない作品の中で最も売れやすく、風景画家はサミュエル・ファン・ホーグストラテンによれば「美術軍の一般兵士」であった。[ 12 ]
オランダの芸術家の技術水準は概して高く、依然として中世の徒弟制度による師弟修業の伝統を多く踏襲していた。工房はフランドルやイタリアに比べて規模が小さく、一度に弟子は1人か2人しかおらず、その数はギルドの規則によって制限されることが多かった。共和国初期の混乱期には、南部から追放された芸術家が北部へ移住し、宮廷や教会における伝統的な市場が失われたことで、芸術家ギルドが復活し、現在でも聖ルカギルドと呼ばれることが多い。多くの場合、こうしたギルドは、家屋塗装など他の複数の職業とギルドを共有していた中世の集団から芸術家が脱却することを意味していた。この時期にはいくつかの新しいギルドが設立された。アムステルダムでは1579年、ハールレムでは1590年、ゴーダ、ロッテルダム、ユトレヒト、デルフトでは1609年から1611年の間に設立された。 [ 13 ]ライデン当局はギルドを信用しておらず、1648年までギルドの設立を認めなかった。[ 14 ]
世紀後半になると、訓練と販売の両方を管理するギルドという古い考え方がもはやうまく機能しないことが関係者全員に明らかになり始め、徐々にギルドはアカデミーに取って代わられ、多くの場合、芸術家の訓練のみに関心が向けられるようになった。 ハーグは宮廷とともに初期の例であり、1656年にコンフレリエ・ピクトゥラが設立されたことで芸術家は2つのグループに分かれた。肖像画は明らかに例外だが、当時他の国よりも多くのオランダ絵画が特定の依頼なしに「投機的に」制作された。これはオランダの美術市場が未来を示した多くの方法の1つである。[ 15 ]
芸術家の家系は数多くあり、その多くは師匠や他の芸術家の娘と結婚した。多くの芸術家は裕福な家庭の出身で、見習い期間の費用を支払ってもらい、しばしば財産のある家柄の人と結婚した。レンブラントとヤン・ステーンはどちらも一時期ライデン大学に在籍していた。いくつかの都市は主題ごとに独特の様式と専門性を持っていたが、アムステルダムはその莫大な富ゆえに最大の芸術の中心地であった。 [ 16 ] 16世紀前半はハールレムやユトレヒト などの都市がより重要であったが、1648年以降はライデンなどの都市が台頭し、中でもアムステルダムはオランダの他の地域だけでなく、フランドルやドイツからも芸術家をますます引き寄せるようになった。[ 17 ]
オランダの芸術家は、他の多くの国の芸術家と比べて芸術理論への関心が著しく低く、自分たちの芸術について議論することも少なかった。また、当時のイタリアで一般的だった芸術理論への関心は、一般の知識人や一般大衆の間でもはるかに低かったようだ。[ 18 ] 委託や販売のほとんどすべてが私的なもので、記録が残っていないブルジョワ階級の個人間で行われたため、これらも他の地域ほど詳しく記録されていない。しかし、オランダの芸術は国民の誇りの源であり、主要な伝記作家は重要な情報源である。それらは、基本的に前世紀を扱っているカレル・ファン・マンデル（『Het Schilderboeck』、1604年）とアーノルド・ホウブラーケン（『De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen』 – 「オランダ画家の大劇場」、1718～21年）である。両者ともヴァザーリに倣い、実際にはそれを凌駕するほど多くの芸術家の略歴を掲載しており（ホウブラーケンの場合は500人以上）、事実関係に関しては概ね正確であると考えられている。
ドイツの画家ヨアヒム・フォン・サンドラルト（1606-1688）はオランダで活動した時期があり、彼の著書『ドイツ・アカデミー』は、彼が知っていた多くのオランダ人画家を同じ形式で取り上げている。ハウブラーケンの師であり、レンブラントの弟子でもあったサミュエル・ファン・ホーグストラーテン（1627-1678）の『視覚的世界』と『ホーグストラーテン画派への序論』（1678）は、伝記的な情報よりも批評的な情報が多く含まれており、当時の絵画に関する最も重要な論文の一つである。他のオランダの美術理論に関する著作と同様に、これらの著作はルネサンス理論の多くの常識を解説しており、当時のオランダ美術を完全に反映しているわけではなく、依然として歴史画に重点を置いていることが多い。[ 19 ]
このカテゴリーには、過去の歴史的出来事を描いた絵画だけでなく、聖書、神話、文学、寓話の場面を描いた絵画も含まれる。最近の歴史的出来事は基本的にこのカテゴリーから外れ、肖像画と海洋、都市景観、風景の主題の適切な組み合わせとして、写実主義的な方法で扱われた。[ 20 ] 教会美術の地元市場がなく、埋めるべき大規模な貴族のバロック様式の邸宅も少なかったため、大規模で劇的な歴史的または聖書の場面は他の国ほど頻繁には制作されなかった。それ以上に、主要都市のプロテスタント住民は、オランダ独立戦争中にハプスブルク家の失敗に終わったプロパガンダでマニエリスムの寓話が著しく偽善的に使用されたことにさらされ、写実主義に対する強い反発と壮大な視覚的修辞に対する不信感を生み出した。[ 21 ] 歴史画は今や「少数派の芸術」となったが、歴史を題材とした印刷版への比較的強い関心によって、ある程度は是正された。[ 22 ]
