ゲルハルト・リヒター

リヒターはザクセン州ドレスデンのドレスデン・ノイシュタット病院で生まれ^{[ 6 ]}、ライヒェナウ（現在のポーランド、ボガティニア）と、父親が村の教師として働いていたオーバーラウジッツ地方のヴァルタースドルフ（ツィッタウ山地）で育った。ゲルハルトの母、ヒルデガルト・シェーンフェルダーは25歳で彼を出産した。ヒルデガルトの父、エルンスト・アルフレート・シェーンフェルダーはかつて才能あるピアニストと見なされていた。エルンストは家業の醸造業を引き継いだ後、家族をドレスデンに移し、最終的に破産した。ドレスデンに移ってから、ヒルデガルトは書店員としての訓練を受け、その過程で文学と音楽への情熱に気づいた。ゲルハルトの父、ホルスト・リヒターはドレスデン工科大学で数学と物理学を専攻していた。二人は1931年に結婚した。^{[ 7 ]}

ホルストは、新しい国家社会主義教育制度の中で職を維持するのに苦労した後、ライヒェナウで職を見つけた。ゲルハルトの妹ギゼラは、1936年にそこで生まれた。ライヒェナウは田舎にあったため、ホルストとヒルデガルトは基本的に政治に関わらずに済んだ。 ^{[ 8 ]}教師であったホルストは、最終的に国家社会主義党への入党を強いられた。彼はナチズムの熱心な支持者にはならず、党の集会への出席も義務付けられなかった。^{[ 8 ]}ゲルハルトは10歳の時にドイツ少年団に徴兵された。10代の少年のためのヒトラーユーゲントは、リヒターが徴兵年齢に達する前に終戦時に解散した。^{[ 9 ]} 1943年、ヒルデガルトは家族をヴァルタースドルフに移し、後にピアノを売らざるを得なくなった。^{[ 10 ]}ヒルデガルトの2人の兄弟は戦争で兵士として亡くなり、統合失調症を患っていた妹でゲルハルトの叔母のマリアンネは、ナチスの安楽死計画の犠牲者として精神科クリニックで餓死した。^{[ 1 ]}

リヒターは10年生で学校を辞め、広告や舞台美術の画家として見習いをした後、ドレスデン美術アカデミーで学んだ。1948年にツィッタウの職業高校を卒業し、1949年から1951年にかけて、看板画家の見習いと画家として働いた。^{[ 11 ]} 1950年、ドレスデン美術アカデミーへの入学願書は「ブルジョワ的すぎる」として却下された。^{[ 11 ]}彼は1951年にようやくアカデミーで学び始めた。アカデミーでの教師はカール・フォン・アッペン、ハインツ・ローマー、ウィル・グローマンであった。

リヒターは1957年にマリアンネ・オイフィンガーと結婚し、彼女との間に長女をもうけた。1982年には彫刻家のイザ・ゲンツケンと再婚。1995年に三番目の妻となるザビーネ・モーリッツと結婚し、彼女との間には2人の息子と1人の娘をもうけた。

キャリアの初期には、学士課程の一環として、所属する美術アカデミーの食堂のために壁画（ピカソとの交わり、1955年）を制作した。その後、卒業制作としてドイツ衛生博物館に「Lebensfreude（人生の喜び）」と題する別の壁画を制作した。これは「壁紙やタペストリーのような」効果を生み出すことを意図していた。^{[ 12 ]}

1957年から1961年にかけて、リヒターは美術アカデミーで研修生として働き、当時の東ドイツ政府から依頼を受けて作品を制作した。この間、彼は『労働者の闘争』（ Arbeiterkampf）などの壁画、油絵（例えば、東ドイツの女優アンゲリカ・ドムレーゼやリヒターの最初の妻エマの肖像画）、様々な自画像、そして『都市景観』（Stadtbild、1956年）という中立的な名称のドレスデンのパノラマ作品など、精力的に制作に取り組んだ。

リヒターは妻のマリアンネと共に、1961年にベルリンの壁が建設される2か月前に東ドイツから西ドイツへ脱出した。 ^{[ 13 ]}美術アカデミーと衛生博物館にあった彼の壁画は、イデオロギー的な理由から塗りつぶされた。ずっと後になって、ドイツ再統一後、壁画「生命の喜び」 （1956年）の2つの「窓」がドイツ衛生博物館の階段で発見されたが、博物館を1930年の元の状態に復元することが決定された際に、これらは後に塗りつぶされた。壁画の大部分は最終的に2024年に発見され、修復された。^{[ 14 ]}

西ドイツでは、リヒターはデュッセルドルフ美術アカデミーでカール・オットー・ゲッツのもとで、ジグマー・ポルケ、ヴェルナー・ヒルシング、HA・シュルト[ ^{15 ] 、}クノ・ゴンシオール、フランツ・エアハルト・ヴァルター、コンラート・リューク、ゴットハルト・グラウブナー^{[ 16 ] [ 17 ]}らと共に学び始めた。ポルケやコンラート・フィッシャー（リュークというペンネーム）と共に、彼は広告の絵画的略記法を借用し、反芸術様式として「資本主義リアリズム」^{[ 18 ] [ 19 ]}という用語を導入した。この名称は、当時ソビエト連邦の公式芸術教義であった「社会主義リアリズム」として知られるリアリズム様式も指していたが、同時に西側資本主義の消費主導型芸術教義に対する批判でもあった。

