ミノ・アルジェント

ミノ・アルジェント（1927年1月5日生まれ）は、主にキャンバスや紙に抽象的なテーマを描くイタリアの画家です。

ミノ・アルジェントはイタリアのローマで生まれました。建築家としてキャリアをスタートし、1968年にローマのギャラリー・アストロロビオでマルチェロ・ヴェントゥローリが主催した展覧会で初めて絵画を発表しました。

1969 年にニューヨークに来るまで、アルジェントは具象画家だった。ヨーロッパでは具象画を描くことが求められていると感じ、イタリアを離れた。アメリカには他の可能性があるとアルジェントは感じた。

ニューヨークに移り住んだアルジェントは、1974年にリビングストン＝リアマンス・ギャラリーで初の個展を開催した。アルジェントはギャラリーのオープニング・アーティストだった。1974年以降、イギリスのロンドンでもナイジェル・グリーンウッドが代理人を務めた。1977年までにはベティ・パーソンズが代理人を務めるようになった。1970年代を通じて、彼の作品はフランク・ステラ、リチャード・プーゼット＝ダート、ロナルド・デイビス、ルース・ヴォルマー、ジャック・ヤンガーマン、マリーノ・マリーニ、ジョルジョ・デ・キリコ、荒川修作といった他の著名なアーティストの作品と並んで展示された。その後、1983年には、ベティ・パーソンズ・ギャラリーが1982年に死去した後、同ギャラリーで行われた最後の展覧会のひとつに彼の作品が展示された。

1960年代、アルジェントは油彩とキャンバスのコラージュに取り組んでいた。1970年代後半から1980年代にかけて、彼はキャンバスにアクリルのジェッソを塗り始めた。時にはキャンバスの灰色がかった表面をほとんど覆っていないように見えるほど薄く塗ることもあった。彼は、正と負の空間の相互作用の曖昧な微妙さを扱った。アルジェントは、鉛筆の線の硬さと無味乾燥さを、官能的な油の層と対比させることを楽しんだ。彼は白いジェッソを重ね、時には油絵の具を加え、コラージュと見間違えるほどになった。彼は描く線の太さを変化させ、様々な形の重さに対する並外れた感受性を生み出した。アルジェントは、非常に壊れやすく、あらゆる動作が重要であるデリケートな表面を、透明なジェッソの層を重ねて細心の注意を払って作り上げ、媒体の色調の値と鉛筆の線の強さを注意深くバランスさせた。油彩、アクリル、時にはグラファイトをジェッソと組み合わせて使用​​するこれらのハイキーな絵画は、「白であること」ではなく、本質的には色の欠如に関心があります。彼の建築学のバックグラウンドは、幾何学的な感覚を通して彼の絵画に浸透しています。

1968年、マルチェロ・ヴェントゥローリは次のように書いています。

そして、印象派の絵画的自由の女神像は、はるかに大きな成果を上げています。今度は写実主義に進み、愛と女性の女王が、これまで以上に愛するモデルを楽しませながら、環境への暗示、背景、コラージュ、コンパートメントの装飾的なディテールを豊かにし、レオナルド・クレモニーニのものに似ています。しかし、クレモニーニの人物が環境から吸収され、人々に物事を行う陰謀である非多様化している一方で、この最も苦いが活気に満ちたアルジェントでは、人物は主権を保ち、装飾され、ガウンやドレープで複雑になり、人間の存在を暗示するほど落ち着いて孤独な状況で休息とくつろぎの女神になります。^[1]

1974 年にジョン・グルーエンは次のように書いています。

これらは、繊細でありながら大胆に差別化された形状とテクスチャを備えた「白の上に白」とも言える幾何学的抽象画です。アルジェントの頭脳と手が幾何学的ジャンルの中で何か違うことを試みているのがわかります。時には成功しますが、時には、形状の中に形状が重なり、色調が閉じた既視感を繰り返すだけです。それでも、形と色彩の自ら課した制限を最大限に活用することに最も適した真のアーティストを目の当たりにすることができます。その瞬間、優雅さが深みを上回っているとしても。^[2]