他の種類の絵画よりも、オランダの歴史画家はイタリア絵画の影響を強く受け続けた。イタリアの傑作の版画や模写が流通し、特定の構図の構想を示唆した。光の描写におけるオランダの技術の向上は、イタリア、特にカラヴァッジョの様式に由来するスタイルに活かされた。オランダの画家の中にはイタリアへ旅行した者もいたが、ローマのベントヴーヘルス・クラブの会員数から分かるように、フランドルの同時代の画家ほど一般的ではなかった。[ 15 ]
16世紀初頭、前世紀に確立された様式を持つ北方のマニエリスムの画家たちは、アブラハム・ブロマールトやヨアヒム・ウテワールのように1630年代まで制作を続けた。[ 23 ] 歴史画の多くは小規模で、ローマを拠点とするドイツ人画家アダム・エルスハイマーは、カラヴァッジョ（どちらも1610年に死去）と同様に、レンブラントの師であるピーテル・ラストマンやヤン・ピナス、ヤコブ・ピナスといったオランダの画家たちに大きな影響を与えた。他国のバロック歴史画と比較すると、彼らはオランダ特有の写実主義と物語の直接性を重視しており、レンブラントの初期の絵画がこの様式であったことから、「レンブラント以前の画家」と呼ばれることもある。[ 24 ]
ユトレヒト・カラヴァッジョ派は、歴史画と一般的に大規模な風俗画の両方をイタリアの影響を受けたスタイルで制作し、しばしば明暗対比を多用した画家グループを指します。反乱前は新しいオランダ領で最も重要な都市であったユトレヒトは、16世紀半ばでもカトリック教徒が約40%を占める珍しいオランダの都市であり、そこにタウンハウスを持つ多くの地方貴族やジェントルマンを含むエリート層ではさらにその割合が高かった。[ 25 ] 主要な画家はヘンドリック・テル・ブルッヘン、ヘラルト・ファン・ホントホルスト、ディルク・ファン・バビューレンであり、この流派は1630年頃に活動していましたが、ファン・ホントホルストはより古典的なスタイルでイギリス、オランダ、デンマークの宮廷画家として1650年代まで成功を収めました。[ 26 ]ハウステンボスのオランジェザール ホールは、19世紀半ばに低地諸国の両地域から多くの画家によって描かれ、バロック宮殿様式の珍しいオランダのアンサンブルを代表しています。
レンブラントは歴史画家としてキャリアをスタートし、肖像画家として経済的に成功を収め、この分野への野心を決して捨てなかった。彼のエッチング作品の多くは宗教的な物語を描いたものであり、最後の歴史画の依頼作品である『クラウディウス・キウィリスの陰謀』 （1661年）の物語は、彼がこの形式にどれほどこだわっていたか、そして観客を見つけるのにどれほど苦労したかを示している。[ 27 ] 数人の画家、その多くは彼の弟子であったが、彼の非常に個性的なスタイルを継承しようと試み、ある程度の成功を収めた。最も成功したのは ゴヴァールト・フリンクであった。ジェラール・ド・ライレス（1640年 - 1711年）もその一人であったが、フランス古典主義の影響を強く受け、画家としても理論家としてもオランダにおける古典主義の主要な提唱者となった。[ 28 ]
裸体描写は事実上歴史画家の専売特許であったが、レンブラントのように、多くの肖像画家は時折描く裸体画（ほとんどが女性）に古典的な題名をつけた。奔放な示唆表現を多用した風俗画家も、娼婦や「イタリア」の農民を描く際に、胸の谷間や太ももを少し見せる程度にとどめ、それ以上の露出は滅多になかった。
17世紀のオランダでは肖像画が盛んに行われ、他国の同等の階級よりも肖像画の依頼に積極的だった商人階級が大勢いた。総制作数の様々な推定をまとめると、75万点から110万点に及ぶ。[ 30 ] レンブラントはアムステルダムの若き肖像画家として経済的に最も成功した時期を過ごしたが、他の芸術家と同様に、市民の依頼肖像画を描くことに飽きてしまった。「芸術家はこの道を喜びなく歩む」とファン・マンデルは述べている。[ 31 ]
オランダの肖像画は、17世紀ヨーロッパの他の地域で流行していた貴族のバロック肖像画に見られるような、気取った表現や過剰な修辞を避けているものの、男性、そして多くの場合女性のモデルが着ている地味な服装や、背景に小道具、所有物、あるいは風景を描くことは傲慢の罪を示すことになるというカルヴァン主義的な考え方から、技術的な質の高さにもかかわらず、多くのオランダの肖像画には紛れもない画一性が見られる。全身像もまた傲慢さを示す可能性があると考えられたため、立っているポーズさえも通常は避けられた。ポーズは控えめで、特に女性の場合はそうであったが、子供はより自由なポーズが許されることもあった。肖像画を描いてもらう典型的な機会は結婚であり、新婚の夫婦はたいていの場合、一対の絵の中で別々の枠に描かれていた。レンブラントの後期の肖像画は、人物描写の力強さ、そして時には物語的な要素によって見る者を惹きつけるが、初期の肖像画でさえ、ニューヨークのメトロポリタン美術館に寄贈された「レンブラント入門編」の作品群のように、まとめて見ると見る者を落胆させることがある。
同時代のもう一人の肖像画家はフランス・ハルスで、彼の有名な生き生きとした筆致と、被写体をリラックスして陽気に見せる能力は、最も見込みのない被写体でさえも活気を与えている。ウィレム・ヘイトハイセンの肖像画の極めて「気取らないポーズ」は例外で、「この時代の肖像画でこれほどくだけたものはない」。[ 32 ] 被写体は裕福な織物商人で、10年前にハルスに唯一の等身大の全身肖像画を依頼していた。この私室のためのずっと小さな作品では、彼は乗馬服を着ている。[ 33 ]ヤン・デ・ブライは、被写体に古典史の人物の衣装を着てポーズをとるよう勧めたが、彼の作品の多くは彼自身の家族を描いたものである。トーマス・デ・カイザー、バルトロメウス・ファン・デル・ヘルスト、フェルディナント・ボル、その他、後述する歴史画家や風俗画家を含む多くの人々は、より伝統的な作品に活気を与えようと最善を尽くした。肖像画は、他の種類の絵画よりも流行の影響を受けにくいため、オランダの芸術家にとって安全な拠り所であり続けた。