リヒターはハンブルク芸術大学とノバスコシア芸術デザイン大学で客員教授として教鞭をとりました。 1971 年にデュッセルドルフ美術館に戻り、そこで 15 年以上教授として働きました。

1983年、リヒターはデュッセルドルフからケルンに移住し、現在もそこで生活し、制作活動を続けている。^{[ 20 ]} 1996年には、建築家ティース・マルヴェーデが設計したスタジオに移り住んだ。^{[ 21 ]}

リヒターは1960年代から1970年代初頭にかけて、白黒写真をもとに様々な絵画作品を制作した。それらの作品は、新聞や書籍（時にはキャプションも取り入れている）（ヘルガ・マトゥーラ（1966年）など）、プライベートなスナップ写真、都市や山の空撮写真（マドリードの街並み（1968年）やアルプス（1968年））、海景画（1969～70年）、そして1972年のヴェネツィア・ビエンナーレのドイツ館のために制作された大規模な多部作など、様々な資料に基づいている。48の肖像（1971～72年）では、主にグスタフ・マーラーやジャン・シベリウスなどの作曲家、 H・G・ウェルズやフランツ・カフカなどの作家の顔を選んだ。^{[ 22 ]}

リヒターは1964年頃から、ディーラー、コレクター、アーティスト、その他身近な職業上の仲間たちの肖像画を数多く制作した。娘のベティの肖像画はそれぞれ1977年と1988年に制作され、 IGと題された3枚の肖像画は1993年に制作され、アーティストの2番目の妻であるイザ・ゲンツケンを描いている。Lesende (1994) は、 1995年にリヒターが結婚したサビーネ・モーリッツが雑誌のページに夢中になっている様子を描いている。^{[ 23 ]}彼の写実的な絵画の多くはナチズムの歴史を反映しており、ナチ党員であった家族や犠牲者を描いた絵画を制作している。^{[ 24 ]} 1966年から、リヒターは他人から贈られた写真だけでなく、自分で撮影した写真も肖像画のベースとして使い始めた。^{[ 23 ]} 1975年、デュッセルドルフでのショーの際に、ギルバート＆ジョージはリヒターに自分たちの肖像画の制作を依頼した。^{[ 25 ]}

リヒターは1965年に版画制作を始めた。1974年以前は最も精力的に活動しており、それ以降は散発的にしか制作していない。1965年から1974年の間に、リヒターは絵画と同じまたは類似の主題の版画（100点以上）を制作した。^{[ 26 ]}彼は、作品に「非芸術的」な外観を与える安価な媒体を求めて、シルクスクリーン、フォトグラフィー、コロタイプなど、さまざまな写真版画技法を探求した。 ^{[ 27 ] [ 28 ]}彼は1974年に版画制作をやめ、自分で撮影した写真をもとに絵を描き始めた。^{[ 26 ]}

リヒターの作品には、1963年のキャリア初期に風景画の要素が初めて現れましたが、画家が独自の風景画シリーズを始めたのは、1968年に最初の休暇を取った後のことでした。その休暇で彼はコルシカ島の地形に魅了されました。^{[ 29 ]}それ以来、風景画は彼の作品群の中で独立した作品群として現れています。^{[ 30 ]}ディートマー・エルガーによれば、リヒターの風景画は伝統的なドイツ・ロマン主義絵画の文脈で理解されるべきものです。それらはカスパー・ダーヴィト・フリードリヒ（1774-1840）の作品と比較されます。フリードリヒはドイツ風景画の基礎を築いた人物です。両画家とも人生の形成期をドレスデンで過ごしました。^{[ 31 ]}グローセ・テイデ・ランドシャフト（1971）は、テネリフェ島の火山地帯の同様の休暇中のスナップ写真からイメージを得ています。^{[ 32 ]}

アトラスは、1972年にユトレヒトの現代美術館で「写真とスケッチのアトラス」というタイトルで初めて展示されました。315のパーツで構成されていました。作品はその後も拡大を続け、1989年にミュンヘンのレンバッハハウス、1990年にケルンのルートヴィヒ美術館、1995年にニューヨークのディア芸術財団で完全な形で展示されました。アトラスは、約4,000枚の写真、写真の複製または切り抜き、イラストで構成され、約600枚の別々のパネルにまとめられた、進行中の百科事典的な作品です。^{[ 33 ]}

1972年、リヒターは10日間のグリーンランド旅行に出発した。友人のハンネ・ダーボフェンが同行する予定だったが、彼は一人で旅に出た。彼の目的は、荒涼とした北極の風景を体験し、記録することだった。1976年、グリーンランドの写真から「海景」と題された4枚の大作が生まれた。 ^{[ 34 ]}

