Loading article…
アメリカ合衆国の視覚芸術、またはアメリカ美術とは、アメリカ合衆国で制作された、またはアメリカの芸術家によって制作された視覚芸術のことです。植民地化以前には、ネイティブアメリカンの芸術には多くの豊かな伝統があり、スペインが植民地化した地域では、スペイン植民地時代の建築様式と、それに伴う他のメディアの様式が急速に確立されました。東海岸の初期の植民地時代の芸術は、当初はヨーロッパの芸術家に依存しており、ジョン・ホワイトはその最初期の例です。18世紀後半から19世紀初頭にかけて、芸術家は主に肖像画や風景画を、主にイギリス絵画に基づいた様式で描きました。イギリス様式を模倣した家具職人や同様の職人が主要都市に定住しましたが、イギリス植民地では、19世紀まで地元で作られた陶器はあくまで実用的なものであり、装飾品は輸入されていました。
18世紀後半、ベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーという2人のアメリカ人画家が、当時最高峰の芸術形式とされていた歴史画でロンドンで最も成功した画家となり、西洋美術における新たな勢力の台頭を初めて示した。アメリカに残ったアメリカ人画家たちは、ヨーロッパではほとんど知られていなかったものの、ますます技術を磨いていった。19世紀初頭には、画家を育成するためのインフラが整備され始め、1820年からはハドソン・リバー派が、独創的でアメリカの広大な風景にふさわしいロマン主義的な風景画を制作し始めた。アメリカ独立革命は、愛国的な芸術、特に歴史画への需要を生み出し、他の画家たちは開拓地の風景を記録した。アメリカの農村部では、産業革命への反動として始まったアメリカの工芸運動が並行して発展していた。
1850年以降、ヨーロッパ様式のアカデミック美術が隆盛を極め、裕福なアメリカ人が莫大な富を築くにつれ、新旧のヨーロッパ美術がアメリカに流入し始めました。この流れはその後も続いています。多くの美術館が開館し、これらの美術品を展示しました。ヨーロッパの近代美術の発展は、 1913年のアーモリー・ショーなど、ニューヨーク市で開催された展覧会を通じてアメリカにもたらされました。第二次世界大戦後、ニューヨークはパリに代わって美術界の中心地となりました。それ以来、アメリカの多くの芸術運動が近代美術やポストモダン美術を形成してきました。今日のアメリカ美術は、非常に幅広い様式を網羅しています。
北アメリカを訪れた最初のヨーロッパ人画家の一人にジョン・ホワイトがおり、彼は東海岸のネイティブアメリカンの生活を水彩画で記録した重要な作品を残しました（現在は大英博物館に所蔵されています）。ホワイトは探検隊の画家兼地図製作者として初めてアメリカを訪れましたが、植民地時代の初期には、西洋様式で訓練を受けた他の画家のほとんどは陸海軍の将校であり、彼らの訓練には風景画のスケッチが含まれていました。やがてイギリス人入植地はプロの画家、主に肖像画家を支えるのに十分な規模に成長し、彼らの多くは独学で絵を学んだものでした。
初期の例としては、ロンドン出身の訓練を受けた画家ジョン・スミバートが挙げられる。彼は1728年に美術教授を目指して移住したが、ボストンで肖像画家兼版画販売業者となった。彼の友人ピーター・ペルハムも画家兼版画家だった。二人とも収入源が必要で、店を構えていた。一方、後にアメリカとなるスペイン領では、主に先住民の画家による後期バロック様式の宗教画が見られ、アメリカ先住民文化はそれぞれの伝統に基づいた芸術作品を生み出し続けた。
1776年の独立宣言によってアメリカの国民的アイデンティティが正式に始まった後、国家には歴史が必要となり、その歴史の一部は視覚的に表現されることになった。初期のアメリカ美術（18世紀後半から19世紀初頭にかけて）のほとんどは歴史画、特に肖像画で構成されている。植民地時代のアメリカと同様に、肖像画を専門とする画家の多くは基本的に独学であった。その中でも特筆すべきは、ジョセフ・バジャー、ジョン・ブリュースター・ジュニア、ウィリアム・ジェニーズである。若い国家の芸術家たちは、版画やジョン・スミバートやジョン・ウォラストンといったイギリスで訓練を受けた移民の絵画を通して知ったイギリス美術のスタイルを概ね模倣した。[ 2 ]