画家のスタジオでの制作手順について私たちが知っていることはわずかですが、ヨーロッパの他の地域と同様に、顔は最初の1、2回のセッションで描かれ、おそらく彩色されたようです。その後のセッションの典型的な回数は不明で、0回（レンブラントの全身像の場合）から50回まで記録されているようです。衣服はスタジオに置かれ、助手や招かれた専門の巨匠によって描かれた可能性がありますが、衣服は絵画の非常に重要な部分と見なされていたため、あるいはそうであったために、描かれたと考えられます。[ 34 ] 既婚女性と未婚女性は服装によって区別でき、家族グループを除いて、独身女性が描かれることがいかに少なかったかが分かります。[ 35 ] 他の地域と同様に、描かれている衣服の正確さは様々です。縞模様や柄物の衣服は着用されていましたが、画家は余分な作業を避けるために、それらをほとんど描きません。[ 36 ]レースやラフカラーは避けられず、写実主義を追求する画家にとって大きな課題となりました。レンブラントは、模様のあるレースを描くためのより効果的な方法を考案しました。それは、幅広の白い筆致で下地を塗り、その上に黒を薄く塗って模様を見せるというものです。別の方法としては、黒の上に白を塗り、筆の先で白を削り取って模様を見せるというものもありました。[ 37 ]
世紀末には、1630年代にイギリスでヴァン・ダイクによって始められた、やや派手な衣装を着た人物を描くのが流行し、「ピクチャレスク」または「ローマ風」の衣装として知られるようになった。[ 38 ] 貴族や民兵の人物は、市民よりも明るい衣装や広々とした背景でより自由に表現することができ、宗教的所属も多くの描写に影響を与えたと思われる。世紀末には、貴族的、あるいはフランス的な価値観が市民の間にも広がり、描写はより自由で華やかになった。
肖像画、歴史画、風俗画の要素を組み合わせた独特な絵画様式として、トロニー（tronie）が挙げられます。これは通常、人物の半身像で、非日常的な雰囲気や表情を捉えることに重点が置かれていました。モデルの実際の身元は重要視されませんでしたが、歴史上の人物をモデルにしたり、異国風あるいは歴史的な衣装を身に着けたりすることもありました。ヤン・リーフェンスやレンブラント（特にエッチング作品には、自画像も数多くトロニーの要素が見られます）は、このジャンルを発展させた画家の一人です。
フランドル地方と同様に、家族の肖像画は屋外の庭園で描かれる傾向がありましたが、後のイングランドのように広大な景色を描くことはなく、服装や雰囲気も比較的くだけたものでした。グループの肖像画は、主にオランダの発明で、都市の警備隊や民兵隊の役員、ギルドや慈善財団の理事会や理事など、オランダの生活において重要な部分を占めていた多数の市民団体で人気がありました。特に19世紀前半は、肖像画の構図は非常に形式的で堅苦しいものでした。グループはしばしばテーブルを囲んで座り、各人が鑑賞者を見ていました。衣服の細部にまで注意が払われ、該当する場合は家具や社会的地位を示すその他の兆候にも注意が払われました。19世紀後半になると、グループの肖像画はより生き生きとし、色彩も明るくなりました。レンブラントの「織物商組合の組合長」は、テーブルを囲むグループを繊細に描いた作品です。
科学者たちは研究対象の器具や物体を周囲に並べてポーズをとることが多かった。医師たちは、いわゆる「解剖学の授業」として、遺体を囲んで一緒にポーズをとることもあった。最も有名なのは、レンブラントの『ニコラース・テュルプ博士の解剖学の授業』（1632年、ハーグ、マウリッツハイス美術館）である。評議員たちは、名誉肖像画において、質素で謙虚なイメージを好み、洗練された黒っぽい服装（その上品さが社会的地位の高さを物語っていた）を身にまとい、テーブルを囲んで座り、厳粛な表情でポーズをとることが多かった。
民兵隊の肖像画のほとんどはハールレムとアムステルダムで依頼され、他の種類の肖像画よりもずっと華やかでリラックスした、あるいは騒々しい雰囲気があり、サイズもはるかに大きかった。初期の作品では食事をしている様子が描かれていたが、後期の作品ではより躍動感のある構図にするため、ほとんどの人物が立っている姿が描かれている。レンブラントの有名な「フランス・バニング・コック隊長の民兵隊」、通称「夜警」（1642年）は、巡回やパレードに出発する活動中の集団を描こうとした野心的な試みであったが、完全には成功しなかった。また、こうした作品によく見られる非常に横長のフォーマットを避けた点でも革新的であった。
集合肖像画の費用は通常、被写体間で分担されたが、必ずしも均等ではなかった。支払った金額によって、絵の中でのそれぞれの人物の位置が決まることがあり、前景に正装で全身が描かれる場合もあれば、グループの後方に顔だけが描かれる場合もあった。時にはグループ全員が同額を支払うこともあったが、その場合、一部の人物が他の人物よりも絵の中で目立つ位置を占めることになり、争いに発展する可能性が高かった。アムステルダムでは、これらの絵画のほとんどが最終的に市議会の所有となり、現在ではアムステルダム歴史博物館に多数展示されている。オランダ国外には、こうした重要な例はほとんど見られない。