1982年と1983年に、リヒターは静物画のメメント・モリ絵画の長い伝統に関連するキャンドルとスカルの絵画シリーズを制作しました。それぞれの構図は、リヒターが自身のスタジオで撮影した写真に基づいていることがほとんどです。ジョルジュ・ド・ラ・トゥールやフランシスコ・デ・スルバランなどのヴァニタス画家の巨匠に影響を受けたリヒターは、何もないテーブルの上に置かれたキャンドルとスカルをさまざまな自然光の下で配置する実験を始めました。キャンドルの絵画は、彼が最初に制作した大規模な抽象絵画と同時期に制作され、それらの広大で色彩豊かで遊び心のある無意味な作品とは全く正反対のものです。リヒターはこれらの静物画をわずか27点しか制作していません。^{[ 35 ]} 1995年、リヒターは第二次世界大戦中に故郷ドレスデンが連合軍の爆撃を受けてから50周年を迎えました。彼の一本のろうそくは記念碑的な規模で複製され、再生の象徴としてエルベ川を見下ろす場所に設置された。^{[ 36 ]}リヒターはこのシリーズを描いている間、「瞑想、記憶、沈黙、そして死に関する感情を経験した」と述べている。^{[ 37 ]}

1988年に制作された、曖昧な写真絵画15点からなるシリーズ「1977年10月18日」では、ドイツの左翼過激派組織である赤軍派（RAF）のメンバー4人を描いた。これらの絵画は、白黒の新聞写真や警察の写真をもとに制作された。1977年10月18日、3人のRAFメンバーが刑務所の独房で死亡しているのが発見され、その死因は広く論争の的となった。^{[ 38 ]} 1980年代後半、リヒターは同グループの画像を収集し始め、それを基に1989年にクレーフェルトで初めて展示された15点の絵画を制作した。これらの絵画は、過激派ジャーナリスト時代のウルリケ・マインホフの公式肖像写真、ホルガー・マインスの逮捕写真、刑務所でのグドルン・エンスリンの警察写真、アンドレアス・バーダーの本棚と銃を隠すためのレコードプレーヤーなどを基に制作された。マインホフ、エンスリン、バーダーの死について、そしてエンスリン、バーダー、ヤン＝カール・ラスペの葬儀について。

リヒターは1989年以来、写真の上に濡れた絵の具を塗りつけることで新たなイメージを生み出す作品制作に取り組んでいる。作品に使われている写真は、リヒター自身が撮影したものばかりではなく、家族旅行、友人たちの写真、山、建物、街並みなど、日常生活の一コマを切り取ったものがほとんどだ。

リヒターは2001年9月11日にニューヨークへ向かう飛行機に乗っていたが、ワールドトレードセンターを含む9/11攻撃のため、飛行機はノバスコシア州ハリファックスに迂回した。数年後、彼はワールドトレードセンターに突っ込む飛行機を題材にした小さな絵画を1枚制作した。^{[ 39 ]}『9月：ゲルハルト・リヒターの歴史画』の中で、ロバート・ストールは、リヒターの2005年の絵画『9月』を、リヒターの作品全体に見られる反イデオロギー的な思想の中に位置づけている。彼は、9月11日の攻撃の遍在する写真記録が、その出来事に対する個人の独特な記憶の独自性にどのように影響するかを考察し、リヒターの1977年10月18日の連作との貴重な比較を提供している。^{[ 40 ]}

2000年代、リヒターは科学現象を扱った作品を数多く制作した。2003年には、同じタイトルの絵画を複数制作した。「ケイ酸塩」。キャンバスに油彩で描かれたこれらの大型作品は、明るい灰色と暗い灰色の塊が格子状に並び、その形は画面を駆け巡りながら擬似的に繰り返され、絵画ごとに角度が変化する。これらの作品は、フランクフルター・アルゲマイネ・ツァイトゥング紙に掲載された、昆虫の殻に含まれる二酸化ケイ素の反射をコンピューターで再現した写真に基づいている。^{[ 41 ]}

2014年、リヒターはホロコースト中にアウシュヴィッツ＝ビルケナウ強制収容所で撮影されたゾンダーコマンドの写真を用いて、ビルケナウと題した4枚の絵画の連作を制作した。^{[ 42 ]} 2021年10月、ゲルハルト・リヒターはビルケナウの写真を国際アウシュヴィッツ委員会に永久的に提供することを決定した。現在、この連作はアウシュヴィッツII＝ビルケナウの敷地から約2キロ離れたオシフィエンチム/アウシュヴィッツの国際青少年交流センターの敷地内にある展示パビリオンで常設展示されている。このパビリオンはアーティストの設計に基づいて建設された。^{[ 43 ]} 2024年には、リヒターが制作し寄贈した金属板にプリントされた作品のエディションが同センターで展示された。^{[ 44 ]}

リヒターの初期作品「テーブル」（1962年）は、雑誌の写真から取ったテーブルの絵に、タシズム風の筆致が重なり合って描かれたものであった。これらの筆致は、触覚的な灰色の絵具の渦巻きを用いてフォトリアリズム的な表現を打ち消すものとして、また生成性の一形態として解釈することができる。^{[ 45 ] [ 46 ]}

