新古典主義

新古典主義（Neo-classicism ）は、古代の芸術と文化からインスピレーションを得た、装飾芸術、視覚芸術、文学、演劇、音楽、建築における西洋の文化運動として現れた。新古典主義は、ポンペイとヘルクラネウムの再発見中にヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンが著した著作により、ローマで生まれた。ヨーロッパの芸術を学ぶ世代がグランドツアーを終え、イタリアから母国に新たに発見されたギリシャ・ローマの理想を持って帰国するにつれて、その人気はヨーロッパ中に広がった。 ^{[1] [2] [3] [4]}主要な新古典主義運動は18世紀の啓蒙時代と一致し、19世紀初頭まで続き、最終的にはロマン主義と競合した。建築においては、このスタイルは19世紀、20世紀、そして21世紀まで存続した。^{[5] [6]}

視覚芸術におけるヨーロッパの新古典主義は、当時支配的だったロココ様式に対抗して、  1760年頃に始まった。ロココ建築は優美さ、装飾、非対称性を強調する。一方、新古典主義建築は、古代ローマや古代ギリシャの芸術の美徳とみなされ、16世紀のルネッサンス古典主義から直接引き出された、単純さと対称性の原則に基づいている。それぞれの「新」古典主義運動は、利用可能な古典の範囲からいくつかのモデルを選択し、他のものを無視する。1765年から1830年の間、新古典主義の支持者（作家、演説家、パトロン、収集家、芸術家、彫刻家）は、ペイディアスに関連する芸術的世代の概念に敬意を表したが、彼らが実際に受け入れた彫刻の例は、ヘレニズム彫刻のローマのコピーである可能性の方が高かった。彼らは、古代ギリシャ美術と後期古代の作品の両方を無視した。ロバート・ウッドの『パルミラの遺跡』の版画を通して古代パルミラの「ロココ」美術が発見されたことは、啓示のような出来事だった。ギリシャは未踏の地であり、オスマン帝国の危険な領土とみなされていたため、新古典主義者によるギリシャ建築の評価は、主に、ギリシャの記念碑を必ずしも意識的ではなく、微妙に滑らかに整え、規則的にし、「修正」し、「修復」した 絵や版画を通して行われた。

建築と装飾芸術における新古典主義の第二段階であるアンピール様式は、ナポレオン時代のパリに文化的中心地がありました。特に建築において、また他の分野においても、新古典主義は19世紀初頭以降も長い間勢力を保ち、20世紀、さらには21世紀に入っても、特に米国とロシアで定期的に復興の波が起こりました。^[要出典]

新古典主義は、古典時代から直接インスピレーションを得た古典古代の多くの様式と精神の復活であり、^[7]啓蒙時代の哲学やその他の分野の発展と一致し、それを反映しており、当初は先行するロココ様式の行き過ぎに対する反動でした。^{[8]この運動は}ロマン主義の対立物として説明されることが多いが、これは非常に単純化しすぎており、特定の芸術家や作品を検討する際には持続できない傾向がある。後期新古典主義の主な擁護者とされるアングルの例は、これを特によく示している。^{[9]この復活は、正式な}考古学の確立にまで遡ることができる。^{[10] [11]}

ヨハン・ヨアヒム・ヴィンケルマンの著作は、建築と視覚芸術の両方でこの運動を形成する上で重要な役割を果たした。彼の著書『絵画と彫刻におけるギリシャ作品の模倣についての考察』（1750年）と『古代美術史』（1764年）は、古代ギリシャ美術と古代ローマ美術を明確に区別し、ギリシャ美術の時代を定義した最初の著書であり、成長から成熟、そして模倣または退廃への軌跡をたどり、現在まで影響を与え続けている。ヴィンケルマンは、芸術は「高貴な単純さと静かな壮大さ」を目指すべきだと信じており^{[13] 、ギリシャ美術の理想主義を称賛し、「最も美しい自然だけでなく、自然を超えたもの、つまり、古代の}プラトンの解釈者が教えてくれるように、心だけで作り出されたイメージから生まれる、その美の理想的な形」も見出すことができると述べた。この理論は西洋美術において決して新しいものではなかったが、彼はギリシャのモデルを忠実に模倣することを強調した。「我々が偉大になる、あるいはそれが可能ならば模倣できないものになる唯一の方法は、古代人を模倣することだ」^[14]

産業革命により、人類の経済はより効率的で安定した製造プロセスへと世界的に移行しました。^[15]物質的な進歩は目覚ましく、繁栄は増大しました。^[16]グランドツアーの到来とともに、古代遺物収集の流行が始まり、ヨーロッパ中に新古典主義の復興を広める多くの素晴らしいコレクションの基礎が築かれました。^[17]各芸術における「新古典主義」は、「古典的」モデルの特定の規範を意味します。

英語では、「新古典主義」という用語は主に視覚芸術について使用されている。かなり以前に始まった英国文学における同様の運動は、アウグストゥス文学と呼ばれている。数十年にわたって支配的であったこの運動は、視覚芸術における新古典主義が流行する頃には衰退し始めていた。用語は異なるが、フランス文学の状況は同様であった。音楽では、この時期にクラシック音楽が台頭し、「新古典主義」は20世紀の発展について使用されている。しかし、クリストフ・ヴィリバルト・グルックのオペラは、アルチェスト（1769年）の出版された楽譜の序文で詳しく説明されているように、特に新古典主義的なアプローチを代表しており、装飾を取り除き、ギリシャ悲劇に沿って合唱団の役割を増やし、よりシンプルで飾りのない旋律線を使用することでオペラを改革することを目指していた。^[18]

「新古典主義」という用語は19世紀半ばまで発明されず、当時この様式は「真の様式」「改革」「復興」などの言葉で表現されていたが、復興と見なされるものはかなり異なっていた。古代のモデルがかなり関与していることは確かだが、この様式はルネッサンスの復興とも見なすことができ、特にフランスでは、フランスの軍事的および政治的優位性が深刻に衰退し始めたため、かなりの郷愁が高まっていたルイ14世時代のより厳格で高貴なバロックへの回帰と見なすこともできる。 ^[19]アングルのナポレオンの戴冠式の肖像画は、批評家の反対にもかかわらず、後期古代の領事館の二連祭壇画とそのカロリング朝復興から借用した。

新古典主義は建築、彫刻、装飾芸術において最も強く、同じ媒体で作られた古典的なモデルは比較的多く、入手しやすかった。古代絵画の例は、ヴィンケルマンの著作が彫刻に見いだした、そして今も欠けている性質を示している。ヴィンケルマンはポンペイとヘルクラネウムで発見された最初の大きなローマ絵画に関する知識の普及に携わっていたが、ギャビン・ハミルトンを除くほとんどの同時代人と同様に、それらの絵画に感銘を受けず、彼の時代の絵画の衰退に関する小プリニウスのコメントを引用した。^[20]

絵画に関して言えば、ギリシャ絵画は完全に失われていた。新古典主義の画家たちは、浅浮彫の フリーズ、モザイク、陶器の絵、ラファエロの世代の盛期ルネサンスの絵画や装飾、ネロのドムス・アウレア、ポンペイ、ヘルクラネウムのフレスコ画、ニコラ・プッサンへの新たな尊敬などを通じて、想像力豊かにギリシャ絵画を復活させた。多くの「新古典主義」絵画は、主題が他の何よりも古典主義的である。ギリシャ美術とローマ美術の相対的な価値をめぐって、激しい、しかししばしば非常に無知な論争が数十年にわたって繰り広げられ、ヴィンケルマンと彼の仲間のヘレニズム主義者が概ね勝利した。^[21]

