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美術において、リアリズムとは一般的に、人工性、誇張、または憶測や超自然的な要素なしに、主題を真実に表現しようとする試みである。この用語は自然主義と互換的に使われることが多いが、これらの用語は必ずしも同義ではない。西洋美術における視覚表現に関する概念としての自然主義は、可能な限り歪みの少ない対象を描写しようとし、ルネサンス期のヨーロッパにおける線遠近法と錯視主義の発展と結びついている。[ 1 ]リアリズムは、自然主義的な表現と、それ以前のアカデミック美術の理想化からの脱却を前提としているが、 1848年のフランス革命後にフランスで始まった特定の美術史的運動を指すことが多い。ギュスターヴ・クールベのような芸術家が日常的で醜いものや卑劣なものを利用したことで、リアリズムは庶民への新たな関心と左翼政治の台頭によって動機づけられた。[ 2 ]写実主義の画家たちは、18世紀後半に起源を持ち、フランス文学と芸術を支配するようになったロマン主義を拒否した。
19世紀のヨーロッパでは、「自然主義」または「自然主義学派」は、現実主義から派生したサブムーブメントを表す用語として、やや人為的に作られたものであり、政治や社会問題を避けることで（完全には成功しなかったものの）親から区別されようと試み、当時一般的に知られていた生物科学の分野である自然史の研究者としての「自然主義者」の意味合いを利用して、準科学的な基盤を主張することを好んだ。[ 3 ]
他の芸術分野においても、オペラのヴェリズモ様式、文学的リアリズム、演劇的リアリズム、イタリアのネオリアリズム映画など、リアリズムを取り入れた様々な運動が存在してきた。
形容詞として使われる場合、「写実的」（通常は視覚的外観に関連）は、主題を扱う「写実主義」芸術とは区別されます。同様に、「イリュージョニスティック」という用語は、構図における視覚的外観の正確な描写を指す場合に使用されることがあります。[ 4 ] [ 5 ]絵画において、自然主義とは、場面や物体の外観を芸術で正確かつ詳細に表現することです。これはミメーシスまたはイリュージョニズムとも呼ばれ、15 世紀のロベルト・カンピン、ヤン・ファン・エイクなどの初期ネーデルラント絵画においてヨーロッパ絵画で特に顕著になりました。19 世紀の写実主義芸術運動の画家、ギュスターヴ・クールベなどは、視覚的外観の完全かつ綿密な描写で特に注目されたわけではありません。クールベの時代には、それはアカデミック絵画の特徴であることが多く、アカデミック絵画は、作為的で人工的な場面や想像上の歴史的場面を非常に巧みかつ注意深く描写することが非常に多かったのです。
写実主義、あるいは主題を理想化せずに描写する自然主義は、典型的あるいは日常的なものにこだわることなく、あらゆる種類の主題を描写するために使用できる。古典美術の一般的な理想主義にもかかわらず、これにも古典的な先例があり、ルネサンスやバロックにおいてそのような表現を擁護する際に役立った。紀元前4世紀の彫刻家アロペケのデメトリオスは、その作品（現在はすべて失われている）が理想的な美しさよりも写実主義を好んだと言われており、古代ローマ共和政時代には、政治家は肖像画において真実の描写を好んだが、初期の皇帝はギリシャの理想主義を好んだ。ゴヤのスペイン王室の肖像画は、重要な人物をある種正直に、お世辞抜きで描写したものである。
キリスト教美術における繰り返し現れる傾向の一つは、「写実主義」であり、これは宗教的人物、とりわけキリストとその受難における肉体的苦痛の人間性を強調するものであった。宗教文学の潮流に倣い、この傾向は中世後期に発展し、特に一部の彩色木彫作品は、傷と血に覆われたキリストを描写することでグロテスクな表現へと逸脱し、見る者にキリストが彼らのために受けた苦しみについて瞑想するよう促すことを意図していた。これらは特にドイツと中央ヨーロッパで多く見られた。ルネサンス期に衰退した後、同様の作品はバロック期、特にスペイン彫刻において再び現れた。
ルネサンス期の理論家たちは、自然の観察から芸術を描くことと、古典モデルや他の芸術家の作品に見られるような理想化された形態から芸術を描くことの適切なバランスについて、数世紀にわたる議論を始めました。自然の重要性を認める人もいましたが、多くの人は、美しいものだけを含めるために、さまざまな程度に理想化すべきだと考えていました。レオナルド・ダ・ヴィンチは、自然の純粋な研究を擁護し、人体やその他のもののあらゆる形態の多様性を描きたいと願った一人でした。[ 6 ]レオン・バッティスタ・アルベルティは初期の理想主義者で、典型的なものを強調しました。[ 7 ]ミケランジェロのような人は、最も美しいものを選ぶことを支持しました。そのため、彼は肖像画を描くことを拒否しました。[ 8 ]
