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アメリカのモダニズムは、モダニズム運動全般と同様に、近代の時代における文化や社会の広範な変化から生じた哲学的思想の潮流である。アメリカのモダニズムは、20世紀初頭に始まったアメリカ合衆国の芸術的・文化的運動であり、第一次世界大戦と第二次世界大戦の間に中核となる時期がある。ヨーロッパのモダニズムと同様に、アメリカのモダニズムは啓蒙思想の拒絶から生まれ、より工業化された新しい世界における現実をより良く表現しようとした。[ 1 ]
モダニズム芸術の特徴は、抽象化への傾向、革新性、美的感覚、未来志向、自己言及性です。視覚芸術、文学、音楽、映画、デザイン、建築、ライフスタイルなど、幅広い分野に及びます。歴史主義、芸術の慣習、芸術の制度化に反発し、芸術はアカデミー、劇場、コンサートホールで扱われるだけでなく、日常生活に取り入れられ、誰もがアクセスできるものであるべきだと考えました。さらに、文化機関は美術に重点を置き、学者たちはモダニズムの革新的なスタイルにほとんど注意を払いませんでした。狂騒の20年代のアメリカにおける経済的、技術的進歩は、ユートピア主義の広がりを生み出し、一部のモダニズム芸術家に影響を与えましたが、他の芸術家は技術の受容に懐疑的でした。第一次世界大戦での勝利は、アメリカを国際的なプレーヤーとしての地位を確固たるものにし、国民に自信と安心感を与えました。こうした文脈において、アメリカのモダニズムは、それまでヨーロッパの伝統に基づいて形成されてきた芸術的慣習を打ち破ることで、ヨーロッパの趣味とは異なる、独自のアメリカ美術の始まりを告げるものとなった。
アメリカのモダニズムは、移民文化の多様性から恩恵を受けた。芸術家たちはアフリカ、カリブ海、アジア、ヨーロッパの民俗文化からインスピレーションを受け、これらの異国情緒あふれるスタイルを作品に取り入れた。
アメリカのモダニズム運動は、20世紀のアメリカの生活を反映したものであった。急速に工業化が進み、生活のペースが速まる中で、個人は物事の広大さに飲み込まれ、目的を失い、彷徨い続けることが容易だった。人種、階級、性別、富、宗教といった社会的な境界は揺らぎ始めていた。新たな視点が社会構造を揺るがすにつれ、伝統的な規範や社会構造の境界は崩壊し、残ったのはアイデンティティの喪失であった。それは最終的に孤立、疎外、そしてあらゆる「全体」からの分離感へと繋がった。戦争によって結束した国家の統一性は、兵士や国民に売りつけた美徳という幻想とともに崩壊しつつあった。世界は暴力と下品さに満ち、精神的に空虚なものとなった。
中流階級の労働者は、目立たない存在、つまり、より大きな組織の中で認められる見込みなど到底ないほど小さな歯車という立場に追いやられた。市民は自らの無力さに打ちひしがれた。若者の夢は失敗によって打ち砕かれ、限界と喪失を悟った失望に打ちひしがれた。幻滅した人々や社会から疎外された人々の生活がより注目されるようになった。勤勉さと創意工夫によって自己を確立し、従来の手段に頼らずに自分自身のビジョンを創造する能力が重んじられるようになった。こうした傾向を支持する作家もいれば、F・スコット・フィッツジェラルドのように、特権の価値観がいかに魅力的でありながら、同時にいかに破壊的な偽りであるかを問いかける作家もいた。
近代アメリカは、もはや信仰において統一されていない世界において、共通の基盤を見出す必要に迫られた。そこで見出された統一性は、あらゆる人間の経験に共通する意識という共通基盤にあった。個人の重要性が強調され、人間の経験の真に限られた性質が、人種、階級、性別、富、宗教といったあらゆる境界を越えた絆を形成した。こうして社会は、混乱の中にあっても、共通の意義を見出したのである。
モダニズムを19世紀の唯美主義や「芸術のための芸術」運動の伝統に位置づける見方もある。クレメント・グリーンバーグは、モダニズム芸術は「それ自体以外のあらゆるものを排除する」と主張する。一方、ブルースやジャズ音楽のように、モダニズム芸術を感情や気分を表現する媒体と捉える見方もあり、多くの作品がフェミニズムや都市生活といった現代的な問題を取り上げた。さらに、一部の芸術家や理論家は、アメリカのモダニズムに政治的な側面を加えた。