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  パンテオンと古代ローマのその他の建造物のある幻想的な風景、ジョヴァンニ・パオロ・パニーニ作、1737年、キャンバスに油彩、98.9 x 137.49 cm、ヒューストン美術館、米国
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  古代の国会議事堂は、約 100 段の階段で上がれました。ジョヴァンニ バッティスタ ピラネージ作。1750年頃。エッチング。シート全体のサイズ: 33.5 × 49.4 cm。メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  太陽系儀について講義する哲学者;ジョセフ・ライト・オブ・ダービー作; 1766年頃; キャンバスに油彩 ; 1.47 x 2.03 m ;ダービー博物館・美術館、ダービー、イギリス^[22]
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  芸術の特質;アンヌ・ヴァレイヤー＝コスター作; 1769年 ; キャンバスに油彩 ; 90 x 121 cm ;ルーヴル美術館^[23]
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  放棄されたアリアドネ;アンジェリカ・カウフマン著; 1782年以前。キャンバスに油彩。 88×70.5cm。Gemäldegalerie Alte Meister、ドレスデン、ドイツ^[24]
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  ホラティウス兄弟の誓い;ジャック＝ルイ・ダヴィッド作; 1784年 ; キャンバスに油彩 ; 3.3 x 4.27 m ; ルーヴル美術館^[25]
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  ハープを持つ自画像;ローズ・アデレード・デュクルー作; 1791年 ; キャンバスに油彩 ; 193 x 128.9 cm ; メトロポリタン美術館
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  パトロクレスを悼むアキレス;ジョン・フラックスマンによる; 1795 年 ; 素描に基づく彫刻 ; サイズ不明 ; 場所不明
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  元植民地代表、市民ベリーの肖像;アンヌ＝ルイ・ジロデ作; 1796–1797年 ; キャンバスに油彩 ; 1.59 x 1.11 m ;ヴェルサイユ宮殿、フランス^[26]
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  キューピッドとプシュケ;フランソワ・ジェラール作; 1798年 ; キャンバスに油彩 ; 186 x 132 cm ; ルーヴル美術館^[27]
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  フローラ役のジュリー・ルブラン;エリザベート・ヴィジェ・ルブラン作; 1799年頃; キャンバスに油彩 ; 129.5 x 97.8 cm ;セントピーターズバーグ美術館（フロリダ州）、米国
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  マリー＝ギミーヌ・ブノワ作「黒人女性の肖像」 1800年キャンバスに油彩81 x 65 cmルーブル美術館^[28]
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  憂鬱;コンスタンス・マリー・シャルパンティエ作; 1801年。キャンバスに油彩。 130×165;ピカルディ美術館、アミアン、フランス^[29]
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  シャルロット・デュ・ヴァル・ドニュの肖像;マリー・デニス・ヴィレール作; 1801年 ; キャンバスに油彩 ; 161.3 x 128.6 cm ; メトロポリタン美術館^[30]
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  ヤッファのペスト患者を訪問するボナパルト;アントワーヌ＝ジャン・グロ作; 1804年 ; キャンバスに油彩 ; 5.2 x 7.2 m ; ルーブル美術館^[31]
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  ジョゼフィーヌ皇后の肖像。ピエール＝ポール・プルドン著; 1805年。キャンバスに油彩。 244×179cm。ルーブル美術館^[32]
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  皇帝の玉座に座るナポレオン1世;ジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングル作; 1806年 ; キャンバスに油彩 ; 2.62 x 1.62 m ;陸軍博物館（パリ）^[25]
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  芸術の天才、カール・ブリューロフ作、1819-1821年、灰色の紙、鉛筆、チョーク、木炭、パステル、65.2 x 62.2、ロシア美術館、サンクトペテルブルク
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  冥界のタンタロスとシシュポス。アウグスト・テオドール・カセロウスキー作。 1850年頃。壁画。寸法不明。ベルリン、新美術館、ニオビッドの間壁。

現代の観客に、初期新古典主義絵画の過激で刺激的な性質を再現することは困難である。それは、好意的に受け止めていた作家たちでさえも、今では「味気ない」とか「我々にとってほとんど全く面白くない」と感じさせる。これは、友人のヴィンケルマンが「同時代の、そしておそらく後世の最も偉大な芸術家」と評したアントン・ラファエル・メングスの野心的なアルバーニ別荘のパルナッソス^[33]に対するケネス・クラークのコメントの一部である。 ^[34]ジョン・フラックスマンの素描は後に版画となり、非常にシンプルな線描（最も純粋な古典的表現法と考えられている^{[35] ）と、}オデュッセイアやその他の主題を描くために主に横顔の人物を用いており、かつては「ヨーロッパの芸術界の若者を刺激した」が、現在では「無視されている」^[36]一方、主に肖像画家であったアンジェリカ・カウフマンの歴史画は、フリッツ・ノヴォトニーによって「油断できない柔らかさと退屈さ」があると評されている^[37]。ロココの軽薄さとバロック運動は剥ぎ取られていたが、多くの芸術家はそれを何とかして置き換えることに苦労し、フラックスマンが使用したギリシャの壺 以外に歴史画の古代の例がなかったため、ウィンケルマンが推奨したように、ラファエロが代用モデルとして使われる傾向があった。

他の芸術家の作品は、味気ないとは言い切れないが、ロマン主義の側面と一般的に新古典主義のスタイルを融合させ、両方の運動の歴史の一部を形成している。ドイツ系デンマーク人の画家アスムス・ヤコブ・カルステンスは、計画していた大規模な神話的作品のほとんどを完成させず、主に素描と色彩研究を残したが、それらはしばしばヴィンケルマンの「高貴な単純さと静かな壮大さ」という処方に近づくことに成功している。 ^[38]カルステンスの実現されなかった計画とは異なり、ジョヴァンニ・バッティスタ・ピラネージのエッチングは数多く、利益を生み、ヨーロッパ各地を巡るグランドツアーに参加した人々に持ち帰られた。彼の主な主題はローマの建物と遺跡であり、彼は現代よりも古代に刺激を受けた。彼の多くの風景画に見られるやや不穏な雰囲気は、16点からなる「空想の牢獄」シリーズの版画で顕著になっており、その「圧倒的な巨大建築」は「恐怖と欲求不満の夢」を伝えている。 ^[39]スイス生まれのヘンリー・フュースリは、そのキャリアのほとんどをイギリスで過ごした。彼の基本的なスタイルは新古典主義の原則に基づいていたが、主題や手法はロマン主義の「ゴシック」の流れを反映したものが多く、ドラマと興奮を呼び起こそうとした。

1785年のパリのサロンでジャック＝ルイ・ダヴィッドが制作した『ホラティウス兄弟の誓い』がセンセーショナルな成功を収めたことで、絵画における新古典主義は新たな方向性を得た。この作品は共和主義の美徳を呼び起こすものであるが、王室からの依頼であり、ダヴィッドはローマで描くことを主張した。ダヴィッドは理想主義的なスタイルとドラマ性、力強さをうまく組み合わせた。中央の遠近法は画面に対して垂直になっており、背後の薄暗いアーケードによってさらに強調されている。アーケードを背景に、英雄的な人物たちがフリーズのように配置されており、人工的な照明とオペラの舞台装置、ニコラ・プッサンの古典的な色彩がほのめかされている。ダヴィッドは急速にフランス芸術のリーダーとなり、フランス革命後は芸術における政府のパトロンの多くを掌握する政治家となった。ナポレオン時代にはプロパガンダ的な作品に転向して影響力を維持したが、ブルボン王政復古の際にはフランスを離れ、ブリュッセルに亡命しなければならなかった。^[40]

ダヴィッドの多くの弟子の中にはジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルもいた。アングルは、その成熟したスタイルが新古典主義の主流とは曖昧な関係にあり、後年は東洋主義やトルバドゥール様式に大きく逸脱したが、そのスタイルは、常にデッサンを最優先にしている点を除けば、露骨なロマン主義の同時代人のスタイルと区別がつきにくいものであったにもかかわらず、長いキャリアを通じて自らを古典主義者とみなしていた。1802年から印象派の始まりまで、60年以上にわたってサロンに出展したが、一度形成されたスタイルはほとんど変化しなかった。^[41]

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  Arch-Rascal (キャラクターヘッドシリーズの No. 33)。フランツ・クサーバー・メッサーシュミット著; 1770年以降。アラバスター。高さ：38センチメートル。エステルライヒッシェ ギャラリー ベルヴェデーレ、ウィーン、オーストリア^[42]
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  火星と金星。ヨハン・トビアス・セルゲル著; c. 1775年。大理石;高さ：93センチメートル。国立博物館、ストックホルム、スウェーデン^[43]
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  水銀または貿易、オーギュスタン・パジュ作、1780年、大理石、高さ196cm、ルーブル美術館
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  冬;ジャン＝アントワーヌ・ウードン作; 1783年 ; 大理石 ; 高さ145cm ;ファーブル美術館、モンペリエ、フランス^[44]
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  ケファロスとオーロラ;ジョン・フラックスマン作; 1789-1790年 ; おそらく大理石 ; 寸法不明 ;レディ・レバー美術館、マージーサイド、イングランド
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  プロイセン王女ルイザとフリーデリカ;ヨハン・ゴットフリート・シャドウ作; 1795-1797年 ; 大理石 ; 高さ172cm ;ベルリン国立美術館、ドイツ^[43]
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  ヴィーナス・ヴィクトリックス;アントニオ・カノーヴァ著; 1804 ～ 1808 年。大理石;長さ：200cm。ボルゲーゼ美術館、ローマ^[45]
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  レカミエ夫人の胸像、ジョセフ・シナール作、1805年または1806年、大理石、80 x 42 x 30 cm、リヨン美術館、フランス
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  三美神、アントニオ・カノーヴァ作、1813-1816年、大理石、高さ1.82m、エルミタージュ美術館、サンクトペテルブルク、ロシア^[46]
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  ガニメデと木星;バーテル・トルヴァルセン著; 1817年。大理石;高さ：94センチメートル。トルヴァルセン博物館、コペンハーゲン、デンマーク^[43]