1975年、エレン・ルベルは『Arts Magazine』に次のように書いています。

OKハリスギャラリーは以前、新鮮な変化をもたらしました。ミノ・アルジェントの白地に白の絵画4点は、格子模様や長方形の上に長方形を重ねたテーマのバリエーションでしたが、リズムとコンセプトの違いで活気づけられました。1つの作品には、灰色の格子と、いくつかのより不透明な白で塗られた縦長の長方形が中央に集まっていました。鋭いバランス感覚、長方形の角張った感覚、そしてそのうちの1つに自然の格子のように見えるひび割れたペイントが、この絵画をこのジャンルの精巧で複雑な例にするのに役立っています。^[3]

1977年、ノエル・フラックマンは『アート・マガジン』に次のように書いています。

線や形はどれも無関係ではなく、絵の具の塗り方や要素の並置などすべてが緊張感のあるユークリッド的調和に向かって機能している。描かれた線の太さの変化や、さまざまな形の重さに対する並外れた感受性が、これらの絵画を単純な幾何学的構成の領域から理論の領域へと引き上げている。ある意味で、これらの白い絵画は純粋な概念としての幾何学の性質に関する哲学的思索である。^[4]

1977年、マイケル・フロレスクはアーツ・マガジンに次のように書いた。

これは、はるか昔の人種の記憶、たとえばピラミッドが建造されるようになった方法、つまり、建造物の原材料が、将来同様の事業を生み出す仕組みへと進化した方法を彼が表現したものなのだろうか。それとも、この時点で、私たちは、イメージ（他の場所では、一見すると、未開のグリッドの無限の眺め）を意図的に断片化し、不明瞭にすることによる霧の物理的効果を、思いやりのある創造主の目に見える息吹を表すものとして解釈すべきなのだろうか！^[5]

1977年、ニーナ・フレンチ・フレイジャーはARTnewsに次のように書いています。

アルジェントは、正と負の空間の相互作用の曖昧な微妙さを扱っています。これらの正方形、三角形、格子、長方形の単調な絵画には、一見すると理解できないものがあります。ピタゴラス幾何学に関心があったと思われるアルジェント は、フィリッポ・ブルネレスキ、ブラマンテ、その他のルネサンス人と同じ伝統を受け継ぎ、実際にはピタゴラス 哲学の非常に精神的な美しさに魅了されており、その美しさを彼のすべての絵画に見事に吹き込んでいます。^[6]

1980年、マイケル・フロレスクはアーツ・マガジンに次のように書いた。

ハロルド・ローゼンバーグは、エッセイ「正方形の変遷」の中で、「正方形を描くことは、木や道化師を描くことと何ら変わりなく、正方形が伝える感情の問題が極めて重要になる」と述べている。アルジェントは、遠近法、測定単位、方向記号、計算方法、暗示的な光の方向を駆使して感情を伝え、屈折の錯覚を作り出して、観客に正方形を見つめさせる。アルジェントは、同じ絵の平面内で肯定と否定を認識することで距離をドラマチックに表現する。この特定の効果は、テオドール・アドルノが「距離は安全地帯ではなく、緊張の場である。それは、アイデアの真実への主張を緩めるのではなく、思考の繊細さと脆さに現れる」と書いたときに特定された。この特徴は、アルジェントの絵画を、私が信じている伝統的な静物画の有効な現代形式として考えると、最もよく理解できるだろう。^[7]

1988年、キャシー・カーティスはロサンゼルス・タイムズ紙に次のように書いています。

ミノ・アルジェントの市松模様を散りばめた抽象画は、大物画家のテーマを刺繍で表現したパリ派の画家たちの軽妙な感性の 80 年代版です。彼は、雲のような縁取りの幾何学的形状、工業用グレーの広がりに明るく軽やかなキャンディカラーの背景をあしらったものを得意としています。建築のシックな方向性(斜めのフレーム形状、グラフの罫線が入った通路、ファサードを 1 つまたは 2 つ示唆するなど) に少し傾いています。形状が鮮明で、スマートなパターンで、扱いやすいサイズである場合、すべてが最もうまく機能します。(ロサンゼルスで初公開された展覧会は 1988 年、エイプリル スグロ リドル ギャラリーで開催) ^{[8] [9]}

イタリア現代 美術のグループ展。28 人のアーティストが 50 点の彫刻と絵画で表現されています。特に見ごたえがあるのは比較的新しいアーティストの展示です。ミノ・アルジェントは、絵画の中で抑制された幾何学的表現と、背景色の優しいグラデーションで空間の 無限性とを競い合っています。