植民地時代の訓練を受けていない画家ロバート・フェケは、スミバートの例に基づいて洗練されたスタイルを確立した。[ 3 ]チャールズ・ウィルソン・ピールは、スミバートのヨーロッパ絵画の模写を研究することで初期の美術訓練の多くを習得し、[ 4 ]アメリカ独立戦争の多くの重要人物の肖像画を描いた。ピールの弟ジェームズ・ピールと、ピールの姪と息子6人（アンナ・クレイプール・ピール、サラ・ミリアム・ピール、ラファエル・ピール、レンブラント・ピール、ルーベンス・ピール、ティツィアン・ピール）も画家であった。ギルバート・スチュアートなどの画家は、新しく選出された政府高官の肖像画を描き、[ 1 ]それらは19世紀から20世紀初頭にかけてのさまざまなアメリカの切手に複製された後、象徴的なものとなった。[ 5 ]
ジョン・シングルトン・コプリーは、ますます裕福になる商人階級のために象徴的な肖像画を描き、その中にはポール・リビアの肖像画（1768～1770年頃）も含まれる。彼の最も有名な絵画「ワトソンとサメ」 （1778年）のオリジナル版は、ナショナル・ギャラリー・オブ・アートのコレクションにある。[ 6 ]ベンジャミン・ウェストは肖像画だけでなく、フレンチ・インディアン戦争の歴史画も描いた。ウェストはロンドンでも活動し、ワシントン・オールストン[ 7 ] 、ラルフ・アール、ジェームズ・アール[ 8 ] 、サミュエル・モース、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピール、ギルバート・スチュアート、ジョン・トランブル、マザー・ブラウン、エドワード・サベージ、トーマス・サリーなど、多くのアメリカ人画家が彼の指導を受けた。[ 9 ]ジョン・トランブルは、独立戦争の大規模な戦闘シーンを描いた。風景画が描かれた場合、それは多くの場合、被写体がどれだけの財産を所有しているかを示すため、または肖像画の絵のように美しい背景として描かれた。
アメリカで最初に広く知られる絵画流派、ハドソン・リバー派は1820年に登場しました。トーマス・コールがこの運動の先駆者となり、アルバート・ビアスタット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、トーマス・ドゥーティらが参加しました。音楽や文学と同様に、この発展は、芸術家たちが新世界に独自の題材があることに気づくまで遅れました。この場合、西部開拓の拡大が、辺境の風景の崇高な美しさを画家たちの注目を集めるきっかけとなったのです。
ハドソン・リバー派の画家たちの率直でシンプルな視点は、ジョン・ケンセットやルミニズム派、ジョージ・イネスやトーナリズム派（アルバート・ピンカム・ライダーやラルフ・ブレイクロックなどを含む）、そしてアメリカの田園風景――海、山、そしてその近くに暮らす人々――を描いたウィンスロー・ホーマーといった後世の画家たちに影響を与え、インスピレーションを与えた。
ハドソン・リバー派の風景画家ロバート・S・ダンカンソンは、初期の重要なアフリカ系アメリカ人画家の一人でした。鳥類学者で、鳥の絵を記録したジョン・ジェームズ・オーデュボンは、初期のアメリカで最も重要な博物学者の一人でした。彼の代表作である『アメリカの鳥』（1827～1839年）と題された一連のカラー版画は、これまでに完成した鳥類学作品の中で最も優れたものの1つと考えられています。エドワード・ヒックスは、アメリカのフォーク画家であり、クエーカー教徒の著名な牧師でした。彼はその絵画によってクエーカー教徒の象徴となりました。
西部を描いた絵画は、広大な土地とそこに暮らす先住民の文化を強調したものが多く、独自のジャンルとして確立されました。ジョージ・キャトリンは、西部とその人々をできる限りありのままに描きました。ジョージ・ケイレブ・ビンガム、そして後にフレデリック・レミントン、チャールズ・M・ラッセル、写真家のエドワード・S・カーティスらは、自らの芸術を通してアメリカ西部の遺産と古き良きアメリカ西部を記録しました。