アメリカのモダニズム建築は、人々が現代的な生活を送ることを可能にした。1920年代の経済成長により、仕事と家庭生活は劇的に、そして急速に変化した。アメリカでは自動車が普及し、多くの人々にとって手頃な価格となり、余暇や娯楽の重要性が高まり、女性の就労機会も広がった。生活をより効率的にするために、デザイナーや建築家は家事の簡素化を目指した。
1920年代末から1930年代にかけての大恐慌は、国の経済の安定性に対する人々の幻滅を招き、ユートピア的な考え方を蝕んだ。第二次世界大戦の勃発と恐怖は、人々の精神にさらなる変化をもたらした。その後の戦後時代は、後期モダニズムと呼ばれた。[ 2 ]ポストモダニズム時代は、一般的に1980年代から始まる20世紀後半の芸術の特徴とみなされている。
アメリカにおける近代美術の始まりを特定の日付で定めることはできません。20世紀初頭には数十人もの画家が活躍していたからです。この時代には、最初のキュビスム風景画（プレシジョニズム）、静物画、肖像画が登場し、鮮やかな色彩が画家のパレットに加わり、最初の抽象絵画がギャラリーに展示されました。
形成期のモダニズム運動は、1913年までにニューヨーク市でも人気を博し、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング（1878-1962）のマンハッタンの人気スタジオギャラリーや、1918年のホイットニー・スタジオ・クラブの活動を通じて広まった。 [ 3 ] [ 4 ]デイヴィッドソンによれば、アメリカのモダニズム絵画の始まりは1910年代に遡ることができる。この時期の初期は25年間続き、1935年頃に終わり、その頃には現代美術はグリーンバーグがアヴァンギャルドと呼んだものと呼ばれるようになった。
1913年にニューヨーク市で開催されたアーモリー・ショーでは、ヨーロッパの芸術家だけでなく、アメリカの芸術家の現代作品も展示された。印象派、フォーヴィスム、キュビスムの絵画は、より伝統的な芸術に慣れ親しんでいた多くのアメリカ人鑑賞者を驚かせた。しかし、それらの作品に触発された多くのアメリカ人芸術家は、斬新で革新的なアイデアに影響を受けた。
20世紀初頭は、さまざまな技法や芸術表現の方法を探求した時代でした。ウィルヘルミナ・ウェーバー、マン・レイ、パトリック・ヘンリー・ブルース、ジェラルド・マーフィーなど、多くのアメリカ人アーティストがヨーロッパ、特にパリに渡り、作品を制作しました。様々な芸術家集団の形成は、視覚芸術における意味の多様性をもたらしました。アシュカン派は写実主義を中心に集まり（ロバート・アンリやジョージ・ルークスなど）、スティーグリッツ・サークルはニューヨーク市の抽象的なビジョンを称賛し（マックス・ウェーバー、エイブラハム・ウォーコウィッツなど）、色彩画家たちは色彩豊かな抽象的な「シンクロミー」の方向へと進化し（スタントン・マクドナルド＝ライトやモーガン・ラッセルなど）、一方、プレシジョニズムはアメリカの工業化された風景を鋭くダイナミックな幾何学の形で視覚化しました（ジョセフ・ステラ、チャールズ・シーラー、モートン・リビングストン・シャンバーグ、チャールズ・ローゼン、チャールズ・デムースなど）。やがて、チャールズ・バーチフィールド、マースデン・ハートリー、スチュアート・デイヴィス、アーサー・ダヴ、アメリカ近代主義の母とみなされているジョージア・オキーフ、ジョン・マリン、アーサー・ビーチャー・カーレス、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アンドリュー・ダスバーグ、ジェームズ・ドーハティ、ジョン・カバート、ヘンリエッタ・ショア、ウィリアム・ゾラック、マーガレット・トンプソン（ゾラック）、マニエール・ドーソン、アーノルド・フリードマン、オスカー・ブルームナーといったアーティストたちが、ニューヨーク・スクールに近代主義の時代をもたらした。
