チャールズ・ヒンマン

チャールズ・ヒンマンは1932年にニューヨーク州シラキュースで生まれ、抽象ミニマリストの画家であり、 1960年代半ばに立体的なキャンバス画を制作したことで有名です。^[1]

チャールズ・ヒンマンは1932年、ニューヨーク州シラキュースに生まれた。彼はシラキュース美術館（現エバーソン美術館）で美術教育を開始し、同美術館の授業に出席した。1955年にシラキュース大学で美術学士号を取得した。^[2]芸術的才能の傍ら、チャールズ・ヒンマンはスポーツにも熱心に取り組んでいた。大学在学中、彼はマイナーリーグのミルウォーキー・ブレーブスのプロ野球選手だった。 ^[3]彼はニューヨークに移り、アーツ・スチューデント・リーグで学んだ後、2年間陸軍に勤務した。帰国後は1960年から1962年までスタテンアイランド・アカデミーで機械製図の教師を務め、ロングアイランドのウッドメア・アカデミーでは大工の工房のインストラクターを務めた。^[3]

1960年代初頭、ヒンマンはロウアー・マンハッタンのコエンティーズ・スリップに住み、ジェームズ・ローゼンクイストと廃墟となった帆作りのロフトを共有していた。^[4]それは、手頃な家賃で作業するための広いオープンスペースを提供する理想的なアートスタジオだった。^{[5]近隣の建物に住んでいた}ロバート・インディアナ、エルズワース・ケリー、ジャック・ヤンガーマン、アグネス・マーティンとともに、彼らはアッパー・イースト・サイドや、自分たちを差別化したいと望んでいた抽象表現主義者から離れた小さな芸術コミュニティを形成した。^[6]彼らは芸術運動そのものを構成したわけではなく、むしろ「それぞれの道を進むのを助け合う、サポートと批評の家族」だった。^[6] 1960年代を通して、彼らはポップ、ミニマル、フェミニストアートの先駆けとなる作品を制作した。^[7] 1965年、チャールズ・ヒンマンとロバート・インディアナはコエンティーズ・スリップを離れ、バワリーに移り、スプリング・ストリート2番地の建物を共有した。^[8] 1971年、彼はバワリーの1ブロック先に移転し、8000平方フィートのスタジオに落ち着き、それ以来そこに住んでいます。ヒンマンのスタジオの下にはトム・ウェッセルマンのスタジオがあり、上にはウィル・インズレーのスタジオがあり、通りの向かいにはアドルフ・ゴットリーブとロイ・リキテンスタインのスタジオがありました。^[9] 2002年、ニューミュージアムが隣の区画に建設され、ヒンマンの隣人となりました。^[10]

1960年代、チャールズ・ヒンマンは絵画の物理的形状の再定義に重要な役割を果たした。立体的なキャンバスは、伝統的な正方形や長方形の絵画の枠から脱却したいという願望から生まれた。主題を収める形式化された媒体や窓ではなく、絵画の輪郭が主題自体の一部となった。^[11] 1960年代半ばには、数人の抽象ミニマリストの画家がその可能性を実験していたが、その中で最も有名なのはフランク・ステラである。チャールズ・ヒンマンは、キャンバスを壁から押し出すことでこの概念をさらに推し進め、彼の作品は絵画と彫刻のハイブリッドの形となった。^[1]このタイプの絵画は、立体的なキャンバスとして知られている。チャールズ・ヒンマンは、1963年から1964年にかけて早くも、幾何学的で波打つ形状が突き出た彫刻的な絵画を制作していた。スヴェン・ルーキンとリチャード・スミスも同時期に3次元キャンバスの使用を実験していたが^[11] 、チャールズ・ヒンマンの特徴は、空間の錯覚^[3]と、色、影、反射の使用を取り入れた微妙なボリュームの暗示に焦点を当てていたことである。彼は、フラットでコントラストのあるハードエッジの色使いでエルズワース・ケリーの影響を受けていたが、その目的はボリュームの知覚を生み出し強調することだった。^[12]その後1970年代初頭まで、ヒンマンはこの新しい媒体が提供する可能性を研究した。強く突き出たキャンバス、幾何学的で官能的な輪郭、色のコントラスト、隣接する壁への色の反射、影、モノクロームのキャンバスなどである。^[13]