歴史画は19世紀のアメリカ美術ではあまり人気のないジャンルだったが、ドイツ生まれのエマニュエル・ロイツェが描いた「ワシントンのデラウェア川横断」は、アメリカで最も有名な絵画の一つである。ウィリアム・BT・トレゴの歴史画や軍事画は、彼の死後広く出版された（エドウィン・A・ピープルズによれば、「トレゴの絵が載っていないアメリカ史の本はおそらくないだろう」）。[ 10 ]
19 世紀のアメリカの肖像画家には、アミ・フィリップスのような訓練を受けていない細密画家や、トーマス・サリーやGPA ヒーリーのようなヨーロッパの伝統で訓練を受けた画家がいた。中流階級の都市生活を描いた画家はトーマス・イーキンズで、妥協のないリアリストであり、その揺るぎない正直さは、上品なロマンティックな感傷主義への嗜好を覆した。その結果、彼は生前は特に成功しなかったが、その後、最も重要なアメリカの芸術家の 1 人として認められるようになった。[ 11 ]彼の生徒の 1 人は、国際的に評価された最初のアフリカ系アメリカ人画家であるヘンリー・オサワ・タナーだった。主にフィラデルフィアで生まれたトロンプルイユの静物画のスタイルには、ラファエル・ピール (ピール家の数人の芸術家の 1 人)、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・F・ペトなどが含まれる。
同時代で最も成功したアメリカの彫刻家であるハイラム・パワーズは、残りの人生をヨーロッパで過ごすためにアメリカを離れ、そこで『誘惑されたイヴ』のような理想化された女性の裸体像に伝統的なスタイルを採用した。[ 12 ]アメリカ人とみなされている重要な画家の何人かは、人生の多くをヨーロッパで過ごし、特にメアリー・カサット、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ジョン・シンガー・サージェントは、いずれもフランス印象派の影響を受けた。セオドア・ロビンソンは1887年にフランスを訪れ、クロード・モネと親交を結び、その技法を採用した最初のアメリカ人画家の一人となった。世紀末の数十年間には、チャイルド・ハッサムやフランク・W・ベンソンなどの画家によって実践されたアメリカ印象派が人気のあるスタイルとなった。
論争はすぐにアメリカの芸術家にとって日常茶飯事となった。実際、1900年以降のアメリカの絵画や彫刻の多くは、伝統に対する一連の反逆と言えるだろう。「芸術的価値観などくそくらえだ」とロバート・アンリは宣言した。彼は、都市生活の惨めな側面を描いたことで批評家からアシュカン派と呼ばれた画家集団のリーダーだった。
20世紀初頭、アメリカのリアリズムはアメリカの視覚芸術家にとって新たな方向性となった。アシュカン派の画家であるジョージ・ベローズ、エヴェレット・シン、ジョージ・ベンジャミン・ルークス、ウィリアム・グラッケンズ、ジョン・スローンらは、作品の中で社会意識の高いイメージを発展させた。写真家アルフレッド・スティーグリッツはフォト・セセッション運動を主導し、写真が新たな芸術形式として確立される道筋を開いた。
アシュカン派の画家たちは、ヨーロッパからやってきたモダニストたち、つまりニューヨーク市の291ギャラリーでスティグリッツが宣伝したキュビスムや抽象画家たちに道を譲った。ジョン・マリン、マースデン・ハートリー、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アーサー・B・カーレス、アーサー・ダヴ、ヘンリエッタ・ショア、スチュアート・デイヴィス、ウィルヘルミナ・ウェーバー、スタントン・マクドナルド＝ライト、モーガン・ラッセル、パトリック・ヘンリー・ブルース、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフ、ジェラルド・マーフィーは、初期のアメリカの重要なモダニズム画家たちである。アメリカの初期のモダニズム彫刻家には、ウィリアム・ゾラック、エリー・ナデルマン、ポール・マンシップなどがいる。フロリン・ステットハイマーは、非常に個人的な擬似素朴派のスタイルを発展させた。