風俗画と呼ばれる、日常生活の場面を描いた作品には、特定の人物を特定できない人物が数多く登場する。これらは肖像画でも歴史上の人物を描いたものでもなく、むしろ日常の一コマを切り取ったものである。風景画とともに、風俗画の発展と絶大な人気は、この時代のオランダ絵画の最も特徴的な要素である。もっとも、フランドル絵画でも風俗画は非常に人気があった。フェルメールの『牛乳を注ぐ女』のように、単独の人物を描いたものもあれば、社交の場で大勢の人々を描いたもの、あるいは群衆を描いたものもある。
「17世紀のオランダは、他のどの国よりも、メッセージ性のあるものとないもの両方の風俗画に専念した、より多くの、そしてより優れた画家を生み出した。」[ 40 ] このジャンルには、単独の人物、農民の家族、酒場の場面、「陽気な仲間」のパーティー、家事をする女性、村や町の祭りの場面（ただし、これらはフランドル絵画の方がまだ一般的だった）、市場の場面、兵舎の場面、馬や家畜のいる場面、雪景色、月明かりの下など、多くのサブタイプがあった。実際、これらのほとんどはオランダ語で固有の用語があったが、「風俗画」に相当するオランダ語の全体的な用語はなかった。18世紀後半まで、イギリス人はしばしばこれらを「drolleries」と呼んでいた。[ 41 ]一部の画家は、特に1625年頃以降、これらのサブタイプの1つに主に従って制作した。[ 42 ] 17世紀を通して、風俗画はサイズが小さくなる傾向があった。
風俗画は17世紀のあらゆる階級の市民の日常生活について多くの洞察を与えてくれるが、その正確さを常に当然のこととみなすことはできない。[ 43 ] 一般的に、それらは実際の写実的な描写というよりは、美術史家が「リアリティ効果」と呼ぶものを示している。その程度は画家によって異なる。日常の場面を描いているだけのように見える多くの絵画は、実際にはオランダのことわざや格言を挿絵として描いたり、教訓的なメッセージを伝えたりしていた。その意味は、美術史家が解読する必要があるかもしれないが、十分に明確なものもある。多くの画家、そして間違いなく購入者も、無秩序な家庭や売春宿の場面の描写を楽しみながら、道徳的な解釈を与えるという、両方の側面を取ろうとした。宿屋の主人という別の職業を持っていたヤン・ステーンの作品はその一例である。これらの要素のバランスについては、今日でも美術史家の間で議論されている。[ 44 ]
後世の絵画に付けられたタイトルでは、「居酒屋」や「宿屋」と「売春宿」を区別していることが多いが、実際にはこれらは非常に多くの場合同じ施設であり、多くの居酒屋には性的な目的のために上階や裏に部屋が設けられていた。「前に宿屋、後ろに売春宿」はオランダのことわざである。[ 45 ]
上記のスティーンは明らかに模範例であり、個々の構成要素はそれぞれ写実的に描かれているものの、全体的な場面は現実の瞬間をありそうな形で描写したものではなく、典型的な風俗画では、状況を描写し、風刺しているのである。[ 46 ]
難解な寓意書のルネサンスの伝統は、17世紀のオランダ人（ほぼ全員が口語で読み書きできたが、古典の教育はほとんど受けていなかった）の手によって、ヤコブ・カッツ、レーマー・フィッシャーなどの大衆的で非常に道徳的な作品へと変化し、しばしば民衆のことわざに基づいていた。これらの挿絵は絵画の中で直接引用されることが多く、20世紀初頭から美術史家は多くの風俗画にことわざ、格言、モットーを結びつけてきた。意味のもう一つの人気のある源は、性的な領域における多数のオランダ語のスラングを使用した視覚的な言葉遊びである。膣はリュート（luit）またはストッキング（kous）で、セックスは鳥（vogelen ）で表すことができ、他にも多くの選択肢がある[ 47 ]。また、靴、注ぎ口、横向きの壺やフラスコなどの純粋に視覚的なシンボルもある。
同じ画家たちは、家庭や職場で休息している主婦やその他の女性を、全く異なる精神で描いた作品も数多く制作しており、男性を描いた同様の作品よりも圧倒的に多い。実際、オランダ黄金時代の美術では、仕事をしている労働者階級の男性は著しく少なく、風景画には旅人や怠け者が描かれているが、農夫はめったに描かれていない。[ 48 ]オランダ共和国はヨーロッパで国際貿易において最も重要な国であり、海洋画も豊富であるにもかかわらず、港湾労働者やその他の商業活動を描いた場面は非常に少ない。[ 49 ]この主題群はオランダの発明であり、当時の文化的関心を反映したもので、[ 50 ]その後の2世紀にわたり、特にフランスをはじめとする他国の芸術家によって採用されることになる。
この伝統は、初期ネーデルラント絵画の写実主義と緻密な背景描写から発展したもので、ヒエロニムス・ボスやピーテル・ブリューゲル（父）は、それを主要な主題として取り入れた最初の画家の一人であり、ことわざも用いた。ハールレムの画家ウィレム・ピーテルスゾーン・ブイテウェフ、フランス・ハルス、エサイアス・ファン・デ・フェルデは、この時代の初期の重要な画家であった。ブイテウェフは、着飾った若者たちの「陽気な集まり」を描き、その細部に道徳的な意味が潜んでいる。
ファン・デ・ヴェルデは風景画家としても重要で、彼の作品には田舎の邸宅でのガーデンパーティーを舞台にした風俗画とは全く異なる、華やかさとは無縁の人物像が描かれている。ハルスは主に肖像画家であったが、キャリア初期には肖像画サイズの風俗画も描いていた。[ 52 ]
1625年か1626年頃からのフランドルの農民酒場風景画の巨匠アドリアーン・ブロウワーのハールレム滞在は、アドリアーン・ファン・オスターデに生涯の主題を与えたが、彼はしばしばより感傷的なアプローチをとった。ブロウワー以前は、農民は通常屋外で描かれていたが、彼は通常、簡素で薄暗い室内で彼らを描いている。ただし、ファン・オスターデの作品では、農民は時として、巨大で派手に老朽化した農家に住んでいることもある。[ 53 ]