新古典主義の絵画が古代のモデル不足に悩まされたのに対し、新古典主義の彫刻は古代のモデルが多すぎる傾向があった。紀元前500年頃に始まる「古典時代」のギリシャ彫刻の実物は当時非常に少なかったが、最も高く評価された作品は主にローマ時代の模写であった。 ^{[47]新古典主義の代表的な彫刻家たちは当時大きな名声を博したが、現在では}ジャン＝アントワーヌ・ウードンを除いてあまり評価されていない。ウードンの作品は主に肖像画で、胸像であることも多く、モデルの個性の強い印象を理想主義に犠牲にすることはなかった。ウードンのスタイルは長いキャリアが続くにつれてより古典的になり、ロココ調の魅力から古典的な威厳へとかなりスムーズに移行した。ウードンは一部の新古典主義の彫刻家とは異なり、モデルがローマの衣装を着たり裸でいることを主張しなかった。彼は啓蒙主義の著名人のほとんどを描いたほか、アメリカに渡り、ジョージ・ワシントンの像やトーマス・ジェファーソン、ベンジャミン・フランクリンなど新共和国の創設者たちの胸像を制作した。^{[48] [49]}

アントニオ・カノーヴァとデンマーク人のベルテル・トルヴァルセンはともにローマを拠点とし、肖像画のほか、野心的な等身大の人物像や集団像を数多く制作した。両者ともに新古典主義彫刻の強い理想化傾向を体現していた。カノーヴァは軽妙さと優雅さがあり、トルヴァルセンはより厳格である。その違いは、それぞれの三美神群像によく表れている。^[50]これらすべてとフラックスマンは1820年代にもまだ活動しており、ロマン主義が彫刻に与える影響は遅く、19世紀のほとんどの期間、新古典主義のさまざまなバージョンが支配的なスタイルであり続けた。

彫刻における初期の新古典主義の人物としては、スウェーデン人のヨハン・トビアス・セルゲルがいます。^[51] ジョン・フラックスマンも、あるいは主に彫刻家でもあり、主に版画とスタイルが似ている厳格に古典的なレリーフを制作していました。また、数年間、ジョサイア・ウェッジウッドのために新古典主義の陶器のデザインとモデルも手がけていました。ヨハン・ゴットフリート・シャドウと、その息子で若くして亡くなった数少ない新古典主義の彫刻家の一人であるルドルフは、オーストリアのフランツ・アントン・フォン・ツァ​​ウナーとともに、ドイツを代表する芸術家でした^。後期バロック時代のオーストリアの彫刻家フランツ・クサーヴァー・メッサーシュミットは、キャリアの半ばで新古典主義に転向しましたが、その少し前に何らかの精神的危機に陥ったようで、その後田舎に引退し、極端な表情をした禿げ頭の人物の非常に特徴的な「キャラクターヘッド」の制作に専念しました。^[53]ピラネージのカルチェリと同様に、これらは20世紀初頭の精神分析の時代に大きな関心を集めました。オランダの新古典主義彫刻家マチュー・ケッセルスはトルヴァルセンに師事し、ほぼローマで活動していました。

1830年代以前のアメリカには、墓石、風見鶏、船首像を除いて独自の彫刻の伝統がなかったため、^[54]ヨーロッパの新古典主義の様式が採用され、数十年にわたって支配的となり、ホレイショ・グリノー、ハリエット・ホズマー、ハイラム・パワーズ、ランドルフ・ロジャース、ウィリアム・ヘンリー・ライナーハートの彫刻に代表される。

新古典主義芸術は伝統的でありながら新しく、歴史的でありながら現代的であり、保守的でありながら進歩的であった。^[56]

新古典主義は、ローマで教育を受け、ヴィンケルマンの著作に影響を受けたフランス人の美術学生の世代を通じて、最初に英国とフランスで影響力を持ち、その後、スウェーデン、ポーランド、ロシアなどの他の国の進歩的なサークルに急速に取り入れられました。最初は、イタリア人建築家とイタリアのスタッカドーリのチームが設計したエカチェリーナ2世の愛人、グリゴリー・オルロフ伯爵のインテリアのように、古典的な装飾が馴染みのあるヨーロッパの形式に接ぎ木されました。カメオのような孤立した楕円形のメダリオンと扉の浅浮き彫りだけが新古典主義を匂わせ、家具は完全にイタリアのロココ調です。

第二の新古典主義の波は、より厳格で、より研究され（彫刻という媒体を通して）、より意識的に考古学的なものであり、ナポレオン帝国の絶頂期と関連している。フランスでは、新古典主義の第一段階は「ルイ16世様式」で表現され、第二段階は「ディレクトワール様式」と「アンピール様式」と呼ばれる様式で表現された。イタリアでは、ナポレオン政権が新しい考古学的な古典主義をもたらすまで、ロココ様式が人気を保っていた。この古典主義は、共和主義志向の若い進歩的な都会のイタリア人によって政治的な声明として受け入れられた。^{[誰によると？ ]}

装飾芸術において、新古典主義はパリ、ロンドン、ニューヨーク、ベルリンで作られた帝国時代の家具、オーストリアで作られたビーダーマイヤー家具、ベルリンのカール・フリードリヒ・シンケルの美術館、ロンドンのサー・ジョン・ソーンのイングランド銀行、ワシントン DC に新しく建てられた「アメリカ合衆国議会議事堂」、ジョサイア・ウェッジウッドの浅浮き彫りや「黒玄武岩」の花瓶に代表されます。このスタイルは国際的なものでした。スコットランドの建築家チャールズ・キャメロンは、ロシアのサンクトペテルブルクでドイツ生まれのエカチェリーナ 2 世のために宮殿のようなイタリア風のインテリアを設計しました。

屋内では、新古典主義はポンペイとヘルクラネウムの再発見に触発され、真の古典的インテリアを発見した。これらは1740年代後半に始まったが、1760年代になって初めて広く普及し、^厳しく管理された配布で最初の豪華な巻物である『ヘルクラネウムの古代遺跡』が出版された。ヘルクラネウムの古代遺跡は、バロックの最も古典的なインテリア、あるいはウィリアム・ケントの最も「ローマ風」な部屋でさえ、バシリカや寺院の外部建築を外側に向け直したものに基づいており、そのため現代の目にはしばしば大げさに見えた。ペディメントのある窓枠は金箔の鏡に、暖炉の上には寺院の正面が置かれている。新しいインテリアは、正真正銘のローマ的で真のインテリアの語彙を再現しようとした。

このスタイルで採用された技法には、より平らで軽いモチーフ、低いフリーズのようなレリーフで彫刻されたり、単調なアン・カマイユー（「カメオのような」）で描かれたり、孤立したメダリオンや花瓶、胸像、ブクラニア、その他のモチーフが月桂樹やリボンの飾りに吊るされ、おそらく「ポンペイの赤」や淡い色合い、または石の色の背景に細いアラベスク模様が描かれているものなどがありました。フランスのスタイルは当初、パリのスタイル、つまり「ギリシャ風」であり、宮廷スタイルではありませんでした。1774年にルイ16世が即位すると、ファッション好きの王妃マリー・アントワネットがルイ16世スタイルを宮廷に持ち込みました。しかし、世紀の変わり目頃までローマの家具の基本的な形を採用しようとする試みは実際に行われず、家具職人は古代の建築から借用する傾向があり、銀細工師は金属細工よりも古代の陶器や石の彫刻から借用する傾向がありました。「デザイナーや職人は、モチーフをある媒体から別の媒体に移すことにほとんど倒錯した喜びを感じていたようです」^{[58] 。}