17世紀になっても、この議論は続いた。イタリアでは、通常、カラッチの相対的な「古典的理想主義」と、カラヴァッジョの追随者であるカラヴァッジョ派の「自然主義的」様式との対比が中心であった。カラヴァッジョ派は、当時のイタリアの都市の裏通りに宗教的な場面を描いたかのように描き、「自然主義者」を自らの表現として用いた。カラヴァッジョの早すぎる死から数十年後に執筆し、彼の様式を支持していなかったベッローリは、「自然主義者の名を誇りとする者たち」（自然主義者）に言及している。[ 9 ]
19世紀、自然主義はヨーロッパ美術において広く定義された運動として発展したが、写実主義の芸術家を動機づけた政治的な基盤は欠いていた。この用語の創始者はフランスの美術評論家ジュール＝アントワーヌ・カスタニャリーで、1863年に次のように宣言した。「自然主義派は、芸術はあらゆる段階、あらゆるレベルにおける生命の表現であり、その唯一の目的は自然を最大限の力と強度で再現することである、つまり科学と均衡をとった真実であると宣言する」[ 10 ] 。エミール・ゾラは、小説における自身の目的のために、同様の科学的強調をもってこの用語を採用した。多くの自然主義絵画は印象派と同様の主題範囲を扱っていたが、より緻密で伝統的な筆致スタイルを使用していた。[ 10 ]
「リアリズム」という用語は、数十年にわたり「さまざまな種類のリアリズムに対して無差別に使われ続け」、印象派やその後のモダニズム運動の枠外にあり、アカデミックな芸術でもない芸術を包括的に指す用語として使われることが多かった。多くの国から学生が集まったフランスのバルビゾン派やデュッセルドルフ派の後期の絵画、そして20世紀のアメリカのリージョナリズムも「自然主義」と呼ばれることが多いが、この用語はイギリスの絵画ではほとんど使われない。最近の美術史家の中には、クールベか印象派のどちらかをこのレッテルに当てはめる者もいる。[ 10 ]
美術において、物の視覚的外観をより正確に表現する技術の発展は長い歴史を持つ。これには、人間や動物の解剖学的構造の正確な描写、遠近法や距離の効果、光や色の詳細な効果といった要素が含まれる。ヨーロッパの後期旧石器時代の美術は、動物を驚くほど生き生きと描写した。古代エジプト美術は、様式化と理想化の両方を含む慣習を発展させた。古代ギリシャ美術は、解剖学的表現において大きな進歩を遂げたことで広く認められている。偉大なギリシャの画家によるパネルや壁画のオリジナル作品は残っていないが、文献の記述や現存する派生作品群（主にモザイクのギリシャ・ローマ時代の作品）から判断すると、絵画において錯視主義が非常に重視されていたようだ。紀元前5世紀にゼウクシスが描いた、鳥がブドウをついばむというプリニウスの有名な話は、伝説である可能性が高い。
ローマ絵画は、形状、光、色の正確さに加えて、遠くの物体を近くの物体よりも小さく表現したり、部屋の屋根や壁などの規則的な幾何学的形状を遠近法で表現したりする非科学的ではあるが効果的な知識を示している。この錯視効果の進歩は、決して理想主義の否定を意味するものではない。ギリシャの神々や英雄の彫像は、理想化された美しい形を正確に表現しようと試みているが、有名な醜いソクラテスの頭部のような他の作品は、こうした理想的な美の基準を下回ることが許されていた。ギリシャの影響をあまり受けていないローマの肖像画は、写実主義と呼ばれる、被写体の真実の描写により強いこだわりを示している。
古代末期の美術は、表現力を重視して錯視主義を否定したことで有名であり、キリスト教がエリート層の美術に影響を与え始める頃には、この変化はすでにかなり進んでいた。西洋では、錯視主義の古典的な水準が再び達成され始めたのは中世後期からルネサンス初期にかけてであり、15世紀初頭のオランダと1470年代頃のイタリアでは、油絵の新しい技法の開発によって、絵具とグレーズを何層にも重ねることで、非常に繊細で精密な光の効果を描くことが可能になった。遠近法を表現する科学的な方法は15世紀初頭にイタリアで開発され、徐々にヨーロッパ中に広まり、古典美術の影響を受けて解剖学の正確さが再発見された。古典時代と同様に、理想主義は依然として規範であった。