チャールズ・ヒンマンは、ジェームズ・ローゼンクイストを通じて、二人が共同で運営するスタジオを訪れたニューヨークの著名なギャラリーオーナーや美術館館長の注目を集めた。^{[2] 1964年から1965年にかけて、}シドニー・ジャニス・ギャラリーでの「セブン・ニュー・アーティスト」とリチャード・ファイゲン・ギャラリーでの個展という二つの展覧会で、ヒンマンの作品は大衆と批評家の注目を集めた。 ^[14] 1965年、フランク・ステラとヘンリー・ゲルツァーラーは、ティボール・ド・ナジでのグループ展「シェイプ・アンド・ストラクチャー」に、ドナルド・ジャッド、ラリー・ベル、ソル・ルウィット、カール・アンドレ、ウィル・インズリーらとともにヒンマンの作品を含めた。^{[15]彼の作品は、}ホイットニー美術館の画期的な展覧会「ヤング・アメリカ1965」で展示され、翌年には「ユナイテッド・ステイツ1670-1966」でも展示された。ヒンマンはリチャード・ファイゲンの代理人となり、彼のニューヨークとシカゴのギャラリーで作品を展示した。すぐにMOMA、ホイットニー美術館、オルブライト・ノックス美術館などの大美術館が彼の作品を永久コレクションとして購入したが、彼の絵画はネルソン・ロックフェラーのコレクションにも収蔵された。^[16] 1971年から1973年にかけて、パリのギャラリスト、デニス・ルネはパリとニューヨークのギャラリーで彼の作品を展示した。

チャールズ・ヒンマンは、そのキャリアを通じて、作品を作るための系統的なプロセスを開発してきました。まず、最終的に作りたい形のスケッチを描きます。次に、フレームのすべての角度と長さを含む、その形を実現するために必要なフレームワークの詳細な青写真を設計します。^[9]彼の作品は、多くの場合、形作られたキャンバスを並べてボルトで固定して一体化した形にしたものです。彼は、突出した形を土台に固定することで、絵画に三次元を加えています。これらの形はキャンバスを壁から押し出し、絵画にボリュームを生み出します。^[17]次に、ボリュームを生み出し、鑑賞者の目を楽しませるために、作品のさまざまな面にペイントします。時には、壁から離れたキャンバスの裏側にペイントして、作品の周りにハロー効果を生み出すこともあります。光と影、および対照的な色と反射の使用は、彼の作品において重要な役割を果たしています。

ヒンマンの作品は、文字通りの空間ではなく、ボリュームの知覚に焦点を当てています。彼は、見る人の目にボリュームを作り出すために、さまざまなテクニックを使用しています。これは、観客の視点に応じて常に進化するトロンプ・ルイユ^{の一種です。 [18]}ヒンマンは、自分のコンセプトを「私の作品のコンセプトは動的であり、決して静的ではありません。私は、自分の絵画が 6 次元空間を占めていると考えています (…) 空間の 3 つの次元と、時間、光、色の各 1 つの次元です」と説明しています。彼によると、空間と時間は動きと光の変化を意味します。「光がオブジェクトを横切ると、形と色が影の再配置によって変化するように見えます。 (…) 明るさは表面を前進させ、暗さは表面を後退させます。さらに、隣接する色の選択は、表面の動​​きの感覚を引き起こします」^[19]

ヒンマンは、そのキャリアを通じて、継続的にシリーズ作品を制作してきました。1960年代半ばの初期の作品は、強烈なコントラストのハードエッジの色彩と突出した形状を特徴とする、官能的で有機的な作品です。その後、1970年代初頭には、2次元的でミニマルかつ幾何学的なスタイルに移行しました。^[20] 1970年代後半には、キャンバスを形作るために、アーチ型の「二重曲線」プロファイルの可能性を模索していました。これらの構造は、1980年代を通じてますます複雑になり、葉のような配置でスケールと色彩を追求しました。^[21]