ファン・オスターデは、ユトレヒトのカラヴァッジョ派が風俗画でそうしたように、単独の人物を描くこともグループを描くこともよくあり、単独の人物、あるいは2、3人の小グループ、特に女性や子供を含むものがますます一般的になった。この時代の最も有名な女性画家、ユディト・レイステル（1609-1660）は、夫のヤン・ミーンセ・モレナールに説得されて絵を描くのをやめるまで、こうした作品を専門としていた。ライデン派のフィインシルダー（「精緻な画家」）は、この種の作品を含む、小さくて非常に完成度の高い絵画で有名だった。主要な画家には、ジェラール・ドウ、ガブリエル・メツー、フランス・ファン・ミーリス（父）、そして後にその息子ウィレム・ファン・ミーリス、ゴッドフリート・シャルケン、アドリアーン・ファン・デル・ウェルフなどがいる。
後世代の画家たちは、前世代の画家たちに比べて作品が洗練されすぎているように見えるが、肖像画や歴史画も描き、この時代の終わりには最も高く評価され、賞賛されたオランダの画家となり、その作品はヨーロッパ中で求められた。[ 54 ] 風俗画はオランダ社会の繁栄の高まりを反映しており、世紀が進むにつれて、その舞台設定は着実に快適で豪華になり、丁寧に描写されるようになった。ライデン派に属さない画家で、共通の主題がより親密な風俗画であった画家には、ニコラース・マース、ヘラルト・テル・ボルヒ、ピーテル・デ・ホーホなどがいる。室内シーンの光に対する彼らの関心は、長い間非常に無名だったが、今では最も高く評価されている風俗画家であるヤン・フェルメールと共通していた。
風景画は17世紀の主要なジャンルでした。16世紀のフランドルの風景画（特にアントワープの風景画）がその先駆けとなりました。これらの風景画は写実的というよりは、主にアトリエで、一部は想像に基づいて描かれ、ヨアヒム・パティニール、ヘリ・メット・デ・ブレス、初期のピーテル・ブリューゲル（父）の「世界風景」の伝統に典型的な、上空からの半俯瞰的な視点がしばしば用いられていました。より写実的なオランダの風景画は、地上から描かれたもので、屋外で描かれたスケッチを基に、低い地平線によって、この地域特有の気候に特徴的な、印象的な雲の形を強調し、独特の光を放つように描かれました。好まれた題材は、西海岸沿いの砂丘、牛が草を食む広大な牧草地が広がる川、そして遠くに街のシルエットが描かれることが多かったのです。凍った運河や小川のある冬景色も数多く描かれました。海もまた、低地諸国にとって好ましい話題であった。なぜなら、彼らは貿易を海に依存し、新たな領土をめぐって海と戦い、そして海上で競合する国々と戦ったからである。
写実主義への動きにおける初期の重要な人物としては、エサイアス・ファン・デ・ヴェルデ（1587-1630）とヘンドリック・アヴェルカンプ（1585-1634）が挙げられる。両者とも風俗画家として先に述べたが、アヴェルカンプの場合は同じ作品が両方のカテゴリーで言及に値する。1620年代後半からは風景画の「トーン期」が始まり、画家たちは輪郭線を柔らかくしたりぼかしたりして、大気効果に重点を置き、空を大きく強調し、人物は通常描かれないか、小さく遠くに描かれるようになった。画面を斜めに横切る構図が人気となり、水が頻繁に登場するようになった。主要な画家はヤン・ファン・ゴーイエン（1596–1656）、サロモン・ファン・ライスダール（1602–1670）、ピーテル・デ・モリン（1595–1661）、そして海洋画ではシモン・デ・フリーガー（1601–1653）であり、その他多くのマイナーな画家もいた。最近の研究では、少なくとも一定期間ファン・ゴーイエンの様式で制作した画家は75人以上おり、その中にはカイプも含まれている。[ 58 ]
1650年代から「古典主義期」が始まり、雰囲気はそのままに、より表現力豊かな構図と、光と色のコントラストがより強くなった。構図はしばしば、一本の「英雄的な木」、風車や塔、あるいは海洋画の場合は船によって支えられている。[ 59 ] 中心的存在はヤーコプ・ファン・ライスダール（1628-1682）で、イタリア風の風景画（下記参照）を除くあらゆる典型的なオランダの主題を用いて、多種多様な作品を制作した。その代わりに、彼は急流や滝のある暗くドラマチックな山岳松林の「北欧風」風景画を制作した。[ 60 ]
彼の弟子はメインデルト・ホッベマ（1638-1709）で、水車小屋や森の中の道といった彼のいつもの風景とは一線を画す異色の作品「ミデルハルニスの並木道」 （1689年、ロンドン）で最もよく知られています。より個性的なスタイルを持ち、最高傑作が横幅1メートル以上の大作を含む他の2人の画家は、アルベルト・カイプ（1620-1691）とフィリップス・コニンク（1619-1688）です。カイプは黄金色のイタリアの光を取り入れ、前景に人物群、その背後に川と広大な風景を描いた夕景に用いました。コニンクの最高傑作は、丘の上から広大な平野の農地と巨大な空を見上げるようなパノラマ風景です。