第一次世界大戦後、多くのアメリカ人芸術家は、アーモリー・ショーから発せられた近代的な潮流や、パリ派などのヨーロッパの影響を拒否した。その代わりに、アメリカの都市や田園風景を描く際に、様々な（場合によってはアカデミックな）写実主義のスタイルを採用することを選んだ。グラント・ウッド、レジナルド・マーシュ、ギー・ペーヌ・デュ・ボワ、チャールズ・シーラーは、それぞれ異なる形で写実主義の傾向を体現している。シーラーと、近代主義の画家であるチャールズ・デムス、ラルストン・クロフォードは、機械や建築物の形態をシャープに描写したことから、プレシジョニストと呼ばれた。アンリに師事したエドワード・ホッパーは、光と形に焦点を当て、露骨な社会的内容を避けることで、独自の写実主義スタイルを確立した。
第一次世界大戦後、サンタフェ鉄道の開通により、アメリカ人入植者は西海岸からカリフォルニア沿岸まで旅することができるようになった。サンタフェとタオス周辺には芸術家村が形成され始め、芸術家たちは主に南西部の先住民や風景を題材とした作品を制作した。
南西部のイメージは人気の広告手段となり、特にサンタフェ鉄道は開拓者を西部に誘い、「汚れなき風景」を楽しませるためにこれを利用しました。ウォルター・ユーファー、バート・ギア・フィリップス、E・アーヴィング・コーズ、ウィリアム・ヘンリー・ジャクソン、マースデン・ハートリー、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフは、南西部で最も多作な芸術家の一部でした。19世紀後半に生まれたオキーフは、花、骨、ニューメキシコの風景を描いた作品で知られるようになり、 『ラムズ・ヘッド・ホワイト・ホリホック』や『リトル・ヒルズ』などにその例が見られます。オキーフは1929年に南西部を訪れ、1949年に永住し、1986年に亡くなるまでそこで暮らし、絵を描き続けました。
ハーレム・ルネッサンスはアメリカ美術における重要な発展でした。1920年代から30年代にかけて、教養があり政治的に洞察力のあるアフリカ系アメリカ人の男女の世代が現れ、人種差別的な固定観念に対抗するために文学協会や美術展、産業展を主催しました。アフリカ系アメリカ人コミュニティ内の多様な才能を紹介したこの運動には、アメリカ全土のアーティストが参加しましたが、ハーレムが中心でした。画家兼グラフィックアーティストのアーロン・ダグラスと写真家のジェームズ・ヴァンダーゼーの作品は、この運動の象徴となりました。ハーレム・ルネッサンスに関連するアーティストには、ロマーレ・ビアデン、ジェイコブ・ローレンス、チャールズ・アルストン、オーガスタ・サベージ、アーチボルド・モトリー、ロイス・マイロウ・ジョーンズ、パーマー・ヘイデン、サージェント・ジョンソンなどがいます。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]
大恐慌が悪化すると、フランクリン・D・ルーズベルト大統領のニューディール政策により、いくつかの公共芸術プログラムが創設されました。これらのプログラムの目的は、芸術家に仕事を与え、通常は国家的なテーマで公共の建物を装飾することでした。これらのプロジェクトの最初のものは、芸術家組合の失業中の芸術家によるロビー活動が成功した後に創設された公共芸術事業計画（PWAP）です。[ 16 ] PWAPは1年足らずで終了し、約15,000点の芸術作品を制作しました。これに続いて、 1935年に公共事業促進局の連邦芸術計画（FAP/WPA）が開始され、最も有名なアメリカ人芸術家の一部に資金を提供しました。[ 17 ]
WPAが委託した公共美術の多くは、ディエゴ・リベラや同時代のメキシコ壁画運動の他の芸術家の作品の影響を受けていました。大恐慌時代には、アメリカン・シーン・ペインティング、リージョナリズム、ソーシャル・リアリズムなど、いくつかの独立した関連運動が始まり、発展しました。[ 18 ]トーマス・ハート・ベントン、ジョン・スチュアート・カリー、グラント・ウッド、マキシン・アルブロ、ベン・シャーン、ジョセフ・ステラ、レジナルド・マーシュ、アイザック・ソイヤー、ラファエル・ソイヤー、スペンサー・ベアード・ニコルズ、ジャック・レヴィンは、最も有名な芸術家の一部でした。