カルカニョの1962年の絵画「白熱」は、クリフォード・スティルとフランツ・クラインの両方を思わせる流動的でありながら難しい表面を表現している。この展覧会の彫刻の大部分は絵画よりもはるかに滑らかに見えたが、コンタッティ：1970に展示されたジョ・ポモドーロの巨大なブロンズ板は本物の興奮と緊張感を与えた。この評論家は、ボッコッチ、ジョルジョ・デ・キリコ、マリーノ・マリーニ（彫刻家） 、ジョルジョ・モランディ、グスタボ・フォッピアーニなど、 20世紀初頭の前衛芸術家の作品のほとんどが個人コレクションから短期間貸し出されていたことを知ってがっかりした。^[10]

この省略は、大西洋の反対側で活動し、接触も影響もなかったものの、どちらも定式化されたシステムや「流派」の構成から等しく自由であった2つのグループのアーティストの作品を関連付けることができなかった過去の失敗に起因しています。そして、仮定された証拠は、それぞれが異なっていても補完的な空間コンセプトを提示する「14人の画家」を一緒に集めることです。展示された範囲は限られていますが、ミニマルアートの幾何学的な言語とオプティカルアートの両方に対する現代的な破綻を喚起するのに十分です。空間はもはや一貫性ではなく、異質性の共存です。個々の作品と同様に、展示された範囲全体またはキャンバスに明確に表現された共存。ジャン・アルマン、荒川修作、ミノ・アルジェント、ユハナ・ブロムシュテット、ロナルド・デイビス、マキシム・デフェール、ミシェル・ゲランジェ、パトリック・アイルランド、ニコラス・クルシェニック、バリー・ル・ヴァ、フィン・ミケルボー、フィリップ・モリソン、ジョルジュ・ノエル、フランク・ステラ。これをイリュージョニズムの復活と呼ぶことは、そのような定義が表現の観点からのみ意味をなすものであり、形式ではなく強度や力の状況では意味をなさないことを忘れている。関与した画家たちさえ知らなかった大西洋の両側でのこれらの研究の同時進行は、絵画空間のモダニズムが平面性への言及をやめ、それ自体の強度の探求になったかのような、それらの必要性の最良の証拠である。

テオドール・アドルノの言葉を借りれば、「すべての思考には普遍性の瞬間がある。よく考え抜かれたものは、必然的に他の誰かによってどこかで考え出される」^{[11] 。}

1976年のフリウリ地震の後、アルジェントは国際的な連帯のしるしとして、アメリカ人アーティストの大規模なグループと共に、絵画、彫刻、グラフィックの大規模なコレクションを寄贈した。フリウリ芸術記念物委員会（FRIAM）の設立により、作品の収集が促進された（プロジェクト・リビルド）。^{[12]この展示は、}イタリアとアメリカの関係強化に重要な貢献をしている。100人以上の「フリウリ地震被災都市へのアメリカ人アーティスト」から寄贈された作品は、常設コレクションとして共存することになる。^[13]

• 1965年、コンドッティ・ギャラリー、ローマ、イタリア。 (「Umanità e Construttivismo di Mino Argento」ジュゼッペ・ファッブリ著、ブッソラ、(1965 年 2 月))
• 1966年、Realschule Gallery、ファドゥーツ
• 1968年、ローマのアストロラビオ・ギャラリー、ニューヨーク州マンハッセットのクレイン＆コルチン・ギャラリー。（マルチェロ・ベンチュロールによる「ミノ・アルジェント」のプレゼンテーション。）
• 1974年10月28日、Meet The Artist、リビングストン・リアマンス・ギャラリー、ニューヨーク市^[14]
• 1977年、ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク市
• 1979年、ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク市
• 1987年、JPナトキンギャラリー、ニューヨーク市
• 1988年4月 スグロ・リドルギャラリー、ロサンゼルス