色調と古典主義の時代を通して制作された別のタイプの風景画として、ロマン主義的なイタリア風風景画があり、これは通常、オランダよりも山がちな場所で、黄金色の光が差し込み、時には絵のように美しい地中海風の人物や遺跡が描かれている。これらの作品を専門とする画家全員がイタリアを訪れたわけではない。ローマを訪れ、クロード・ロランと共同制作を行ったヤン・ボス（1652年没）は、このサブジャンルの主要な発展者であり、アルベルト・カイプなど、オランダの風景を描いた多くの画家の作品に影響を与えた。この様式で一貫して制作した他の画家には、ニコラース・ベルヘム（1620年 - 1683年）とアダム・ピナッカーがいる。イタリア風風景画は版画として人気があり、ベルヘムの絵画は、この時代に他のどの画家の作品よりも多く版画として複製された。[ 61 ]
他にも多くの画家がこれらのグループに当てはまらないが、中でもレンブラントは、比較的少ない風景画にはヘラクレス・セーヘルス（1589年頃～1638年頃）の影響など様々な影響が見られる。彼の非常に珍しい大きな山谷の風景画は、16世紀の様式を独自に発展させたものである。[ 62 ]アールト・ファン・デル・ネール（1677年没）は、夜間や氷雪に覆われた川の非常に小さな風景を描いた。
前景に動物を描いた風景画は、独特のサブタイプであり、カイプ、パウルス・ポッター（1625–1654）、アルベルト・ヤンスゾーン・クロンペ（1625–1688）、アドリアーン・ファン・デ・ヴェルデ（1636–1672）、カレル・デュジャルダン（1626–1678、家畜）らが描き、フィリップス・ワウエルマンは様々な場面で馬と騎手を描いた。牛はオランダ人にとって繁栄の象徴であり、これまで美術では見過ごされてきたが、馬を除けば最もよく描かれる動物である。ヤギはイタリアを表すために用いられた。ポッターの『若牛』は巨大で有名な肖像画であり、ナポレオンがパリに持ち帰った（後に返還された）が、家畜分析家らは解剖学的構造の様々な部分の描写から、この作品は年齢の異なる6頭の動物の習作を合成したものと思われると指摘している。
オランダ人も建築、特に教会に魅了された。この時代の初めには、フランドル絵画が発展させ続けた、架空の北方マニエリスム建築による空想的な宮殿や都市景観を描くのが主流であり、オランダではディルク・ファン・デレンがその代表的存在であった。次第に写実主義が台頭し、実際の建物の外観や内装が、必ずしも忠実に再現されたわけではないものの、再現されるようになった。この世紀には、遠近法の適切な表現に対する理解が深まり、熱心に応用されるようになった。教会内部を描くことを専門とする画家も複数いた。
父ヤン・サーンレダムが官能的な裸体のマニエリスムの女神像を版画に描いたピーテル・ヤンスゾーン・サーンレダムは、現在では白塗りになっているゴシック様式の都市教会の無人の風景を描いた。均一な光と幾何学を重視し、表面の質感の描写をほとんどしないという彼の特徴は、サーンレダムが通常無視していた、人々、不均一な床、光のコントラスト、カルヴァン派教会に残された教会家具の雑然とした様子を描き残したエマヌエル・デ・ウィッテの作品と比較すると明らかになる。 ジェラール・ホックヘースト、続いてファン・ウィッテとヘンドリック・ファン・フリートは、教会の主軸に沿った伝統的な眺めに、ドラマと面白さを加える斜めの眺めを加えた。[ 63 ]
ヘリット・ベルクハイデは、主要な街路、広場、主要な公共建築物の、人影の少ない風景画を専門としていた。一方、ヤン・ファン・デル・ヘイデンは、木々や運河のある、より静かなアムステルダムの街並みの親密な風景画を好んだ。これらは実際の風景であったが、彼は構図上の効果のために躊躇なく修正を加えた。[ 64 ]
オランダ共和国は、その並外れた富を海上貿易に依存し、この時期にはイギリスや他の国々と海戦を繰り広げ、国土は河川や運河で縦横に走っていた。そのため、海洋画というジャンルが非常に人気があり、この時期にオランダの画家たちによって新たな高みに達したことは驚くべきことではない。風景画と同様に、初期の海洋画に典型的な人工的な高所からの視点からの脱却は重要な一歩であった。[ 65 ]海戦の絵は、栄光の絶頂期にあったオランダ海軍の物語を伝えていたが、今日では通常、より穏やかな場面が高く評価されている。船は通常海上にあり、港の場面は驚くほど少ない。[ 66 ]
多くの場合、小型船でさえオランダの三色旗を掲げており、多くの船が海軍船またはその他多くの政府船のいずれかであることが識別できます。多くの絵画には、海岸や港の視点、または河口の眺めなど、陸地が描かれていました。他の画家は、小さなボートと葦の土手を描いたサロモン・ファン・ライスダールの小さな絵から、太陽が広い川に沈む様子を描いたアルベルト・カイプの大きなイタリア風の風景画まで、川の風景を専門としていました。このジャンルは当然風景画と多くの共通点があり、空の描写を発展させる過程で両者は共に発展しました。多くの風景画家は海岸や川の風景も描きました。画家には、ヤン・ポルセリス、シモン・デ・フリーガー、ヤン・ファン・デ・カペレ、ヘンドリック・デュベルス、アブラハム・ストルクなどがいました。ウィレム・ファン・デ・フェルデ（父）とその息子は、後期の数十年間を代表する巨匠であり、世紀初頭と同様に船を主題とする傾向があったが、それ以前の数十年間のトーン作品では海と天候が重視されていた。彼らは1672年にロンドンへ旅立ち、荒波の巨匠であるドイツ生まれのルドルフ・バクハイゼンを主要な画家として残した。[ 67 ]
静物画は、質感や表面を細部まで描き、リアルな光の効果を表現する技術を披露する絶好の機会でした。テーブルに並べられたあらゆる種類の食べ物、銀の食器、複雑な模様、テーブルクロスや花の繊細なひだなど、すべてが画家たちにとって挑戦でした。オランダの画家たちは数多くの静物画を制作し、オランダ人の「家庭文化への愛」を明らかにしました。英語の「静物画」という用語は、1650年頃に使われ始めたオランダ語の「 stilleven 」に由来します。 [ 68 ]