戦間期に登場したアーティスト全員が地域主義や社会主義リアリズムの画家だったわけではない。ミルトン・エイブリーの絵画は、しばしばほぼ抽象的で、後に抽象表現主義者として知られるようになる若いアーティストたちに大きな影響を与えた。[ 19 ]ジョセフ・コーネルはシュルレアリスムに触発され、拾得物やコラージュを取り入れた箱型の集合体を制作した。
第二次世界大戦後、ニューヨークの芸術家グループが、国際的に大きな影響力を持つ最初のアメリカの芸術運動、抽象表現主義を結成した。この用語は1919年にベルリンで初めて使用され、1946年にロバート・コーツがニューヨーク・タイムズ紙で再び使用し、当時の二大美術評論家であるハロルド・ローゼンバーグとクレメント・グリーンバーグによって取り上げられた。抽象表現主義は、その範囲が広すぎるとか矛盾しているといった批判もあるが、一般的な定義では、抽象芸術を用いて、外界にあるものではなく、芸術家の内面にある感情や情緒を表現することを意味する。
抽象表現主義の第一世代には、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコ、フランツ・クライン、アーシル・ゴーキー、ロバート・マザーウェル、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、アド・ラインハルト、ジェームズ・ブルックス、リチャード・プセット＝ダート、ウィリアム・バジオテス、マーク・トビー、ブラッドリー・ウォーカー・トムリン、テオドロス・スタモス、ジャック・トウォルコフ、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング、デイヴィッド・スミス、ハンス・ホフマンなどが含まれる。ミルトン・エイブリー、リー・クラズナー、ルイーズ・ブルジョワ、アレクサンダー・カルダー、トニー・スミス、モリス・グレイブスなども、この時代に活躍した重要かつ影響力のある芸術家である。
このラベルに含まれる多数のアーティストは、スタイルが大きく異なっていたものの、当時の批評家たちは彼らの間にいくつかの共通点を見出した。ゴーキー、ポロック、デ・クーニング、クライン、ホフマン、マザーウェル、ゴットリーブ、ロスコ、スティル、ガストンなどは、抽象表現主義運動、そして多くの場合アクション・ペインティング（クラインの「ペインティング・ナンバー2」 （1954年）に見られるように）と関連付けられるアメリカの画家であり、 1940年代から1950年代にかけてのニューヨーク・スクールの一員であった。
第一世代の抽象表現主義者の多くは、キュビスムの作品（美術評論の写真や291ギャラリーやアーモリーショーで作品を見たことで知った）やヨーロッパのシュルレアリスト、パブロ・ピカソ、ジョアン・ミロ、アンリ・マティス、そしてアメリカのミルトン・エイブリー、ジョン・D・グラハム、ハンス・ホフマンの影響を受けていました。彼らのほとんどは、形式的な構成や実物の表現を放棄しました。抽象表現主義者たちは、空間、線、形、色の本能的で直感的、自発的な配置を試みることにしました。抽象表現主義は、2つの主要な要素によって特徴づけられます。1つは、使用されたキャンバスのサイズが大きいこと（メキシコのフレスコ画や1930年代にWPAのために制作した作品に部分的に影響を受けている）、もう1つは、プロセスに対する新しい理解に基づいた、力強く独特な筆致と実験的な絵具の塗布です。
色彩の強調と強烈さ、そして広々とした画面は、カラーフィールド・ペインティングと呼ばれる運動に適用された原則の 2 つでした。アド・ラインハルト、アドルフ・ゴットリーブ、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンは、この運動に分類されました。もう 1 つの運動はアクション・ペインティングと呼ばれ、自発的な反応、力強い筆致、滴り落ちる絵具、飛び散る絵具、そして絵画制作に用いられる力強い身体の動きが特徴です。ポロックはアクション・ペインターの一例です。棒から投げたり滴らせたり、缶から直接注いだりする絵具を取り入れた彼の創作プロセスは、絵画の方法に革命をもたらしました。 [ 20 ]