視覚芸術における焦点の転換と主題の多様化もまた、アメリカのモダニズム芸術の特徴である。例えば、エイトというグループは近代都市に焦点を当て、さまざまな階級の市民の多様性を強調した。しかし、1920年代後半から1930年代にかけては、アメリカ絵画においてリージョナリズムとソーシャル・リアリズムという2つの運動が隆盛を極めた。アメリカのリージョナリズムは世界恐慌中に台頭し、アーティストたちはアルフレッド・スティーグリッツがニューヨークで推進した「国際都市モダニズム」に反対した。[ 5 ]
1928年に傑作「金色の五の字」を制作したチャールズ・デムース、モートン・シャンバーグ、チャールズ・シーラーといったアメリカのモダニズム画家たちは、プレシジョニズム運動と密接な関係にあった。シーラーは、 1948年の作品「アモスケイグ運河」に代表されるように、都市景観や工業建築を題材とした作品を多く描いた。
「アメリカ近代主義の母」として知られるジョージア・オキーフ[ 6 ]は、 1920年代からアメリカ近代主義の主要人物である。彼女は、現代アメリカの芸術様式の境界に挑戦したことで広く認められている。彼女は主に、抽象と具象を融合させた花、岩、貝殻、動物の骨、風景の絵画で知られている[ 7 ] 。彼女は、パフォーマンスや余暇を題材に経済状況を視覚化したアメリカ近代主義の芸術家の一人である。一方、グレタ・グロスマン、ルイザ・キーザー、モーリス・マルティネ、イサム・ノグチ、ホレス・ピピン、ジョセフ・ステラは、都市化、世界大戦、産業、移民を題材にアメリカ社会の急速な変化を描いた[ 8 ]。
アーサー・ダヴは、抽象画や抽象風景画を制作するために、さまざまなメディアを、時には型破りな組み合わせで使用しました。 1937年の「私と月」は、アーサー・ダヴの抽象風景画の良い例であり、彼のキャリアの集大成の作品の1つとして言及されています。[ 9 ]ダヴは1920年代に一連の実験的なコラージュ作品を制作しました。彼はまた、ワックス乳剤の上に手で混ぜた油絵具やテンペラ絵具などを組み合わせるなど、さまざまな技法を試しました。
アフリカ系アメリカ人画家アーロン・ダグラス（1899-1979）は、最も有名で影響力のあるアフリカ系アメリカ人モダニズム画家の一人です。彼の作品は、アフリカ系アメリカ人の伝統と文化の独特な特徴に深く根ざした美的運動の発展に大きく貢献しました。ダグラスは、特にハーレム・ルネサンス期において、アフリカ系アメリカ人の視覚芸術に大きな影響を与えました。
ダグラスの最も人気のある絵画の一つに『磔刑』がある。これは1927年にジェームズ・ウェルドン・ジョンソンの『神のトロンボーン』に掲載された。この絵画に描かれた磔刑の場面には、ダグラスの芸術を構成するいくつかの要素が見られる。明確な輪郭線、影と光の変化、様式化された人体、そして直線的な形態とは対照的な同心円状の幾何学的図形などである。この絵画のテーマは聖書の場面に似ているだけでなく、アフリカ系アメリカ人の宗教的伝統への暗示とも解釈できる。巨大で暗いイエスは十字架を背負い、天を仰ぎ、そこから光が信者たちに降り注いでいる。様式化されたローマ兵が尖った槍を持って場面の両脇に立っている。その結果、鑑賞者は例えばアフリカ系アメリカ人の福音の伝統を思い起こすだけでなく、抑圧の歴史も想起する。ビューフォード・デラニー、チャールズ・アルストン、ジェイコブ・ローレンス、ロマーレ・ビアデンもまた、後世の多くの芸術家に影響を与えた重要なアフリカ系アメリカ人モダニズム画家であった。
アメリカのモダニズムが始まった頃、写真はまだ芸術形式として認められるのに苦労していた。写真家のアルフレッド・スティーグリッツはこう述べている。「私の初期の作品を見た芸術家たちは、私を羨ましいと言い始め、私の写真は彼らの絵画よりも優れていると感じているが、残念ながら写真は芸術ではないと言うのだ。芸術家たちが私の作品を羨む一方で、それが機械で作られたものだと非難する理由が私には理解できなかった。」(Stieglitz:8)。1902年、スティーグリッツはエドワード・スタイケン、ガートルード・ケーゼビア、クラレンス・ハドソン・ホワイトらとともにフォト・セセッションを結成し、芸術写真の水準を高め、認知度を高めることを目指した。当時、彼らの主なスタイルはピクトリアリズムであり、ソフトフォーカス、特殊フィルター、あるいはエキゾチックな印刷技法を用いて写真を加工し、当時の絵画やエッチングのスタイルを模倣することで知られていた。