1969年、リヒターは、様々な絵具の塗布方法によって生じる質感のみで構成された、一連のグレーのモノクローム作品の最初の作品を制作した。

1976年、リヒターは初めて自身の作品の一つに「抽象絵画」というタイトルを付けた。絵に名前や説明を一切つけずに提示することで、彼は「何かを創造するのではなく、何かが現れるのを待つ」と感じていた。抽象絵画において、リヒターはキャンバスに原色を大胆に塗りつけることから始め、非具象的な絵画の層を積み重ねていく。^{[ 47 ]}絵画は、制作過程における偶発的なディテールやパターンに対する彼の反応に基づいて段階的に進化していく。制作過程全体を通して、リヒターは具象絵画で用いるのと同じ技法、つまりぼかしや削り取りによって、以前の層を覆い隠したり露出させたりしている。^{[ 48 ]}

1980年代半ばから、リヒターは自作のスクイージーを使って、キャンバス全体に大きな帯状に塗った絵具をこすったり削ったりし始めた。^{[ 48 ]} 1986年にベンジャミン・H・D・ブッフロックとのインタビューで、リヒターは自身の「モノクローム・グレー・ピクチャーズと抽象絵画」と、イヴ・クラインやエルズワース・ケリーといったアーティストとの関連性について質問された。以下はリヒターの回答である。

グレーの絵は、モノクロの絵画が至る所にあった時代に制作された。それでも私は描いた。…ケリーではなく、ボブ・ライマン、ブライス・マーデン、アラン・チャールトン、イヴ・クライン、その他多くの画家たちだ。^{[ 49 ]}

1990年代、このアーティストはキャンバス上でスクイージーを規則正しく上下に動かし、板張りの壁のような垂直の柱を作り出すようになった。^{[ 48 ]}

リヒターの抽象作品とその空間の錯覚は、偶発的な制作過程、すなわち絵具を加えたり、動かしたり、取り除いたりする自発的で反応的なジェスチャーの積み重ねから生まれた。不自然な色彩、空間のない色面、そして画家の道具の跡がはっきりと残っているにもかかわらず、抽象画はしばしば、外の風景を垣間見ることができる窓のような役割を果たす。具象絵画と同様に、錯覚と絵具は均衡を保っている。具象絵画では、彼は世俗的なイメージを単なる芸術の出来事へと還元する。同様に、抽象画においても、リヒターは自発的で直感的な筆致を、空間的な論理と信憑性のレベルにまで高めている。

フィレンツェは、1999年の秋に構想され、同年以降に制作された99点の作品からなる連作です。このシリーズは、2,000点を超える作品群である、オーバーペイント写真、またはübermalte Fotografienに属しています。^{[ 50 ]}フィレンツェは、スティーヴ・ライヒの音楽とフィレンツェを拠点とする音楽家グループであるコンテンポアルタンサンブルの作品へのオマージュとしてアーティストが制作した、フィレンツェの街のイメージを描いた小さな絵画で構成されています。^{[ 51 ]}

2000 年以降、リヒターは科学現象、特に肉眼では見ることのできない現実の側面を扱った作品を数多く制作した。^{[ 52 ]} 2006 年、リヒターはアメリカの前衛作曲家ジョン・ケージにちなんで名付けられた「ケージ」というタイトルで、6 点の絵画をまとまりのあるグループとして構想した。^{[ 53 ]}「ケージ」の絵画は、交差するフィールド、線、不均一な塗り跡の帯から構成される大きな作品で、リヒターがキャンバス全体に引きずる幅広のスクイージーツールを反映しており、その後、絵具の領域を取り除いて、さまざまな層やパッチを隠したり明らかにしたりする減法的な方法を生み出している。^{[ 54 ]} 2002 年 5 月、リヒターは抽象絵画第 216 点の細部を撮影した。 648-2、1987年制作。リヒターは数週間にわたり長いテーブルで作業し、これらの10×15cmの細部と、3月20日と21日にドイツのフランクフルター・アルゲマイネ・ツァイトゥング紙に掲載されたイラク戦争に関する165のテキストを組み合わせた。この作品は2004年に『War Cut』というタイトルで書籍として出版された。 

2008年11月、リヒターは、インクの滲みや広がりをアルコールとラッカーで遅らせ、濡れた紙にインクの滴を塗布する一連の作品を始めた。その結果生まれた11月の作品は、濡れた紙にインクが広く染み込むことで両面作品が生まれたという点で、彼の以前の水彩画とは大きく異なるとみなされている。^{[ 55 ]}時には、上側の紙が他の紙に滲み、連続的に展開する一連のイメージが生まれた。^{[ 56 ]}いくつかのケースでは、リヒターは紙の片面にラッカーを塗布したり、色のパッチに鉛筆で線を引いたりした。^{[ 57 ]}