1800年頃から、エッチングや彫刻の媒体を通して見られるギリシャ建築の例の新たな流入が、新古典主義、ギリシャ復興に新たな推進力を与えました。同時に、建築と装飾芸術における新古典主義のより壮大な波がエンパイア様式でした。主にローマ帝国のスタイルに基づいて、ナポレオンの統治下でフランス第一帝政に端を発し、その名前が付けられました。このスタイルは、ナポレオンのリーダーシップとフランス国家を理想化することを意図していました。このスタイルは、ドイツ語圏のよりブルジョア的なビーダーマイヤー様式、米国のフェデラルスタイル、 ^[57]英国のリージェンシースタイル、スウェーデンのナポレオンスタイルに相当します。美術史家ヒュー・オナーによれば、「新古典主義運動の頂点とされることもあるが、エンパイア様式はそれどころか、急速に衰退し、傑作を生み出した高尚な思想や信念の力をすべて失い、再び単なる古代の復興へと逆戻りした」^[59] 。この様式の初期の段階は、イギリスでは アダム様式と呼ばれていた。

新古典主義は、ロマン主義やゴシック リバイバルの常にアンチテーゼとして、19 世紀以降もアカデミックな芸術において大きな勢力であり続けたが、19 世紀後半からは、影響力のある批評家の間では反近代的、あるいは反動的なものとさえみなされることが多かった。^{[誰? ]ヨーロッパのいくつかの都市、特にサンクトペテルブルクや}ミュンヘンの中心部は、新古典主義建築の美術館のような様相を呈するようになった。

ゴシック リバイバル建築 (ロマン主義文化運動と関連付けられることが多い) は、18 世紀に始まり 19 世紀を通じて人気が高まり、新古典主義とは対照的でした。新古典主義はギリシャとローマの影響を受けたスタイル、幾何学的な線と秩序を特徴としていましたが、ゴシック リバイバル建築は中世風の建物に重点を置き、素朴で「ロマンチック」な外観にすることが多かったです。

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  エコール・ミリテールの中央パビリオン、パリ、1​​752年、アンジェ・ジャック・ガブリエル作^[60]
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  パンテオン、パリ、ジャック＝ジェルマン・スフロとジャン＝バティスト・ロンデレ作、1758年 - 1790年^[61]
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  オテル・ドゥ・ラ・マリーン、パリ、アンジェ・ジャック・ガブリエル作、1761-1770 ^[62]
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  プチ・トリアノンのファサード、ベルサイユ、フランス、アンジェ・ジャック・ガブリエル作、1764年^[63]
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  プチ・トリアノンの階段、アンジュ＝ジャック・ガブリエル作、1764年^[63]
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  プチ・トリアノンの内部、アンジュ＝ジャック・ガブリエル作、1764年^[63]
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  デュ・バリー夫人の箪笥；マーティン・カーラン作（帰属）；1772年；オーク材の台にナシ材、ローズウッド材、アマランサス材の張り板、軟質セーヴル磁器、ブロンズ金箔、白大理石；87 x 119 cm；ルーヴル美術館^[64]
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  オテル・デュ・シャトレ、パリ、建築家不明、1776年^[65]
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  ボルドー大劇場の階段、フランス、ボルドー、ヴィクトール・ルイ作、1777-1780年^[66]
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  パリのコーナーキャビネット、ジャン・アンリ・リーゼナー作、1780-1790年、オーク、マホガニー、大理石、金メッキ金具、94.3 × 81.3 × 55.9 cm、シカゴ美術館、米国^[67]
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  大きな花瓶、1783年、硬質磁器と金銅、高さ2m、直径0.90m、ルーブル美術館
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  ヴェルサイユ宮殿のマリー・アントワネットのドレープキャビネット、フランス、ヴェルサイユ、ルソー兄弟作、1783年^[68]
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  マリー・アントワネットのロールトップデスク。ジャン＝アンリ・リーゼナー作。1784年。オークと松のフレーム、シカモア、アマランサス、ローズウッドの突き板、ブロンズ金箔。103.6 x 113.4 cm。ルーヴル美術館^[69]
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  マリー・アントワネットの書斎机。アダム・ヴァイスヴァイラー作。1784年。オーク、黒檀、シカモアの突き板、漆、鉄、金箔。73.7 x 81.2 cm。ルーブル美術館^[69]
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  水差し; 1784-1785; 銀製; 高さ: 32.9 cm; メトロポリタン美術館
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  折りたたみスツール（柔軟）；1786年；ブナ材に彫刻と彩色を施し、ピンクのシルクで覆ったもの；46.4 × 68.6 × 51.4 cm；メトロポリタン美術館
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  花瓶一組、1789年、硬質磁器、金銅、大理石、高さ（各）：23 cm、メトロポリタン美術館
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  サン＝クルーのルイ16世の娯楽室の肘掛け椅子（長椅子）；1788年；彫刻と金箔を施したクルミ材、金襴織りの絹（オリジナルではない）；全体：100 × 74.9 × 65.1 cm；メトロポリタン美術館

これはロココから古典主義への移行を示すものである。装飾をシンボルに変えたルイ14世の古典主義とは異なり、ルイ16世様式では装飾を可能な限り現実的で自然に表現している。つまり、月桂樹の枝は本当に月桂樹の枝であり、バラも同様である、という具合である。主要な装飾原則の1つは対称性である。室内で使用される色は、白、薄い灰色、明るい青、ピンク、黄色、非常に薄いライラック色、金色など、非常に明るい色である。過剰な装飾は避けられている。^[70]古代への回帰は、何よりも直線への回帰と同義であり、厳格な垂直および水平が主流であった。半円や楕円が時折見られる以外は、曲がりくねったものはもはや許容されなくなった。室内装飾もこの厳格さへの嗜好を尊重し、その結果、平面と直角が再び流行するようになった。装飾はこの厳格さを和らげるために使用されたが、基本的な線を妨げることはなく、常に中心軸の周りに対称的に配置された。それでも、エベニストは過度の硬直を避けるために前角を傾けることが多かった。^[71]

ルイ16世様式の装飾モチーフは、古代、ルイ14世様式、そして自然からインスピレーションを得ています。この様式の特徴的な要素には、矢の付いた鞘と交差したたいまつ、重なり合った円盤、ギヨシェ装飾、二重蝶結び、煙を上げる火鉢、小さなモチーフの直線的な繰り返し（ロゼット、ビーズ、オーブ）、結び目のあるリボンから垂れ下がるトロフィーまたは花のメダリオン、アカンサスの葉、ゴドロン模様、インターレース、蛇行、豊穣の角、マスカロン、古代の壷、三脚、香水バーナー、イルカ、雄羊とライオンの頭、キメラ、グリフォンなどがあります。ギリシャ・ローマ建築のモチーフも多用されている：縦溝彫り、付け柱（縦溝彫りと縦溝彫りなし）、縦溝彫り手すり（ねじれと直線）、柱（係合式と係合なし、時にはカリアティッドに置き換えられる）、渦巻き状の コーベル、グッタ付きトリグリフ（浮き彫りとトロンプ・ルイユ）。^[72]

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  パリのグティエール邸のグロテスクなパネル。建築家不明、日付不明
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  パリ、ジャコブ通り 46 番地、建築家不明、日付不明
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  天文時計;フィリップ＝ジャック・コルニケ著。c. 1794年。金銅とエナメルの表面。未知の寸法。装飾美術館、パリ^[73]
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  扇子。シャルル・ペルシエ、ピエール＝フランソワ＝レオナール・フォンテーヌ、アントワーヌ・ドニ・ショーデ作。 1797年頃～ 1799年。紙、木、骨。23.5 x 43.8 cm。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  ジュリエット・レカミエのサロンの肘掛け椅子。ヤコブ・フレール作とされる。 1798年頃。様々な種類の木材。84.5 x 62.2 x 62 cm。ルーヴル美術館^[74]

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  コーヒーポット、1797-1809年、銀メッキ、高さ33.3 cm、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  フランス、リュエイユ・マルメゾンのマルメゾン城にあるジョゼフィーヌ皇后の寝室、シャルル・ペルシエとピエール・フランソワ・レオナール・フォンテーヌ作、1800-1802年^[75]
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  洗面台（アテニエンヌまたはラバボ）；1800～1814年；脚、台座、棚板はイチイ材、金銅の台座、棚板下は鉄板；高さ：92.4 cm、幅：49.5 cm；メトロポリタン美術館
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  パリ、ブルボン宮殿のポルティコ、ベルナール・ポイエ作、1806-1808年^[76]
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  ラ・マドレーヌ、パリ、ピエール・アレクサンドル・ヴィニョン作、1807-1842 ^[76]
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  花瓶; 1809年; 硬質磁器と金メッキのブロンズハンドル; 高さ: 74.9 cm、直径: 35.6 cm;ワズワース・アセナウム、ハートフォード、コネチカット州、米国^[77]
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  エジプト復興期のコインキャビネット。フランソワ＝オノレ＝ジョルジュ・ジャコブ＝デスマルテル作。1809～1819年。マホガニー（おそらくスウィエテニア・マハゴニ）、銀の貼り付けと象嵌。90.2 x 50.2 x 37.5 cm。メトロポリタン美術館
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  火星と金星の時計、 1810 年頃、金メッキブロンズと緑青、高さ 90 cm、ルーブル美術館
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  ローマ王のゆりかご。ピエール＝ポール・プリュードン、アンリ・ヴィクトル・ロギエ、ジャン＝バティスト＝クロード・オディオ、ピエール＝フィリップ・トミール作。1811年。木製、銀鍍金、真珠貝、銅板にベルベット、絹、チュールを張り、銀糸と金糸で装飾。高さ216cm。オーストリア、ウィーン美術史美術館^[78]
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  カーペット; 1814–1830; 309.9 × 246.4 cm; メトロポリタン美術館