• 1965年、1966年 ブルクハルトギャラリー、ローマ
• 1966年、ポルフィリウスギャラリー、ローマ
• 1968 年、グリエルミ ガレリア、サン ベネデット デル トロント、イタリア
• 1967、1968、1969、1970 ガレリア・アストロラビオ、ローマ
• 1975年、1976年 リビングストン・パトリシア・リアマンスギャラリー、ニューヨーク市
• 1975年、OKハリスギャラリーのグループ展、ミノ・アルジェントとロン・ジャクソン（他）。^[15]
• 1977年12月20日〜31日、グループ展、ベティ・パーソンズ・ギャラリー。ミノ・アルジェント、カルバート・コッゲシャル、川端実、リチャード・タトル、ルース・ヴォルマー、ロバート・ヤスダ、エレーヌ・アイロン、クリーヴ・グレイ（他）^[16]
• 1978年12月12日〜30日、グループ展、ベティ・パーソンズ・ギャラリー。ルース・ヴォルマー、ミノ・アルジェント、クリーヴ・グレイ、カルバート・コッゲシャル、リチャード・タトル（他多数）^[17]
• 1978年、9月2日～10日、グループ展14「7人のアーティスト・アメリカ人、7人のアーティスト・ヨーロッパ人」ギャラリー・ドレ・ミッシェル・ゲランジェとメール・ド・ドーヴィル ・アン・ドルナーノ。フランス、ドーヴィルのカジノ・ド・ドーヴィル・ホールとギャラリー・ドレ。ジャン・アレマン、荒川修作、ミーノ・アルジェント、^[18]ユハナ・ブロムシュテット、ロナルド・デイヴィス、マキシム・デファート、ミシェル・ゲランジェ、パトリック・アイルランドはブライアン・オドハティの分身であった、ニコラス・クルシェニック、バリー・ル・ヴァ、フィン・ミケルボー、フィリップ・モリソン、ジョルジュノエル、フランク・ステラ。^[19]
• 1979年12月18日～1980年1月12日、グループ展、ベティ・パーソンズ・ギャラリー。ミノ・アルジェント、ファニー・ブレナン、リチャード・フランシスコ、リチャード・タトル、ルース・ヴォルマー、トコ・シノダ（他多数）。^[20]
• 1979年、ナルダン・ギャラリー、ニューヨーク。 (イタリア現代美術のグループ展)。ローレンス・カルカーニョ、ジョ・ポモドーロ、マルチェロ・ボッカッチ、ジョルジョ・デ・キリコ、マリーノ・マリーニ（彫刻家）、ミーノ・アルジェント、ジョルジョ・モランディ、グスタボ・フォッピアーニ。 28 人の芸術家が 50 点の彫刻と絵画で表現されています) ^[21]
• 1980年、（グループ展）「Arte Americana Contemporanea」。市立美術館と歴史と芸術のギャラリー。ウーディネ、イタリア
• 1980年、スニードギャラリー、イリノイ州ロックフォード
• 1980年12月9日〜12日（グループ展）。ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク。ミノ・アルジェント、マーク・ランカスター（アーティスト）、クリーヴ・グレイ、リチャード・タトル。川端実（他）。^[22]
• 1981年6月2日〜20日、ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク。リー・ホール、カルバート・コッゲシャル、ミノ・アルジェント（他）^[23]
• 1982 エリックソンギャラリー、ニューヨーク市
• 1983年5月25日～6月18日、「PAINTING」（グループ展）。ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク。ミノ・アルジェント、ジャック・ヤンガーマン、デイヴィッド・バッド、カルバート・コッゲシャル、クリーヴ・グレイ、リー・ホール、川端実、リチャード・プーゼット・ダート、レオン・ポルク・スミス、ヘッダ・スターン、エド・ズトラウ、サリ・ディエネス（他多数）。^[17]
• 1983年7月、「グループ2」。ベティ・パーソンズ・ギャラリー。ミノ・アルジェント、岡田健三、リチャード・フランシスコ、リチャード・タトル、ファニー・ブレナン、（その他）。^[24]

• 「ラ・ティグレ」（虎）油彩・コラージュ、60x70cm、1968年。^[25]
• ドナ・コル・ドラッポ・ジャッロ、（黄色いドレープの女性）1968年。テラのオイルとコラージュ。
• Bagnanti、(Bathers) 1968。オイルとコラージュのテラ。
• Sul Tappeto Giallo、(イエロー カーペット) 1968。テラのオイルとコラージュ。
• Ragazza Sul Letto、(ベッドの上の女の子) 1968。テラのオイルとコラージュ。
• ヌード、1968年。
• Figura Giacente、(横たわる人物) 1968。油とコラージュ su Tela。
• ドンナ・アコヴァッチャータ、（しゃがむ女性）1968年。個人コレクション^[26]
• ビューティーサロン、（ビューティーサロン）1968年。油彩と布のコラージュ。
• ドナとマキナ、（女性と機械）1968年。
• 『ドンナとフルッタ』（女性と果物）1968年。
• ナチュラ・モルタ、（静物画）1968年。
• Pupazza、(人形) 1968。テラのオイルとコラージュ。
• メランザン（ナス）1968年。
• Il Foglio Bianco、(白書) 1968、Oil e Collage su Tela。
• カッチャの風景、(狩猟シーン)1968 年。
• トロ・アル・マッタトイオ、（屠殺場のトロ）1968年。
• ラ・モンタ（ザ・マウント）1968年。
• ピッコロトロn.1（小トロ1号）1968年。
• ピッコロ トロ n.2、(リトル ブル No.2) 1968 年。
• La grande Bestia (偉大な獣) 1968。テラのオイルとコラージュ。
• Paesaggio、(風景) 1968。テラのオイルとコラージュ。