ウィレム・デ・クーニングはポロックについて「彼は我々のために氷を割ってくれた」と有名な言葉を残している。[ 21 ]皮肉なことに、ポロックの線状のフィールドが繰り返し広がる大きな領域は、カラーフィールド絵画の特徴でもある。美術評論家のマイケル・フリードは、1965年にフォッグ美術館で開催された「 3人のアメリカ人画家：ケネス・ノーランド、ジュールズ・オリツキ、フランク・ステラ」のカタログに寄せたエッセイの中でそう書いている。美術評論家の間で意見の相違はあるものの、抽象表現主義はアメリカ美術史における転換点を示している。1940年代と1950年代には、国際的な注目がヨーロッパ（パリ）美術からアメリカ（ニューヨーク）美術へと移った。[ 22 ]
カラーフィールド絵画は1960年代にも運動として続き、モリス・ルイス、ジュールズ・オリツキ、ケネス・ノーランド、ジーン・デイビス、ヘレン・フランケンターラーらは、反復、ストライプ、大きな平坦な色面によって余分な修辞を排除した絵画を作ろうとした。[ 23 ]
1950年代、アメリカの抽象絵画は、ネオ・ダダ、ポスト・ペインタリー・アブストラクション、オプ・アート、ハードエッジ・ペインティング、ミニマル・アート、シェイプド・キャンバス・ペインティング、リリカル・アブストラクション、そして抽象表現主義の継続といった運動へと発展した。抽象化への傾向に対する反応として、ポップ・アート、ベイエリア具象運動、そして後の1970年代にはネオ表現主義といった様々な新しい運動が出現した。
叙情的な抽象表現は、フルクサス運動やポストミニマリズム（ 1969年にロバート・ピンカス＝ウィッテンがアートフォーラム誌で初めて提唱した用語） [ 26 ]とともに、プロセス、新しい素材、新しい表現方法に焦点を当てることで、抽象絵画とミニマリズムの境界を拡張しようとした。ポストミニマリズムは、工業用素材、原材料、加工品、既製品、インスタレーション、連続反復を取り入れることが多く、ダダやシュルレアリスムへの言及も頻繁に見られるが、エヴァ・ヘッセの彫刻に最もよく表れている。[ 26 ]
叙情的抽象、コンセプチュアル・アート、ポストミニマリズム、アース・アート、ビデオ、パフォーマンス・アート、インスタレーション・アートは、フルクサス、抽象表現主義、カラーフィールド・ペインティング、ハードエッジ・ペインティング、ミニマル・アート、オプ・アート、ポップ・アート、フォトリアリズム、ニュー・リアリズムの継続とともに、1960年代半ばから1970年代にかけて現代美術の境界を拡張した。 [ 27 ]叙情的抽象は、特に絵具の質感と表面の自由奔放な使用において、カラーフィールド・ペインティングや抽象表現主義と類似点がある。直接描画、カリグラフィー的な線の使用、ブラシ、飛び散り、染み、スクイージー、注ぎ、飛沫による絵具の効果は、抽象表現主義やカラーフィールド・ペインティングに見られる効果と表面的には似ている。しかし、スタイルは著しく異なる。[ 28 ] [ 29 ]
1960年代、1970年代、1980年代には、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、リー・クラズナー、サイ・トゥオンブリー、ロバート・ラウシェンバーグ、ジャスパー・ジョーンズ、リチャード・ディーベンコーン、ヨーゼフ・アルバース、エルマー・ビショフ、アグネス・マーティン、アル・ヘルド、サム・フランシス、バーネット・ニューマン、ケネス・ノーランド、ジュールズ・オリツキ、エルズワース・ケリー、モリス・ルイス、ジーン・デイビス、フランク・ステラ、ジョーン・ミッチェル、フリーデル・ズバス、ポール・ジェンキンス、ラリー・プーンスといった力強く影響力のある画家たちや、ブライス・マーデン、ロバート・マンゴールド、サム・ギリアム、ショーン・スカリー、エリザベス・マレー、ウォルター・ダービー・バナード、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ロナルド・デイビス、ダン・クリステンセン、スーザン・ローゼンバーグ、ロス・ブレックナー、リチャード・タトル、ジュリアン・シュナーベル、ピーター・ハレー、ジャン＝ミシェル・バスキア、エリック・フィッシュル、その他数十名が、重要かつ影響力のある絵画作品を生み出した。