リヒターは早くも1966年にはカラーチャートを基にした絵画を制作していた。これらの作品では、彼は既成のオブジェとしてチャートを使用することからインスピレーションを得ており、チャートは一見無限とも思えるほど多様な色合いで色の長方形を並べている。リヒターの実験は1973年から74年にかけて、『256色』などの一連の大判絵画で頂点に達した。^{[ 22 ]} 1966年から1974年にかけて、リヒターは3つのカラーチャート作品を制作し、それぞれが純粋に恣意的な色の配置を通して意味を創造しようとする試みにおいて、より野心的なものになっていった。^{[ 58 ]}アーティストは1966年に『 10色』と題された小さな絵画で、カラーチャートの複雑な順列に関する調査を開始した。^{[ 59 ]}チャートは匿名で非個人的な素材を提供し、リヒターが色を伝統的、記述的、象徴的、または表現的な目的から切り離す方法となった。リヒターがこれらの絵画を描き始めたとき、友人のブリンキー・パレルモにランダムに色を言ってもらい、それを自分の作品に取り入れた。このように、偶然性が彼の最初のシリーズの制作において重要な役割を果たしている。

1970年代にカラーチャートに戻ったリヒターは、既製品から概念的なシステムへと焦点を移し、色の混合のための数学的手順を開発し、それらの配置に偶然の操作を採用した。^{[ 60 ]}彼が使用した色の範囲は、原色を段階的に混合するための数学的システムによって決定された。その後、各色はランダムに並べられ、結果として絵画の構成と形態が作成された。リヒターの2番目のカラーチャートシリーズは1971年に開始され、わずか5枚の絵画で構成されていた。1973年から1974年にかけてリヒターが没頭した最後のカラーチャートシリーズでは、この順列による色生成システムに、ライトグレー、ダークグレー、そして後にグリーンの混合という形で追加の要素が加えられた。

リヒターの2007年の作品「4900 Colours」は、鮮やかなモノクロの正方形をランダムにグリッド状に配置することで、万華鏡のような色彩の素晴らしいフィールドを作り出した。これは、彼がケルン大聖堂の南翼廊の窓のデザインを開発したのと同時期に制作された。「4900 Colours」は25色の196枚のパネルで構成され、1枚の広大な表面から複数の小さなフォーマットのフィールドまで、11通りのバリエーションで再構成できる。リヒターは、特にサーペンタイン・ギャラリーのために、それぞれ97×97センチメートルの絵画49点からなるバージョンIIを開発した。^{[ 61 ]}

リヒターは1967年に『4枚のガラス板』を制作し、作品にガラスを使い始めた。^{[ 62 ]}これらの平らなガラス板は、設置場所ごとに角度を変えて、取り付けられたポールから傾けることができた。1970年、彼はブリンキー・パレルモと共同で、ミュンヘンで開催される1972年オリンピックのスポーツ施設の設計を提出した。アリーナの正面には、27色の異なる色のガラス窓の配列を提案した。各色は50回ずつ登場し、その分布はランダムに決定される。1981年、デュッセルドルフでゲオルク・バゼリッツとの二人展のために、リヒターはその後彼の作品に断続的に登場する記念碑的な透明鏡の最初の作品を制作した。これらの鏡はリヒターの絵画よりもかなり大きく、調整可能なスチール製の取り付け部を備えている。ミラーペインティング（グレー、735-2） （1991）などの作品では、ガラスの裏面に顔料を塗布することで鏡をグレーに着色した。^{[ 63 ]}リヒターは、1992年にカッセルで開催されたドクメンタ9で、建築家ポール・ロブレヒトと共同で設計した特別なパビリオンに、絵画と色付き鏡のアンサンブルを2つの部屋に配置して展示した。^{[ 64 ]}

2002年、ディア芸術財団のために、リヒターは、7枚の平行なガラス板が光と外の世界を屈折させ、展示空間の異なるビジョンを提供するガラス彫刻を制作しました。また、1989年の2部構成の鏡作品である「Spiegel I (Mirror I)」と「Spiegel II (Mirror II)」は、高さ7フィート、長さ18フィートで、環境の境界を変え、ギャラリーの視覚体験を再び変化させます。さらに、1992年のステンレススチール製の球体「Kugel (Sphere)」は、鏡として機能し、空間を反射します。^{[ 65 ]} 2002年以降、このアーティストは「6 Standing Glass Panels (2002/2011)」などの3次元ガラス構造のシリーズを制作しています。 ^{[ 66 ]}

2010年、ドローイングセンターは、1966年から2005年までのリヒターのドローイングの概観である「存在しない線」を展示した。この展覧会には、電動ハンドドリルに鉛筆を取り付けるなどの機械的介入を用いて制作された作品も含まれていた。これは、 2002年にニューヨーク近代美術館で開催された「40年間の絵画」以来、米国で初めてのリヒターのキャリアを概観する展覧会だった。 ^{[ 67 ]} 「存在しない線」のレビューで、RH ロッシンはブルックリン・レールに次のように書いている。「個人的な（そしておそらく職業上の）欠陥として見なすと、リヒターのドローイングの実践は、うまく機能しないもの、つまり適切に描くことができない手を丹念に記録することから成り立っていた。...リヒターは、アーティストの手の概念を、彼自身の不安定で失敗した、非常に物質的な付属物の確固たる証拠で置き換えている。」^{[ 68 ]}