風景の正確な描写は、初期ネーデルラント/初期北方ルネサンスとイタリア・ルネサンスの絵画でも発展しており、その後、17世紀のオランダ黄金時代の絵画で、さまざまな天候条件や自然光の度合いを描写するための非常に繊細な技法によって、非常に高いレベルに達しました。初期ネーデルラント絵画のもう一つの発展として、1600年代のヨーロッパの肖像画の主題は、特徴を滑らかにしたり、人工的なポーズを与えたりすることによって、しばしば理想化されました。静物画や他の作品の静物要素は、錯視絵画の発展に大きな役割を果たしましたが、ネーデルラントの花の絵画の伝統では、個々のデッサンから構成を組み立てる習慣から、または意図的な慣習として、通常はすべての季節の花が使用されるため、「写実性」が長い間欠けていました。花瓶に生けられた大きな花束の展示は、17世紀の習慣としては異例であり、花は一度に1つずつ展示されていました。
美術における日常的な題材の描写にも長い歴史があるが、それらはしばしば構図の端に押し込められたり、より小さなスケールで描かれたりしていた。これは、美術が高価であり、通常は特定の宗教的、政治的、または個人的な理由で依頼されたため、そのような場面に割けるスペースや労力が比較的少なかったことが一因である。中世の装飾写本の余白に描かれたユーモラスな場面には、日常生活の小さな場面が含まれていることがあり、遠近法の発展により、屋外を舞台とした多くの場面で広い背景領域が生まれた。中世および初期ルネサンス美術では、慣習として、非聖職者の人物は当時の服装で描かれることが多かった。
初期ネーデルラント絵画は、フランドルの裕福な商人といった社会階層の低い人々まで肖像画を描くことを可能にした。特にヤン・ファン・エイクの『アルノルフィーニ夫妻の肖像』 （1434年）や、ロベルト・カンピンとその工房による『メローデ祭壇画』 （1427年頃）のような宗教画には、愛情を込めて描かれた品々で満たされた中流階級の室内が非常に詳細に描かれている。しかし、これらの品々は、少なくとも大部分は、写実主義そのものへのこだわりを損なうような、複雑な意味と象徴の層を帯びているからこそそこに存在している。中世後期の美術における「月ごとの労働のサイクル」は、多くの例が時祷書から現存しており、豊かな風景を背景に、季節ごとに異なる仕事に従事する農民に焦点を当てており、風景画の発展と労働者階級の人々の日常描写の両方において重要な意味を持っていた。
16世紀には、特に食料市場や台所で働く人々の姿を大きな絵画で描くことが流行しました。多くの作品では、働く人々と同じくらい食べ物も重要な位置を占めています。オランダでは、本質的にマニエリスム様式で制作したピーテル・アールツェンとその甥のヨアヒム・ベウケラール、イタリアでは、1580年代に粗削りなスタイルで制作した若きアンニーバレ・カラッチ、そしてその中間的なスタイルで制作したバルトロメオ・パッセロッティなどが挙げられます。ピーテル・ブリューゲル（父）は、農民の生活を描いた大規模なパノラマ画の先駆者でした。こうした場面は、17世紀にヨーロッパ各地で流行した風俗画における労働場面の人気への序曲となった。オランダ黄金時代の絵画ではこうした場面のさまざまなサブジャンルが生まれ、イタリアではバンボッチャンティ（主に低地諸国出身）が、スペインではボデゴンというジャンルが生まれ、ジュゼッペ・デ・リベラやベラスケスによって理想化されていない農民が歴史画に導入された。フランスのル・ナン兄弟や、アドリアーン・ブラウワー、ダフィット・テニールス（父と子）を含む多くのフランドルの画家は農民を描いたが、都市住民を描くことは稀だった。18世紀には、労働者を描いた小品が引き続き人気を博し、主にオランダの伝統を受け継ぎ、女性を題材としていた。
一般の人々を描いた多くの芸術作品、特に版画作品は、滑稽で教訓的なものであったが、被写体の貧困そのものが教訓的なメッセージの一部となることは比較的稀であったようだ。19世紀半ば以降、貧困層の生活の困難さが強調されるようになった。この傾向は、ヨーロッパのほとんどの地域で農村から都市への大規模な人口移動と時期を同じくしていたにもかかわらず、画家たちは依然として貧しい農村の人々を描く傾向があった。印象派や関連画家、特にパリを描いた画家たちは、混雑した都市の街並みを好んだ。