2000年以降、彼は色彩だけでなく光も扱う、純粋でミニマルなスタイルに戻った。「キャンバスの1面が独自の色を持つ場合もあれば、キャンバスを横切る影が色彩として機能する場合もあります。（…）色彩は作品の端だけにあるように見えることもありますが、ヒンマンが裏側まで描いていることに気づくと、そのように見えます。（…）彼は単に物体を形作るだけでなく、壁から物体を取り除いているのです。」^[21]

1964年、グッゲンハイム美術館は「シェイプド・カンバス」という展覧会を開催した。展覧会のキュレーターであるローレンス・アロウェイは、2次元のミニマル作品のみに焦点を当てることに決め、事実上、この運動から3次元作品やポップアート作品を除外した。^[11]この最初の選択は、より多様なシェイプド・カンバスを展示したいくつかの回顧的なグループ展によって、何年にもわたって疑問視され、範囲が広げられた。フランク・ステラの1965年のグループ展「シェイプ・アンド・ストラクチャー」は、チャールズ・ヒンマンの絵画を含めることで、オロウェイの立場を即座に否定した。^[15] 1979年、ニューヨークのビジュアル・アーツ・ミュージアムは「シェイプド・ペインティング」という展覧会を開催した。これは、シェイプド・カンバスの範囲を、3次元のシェイプド・カンバスだけでなくポップアート作品にも広げた。チャールズ・ヒンマンの作品は、ケネス・ノーランド、エルズワース・ケリー、ロバート・マンゴールド、バーナード・ベネ、トム・ウェッセルマンの作品と並んで展示された。^[22] 2014年、チャールズ・ヒンマンはニューヨークのルクセンブルク・アンド・ダヤン・ギャラリーで開催されたグループ展「Shaped Canvas Revisited」に参加した。この展覧会はグッゲンハイム美術館での50周年を記念したもので、ヒンマンはルーチョ・フォンタナ、ケネス・ノーランド、フランク・ステラ、トム・ウェッセルマンなどのアーティストと並んで、Shaped Canvas運動の父の一人として位置づけられている。^[23]

近年、チャールズ・ヒンマンの作品は、同時代の作品としても「現代的」（歴史的）な作品としても注目を集めている。一部の批評家によると、彼の最新のシリーズ「Gems」と「Black Paintings」は、おそらく彼の最も興味深い作品の一つである。^{[18] [1]} 2013年、ニューヨークのマーク・ストラウス・ギャラリーは、彼の60年間のキャリアを網羅した回顧展を開催した。^[12]

• 「チャールズ・ヒンマンの芸術」、Vimeo.com、アダム・ベン・コーエン
• 「チャールズ・ヒンマンとスタジオで」、Vimeo.com、ゴーストリー・インターナショナル、ウィル・カルカット
• 「チャールズ・ヒンマン」、Vimeo.com、トーマス・オリオール

• ニューヨーク近代美術館、ニューヨーク州、アメリカ合衆国
• ホイットニー美術館、ニューヨーク、米国
• ロサンゼルス カウンティ ミュージアム、ロサンゼルス、カリフォルニア州、米国
• ハーシュホーン美術館、ワシントン DC、米国
• オンタリオ美術館、トロント、オンタリオ州、カナダ
• テルアビブ博物館、テルアビブ、イスラエル
• オルブライト・ノックス美術館、ニューヨーク州バッファロー、米国

出典: ^[24]

• チェース・マンハッタン銀行、ニューヨーク、ニューヨーク州、米国
• ロックフェラー コレクション、ニューヨーク、ニューヨーク州、アメリカ合衆国

出典: ^[24]

• グッゲンハイムフェローシップ
• ポロック・クラスナー財団助成金
• リー・クラスナー賞

出典: ^[24]