リヒターはキャリアを通じて、高額なライセンス契約や個人からの依頼をほとんど断ってきた。^{[ 69 ]}ミラノ大聖堂と広場の19世紀のガッレリア・ヴィットリオ・エマヌエーレ2世を描いた縦9フィート、横9フィート半の作品「Domplatz, Mailand 」（1968年）はシーメンスからの依頼で、1968年から1998年までミラノの同社のオフィスに飾られていた。（1998年にサザビーズがロンドンでこの作品を売却し、当時リヒターの作品としては記録的な価格となる360万ドルで落札された）。^{[ 70 ]} 1980年、リヒターとイザ・ゲンツケンはデュイスブルクのケーニヒ・ハインリヒ広場地下鉄駅の設計を依頼された。完成したのは 1992 年になってからだった。1986 年、リヒターはデュッセルドルフのビクトリア保険会社から、ビクトリア Iとビクトリア IIという 2 点の大型絵画の制作を依頼された。 ^{[ 71 ]} 1990 年、ソル・ルウィット、オズワルド・マティアス・ウンガースと共に、デュッセルドルフのバイエルン抵当銀行のために作品を制作した。1998 年、ベルリンの再建された国会議事堂に、ドイツ国旗の色を基にした壁面作品を設置した。2012 年、ドイツの新聞「ディー・ヴェルト」の第一面のデザインを依頼された。^{[ 72 ]} 2017 年、リヒターは 2015 年シャトー・ムートン・ロートシルトのその年の最初のワインのラベルをデザインした。^{[ 73 ]}

2002年、 MoMAでの回顧展と同じ年に、リヒターはケルン大聖堂のステンドグラスの制作を依頼された。2007年8月、彼のステンドグラスが公開された。それは、 72色のピクセル状の正方形11,500個をコンピューターでランダムに配置した（ある程度の対称性はあるものの）抽象的なコラージュで、面積は113平方メートル（1,220平方フィート）に及ぶ。これは、1974年の絵画「4096色」を彷彿とさせる。アーティストは報酬を一切受け取らず、材料費と設置費用は約37万ユーロ（50万6000ドル）に上り、1000人以上からの寄付で賄われた。^{[ 74 ]}ヨアヒム・マイスナー枢機卿は、20世紀のキリスト教殉教者を象徴的に表現したものが望ましいと考えていたため、ステンドグラスの除幕式には出席せず、リヒターのステンドグラスはモスクや他の礼拝所にふさわしいと述べた。^{[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]}「カトリックに強い傾倒」を持つ無神論者を自称していたリヒターは、3番目の妻との間に生まれた3人の子供をケルン大聖堂で洗礼させた。^{[ 78 ]}  

2020年9月、リヒターはドイツ最古の修道院の1つであるトーレイ修道院のために、高さ30フィートのステンドグラスの窓3枚を公開した。 ^{[ 79 ] [ 80 ]}彼はこれらを自身の最後の主要作品と呼び、今後はドローイングやスケッチに集中すると付け加えた。^{[ 79 ]}大きな聖歌隊席の窓は、近くのミュンヘンにある名高いガラス工房、グストヴァ・ファン・トリークによって作られた。^{[ 79 ]}これらは、1990年代の「パターン」シリーズに触発された抽象的な絵画作品である。^{[ 79 ]}アフガニスタン系ドイツ人のイスラム教徒アーティスト、マフブバ・マクスーディが修道院のためにデザインした、さらに34枚の具象的なステンドグラスの窓は、2021年のイースターまでに完成する予定である。 ^{[ 79 ]}修道院の修道士たちは、これらの窓が修道院とその町への観光を促進し、人々を信仰へと導くことを期待していた。^{[ 79 ]}

• ゲルハルト・リヒター「4900色彩：バージョンII」 、ロンドン、サーペンタイン・ギャラリー、イギリス、2008年^{[ 92 ]}
• ゲルハルト・リヒターの肖像画展、ロンドン国立肖像画美術館、イギリス、2009年^{[ 23 ]}
• ゲルハルト・リヒター：テート・モダン、ロンドン、イギリスにおけるパノラマ展。2011年^{[ 93 ]}
• ゲルハルト・リヒター、ポンピドゥー・センター、パリ、フランス。2012年^{[ 94 ]}
• ゲルハルト・リヒター:ドイツ、ベルリンの新国立美術館のパノラマ。 2012年^{[ 95 ]}
• ゲルハルト・リヒター – エディション 1965–2011、me Collectors Room Berlin、ベルリン、ドイツ^{[ 96 ]}
• ゲルハルト・リヒター：「気分」 、スイス、リーエンのバイエラー財団にて。 2017年。^{[ 97 ]}
• ゲルハルト・リヒター：メトロポリタン美術館所蔵のビルケナウ絵画展、メトロポリタン美術館5番街、2020年^{[ 98 ]}
• ゲルハルト・リヒター：結局のところ絵画、メトロポリタン美術館、METブロイヤー、ニューヨーク。2020年。^{[ 99 ]}
• ゲルハルト・リヒター：ドローイング、1999-2021、ヘイワード・ギャラリー、ロンドン、イギリス。2021年。^{[ 100 ]}
• ゲルハルト・リヒター。ランドシャフト、チューリッヒ美術館、チューリッヒ。 2021年^{[ 101 ]}
• ゲルハルト・リヒター：エンガディン、シルス・マリアのニーチェ・ハウスで共同展示。サンモリッツのセガンティーニ美術館。およびスイス、サンモリッツのハウザー＆ヴィルス。 2024年。^{[ 102 ]}
• ゲルハルト・リヒター、ルイ・ヴィトン財団、パリ、フランス。2025年 - 2026年。^{[ 103 ]}
• ゲルハルト・リヒター、デイヴィッド・ツヴィルナー・ギャラリー、パリ、フランス。2025年。^{[ 104 ]}