出版手段として、運動の推進力であったスティグリッツは、運動を代表すると彼が考えるアーティストの作品を掲載した雑誌『カメラ・ワーク』を創刊した。また、「291」（1905～1917年）、「インティメート・ギャラリー」（1925～1929年）、「アン・アメリカン・プレイス」（1929～1947年）という3つのギャラリーを次々と経営した。特に「291」はアーティストや作家の交流の場となり、アンリ・マティス、オーギュスト・ロダン、アンリ・ルソー、ポール・セザンヌ、パブロ・ピカソといったヨーロッパのアーティストによる初期モダニズム作品をアメリカで初めて展示したギャラリーとなった。ヨーロッパの前衛芸術とのさらなる繋がりはマン・レイによって確立された。アメリカ生まれのレイは、スティグリッツのギャラリーで見た作品に触発され、1921年にパリに移住した。そして、ヨーロッパのダダイズムやシュルレアリスム運動の芸術家たちと共に、レイヨグラフ（感光紙に被写体を直接置く技法）などの新しい写真技法を生み出した。
1920年代初頭、写真家たちは「ストレートフォトグラフィー」と呼ばれるスタイルへと移行した。ピクトリアリズムのスタイルとは対照的に、彼らは写真制作過程におけるあらゆる操作（例えば、ソフトレンズ、特殊な現像やプリント方法）を拒否し、現実を捉える唯一の媒体としてのカメラの利点を活用しようとした。彼らの被写体は、できる限り客観的に見えるように意図されていた。古典的な肖像写真やピクトリアリズムのスタイルから焦点を移し、写真家たちは写真を日常生活の厳しい現実を表現する手段として用いるようになったが、同時に細部や全体的な美的構造の中に美しさを見出そうとした。機械や工場労働、高層ビルや技術革新が主要なモチーフとなった。1932年、若い写真家たち（例えば、アンセル・アダムス、イモージン・カニンガム、ウィラード・ヴァン・ダイク、エドワード・ウェストン）がストレートフォトグラフィーの理想に基づいてグループf/64を結成し、当時最も進歩的な団体となった。
アメリカの近代文学は、第一次世界大戦から第二次世界大戦にかけてのアメリカ文学における主要な潮流でした。近代主義時代は、詩や散文の形式や言語における革新を強調するとともに、人種関係、ジェンダー、人間の状態といった数多くの現代的なテーマを取り上げました。この時期に多くのアメリカの近代作家がヨーロッパに亡命し、T・S・エリオット、エズラ・パウンド、ガートルード・スタインのように、ヨーロッパの運動の中心人物となることが多かったのです。これらの作家はしばしば「失われた世代」と呼ばれました。[ 10 ]
この傾向への反動として、多くのアメリカ人作家や詩人が「ネイティビズム」と呼ばれる潮流を生み出し、アメリカ国内で現代アメリカの経験を表現しようと試みた。この潮流の著名な貢献者としては、ウィリアム・カーロス・ウィリアムズ、ウォレス・スティーブンス、マリアンヌ・ムーアなどが挙げられる。これらの詩人は、エリオットやパウンドといった国外在住の作家の作品を批判することが多かった。その証拠に、 『春』や『すべて』といった詩が挙げられる。
第一次世界大戦の影響を受け、多くのアメリカのモダニズム作家は戦争体験による心理的な傷や精神的な傷跡を探求した。1930年代初頭のアメリカの経済危機も文学に影響を与え、ジョン・スタインベックの『怒りの葡萄』などがその例である。関連する問題として、労働者が都市生活の背景に溶け込み、機械の中の気づかれぬ歯車として自己定義を切望する中で、自己の喪失と自己定義の必要性がある。アメリカのモダニストは、19世紀半ばの「自己の構築」への試みに焦点を当て、フィッツジェラルドの『グレート・ギャツビー』にそのテーマが示されている。狂気とその顕現もまた、モダニズム作家の好むテーマの一つであり、ユージン・オニールの『皇帝ジョーンズ』、ヘミングウェイの『闘士』、フォークナーの『夕陽』などに見られる。しかしながら、こうしたあらゆる負の側面は、現代人だけでなく、アメリカ近代文学の架空の登場人物たちにとっても、新たな希望と願望、そして新たな始まりへの探求へとつながったのである。