• Senza titolo、1973 (無題、1973) アクリリコ・ス・テラ、127×127 ^[27]
• ニューヨーク、1973年、油彩、アクリル、ジェッソ、グリッド、四角い鉛筆の線。白地に白。50インチ×50インチ^[28]
• ニューヨーク、1973年 #2 油彩、アクリル、ジェッソ、3つの正方形、キャンバスに鉛筆。白地に白。50" × 50"
• 無題、1976年、キャンバスにアクリル、48インチ×60インチ
• 「無題」、1977年、48×59インチ。
• 無題、1977年、キャンバスにアクリル、35 1 ⁄ 2 "X 50"
• 「無題」、1977年、48×59インチ。
• 無題、または（ニューヨーク）、1977年、キャンバスにアクリル、25インチ×70インチ。
• 「無題」、1977年、キャンバスにアクリル/鉛筆、30 x 30インチ
• 「無題」、1978年、14"x 13.3/4"
• 無題、1978年、1.27×1.02m。^[29]
• ラビリンサス II、1978 年、52 インチ x 68 インチの油彩、アクリル、キャンバス。
• 「無題」、1979年、49×40インチ、キャンバスにアクリルと油彩。グループ展、小部屋。ベティ・パーソンズ・ギャラリー、ニューヨーク。1981年6月2日〜20日。^[30]
• 「パラドックスの断片」、1979年、キャンバスに油彩とアクリル、57インチ×48インチ。
• 無題、1979年、キャンバスに油彩とアクリル、48 x 40インチ。
• ヤヌス・トゥー・ヘッド、1979年。
• 90度のスペクトル、1979年、キャンバスに油彩とアクリル、49" x 40"、グループ展、1979年12月18日～1980年1月^[31]
• 三つの選択肢の構築、1979年、キャンバスに油彩とアクリル、57×48インチ。^[32]

• 無題、1986年、キャンバスに油彩、36インチ×60インチ。^[33]
• Inquietudine Geometria、1987、キャンバスに油彩、52 インチ × 47 インチ。

• ホール、リー (1991)。ベティ・パーソンズ: アーティスト、ディーラー、コレクター。ニューヨーク:ハリー・N・エイブラムス社。ISBN 0-8109-3712-3表紙より: ベティ・パーソンズ、1979年、自身のギャラリーにて。彼女が代理するアーティストの作品。ミノ・アルジェントの絵画、ルース・ヴォルマーの木彫り。(その他)。リスル・シュタイナーによる写真。 
• 「ベティ・パーソンズ・ギャラリーの記録と個人文書、1920年～1991年頃、大部分は1946年～1983年。展示会ファイル、1941年～1983年」、アメリカ美術アーカイブ、スミソニアン協会
• 「ベティ・パーソンズ・ギャラリー記録：一般展覧会ファイル：グループ展価格表、1980～1983年、アメリカ美術アーカイブ、スミソニアン協会^{[リンク切れ‍ ]}
• ルース・ヴォルマー、1961–1978 『Thinking the Line』、ナジャ・ロットナーとピーター・ヴァイベル編。p. 220、ISBN 978-3-7757-1786-1 

• ミノ・アルジェント、美術鑑定、アーティストの絵画
• 近代美術館図書館、ミノ・アルジェント ファイル (ロサンゼルス、メディア リリース、1987 年)
• ヘンリー・アレン・モー文書。リビングストン・リアマンス・ギャラリー。ヘンリー・アレン・モー宛の手紙。1974 年の展覧会 (ミノ・アルジェント)
• ミーノ・アルジェント : ローマ、24 maggio-15 giugno 1968 presentazione di Marcello Venturoli