新古典主義は、革命を終えた新しいフランス社会を代表するものであり、芸術を含む生活のあらゆる分野の基調を定めた。ジャカード機はこの時期に発明され（それまで手作業だった裁縫システム全体に革命をもたらした）。支配的な色のひとつは、金メッキのブロンズで装飾された赤だった。白、クリーム、すみれ色、茶色、青、暗赤色などの明るい色も使用され、小さな金メッキのブロンズの装飾が施された。内部の建築には、金メッキのレリーフで装飾された木製パネル（白い背景または色付きの背景）が含まれていた。モチーフは幾何学的に配置されていた。壁はスタッコと壁紙の布で覆われていた。暖炉のマントルピースは白い大理石で作られ、角にはカリアティード、またはオベリスク、スフィンクス、有翼ライオンなどの他の要素が付いていた。マントルピースの時計などの青銅製の物体が暖炉の上部に置かれていた。扉はシンプルな長方形のパネルで構成され、ポンペイ風の中央の人物像で飾られていた。エンパイア・ファブリックは、青や茶色の背景にダマスク織、緑、ピンク、紫の背景にサテン、同じ色のベルベット、金や銀でブローチされたブローチ、綿織物である。これらはすべて、カーテン、特定の家具のカバー、クッション、または室内装飾品（革も室内装飾品として使用された）などのインテリアに使用されていた。^[79]

帝政様式の装飾はすべて、ルイ14世様式を彷彿とさせる厳格な対称性の精神によって統制されています。一般的に、作品の右側と左側のモチーフは、細部に至るまで互いに対応しています。対応していない場合でも、個々のモチーフ自体は完全に対称的な構成になっています。たとえば、同じ髪が両肩に垂れ下がった古代の頭部、対称的に並んだチュニックを着た正面の勝利の女神像、錠前板の両側にある同じロゼットや白鳥などです。ルイ14世と同様に、ナポレオンにも、彼の統治と紛れもなく結びついた一連の紋章がありました。最も有名なのは、鷲、蜂、星、そしてイニシャルのI (皇帝) とN (ナポレオンの) で、これらは通常、皇帝の月桂冠の中に刻まれていました。使用されたモチーフには、ヤシの枝を持った勝利の女神像、ギリシャの踊り子、裸の女性やドレープをまとった女性、古代の戦車の像、有翼の女神像、アポロ、ヘルメス、ゴルゴンの仮面、白鳥、ライオン、雄牛、馬、野獣の頭、蝶、爪、有翼のキメラ、スフィンクス、ブクラニア、タツノオトシゴ、細いリボンで結ばれたオークのリース、つる性のブドウの蔓、ケシの花、ロゼット、ヤシの枝、月桂樹などがあります。ギリシャ・ローマ風のモチーフは数多くある。硬くて平たいアカンサスの葉、パルメット、豊穣の角、ビーズ、アンフォラ、三脚、重なり合った円盤、メルクリウスのカドゥケウス、花瓶、ヘルメット、燃える松明、翼のあるトランペット奏者、古代の楽器（チューバ、ラトル、特にリラ）など。古代に由来しているにもかかわらず、ルイ16世時代に非常に普及した縦溝彫りや三面図は廃止されている。エジプト復興のモチーフは、この時代初期に特によく見られ、スカラベ、蓮華柱、翼のある円盤、オベリスク、ピラミッド、ネメセスをかぶった人物像、裸足で支えられエジプト風の頭飾りをつけた女性を乗せたカリアティードなどである。^[80]

新古典主義建築は、ドイツ、特に当時のプロイセンで富と権力の象徴として広まりました。カール・フリードリヒ・シンケルは、ベルリンの旧美術館など、この様式で多くの著名な建物を建てました。街はバロック様式の都市計画に支配され続けましたが、彼の建築と機能的なスタイルは、街にはっきりとした新古典主義の中心地をもたらしました。

彼のバウアカデミーは、建物の 比較的合理化されたファサードにより、近代建築の先駆者の一つと考えられています。

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  ベルリンのブランデンブルク門(1788–1791) 作：カール・ゴッタルド・ランハンス
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  カールスルーエのピラミッド(1823 ～ 1825 年) と市教会 (1807 ～ 1816 年)、フリードリヒワインブレナー作
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  カール・フリードリヒ・シンケル作、ベルリンのコンツェルトハウス・ベルリン（1818–1821）
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  ベルリンの旧博物館(1825–1830) 作： カール・フリードリヒ・シンケル
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  ミュンヘンのグリプトテーク(1816–1830)レオ・フォン・クレンツェ作
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  ヴァルハラ(1830–1842) レオ・フォン・クレンツェ作
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  プロピュライア（ミュンヘン）（1854-1862）レオ・フォン・クレンツェ作
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  ベルリンの旧国立美術館（1862–1876）フリードリヒ・アウグスト・シュテューラーとハインリヒ・シュトラック作

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  ヴェネツィアの大運河沿いにあるグラッシ宮殿、ジョルジョ・マッサーリ作、1748 – 1772
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  ミラノ・スカラ座オペラハウス、ジュゼッペ・ピエルマリーニ作、1778年完成
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  ベルジオイオーゾ宮殿、ミラノ、ジュゼッペ・ピエルマリーニ作、1781
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  ヴィッラ・ベルジオホソ・ボナパルテ、ミラノ、レオポルド・ポラック作、1790–1796
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  プレビシート広場、ナポリ、建築家不明、1809 ～ 1846 年
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  ポポロ広場(ローマ)、1811 年から 1822 年にかけてジュゼッペ ヴァラディエによって再設計されました。
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  幼子バッカスの教育。ニッコロ・アマスティニ作。19世紀前半。オニキスと金枠。全体（セッティング時）：6.5 x 4.8 cm。メトロポリタン美術館、ニューヨーク市

18 世紀後半から 19 世紀にかけて、イタリアは大きな社会経済的変化、いくつかの外国の侵略、そして1861 年のイタリア統一につながる激動のリソルジメントを経験しました。そのため、イタリアの芸術は一連の大小さまざまなスタイルの変化を経験しました。

イタリア新古典主義は、新古典主義として知られる一般的な時代の最も初期の現れであり、他の国による新古典主義の変種よりも長く続いた。それは、 1750年頃にバロック様式に対抗して発展し、 1850年頃まで続いた。新古典主義はポンペイの再発見の時期に始まり、イタリアへのグランドツアーからギリシャ・ローマの理想を再発見して母国に戻った芸術学生の世代としてヨーロッパ全土に広まった。それは最初ローマに集中し、18世紀後半にはアントニオ・カノーヴァやジャック＝ルイ・ダヴィッドなどの芸術家がパリに移り活躍した。カナレットやジョヴァンニ・パオロ・パニーニなどのヴェドゥーテ派の画家たちも、グランドツアー中に大成功を収めた。新古典主義建築はアンドレア・パッラーディオのルネッサンス作品にインスピレーションを受けており、ルイジ・ヴァンヴィテッリがそのスタイルの主な解釈者でした。

古典文学はリソルジメント運動に大きな影響を与えました。この時代を代表する人物には、ヴィットーリオ・アルフィエーリ、ジュゼッペ・パリーニ、ヴィンチェンツォ・モンティ、ウーゴ・フォスコロ、ジャコモ・レオパルディ、アレッサンドロ・マンゾーニ（チェーザレ・ベッカリーアの甥）などがいますが、彼らもフランス啓蒙主義やドイツロマン主義の影響を受けました。イタリアの古典音楽とロマン派音楽では、ヴァイオリンの名手パガニーニと、ロッシーニ、ドンニゼッティ、ベッリーニ、そして後にはヴェルディのオペラが主流でした。