中世の写本装飾家はしばしば技術をイラスト化するよう依頼されたが、ルネサンス以降、そのようなイメージは書籍の挿絵や版画に残り続けた。ただし、海洋画は例外で、産業革命初期まで美術作品からほぼ姿を消した。産業革命の場面は、ジョセフ・ライト・オブ・ダービーやフィリップ・ジェームズ・ド・ルーテルブールといった少数の画家によって描かれた。こうした主題は恐らくあまり売れなかったのだろう。鉄道の場面を除けば、19世紀後半まで絵画に産業が目立つ形で描かれることはなかった。その後、産業都市の実業家や機関から、しばしば大規模な作品が依頼され、時には英雄的な扱いを受けるようになった。
20世紀初頭の運動であるアメリカン・リアリズムは、この意味でリアリズムを用いる数多くの現代運動の一つである。
写実主義運動は、ロマン主義と歴史画への反動として19世紀半ばに始まった。写実主義の画家たちは「現実の」生活の描写を支持し、作品の主題として、普通の労働者や普通の環境で実際の活動に従事する普通の人々を用いた。その主な代表者は、ギュスターヴ・クールベ、ジャン＝フランソワ・ミレー、オノレ・ドーミエ、ジャン＝バティスト＝カミーユ・コローであった。[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ]メトロポリタン美術館のヨーロッパ絵画部門の元職員であるロス・フィノッキオによれば、写実主義者たちは、エミール・ゾラ、オノレ・ド・バルザック、ギュスターヴ・フローベールの同時代の自然主義文学と一致する、美化されていない細部描写を用いて、普通の現代生活の存在を描写した。[ 14 ]
フランスの写実主義運動は、他の西欧諸国にも同様の運動が存在し、やや遅れて発展した。特に、1860年代に結成され、1871年から展覧会を開催したロシアの移動派（ペレドヴィジニキ）には、イリヤ・レーピン、ワシリー・ペロフ、イワン・シシキンといった多くの写実主義画家が所属し、ロシア美術に大きな影響を与えた。イギリスでは、ヒューバート・フォン・ヘルコマーやルーク・フィルデスといった画家が、社会問題を扱った写実主義絵画で大きな成功を収めた。
広く「現実の忠実な表現」と定義されるリアリズムは、文学運動としては「客観的現実」に基づいています。 [ 15 ]主に中流階級または下層階級の社会における日常の活動や生活を、ロマンチックな理想化や劇化なしに描写することに焦点を当てています。[ 16 ]コルネリイェ・クヴァスによれば、「現実の現実的な描写と再描写は、自然科学、心理学、社会学の3種類の法則の原則に違反することなく、私たちが通常抱く現実の概念に似た論理的構成物を形成する」とのことです。[ 17 ]これは、装飾や解釈を加えず、「世俗的で経験的な規則に従って」、第三者の客観的現実に存在すると考えられる対象を描写しようとする一般的な試みと見なすことができます。 [ 18 ]このように、このアプローチは、そのような現実が人類の概念体系、言語的慣習、信念とは存在論的に独立しており、したがって芸術家が知ることができ、芸術家はそれを忠実に表現できるという信念を本質的に含意しています。イアン・ワットが述べているように、近代リアリズムは「真理は個人が感覚を通して発見できるという立場から始まる」ものであり、そのため「デカルトとロックに起源を持ち、18世紀半ばにトーマス・リードによって初めて完全な定式化を受けた」 [ 19 ] 。
先行するロマン主義時代も産業革命の価値観に対する反動であったが、リアリズムは今度はロマン主義に対する反動であり、そのため一般的に「伝統的なブルジョワリアリズム」と蔑称されることもある。[ 20 ]ヴィクトリア朝文学の作家の中にはリアリズム作品を書いた者もいる。[ 21 ]「ブルジョワリアリズム」の硬直性、慣習、その他の制約が、今度はモダニズムと呼ばれる反乱を引き起こした。1900年頃から、モダニズム文学の原動力は19世紀のブルジョワ社会秩序と世界観に対する批判であり、それに対抗して反合理主義、反リアリズム、反ブルジョワのプログラムが展開された。[ 20 ] [ 22 ] [ 23 ]
演劇におけるリアリズムは、19世紀のヨーロッパ演劇において、産業革命と科学の時代の派生として初めて出現したと言われている。[ 24 ] [ 25 ]また、写真の発明をリアリズム演劇の基礎として具体的に挙げる人もいる[ 26 ] [ 27 ]一方、リアリズムと演劇の結びつきは、現実と密接に一致する物理世界の描写といった演劇形式の原理によって示されるように、はるかに古いと考える人もいる。[ 28 ]