1971年から1994年までデュッセルドルフ美術館でリヒテルに師事した生徒の中には、リュッガー・ゲルデス、ハンス＝ヨルク・ホルビチュカ、ベルナルド・ロカイ、トーマス・シュッテ、トーマス・シュルート、カトリン・クネッフェル、ミヒャエル・ファン・オーフェン、そしてリヒターの2番目の妻イザ・ゲンツケンがいた。彼はエルズワース・ケリー、クリストファー・ウール、ヨハン・アンダーソンに影響を与えたことが知られています。

彼は作家やミュージシャンのインスピレーションの源にもなってきた。ソニック・ユースは1988年にアルバム『デイドリーム・ネイション』のジャケットに彼の絵を使用した。彼はバンドのファンで、画像の使用料は請求しなかった。7メートル四方を超える原画は現在、ニューヨークのソニック・ユースのスタジオに展示されている。ドン・デリーロの短編小説「バーダー・マインホフ」は、ニューヨーク近代美術館で2人の見知らぬ人が出会う様子を描いている。その出会いは「1977年10月18日（1988年） 」を展示している部屋で起こる。^{[ 106 ]} 

写真家のコットン・コールソンはリヒターを「（彼の）お気に入りのアーティストの一人」と評した。^{[ 107 ]}

過去18年間、ゲルハルト・リヒターはドイツの雑誌「キャピタル」が作成した世界で最も重要なアーティストのランキング「クンストコンパス」で1位を維持している。^{[ 108 ]}

1971年にハイナー・フリードリヒ画廊でブリンキー・パレルモと共同で展覧会を開催した後、リヒターと画商との正式な契約は1972年に終了した。その後、フリードリヒはリヒターから契約上既に取得した絵画のみを販売する権利を有していた。^{[ 34 ]}その後数年間、リヒターはデュッセルドルフのコンラート・フィッシャー画廊とニューヨークのスペローネ・ウェストウォーターで作品を発表した。1985年から2022年までのリヒターの主要な画商兼代表ギャラリーはマリアン・グッドマンであった。^{[ 109 ] [ 110 ] [ 111 ]} 2022年12月以降、リヒターはデイヴィッド・ツヴィルナー・ギャラリーに所属している。^{[ 112 ]}現在、美術館はリヒターの作品の約38%を所有しており、その中には彼の大型抽象画の半分も含まれている。^{[ 69 ]} 2004年までに、リヒターの年間売上高は1億2000万ドルに達した。^{[ 113 ]}同時に、彼の作品はオークションに頻繁に出品されている。アート市場を追跡するオンライン企業であるアートネットによると、2010年には7690万ドル相当のリヒターの作品がオークションで売却された。^{[ 35 ]}リヒターの売上高の高さは、彼の多作ぶりと人気を反映している。2012年時点で、少なくとも545点のリヒターの作品がオークションで10万ドル以上で売却されている。 2007年から2012年の間に、そのうち15点が1,000万ドル以上で売却された。^{[ 114 ]} 1990年代半ば以降、リヒターの絵画はドイツから着実に流出しているが、フリーダー・ブルダ、ヨーゼフ・フローリッヒ、ゲオルク・ベックマン、ウルリッヒ・シュトレーアーといったドイツの重要なコレクターたちは、自分の作品を手放さずに保管している。^{[ 35 ]}

リヒターのろうそくの絵画は、オークションで高額落札された最初の作品となった。2001年にMoMAで展覧会が開かれてから3か月後、サザビーズは彼の「Three Candles (1982)」を530万ドルで売却した。2008年2月、アーティストの長女ベティ^{[ 69 ]}は、ロンドンのサザビーズで、自身の作品「Kerze (1983)」を最高予想価格の3倍にあたる797万2500ポンド（1500万ドル）で売却した^{[ 115 ]} 。彼の1982年の作品「Kerze (Candle)」は、 2011年10月にロンドンのクリスティーズで1050万ポンド（1650万ドル）で売却された^{[ 116 ] 。}