フランチェスコ・アイエツの芸術、特にマッキアイオーリの芸術は、イタリア統一とともに終焉を迎えた古典派との決別を象徴しています (イタリアの近代美術と現代美術を参照)。新古典主義は、ルネッサンスとバロックに続いて西洋美術全体に広まったイタリア生まれの最後のスタイルです。

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  聖デメトリウス円形教会、レツカニ、建築家不明、1795年^[81]
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  ブカレストのシュティルベイ宮殿（Calea Victoriei no. 107）、ミシェル・サンジュアン作、 1835年頃。 1882年にジョセフ・ハルトマンによってカリアティードを備えた新しい階が追加された^[82]
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  ブカレスト大学の旧校舎はアレクサンドル・オラスクの設計で、カール・ストーク（1857-1864）の彫刻で飾られており、第二次世界大戦中の1944年4月か5月に爆撃を受けて部分的に破壊されたが、1960年代後半に部分的に再建された^[83]。
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  ブカレスト、カレア・ヴィクトリエイのルーマニア図書館、アルバート・ギャレロン作、1886–1895 ^[84]
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  ブカレスト中央女子校の校長室にあるタイル張りのストーブの上部、設計者不明、1890 年

19世紀、ワラキアとモルダビア（後のルーマニア王国）で主流だった様式は古典主義で、短期間ではあるが他の様式と共存していた時期もあったものの、20世紀まで長らく続いた。19世紀の最初の10年間から、外国の建築家や技術者がこの地に招聘された。19世紀初頭に建築を行った建築家のほとんどは外国人だった。ルーマニア人は、ルーマニアの伝統とは非常に異なる建物を設計するために必要な教育をまだ受けていなかったからである。彼らは通常、古典主義を用いて、外国の学校やアカデミーで訓練を受けたルーマニアの職人とともに建築を始めた。ルーマニアの建築家は西ヨーロッパの学校でも学んだ。その一例が、ルーマニアにおける新古典主義の代表者の一人である アレクサンドル・オラスクである。

古典主義は宗教建築と世俗建築の両方に現れた。世俗建築の良い例は、フランスの建築家ミシェル・サンジュアンの設計に基づいて1835年頃に建てられた、ブカレストのカレア・ヴィクトリーにあるシュティルベイ宮殿である。1882年にオーストリアの建築家ジョセフ・ハルトマンの設計により新しい階が増築された^{[85] [86]。}

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  オスタンキノ宮殿、モスクワ、ロシア、フランチェスコ・カンポレッジ作、1798 年完成
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  アルハンゲリスコエ邸、モスクワ州クラスノゴルスキー地区、ヤコブ・ゲルネ作、制作年不明

1905年から1914年にかけて、ロシア建築は短期間ではあるが影響力の大きい新古典主義復興の時期を迎えた。この傾向はアレクサンドリア時代の帝政様式の再現から始まり、すぐに新ルネッサンス、パラディオ、近代化されながらも明らかに古典主義的な流派へと広がった。この復興を牽引したのは、第一次世界大戦前に創造性のピークを迎えたイヴァン・フォミン、ウラジーミル・シュコー、イヴァン・ゾルトフスキーなどの1870年代生まれの建築家たちだった。1920年代に経済が回復すると、これらの建築家とその追随者たちは主にモダニズムの環境で仕事を続けた。ゾルトフスキーのように古典主義の規範に厳密に従う者もいれば、フォミン、シュコー、イリヤ・ゴロソフのように独自の近代化スタイルを展開する者もいた。^[87]

ソビエト宮殿の国際コンペに見られるように、建築家の独立性が取り締まり、モダニズムが公式に否定された（1932年）ため、新古典主義はスターリン建築の選択肢の1つとして瞬く間に推進されたが、唯一の選択肢ではなかった。ボリス・イオファンの中程度のモダニズム建築と共存し、同時代のアール・デコ（シュコー）と隣接していた。また、このスタイルの最も純粋な例は、孤立した現象のままであったジョルトフスキー派によって生み出された。政治的介入は構成主義の指導者にとっては災難だったが、古典派の建築家には心から歓迎された。

新古典主義は、現代の建築技術（鉄骨や鉄筋コンクリート）に頼らず、伝統的な石積みで再現できるため、ソ連にとって容易な選択であった。したがって、ジョルトフスキー、フォミン、その他の昔の巨匠たちのデザインは、厳しい資材配給制のもと、辺鄙な町でも容易に再現できた。第二次世界大戦後の建築技術の向上により、スターリン主義の建築家は超高層ビルの建設に乗り出すことができたが、様式的にはこれらの超高層ビル（ワルシャワの文化科学宮殿や上海国際会議センターなどの「輸出された」建築物を含む）は古典的モデルとほとんど共通点がない。新古典主義とネオルネッサンスは、ニキータ・フルシチョフが高価なスターリン主義建築に終止符を打った1955年まで、それほど要求の厳しくない住宅やオフィスのプロジェクトで存続した。

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  ケドルストン・ホール、ケドルストン、ダービーシャー、イングランド、ロバート・アダム作、1760-1770年^[88]
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  ダイニングルーム、オスタリーパーク、ロンドン、ロバートアダム作、1761年^[89]
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  サイオン・ハウス、ミドルセックス、イングランド、ロバート・アダム作、1762年^[88]
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  ロバート・アダム作「ザ・ホール」オスタリー・パーク、1767年^[90]
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  カーペット、ロバート・アダム作、1770～1780年、結び目のあるウール、505.5 x 473.1 cm、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ウェルギリウスの神格化、ジョン・フラックスマン作、 1776年頃、ジャスパーウェア、直径41cm、ハリス博物館、プレストン、ランカシャー、イギリス^[91]
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  サマセット・ハウス、ロンドン、ウィリアム・チェンバース作、1776-1801 ^[92]
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  台座の上の壷。1780 年頃、後から追加。ロバート アダム作。マホガニーの象嵌。高さ 49.8 cm。メトロポリタン美術館
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  多数のアカンサスの葉と 2 つのブクラニアを備えたサイドテーブル。ロバート アダム作。1780年頃、後に増築。マホガニー。全体: 88.6 × 141.3 × 57.1 cm。メトロポリタン美術館
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  蓋付きウェッジウッド壷、 1800年頃、レリーフ装飾のジャスパーウェア、全長19.7cm、クリーブランド美術館、オハイオ州クリーブランド、米国^[93]

アダム様式は、アダムとジェームズの2人の兄弟によって創始され、1777年に室内装飾のエッチング集を出版しました。ロバート・アダムの絵に従って作られた室内装飾では、壁、天井、ドア、その他の表面が、長方形、円形、正方形の大きなパネルに分割され、縁にはスタッコとギリシャ・ローマのモチーフが施されています。使用されている装飾品には、花綱、真珠、卵とダーツのバンド、メダリオン、および古典古代（特にエトルリアのもの）で使用されたその他のモチーフが含まれます。壷形の石の花瓶、金メッキの銀食器、ランプ、小像などの装飾器具はすべて、古典古代という同じインスピレーションの源を持っています。アダム様式では、洗練された長方形の鏡が強調され、絵画のように額縁に入れられたり（様式化された葉の付いた額縁）、その上に壷やメダリオンを支えるペディメントが付けられています。アダムミラーの別のデザインは、ベネチアンウィンドウのような形で、中央に大きな鏡があり、その横に細くて長い2つの鏡がある。別のタイプの鏡は楕円形で、通常は花飾りで飾られている。このスタイルの家具は、ルイ16世時代の家具と似た構造をしている。^[94]

アダム様式のほかに、装飾芸術に関して言えば、イギリスはエトルリアと呼ばれる陶器工場を設立した陶器製造者のジョサイア・ウェッジウッド（1730-1795）でも知られています。ウェッジウッドの陶器は、硬くて粒子の細かい炻器であるジャスパーウェアと呼ばれる素材で作られています。ウェッジウッドの花瓶は通常、2色のレリーフで装飾されており、ほとんどの場合、人物は白、背景は青です。