次世代の芸術家たちは、異なる形態の抽象表現、すなわちミクストメディア作品を好んだ。ロバート・ラウシェンバーグやジャスパー・ジョーンズは、写真、新聞紙、廃棄物などを作品に取り入れた。アンディ・ウォーホル、ラリー・リバース、ロイ・リキテンスタインといったポップアーティストたちは、コカ・コーラの瓶、スープ缶、漫画など、アメリカの大衆文化における日常的な物やイメージを、風刺的な視点で再現した。
写実主義は、モダニズムの影響にもかかわらず、アメリカ合衆国で常に人気を博してきました。写実主義的な傾向は、エドワード・ホッパーの都市風景、アンドリュー・ワイエスの田園風景、ノーマン・ロックウェルの挿絵などに顕著に表れています。抽象表現主義が普及しなかった地域もあります。例えば、シカゴでは、シカゴ・イマジストのコスモ・カンポリ、ジム・ナット、エド・パシュケ、ナンシー・スペロに代表されるような、グロテスクで象徴的な写実主義が主流の芸術様式でした。
21世紀初頭、アメリカ合衆国の現代美術は概して、文化多元主義という概念に特徴づけられる、複数の連続した様式で展開を続けている。絵画、現代美術、そして現代美術批評における今日の「危機」は、まさにこの多元主義によってもたらされている。時代を代表する様式について、合意は存在せず、また必要もない。あらゆるものが許容されるという姿勢、つまり「何でもあり」症候群が蔓延しており、確固たる明確な方向性はないものの、芸術という高速道路のあらゆる車線が満杯状態にある。その結果、アメリカでは、多様な様式と美的気質を持つものの、壮大で重要な芸術作品が制作され続けており、その価値は市場の判断に委ねられている。
ハードエッジ絵画、幾何学的抽象、アプロプリエーション、ハイパーリアリズム、フォトリアリズム、表現主義、ミニマリズム、叙情的抽象、ポップアート、オプアート、抽象表現主義、カラーフィールド絵画、モノクローム絵画、ネオ表現主義、コラージュ、インターメディア絵画、アッサンブラージュ絵画、デジタル絵画、ポストモダン絵画、ネオダダ絵画、シェイプドキャンバス絵画、環境壁画絵画、グラフィティ、伝統的な人物画、風景画、肖像画などは、21世紀初頭の絵画における継続的かつ現在の方向性のほんの一部です。
著名なアメリカ人アーティストには、 アンセル・アダムス、ジョン・ジェームズ・オーデュボン、ミルトン・エイブリー、ジャン＝ミシェル・バスキア、トーマス・ハート・ベントン、アルバート・ビアスタット、アレクサンダー・カルダー、メアリー・カサット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、チャック・クロース、トーマス・コール、ロバート・クラム、エドワード・S・カーティス、リチャード・ディーベンコーン、トーマス・イーキンズ、ジュールズ・ファイファー、ライオネル・ファイニンガー、ヘレン・フランケンターラー、アーシル・ゴーキー、キース・ヘリング、マースデン・ハートレー、アル・ハーシュフェルド、ハンス・ホフマン、ウィンスロー・ホーマー、エドワード・ホッパー、ジャスパー・ジョーンズ、ジョージア・オキーフ、ジャック・カービー、フランツ・クライン、ウィレム・デ・クーニング、リー・クラズナー、ドロシア・ラング、ロイ・リキテンスタイン、モリス・ルイス、ジョン・マリンなどがいる。アグネス・マーティン、ジョーン・ミッチェル、グランマ・モーゼス、ロバート・マザーウェル、ナンペヨ、ケネス・ノーランド、ジャクソン・ポロック、マン・レイ、ロバート・ラウシェンバーグ、フレデリック・レミントン、ノーマン・ロックウェル、マーク・ロスコ、アルバート・ピンカム・ライダー、ジョン・シンガー・サージェント、シンディ・シャーマン、デビッド・スミス、フランク・ステラ、クリフォード・スティル、ギルバート・スチュアート、ルイス・コンフォート・ティファニー、サイ・トゥオンブリー、アンディ・ウォーホル、グラント・ウッド、フランク・ロイド・ライト、アンドリュー・ワイエス。
収蔵番号 86.3422
{{cite web}}: CS1メンテナンス: アーカイブサービスは非推奨になりました (リンク)