モダニズム文学は、ハーレム・ルネッサンスや南部モダニズムなど、アメリカ文学における地域的潮流の発展も可能にした。ハーレム・ルネッサンスは、ニューヨークのハーレム地区を中心としたアフリカ系アメリカ人芸術の再生を象徴するものであった。アラン・ロック、クロード・マッケイ、ラングストン・ヒューズ、ゾラ・ニール・ハーストンといった作家や思想家が、この運動の主要人物であった。この運動は、ジャズ音楽の人気にも見られるように、アフリカ系アメリカ人文化の流行と結びついており、多くの作家が白人のパトロンから資金援助を受けていた。[ 11 ]この運動の多くの作家は、モダニズムの手法を用いてアフリカ系アメリカ人の生活を描写し、[ 12 ]例えば、ジャズ音楽のリズムやアフリカ系アメリカ人文化の方言を詩や散文に取り入れた。[ 13 ]南部モダニズムも同様に、モダニズムの美学を用いて南部の生活や独特の経験を描写し、ウィリアム・フォークナーやテネシー・ウィリアムズといった著名な作家が活躍した。[ 14 ]
1930年代から1960年代にかけて、ニュー・クリティシズムはアメリカ合衆国において重要な批評勢力となった。それはアメリカ文学批評において最も影響力のある視点であった。その代表例としては、ジョン・クロウ・ランサム、アレン・テイト、クリーンス・ブルックス、ロバート・ペン・ウォーレンなどが挙げられる。「これらの詩人であり教授でもある人々が開発した影響力のある批評方法は、精読能力の向上を重視した。ニュー・クリティシズムは、文学研究の正当性として詩の評価を重視した」。ブルックスとウォーレンの『詩の理解』（1938年）は、1930年代に最も影響力のある大学の詩の教科書の一つとなり、1970年代まで改訂版が再版され続けた。（モリソン：29）。
新批評は、エリオットやイェイツの詩などの作品に顕著に表れた。「新批評の美的基準に最も合致する詩は、重要な授業用アンソロジーで強調された」（モリソン：29）。T・S・エリオットはエッセイ「伝統と個人の才能」の中で伝統を再定義した。彼は「客観的相関物」などの批評概念を定式化し、ジャコビアン演劇や形而上詩を高く評価することで文学の正典を再考した。彼の作品はアメリカの新批評に根本的な影響を与えた。
米国は、新しい先進的な建築・建設技術に関する近代化運動において大きな役割を果たした。建設における革新技術としては、鉄、鋼、鉄筋コンクリートといった材料が挙げられる。
ルイス・ヘンリー・サリバンは、現代的な素材を用いた機能的なデザインを特徴とする、いわゆるシカゴ派建築を率いました。サリバンの後継者であるフランク・ロイド・ライトは、第一次世界大戦前に住宅設計に斬新で独創的なアプローチを開発し、それが「プレーリースタイル」として知られるようになりました。これは、開放的な間取りの原則と水平方向の強調、非対称なファサード、そして広く包み込むような屋根を組み合わせたものです。シカゴのロビー邸（1909年）とニューヨーク市のグッゲンハイム美術館（1946～1959年）は、彼の代表作の2つです。ライトは著名な建築家となり、彼の建築設計はロサンゼルス、ウィスコンシン、アリゾナ、サンフランシスコ湾岸地域に建てられました。彼は都市化を嫌っていましたが、美しいと考えたサンフランシスコには魅了されました。[ 15 ]ライトは作品の中で、粗削りの石や木材を使用し、常に親密で保護的なシェルターの効果を住宅で実現することを目指し、大地に根ざした自然の形態の感覚にますます近づいていった。
1920年代にリチャード・ノイトラ、ルドルフ・シンドラー、ウィリアム・レスカゼといった外国生まれの建築家たちは、アメリカ建築の発展に大きな役割を果たし、後にインターナショナル・スタイルと呼ばれる様式を生み出し、第二次世界大戦後の企業オフィスビルの設計に反映されました。ニューヨーク市のスキッドモア・オーウィングズ・アンド・メリルのレバー・ハウス（1952年）やミース・ファン・デル・ローエのシーグラム・ビル（1956～58年）などは、この新しい様式の例です。ウォルター・グロピウスやミースといった著名なヨーロッパ人がアメリカに移住すると、多くのアメリカの建築学校はドイツのバウハウスの伝統の影響を受けるようになりました。