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  メープル材の書斎机、 1790 年頃、メープル材と真鍮、高さ 242.57 cm、ロサンゼルス郡立美術館、米国
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  燭台; 1790-1800; マホガニー、バーチ材、各種象嵌; 107 x 49.21 x 48.9 cm; ロサンゼルス郡立美術館
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  ライティングデスク、1790～1810年、サテンウッド、マホガニー、チューリップポプラ、松材、153.67 x 90.17 x 51.44 cm、ロサンゼルス郡立美術館
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  ホワイトハウス、ワシントンD.C.、ジェームズ・ホーバン作、1792-1829年^[95]
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  国会議事堂、ワシントンD.C.、1793-1863年、ウィリアム・ソーントンとトーマス・アスティック・ウォルター作^[95]
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  アームチェア。おそらくエフライム・ヘインズ作。1805～1815年。マホガニーと籐。高さ: 84.77 cm、幅: 52.07 cm。ロサンゼルス郡立美術館
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  パイナップルの飾りが付いた 4 列の台座付きカード テーブル。1815 年～ 1820 年。マホガニー、チューリップ ポプラ、松材。74.93 x 92.71 x 46.67 cm。ロサンゼルス郡立美術館
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  ヴァージニア大学ロタンダ、バージニア州シャーロッツビル、トーマス・ジェファーソン作、1822-1826年^[96]
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  サウスカロライナ州議事堂、サウスカロライナ州コロンビア、ジョン・ルドルフ・ニーンシー作、1855年
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  ブレバード・ライス・ハウス、ガーデン・ディストリクト、ニューオーリンズ、ジェームズ・キャロウ作、1857年^[97]

アメリカ大陸では、建築や室内装飾はヨーロッパで発達した様式に大きく影響されてきた。フランス趣味は南部諸州で顕著である（フランス革命後、一部の移民がこの地に移り住み、カナダでは人口の大部分がフランス系である）。当時のアメリカ人の実用主義と物質的状況が、室内装飾に典型的な雰囲気を与えていた。ヨーロッパの影響、時にはイスラム教、トルコ、アジアの影響も受けたアメリカの家具、カーペット、食器、陶磁器、銀食器はすべて、アメリカの基準、趣味、機能的要件に合わせて作られた。アメリカには、クイーン・アン様式とチッペンデール様式の時代があった。独自の様式であるフェデラル様式は、18世紀から19世紀初頭にかけて完全に発達し、イギリスの趣味の影響を受けて繁栄した。新古典主義の刺激を受けて、建築、室内装飾、家具が作られてきた。このスタイルは、州によって異なる多くの特徴があるものの、統一されています。建築、インテリア、家具の構造は古典主義的であり、バロックとロココの影響を取り入れています。使用されている形状には、長方形、楕円形、三日月形などがあります。壁や天井のスタッコまたは木製パネルは、古典主義のモチーフを再現しています。家具は、花の寄木細工や青銅または真鍮の象嵌（金メッキの場合もあります）で装飾される傾向があります。 ^[98]

イングランドでは、アウグストゥス文学はアウグストゥス様式の造園デザインと直接的に類似していた。そのつながりはアレクサンダー・ポープの作品に明確に見られる。新古典主義の英国式庭園の最も優れた現存する例は、チズウィック・ハウス、ストウ・ハウス、ストウヘッドである。^[99]

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  ジェームズ・ドーキンスとロバート・ウッドがパルミラの遺跡を発見、ギャビン・ハミルトン作、1758年
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  ファッションギャラリーのドレス、1794-1802
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  ベッドフォード農園にいる第5代ベッドフォード公爵フランシス・ラッセル、ジョン・ホップナーに倣ってウィリアム・グリマルディ作、19世紀初頭、1796～1797年の作品に基づく
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  ジャック＝ルイ・ダヴィッド作『レイモンド・ド・ヴェルニナック夫人』。ディレクトワール様式の衣服と椅子を身にまとっている。「第 7 年」、つまり 1798 年から 1799 年
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  革命的社交家テレサ・タリアン、マリー・ギルミーヌ・ブノワ作、c. 1799年
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  レカミエ夫人の肖像、ジャック＝ルイ・ダヴィッド作、1800年
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  アンリエット・ヴィクトワール・エリザベート・ダヴランジュ、ルラング伯爵夫人、ティトゥス風の髪型、ルイ＝レオポルド・ボワリー作、1810年
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  「ポワン・ド・コンベンション」、ルイ＝レオポルド・ボイリー作、c. 1801年
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  バドミントンをする女性を描いたイラスト、フランソワ・ジョセフ・ボジオ作「Le Bon Genre」シリーズより、手彩色のエッチング、 1801年
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  ジュリエット・レカミエの肖像、フランソワ・ジェラール作、1802
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  6 月のケンジントン ガーデン ドレス、ファッション プレート、Le Beau Monde、1808 年

In fashion, Neoclassicism influenced the much greater simplicity of women's dresses, and the long-lasting fashion for white, from well before the French Revolution, but it was not until after it that thorough-going attempts to imitate ancient styles became fashionable in France, at least for women. Classical costumes had long been worn by fashionable ladies posing as some figure from Greek or Roman myth in a portrait (in particular there was a rash of such portraits of the young model Emma, Lady Hamilton from the 1780s), but such costumes were only worn for the portrait sitting and masquerade balls until the Revolutionary period, and perhaps, like other exotic styles, as undress at home. But the styles worn in portraits by Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien and other Parisian trend-setters were for going-out in public as well. Seeing Mme Tallien at the opera, Talleyrand quipped that: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!" ("One could not be more sumptuously undressed"). In 1788, just before the Revolution, the court portraitist Louise Élisabeth Vigée Le Brun had held a Greek supper where the ladies wore plain white Grecian tunics.^[100] Shorter classical hairstyles, where possible with curls, were less controversial and very widely adopted, and hair was now uncovered even outdoors; except for evening dress, bonnets or other coverings had typically been worn even indoors before. Thin Greek-style ribbons or fillets were used to tie or decorate the hair instead.

Very light and loose dresses, usually white and often with shockingly bare arms, rose sheer from the ankle to just below the bodice, where there was a strongly emphasized thin hem or tie round the body, often in a different colour. The shape is now often known as the Empire silhouette although it predates the First French Empire of Napoleon, but his first Empress Joséphine de Beauharnais was influential in spreading it around Europe. A long rectangular shawl or wrap, very often plain red but with a decorated border in portraits, helped in colder weather, and was apparently laid around the midriff when seated—for which sprawling semi-recumbent postures were favoured.^[101] By the start of the 19th century, such styles had spread widely across Europe.

Neoclassical fashion for men was far more problematic, and never really took off other than for hair, where it played an important role in the shorter styles that finally despatched the use of wigs, and then white hair-powder, for younger men. The trouser had been the symbol of the barbarian to the Greeks and Romans, but outside the painter's or, especially, the sculptor's studio, few men were prepared to abandon it. Indeed, the period saw the triumph of the pure trouser, or pantaloon, over the culotte or knee-breeches of the Ancien Régime. Even when David designed a new French "national costume" at the request of the government during the height of the Revolutionary enthusiasm for changing everything in 1792, it included fairly tight leggings under a coat that stopped above the knee. A high proportion of well-to-do young men spent much of the key period in military service because of the French Revolutionary Wars, and military uniform, which began to emphasize jackets that were short at the front, giving a full view of tight-fitting trousers, was often worn when not on duty, and influenced civilian male styles.

The trouser-problem had been recognised by artists as a barrier to creating contemporary history paintings; like other elements of contemporary dress they were seen as irredeemably ugly and unheroic by many artists and critics. Various stratagems were used to avoid depicting them in modern scenes. In James Dawkins and Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) by Gavin Hamilton, the two gentleman antiquaries are shown in toga-like Arab robes. In Watson and the Shark (1778) by John Singleton Copley, the main figure could plausibly be shown nude, and the composition is such that of the eight other men shown, only one shows a single breeched leg prominently. However the Americans Copley and Benjamin West led the artists who successfully showed that trousers could be used in heroic scenes, with works like West's The Death of General Wolfe (1770) and Copley's The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783), although the trouser was still being carefully avoided in The Raft of the Medusa, completed in 1819.

Classically inspired male hairstyles included the Bedford Crop, arguably the precursor of most plain modern male styles, which was invented by the radical politician Francis Russell, 5th Duke of Bedford as a protest against a tax on hair powder; he encouraged his friends to adopt it by betting them they would not. Another influential style (or group of styles) was named by the French "coiffure à la Titus" after Titus Junius Brutus (not in fact the Roman Emperor Titus as often assumed), with hair short and layered but somewhat piled up on the crown, often with restrained quiffs or locks hanging down; variants are familiar from the hair of both Napoleon and George IV of the United Kingdom. The style was supposed to have been introduced by the actor François-Joseph Talma, who upstaged his wigged co-actors when appearing in productions of works such as Voltaire's Brutus (about Lucius Junius Brutus, who orders the execution of his son Titus). In 1799 a Parisian fashion magazine reported that even bald men were adopting Titus wigs,^[102] and the style was also worn by women, the Journal de Paris reporting in 1802 that "more than half of elegant women were wearing their hair or wig à la Titus.^[103]

Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Classical and Baroque musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impressionism in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in ballet and physical education.