演劇におけるリアリズムの成果は、日常生活の社会的・心理的問題に人々の注意を向けることであった。その劇では、人々は自分自身よりも大きな力の犠牲者として、急速に加速する世界に直面する個人として現れる。[ 29 ]これらの先駆的な劇作家は、登場人物を平凡で無力で、自分の窮状に対する答えにたどり着けない者として描く。この種の芸術は、人間の目で見るものを表現している。例えば、アントン・チェーホフは、カメラワークを用いて、感情の起伏のない生活の一断面を再現した。[ 30 ]トーマス・ポストルウェイトなどの学者は、19世紀から20世紀にかけて、メロドラマとリアリズムの形式と機能が数多く融合しており、それはメロドラマの要素がリアリズムの形式に存在し、またその逆も然りであることで証明できると指摘した。[ 31 ]
アメリカでは、演劇におけるリアリズムはフィクションにおけるリアリズムより約20年先行しており、演劇史家は1870年代後半から1880年代初頭にかけてリアリズムへの最初の動きがあったと指摘している。[ 32 ]また、リアリズムの代弁者であり、その美的原則を明確にしたウィリアム・ディーン・ハウエルズとヘンリー・ジェイムズにもその発展が帰せられている。[ 32 ]
第二次世界大戦後、演劇におけるリアリズム的アプローチはニヒリズムと不条理へと崩壊した。 [ 24 ]
イタリアのネオリアリズムは、第二次世界大戦後のイタリアで発展したリアリズムの要素を取り入れた映画運動です。著名なネオリアリストには、ヴィットリオ・デ・シーカ、ルキノ・ヴィスコンティ、ロベルト・ロッセリーニなどがいます。リアリズム映画は一般的に社会問題に焦点を当てています。[ 33 ]映画におけるリアリズムには、シームレスリアリズムと美的リアリズムの2種類があります。シームレスリアリズムは、物語構造と映画技法を用いて「現実効果」を生み出し、その信憑性を維持しようとします。[ 33 ] 1930年代にフランスの映画製作者によって初めて提唱され、 1950年代にアンドレ・バザンによって推進された美的リアリズムは、リアリズムには複数の種類があるため、「映画はそれが示す意味に固定することはできない」と認めています。そのため、これらの映画製作者は、ロケーション撮影、自然光、素人俳優を使用して、観客が「好ましい解釈」に操作されるのではなく、映画に基づいて独自の選択を行えるようにします。[ 33 ]ジークフリート・クラカウアーは、リアリズムが映画の最も重要な機能であると主張したことでも知られている。[ 34 ]
美的リアリズムの映画製作者は、ロングショット、ディープフォーカス、アイレベルの90度ショットを使用して、観客が見るものの操作を減らします。[ 33 ]第二次世界大戦後のイタリアのネオリアリズムの映画製作者は、1960年代に出現したフランスとイタリアの既存のリアリズム映画のアプローチを採用し、それを使用して政治的な映画を創造しました。フランスの映画製作者は、1960年代に、ジャン・ルーシュのシネマ・ヴェリテやドキュメンタリー映画など、政治的なリアリズム映画をいくつか製作しました[ 33 ]一方、1950年代と1960年代には、イギリス、フランス、ドイツの新しい波の映画製作が「生活の一断面」映画（イギリスのキッチンシンクドラマなど）を製作しました。 [ 33 ]
ヴェリズモは、ピエトロ・マスカーニ、ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ウンベルト・ジョルダーノ、フランチェスコ・チレア、ジャコモ・プッチーニといったイタリアの作曲家に関連する、ロマン派以降のオペラの伝統である。彼らは、エミール・ゾラ、ギュスターヴ・フローベール、ヘンリック・イプセンといった影響力のある19世紀後半の作家の自然主義をオペラに取り入れようとした。この新しいスタイルは、荒々しく欠点のある下層階級の主人公をフィーチャーした、現実のドラマを提示した[ 35 ]一方、現実的な出来事を誇張して描写したものと評する者もいた[ 36 ] 。ジュゼッペ・ヴェルディの『ルイザ・ミラー』と『椿姫』をヴェリズモの最初の兆候とみなす説もあるが[ 37 ] 、マスカーニの『カヴァレリア・ルスティカーナ』の初演が行われた1890年に始まり、1900年代初頭にピークを迎えたと主張する者もいる。[ 38 ]続いて、レオンカヴァッロの『道化師』が上演され、不貞、復讐、暴力といったテーマが扱われた。[ 35 ]
ヴェリズモはイギリスにも伝わり、その先駆者には、ヴィクトリア朝時代の劇作家W・S・ギルバートと作曲家アーサー・サリバン（1842年～1900年）の演劇パートナーシップが含まれる。[ 36 ]特に、彼らの戯曲『イオランテ』は、幻想的な要素を含みながらも貴族の現実的な描写であると考えられている。