2008年2月、クリスティーズ・ロンドンは、 1960年代のリヒターの「資本主義リアリズム」絵画の初記録を樹立し、絵画「Zwei Liebespaare 」（1966年）をシュテファン・シュミットハイニーに730万500ポンド（1430万ドル）^{[ 117 ]}で売却した。^{[ 35 ]} 2010年、ドイツのブレーメンにあるヴェーザーブルク近代美術館は、リヒターの1966年の絵画「Matrosen（船乗り）」をサザビーズが11月に開催したオークションで売却することを決定し、ジョン・D・アーノルド^{[ 69 ]}が1300万ドルで購入した。^{[ 118 ]}リヒターが1969年に描いたルツェルン湖の4つの風景を描いた独特なシリーズの中で最大の作品である「フィアヴァルトシュテッター湖」は、2015年にクリスティーズ・ロンドンで1580万ポンド（2400万ドル）で落札された。^{[ 119 ]}

もう一つ人気の高い作品群は、特に1988年以降に制作された「抽象画」シリーズで、ブラシやローラーではなく大きなスクイージーで仕上げられています。^{[ 35 ]} 2009年7月、ピエール・ベルジェ＆アソシエで、リヒターの1979年の油絵「抽象画」は予想価格を上回り、95,000ユーロ（136,000ドル）で落札されました。^{[ 120 ]} 1990年のリヒターの「抽象画」は、2011年2月のサザビーズのオークションで、ニューヨークのディーラー、ラリー・ガゴシアンの代理人とディーラーが言う入札者により、720万ポンド（約1,160万ドル）の最高価格で落札されました。^{[ 121 ]} 2011年11月、サザビーズはリヒターの色彩豊かな抽象画のグループを販売し、その中には「Abstraktes Bild 849-3」も含まれており、リリー・サフラ^{[ 122 ]}が2080万ドル^{[ 123 ]}を支払ったことで、この画家にとってオークションでの記録的な価格となったが、その後イスラエル博物館に寄贈した。^{[ 122 ]}数か月後、クリスティーズで1993年の絵画「Abstraktes Bild 798-3」が2180万ドルという記録的な価格で落札された。^{[ 45 ] [ 124 ]} 1994年に制作されたアーティストの抽象絵画の1つである「Abstraktes Bild (809–4)」は、2012年末にサザビーズでエリック・クラプトンによって電話入札者に3420万ドルで売却された。（1410万ドルから1880万ドルと予想されていた。）^{[ 125 ]}

これは2013年5月に彼の1968年の作品「ミラノ大聖堂広場」がニューヨークで3710万ドル（2440万ポンド）で落札されたことで上回られた。^{[ 126 ]}これはさらに2015年2月に彼の1986年の絵画「抽象画（599）」がロンドンのサザビーズ現代美術イブニングセールで4452万ドル（3040万ポンド）で落札されたことで上回られた。^{[ 127 ]}これは当時、オークションにおける現代美術作品の最高価格であった。リヒターの記録は2013年11月12日にジェフ・クーンズの「バルーン・ドッグ（オレンジ）」がニューヨーク市のクリスティーズ戦後・現代美術イブニングセールで5840万ドルで落札されたことで破られた。 ^{[ 128 ]}

このような美術品の価格について尋ねられたとき、リヒターは「銀行危機と同じくらいばかげている。理解できないし、馬鹿げている！」と答えた。 ^{[ 129 ]}

2003年、ジェラルド・フォックスはゲルハルト・リヒターの生涯を描いたドキュメンタリーを制作し、自身も出演した。 ^{[ 130 ]} 2007年、コリーナ・ベルツはゲルハルト・リヒターの窓という短編映画を制作した。 2011年、ベルツの長編ドキュメンタリー『ゲルハルト・リヒターの絵画』が公開された。この映画は、世界で最も高収入を得ている現役アーティストがスタジオで大規模な抽象的なスクイージー作品を制作する様子にほぼ完全に焦点を当てている。^{[ 69 ]} 2018年のドラマ映画『ネバー・ルック・アウェイ』はリヒターの生涯に着想を得ている。^{[ 131 ]}

2016年と2019年に、リヒターはコリーナ・ベルツと再び共同で、2012年の著書『パターン』を基にした2本の映画を制作した。前作『リヒターズ・パターンズ』^{[ 132 ]}は、上映時にドイツの作曲家マルクス・シュミクラーの音楽と組み合わされ、後者はアメリカの作曲家スティーヴ・ライヒの音楽と組み合わされ、どちらも生演奏のアンサンブルによって演奏された。後者の作品は、ニューヨーク市マンハッタンのハドソン・ヤード開発地区にあるザ・シェッドのこけら落としシーズンに委嘱された、より大きな2部構成のコラボレーション作品『ライヒ・リヒター・パート』の一部である。^{[ 133 ] [ 134 ]}

• エルガー、ディートマー（2009）。ゲルハルト・リヒター ― 絵画に捧げた生涯。シカゴ大学出版局。ISBN 978-0-226-20323-2。
• リヒター、ゲルハルト。ハルテン、ユルゲン (1986)。ゲルハルト・リヒター: ビルダー 1962–1985。ケルン：デュモント。
• リヒター、ゲルハルト；オブリスト、ハンス・ウルリッヒ（1995）。絵画の日常的実践：著作とインタビュー、1962年～1993年。マサチューセッツ州ケンブリッジ：MIT Press。