主題はいくつかの種類に分類されました。banketjeは「宴会の品」、ontbijtjes はよりシンプルな「朝食の品」です。[ 69 ] ほぼすべての静物画には、人生の短さに関する教訓的なメッセージが込められていました。これはヴァニタスのテーマとして知られており、頭蓋骨のような明白なシンボルがなくても、あるいは皮を半分剥いたレモン（人生のように、見た目は甘いが味は苦い）のようなあまり明白でないシンボルがなくても、暗黙のうちに示されています。[ 70 ]花はしおれ、食べ物は腐り、銀は魂にとって何の役にも立ちません。しかし、このメッセージの力は、19世紀後半のより精巧な作品では弱まっているようです。
当初、描かれている物はほとんどが日常的なものだった。しかし、1640年代にフランドルの画家フランツ・スナイデルスやアドリアーン・ファン・ユトレヒトによってアントワープでサブジャンルとして発展した、高価で異国情緒あふれる物を描いた「派手な静物画」が、19世紀半ばからより人気を博した。[ 71 ]風景画の初期の写実主義、トーン、古典主義の段階には、静物画に対応するものがあった。[ 72 ]ウィレム・クラースゾーン・ヘダ（1595年頃～ 1680年頃）とウィレム・カルフ（1619年～1693年）は「派手な静物画」への変化を主導したが、ピーテル・クラース（1660年没）はよりシンプルな「朝食の品々」、つまり露骨なヴァニタスの品々を描くことを好んだ。
これらの画家たちの作品では、色彩はしばしば非常にくすんでおり、特に世紀半ばには茶色が支配的である。これは、国境を越えたアントワープでキャリアの大部分を過ごした重要な人物、ヤン・ダヴィッツゾーン・デ・ヘーム（1606-1684）の作品にはあまり当てはまらない。ここでは、彼の展示は横に広がり、北では珍しい幅広の長方形の絵画を形成するようになったが、ヘダは時折、より縦長の構図を描いた。静物画家は特に家系を形成する傾向があり、デ・ヘームやボッシャールトは多数いたようで、ヘダの息子は父親のスタイルを受け継ぎ、クラースはニコラース・ベルヘムの父親であった。
花の絵画は独自の専門家を擁するサブグループを形成し、マリア・ファン・オーステルウィックやレイチェル・ライスといった数少ない女性画家たちの専門分野となることもあった。[ 73 ]オランダ人は植物やその他の科学的な図面、版画、書籍の挿絵においても世界をリードしていた。個々の花の写実性は極めて高いものの、絵画は個々の習作や書籍の挿絵を基に構成され、全く異なる季節の花が同じ構図の中に日常的に含まれ、食器類と同様に同じ花が異なる作品に繰り返し登場する。また、花瓶に生けられた花束は当時家庭では全く一般的ではなかったという根本的な非現実性もあった。非常に裕福な人々でさえ、デルフト焼きのチューリップホルダーに花を1本ずつ飾っていたのである。[ 74 ]
オランダの伝統は、フランドル生まれでこの時代の初めには北部に定住し、一族を築いた花卉画家アンブロシウス・ボッシャールト（1573年～1621年）によって大きく始まった。彼の義兄弟であるバルタザール・ファン・デル・アスト（1657年没）は、貝殻の静物画や花卉画の先駆者となった。これらの初期の作品は比較的明るい照明で、花束は比較的シンプルな方法で配置されていた。16世紀半ばからは、暗い背景を背にした、バロック様式と呼べるような配置がより人気を博し、ウィレム・ファン・アールスト（1627年～1683年）の作品がその典型例である。ライデン、ハーグ、アムステルダムの画家たちは特にこのジャンルで優れた才能を発揮した。
死んだ獲物や、生きているうちに描かれたが死んだものから研究された鳥類も別のサブジャンルであり、オランダ人の食生活の定番である死んだ魚も同様であった。アブラハム・ファン・ベイエレンがこれらを数多く描いた。[ 75 ]オランダ人は、大きな静物画の要素を他の種類の絵画と組み合わせるフランドル様式にはあまり関心がなく、肖像画では誇り高いと見なされたであろうし、同じ作品の異なる要素を専門の画家が共同で描くフランドルの習慣もなかった。しかし、これは時折起こった。フィリップス・ワウエルマンは、風景を狩猟や小競り合いの場面に変えるために、時折人や馬を追加するために起用され、ベルヘムやアドリアーン・ファン・デ・フェルデは、人や家畜を追加するために起用された。
オランダの芸術家にとって、カレル・ファン・マンデルの『画家列伝』は単なる伝記集ではなく、若い芸術家への助言の源泉でもあった。この本はすぐに、17世紀のオランダとフランドルの若い芸術家たちの世代にとっての古典的な標準書となった。この本は芸術家たちにフィレンツェとローマの名所を巡るよう勧めており、1604年以降、多くの芸術家が実際にそうした。しかし、レンブラント、フェルメール、ハルス、ステーン、ヤーコプ・ファン・ライスダールなど、あらゆる分野で最も重要なオランダの芸術家たちは、この旅に出ていなかったことは注目に値する。[ 15 ]
多くのオランダ人（およびフランドル人）の画家は海外で活動したり、作品を輸出したりしました。版画も重要な輸出市場であり、レンブラントはそれによってヨーロッパ中に知られるようになりました。オランダからイングランド王チャールズ2世への贈り物は、4点の同時代のオランダ絵画を含む外交上の贈り物でした。イギリスの絵画はオランダの画家に大きく依存しており、ピーター・レリー卿に続いてゴッドフリー・クネラー卿が、イングランド内戦前にフランドルのアンソニー・ヴァン・ダイクによって確立されたイギリスの肖像画スタイルを発展させました。海洋画家の父子ファン・デル・ヴェルデは、1672年のフランス侵攻でオランダを離れた数多くの芸術家の一人であり、この侵攻は美術市場の崩壊をもたらしました。彼らもロンドンに移住し、ヘンドリック・ダンケルツなど、あまり有名ではない数人のオランダ人画家によってイギリスの風景画の基礎が築かれました。