The 17th–18th century dance suite had had a minor revival before World War I but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Ottorino Respighi's Ancient Airs and Dances (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinsky is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Octet for Wind Instruments (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofiev's Classical Symphony No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn or Mozart. Neoclassical ballet as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.

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  Beaux-Arts - Exterior of the Palais Garnier, Paris, by Charles Garnier, 1860–1875^[104]
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  Beaux-Arts - Grand stairs of the Palais Garnier, by Charles Garnier, 1860–1875^[104]
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  Beaux-Arts - Grand Central Terminal, New York City, by Reed and Stem and Warren and Wetmore, 1903^[105]
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  Beaux-Arts - Hôtel Roxoroid de Belfort, Paris, 1911, by André Arfvidson
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  Late Neoclassical - The West building of the National Gallery of Art, Washington, D.C., US, by John Russell Pope, 1941

After the middle of the 19th century, Neoclassicism starts to no longer be the main style, being replaced by Eclecticism of Classical styles. The Palais Garnier in Paris is a good example of this, since despite being predominantly Neoclassical, it features elements and ornaments taken from Baroque and Renaissance architecture. This practice was frequent in late 19th and early 20th century architecture, before World War I. Besides Neoclassicism, the Beaux-Arts de Paris well known for this eclecticism of Classical styles.

Pablo Picasso experimented with classicizing motifs in the years immediately following World War I.^[106]

In American architecture, Neoclassicism was one expression of the American Renaissance movement, ca. 1890–1917; its last manifestation was in Beaux-Arts architecture, and its final large public projects were the Lincoln Memorial (highly criticized at the time), the National Gallery of Art in Washington, D.C. (also heavily criticized by the architectural community as being backward thinking and old fashioned in its design), and the American Museum of Natural History's Roosevelt Memorial. These were considered stylistic anachronisms when they were finished. In the British Raj, Sir Edwin Lutyens' monumental city planning for New Delhi marks the sunset of Neoclassicism. World War II was to shatter most longing for (and imitation of) a mythical time.

There was an entire 20th-century movement in the non-visual arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see 20th-century classical music and Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Great Books.)

This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in English literature were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot and Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Acmeism, with Anna Akhmatova and Osip Mandelshtam as the leading representatives.

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  Chest of drawers, a highly simplified reinterpretation of the Louis XVI style; by Clément Mère; 1910; maple, ebony, leather and ivory; 87.5 x 96 x 37 cm; Musée d'Orsay, Paris^[107]
• 
  Dressing table and chair, a reinterpretation of the Louis XVI style; by Paul Follot; 1919; marble and encrusted, lacquered, and gilded wood; unknown dimensions; Musée d'Art Moderne de Paris
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  Hommage à Jean Goujon; by Alfred Janniot; 1919–1924; limestone partially coloured; 220 x 235 x 129 cm; Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon, Portugal^[108]
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  Plate with design for an interior from the collection of projects Architectures, by Louis Süe and André Mare, 1921
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  Boudoir from the Hôtel du Collectionneur, a highly simplified reinterpretation of the Louis XVI style, at the 1925 Paris Exhibition, by Émile-Jacques Ruhlmann
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  "Little Horses" dress; by Madeleine Vionnet; 1925; rayon crepe, black and gold seed beads; Museum at the Fashion Institute of Technology, New York
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  Palais de Tokyo, Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, 1937
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  Embassy of France, Belgrade, Serbia, by Roger-Henri Expert with Josif Najman as assistant, designed in 1926, built in 1939^[109][110]
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  Château de Sept-Saulx, Grand Est, a highly simplified reinterpretation of the Louis XVI style, France, by Louis Süe, 1928-1929^[111]
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  Daily Telegraph Building, London, by Charles Ernest Elcock, after consulting with Thomas S. Tait, 1928^[112]
• 
  Design for Severance Hall grand foyer of the Severance Hall, Cleveland, US, by Walker and Weeks, c.1930
• 
  Dumitru Săvulescu House (Bulevardul Dacia no. 73), Bucharest, Romania, by Gheorghe Negoescu, 1933^[113]
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  Grave of the Străjescu Family, Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel, 1934^[106]
• 
  Avenue Foch no. 53, Paris, by Charles Abella, 1939^[111]

Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.

The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.

The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.^[114]

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  Socialist Realist - Lenin State Library, Moscow, Russia, by Vladimir Shchuko and Vladimir Helfreich, 1928-1941^[115]
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  Socialist Realist - Assembly of the Revolutionary Military Council of the USSR, Chaired by Kliment Voroshilov; by Isaak Brodsky; 1929; oil on canvas; 95.5 x 129.5 cm; private collection^[116]
• 
  Fascist - University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), Bucharest, Romania, by Petre Antonescu, 1933-1935^[117]
• 
  Nazi - Familie (The Family); by Josef Thorak; c.1937; probably bronze; unknown dimensions; exhibited at the 1937 Paris World Fair
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  Nazi - New Reich Chancellery, Berlin, by Albert Speer, 1938-1939^[118]
• 
  Fascist - Palazzo della Civiltà Italiana, Rome, by Giovanni Guerrini, Ernesto La Padula, and Mario Romano, 1939-1942^[119]
• 
  Socialist Realist - Lomonosov University, Moscow, by Lev Rudnev, 1947-1952^[119]
• 
  Socialist Realist - Colonels' Quarter (Șoseaua Panduri no. 60–62), Bucharest, by I.Novițchi, C.Ionescu, C.Hacker and A.Șerbescu, 1950–1960^[120]
• 
  Socialist Realist - Homage; by Constantin Nitescu; c.1980; unknown technique; unknown dimensions; Romania

In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as Socialist Realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous Socialist Realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.

In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as Socialist Realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of Socialist Realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.^[121] Although Socialist Realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.

The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riffled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar atitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.

Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.^[122]

In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar with what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.

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  J. Paul Getty Museum, Malibu, California, US, by the partnership of Langdon and Wilson with Edward Genter as the project architect and archaeological advice from Dr Norman Neuerberg, 1970-1975^[123]
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  Interior courtyard of Les Arcades du Lac, Saint-Quentin-en-Yvelines, France, by Ricardo Bofill, 1975-1981^[124]
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  Piazza d'Italia (New Orleans), US, by Charles Moore, 1978
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  Sheraton chair with applied decoration; by Robert Venturi for Knoll; 1978–1984, bent laminated wood; unknown dimensions; Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA^[125]
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  Apartment buildings on Bulevardul Unirii, Bucharest, Romania, unknown architects, 1980s
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  Louis XVI, lowboy; by Robert Venturi for Arc International; c.1985; laminated wood; unknown dimensions; Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, USA^[126]
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  Sainsbury Wing, National Gallery, London, by Robert Venturi, 1987-1991^[127]
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  Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988^[126]
• 
  77 West Wacker Drive, Chicago, US, by Ricardo Bofill, 1990-1992^[128]
• 
  Harold Washington Library, Chicago, by Hammond, Beeby & Babka, 1991^[129]
• 
  Entrance era of the Harold Washington Library, by Hammond, Beeby & Babka, 1991^[129]
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  M2 Building, Tokyo, Japan, by Kengo Kuma, 1991^[130]
• 
  Antigone, Montpellier, France, by Ricardo Bofill, completed in 1992
• 
  Children's Museum of Houston, Houston, US, by Robert Venturi, 1992^[131]
• 
  Forum Shops in Caesars Palace, Las Vegas, US, by Marnell Corrao Associates, 1992^[132]
• 
  Exterior of the Trafford Centre, Manchester, UK, designed by Chapman Taylor and Leach Rhodes Walker, with sculptures by Colin Spofforth, 1998^[133]
• 
  Interior of the Trafford Centre, by Chapman Taylor and Leach Rhodes Walker, 1998^[133]
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  Louis Ghost, a simplified reinterpretation of armchairs in the Louis XVI style; by Philippe Starck; 2009; polycarbonate; height: 94 cm; various locations^[134]
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  Postmodern table with different legs, some of which are reminiscent of Neoclassical furniture; unknown designer; c.2010; painted wood; unknown dimensions; Cărturești Verona (Strada Arthur Verona no. 15), Bucharest, Romania

An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'^[135] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.^[136]

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  Queen's Gallery, Buckingham Palace, London, by John Simpson, 2000-2002^[137]
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  Schermerhorn Symphony Center, Nashville, Tennessee, US, by Earl Swensson Associates, David M. Schwarz Architects, and Hastings Architecture Associates, 2006
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  James Simon Gallery, entrance of the Neues Museum, Berlin, by David Chipperfield, 2009–2018

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.^[138] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.^[139]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.

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