バンボッチャンティは、イタリアに風俗画の様式をもたらしたオランダ人画家集団である。ヤン・ウェーニックスとメルヒオール・ド・ホンデクーテルは、生きたものも死んだものも含めた狩猟鳥獣の描写を専門とし、北ヨーロッパ各地の 田舎の邸宅や狩猟小屋の扉飾りとして人気を博した。
オランダ領ブラジルの北東部の砂糖生産地帯に対するオランダの支配は短命に終わったものの（1630～1654年）、総督ヨハン・マウリッツ・ファン・ナッサウ＝ジーゲンは、この地域の17世紀の風景や人々を描写する上で貴重な絵画をオランダ人画家たちに依頼した。[ 76 ]これらの画家の中で最も有名なのは、風景画家のフランス・ポストと、ブラジルの住民の民族誌的絵画を制作した静物画家のアルベルト・エックハウトである。これらの絵画は当初、レシフェのフライブルク宮殿の大広間に展示されていた。[ 77 ] アムステルダムにはこうした絵画の市場があり、[ 78 ]ポストはオランダに帰国後も長年にわたってブラジルの風景を描き続けた。オランダ領東インド諸島は芸術的にはあまり取り上げられなかった。
17世紀オランダ絵画の圧倒的な成功は、後世の画家たちの作品を凌駕し、18世紀のオランダ画家、そしておそらくゴッホ以前の19世紀の画家でさえ、オランダ国外ではほとんど知られていない。時代末期には、画家たちは、買い手が生きている画家よりも亡くなった画家に関心を示すと嘆いていた。
オランダ黄金時代の絵画は、その膨大な生産量だけでも、常にオールドマスター絵画コレクションの重要な部分を占めてきた。オールドマスター絵画とは、18世紀にオランダ黄金時代の画家たちを指すために作られた用語である。古い王室コレクションにあるワウエルマンの絵画だけでも、ドレスデンには60点以上、エルミタージュには50点以上ある。[ 79 ] しかし、この時代の評価は多くの変化と重点の移り変わりを見せてきた。ほぼ変わらない要素の一つは、特にロマン主義時代以降、レンブラントへの賞賛である。他の画家たちは、批評家からの評価と市場価格において劇的な変化を見せてきた。この時代の終わりには、ライデンの精緻な画家たちの何人かは絶大な名声を得ていたが、19世紀半ば以降は、さまざまなジャンルの写実主義作品の方がはるかに高く評価されるようになった。[ 80 ]
フェルメールは19世紀にほぼ完全に忘れ去られた状態から救われたが、その頃には彼の作品のいくつかは他の画家の作品として再帰属されていた。しかし、彼の作品の多くがすでに主要なコレクションに収蔵され、しばしば他の画家の作品として帰属されていたという事実は、彼の作品全体が知られていなくても、個々の絵画の質が認められていたことを示している。[ 81 ]他の画家たちも、あまり知られていない画家の群れから救われ続けている。1950年代のアドリアン・コールテの晩年の非常にシンプルな静物画[ 82 ] 、そして世紀初頭の風景画家ヤコブス・マンカデンとフランス・ポスト[ 83 ]などである。
風俗画は長い間人気があったが、あまり評価されていなかった。1780年、ホレス・ウォルポールは、風俗画は「下品な無作法で笑いを誘う」と批判した。[ 84 ] 18世紀のアカデミック美術のイギリスの指導者であるジョシュア・レイノルズ卿は、オランダ美術についていくつかの示唆に富むコメントを残した。彼はフェルメールの「牛乳を注ぐ女」（この記事の冒頭に掲載）の質とハルスの肖像画の生き生きとした表現に感銘を受け、ハルスにはそれらをきちんと仕上げる「忍耐力」がなかったことを残念に思い、ステーンがイタリアに生まれ盛期ルネサンスによって形成されていなかったら、彼の才能はもっと有効に活用できたのにと嘆いた。[ 85 ]レイノルズの時代には、風俗画の道徳的な側面は、オランダでさえもはや理解されなくなっていた。有名な例としては、当時「父の忠告」として知られていた、ゲラルト・テル・ボルヒの作品がある。これは、父親が娘を叱責する様子を繊細に描いているとして、ゲーテらに賞賛された。実際、現代の学者のほとんど（全員ではないが）の見解では、これは売春宿での誘いの場面であり、2つのバージョン（ベルリン版とアムステルダム版）があり、どちらのバージョンでも男性の手にある「意味のあるコイン」が取り除かれたのか、あるいは塗りつぶされたのかは不明である。[ 86 ]
18世紀後半、オランダ絵画の現実的なリアリズムはイギリスでは「ホイッグ派の趣味」であり、フランスでは啓蒙主義の合理主義と政治改革への願望と結びついていた。[ 87 ] 19世紀には、リアリズムに対するほぼ普遍的な敬意とジャンルのヒエラルキーの最終的な衰退に伴い、同時代の画家たちは風俗画家からリアリズムと物語目的での物体の使用の両方を借用し始め、オランダ人が開拓したすべてのジャンルがはるかに大きなキャンバスに描かれるようになった（静物画を除く）。
風景画においては、18世紀にはイタリア派の画家たちが最も影響力があり高く評価されていたが、ジョン・コンスタブルは、彼らの作風を人工的だと非難し、色調や古典主義の画家を好んだロマン主義者の一人であった。[ 61 ]実際、両派とも19世紀には影響力と人気を保ち続けた。