ジョー・バアー

ジョー・バアー
ジョー・バー（2014年撮影）
生まれる	ジョセフィン・ゲイル・クラインバーグ ( 1929-08-07 )1929年8月7日（享年95歳） シアトル、ワシントン州、米国
知られている	絵画
動き	ミニマリズム
受賞歴	女性芸術家会議生涯功労賞（2004年）[1] ジャンヌ・ウースティング賞（2016年）
Webサイト	翻訳:

ジョセフィン・ゲイル・ベア（旧姓 ジョセフィン・ゲイル・クラインバーグ、1929年8月7日生まれ）は、ミニマリストアートと関連のあるアメリカの画家である。^[2]彼女は1960年代半ばから、ニューヨークのフィッシュバッハギャラリーやその他の現代美術の会場で作品を発表し始めた。 ^[3] 1970年代半ば、彼女は非具象絵画から離れ、それ以来、ベアはイメージ、シンボル、言葉、フレーズを非物語的な方法で融合させ、かつて彼女が「ラディカル・フィギュレーション」と呼んだ表現方法を採用している。^[4]彼女はオランダのアムステルダムに住み、活動している。[ ^5]

ジョセフィン・ゲイル・クラインバーグは1929年8月7日、ワシントン州シアトルで生まれた。^[6]母のホルテンス・カリシャー・クラインバーグは商業アーティストで、女性の権利を熱心に主張し、娘に独立心を教え込んだ。父のレスター・クラインバーグは干し草と穀物の成功した商品ブローカーだった。ベアは子供の頃コーニッシュ芸術大学で美術を学んだが、母親が医療イラストレーターになることを望んだため、シアトルのワシントン大学で生物学を専攻し、1946年から1949年まで通った。^[5]大学3年生の時に退学し、大学の同級生だったジェラルド・L・ハナウアーと結婚した。

結婚生活はすぐに終わり、1950年にバーはイスラエルに行き、数か月間、さまざまなキブツの農村社会主義の実態を調査した。ニューヨーク市に戻り、1950年から1953年まで、ニュースクール・フォー・ソーシャルリサーチで心理学の修士課程を履修した。^[7]バーは夜間学校に通い、昼間はインテリアデザインスタジオで製図工と秘書として働いていた。

ベアは1953年にロサンゼルスに移り、その後すぐにテレビ脚本家のリチャード・ベアと結婚した。1955年に息子のジョシュア・ベアが生まれ、彼は後に美術商、作家、コンサルタントとなった。夫婦は1950年代後半に離婚した。この頃、ベアは思春期以来初めて絵を描き始め、フェラス・ギャラリーの周囲のエドワード・キーンホルツや他の地元の芸術家と友人になった。ベアは画家のジョン・ウェスレーと出会い、1960年から1970年まで結婚した。ベアとウェスレー、ジョシュアは1960年にニューヨークに移り、ベアは1975年までそこで暮らした。ウェスレーと別れた後、ベアは彫刻家のロバート・ローレンス・ローブと長期にわたって交際した。^[8]

1950年代後半のベアの作品は、ニューヨーク・スクールのメンバー、特にアーシル・ゴーキー、ロバート・マザーウェル、クリフォード・スティル、マーク・ロスコと類似した視覚的要素を探求していた。ロスコは「私にフォーマットを使って仕事をする許可を与えてくれた」と彼女は述べている。^[9] ジャスパー・ジョーンズの絵画や彫刻も、すぐに印象に残った。なぜならそれらは「作品がそれ自体でどうあるべきか」を示唆していたからだ。^[9]

1960年、ベアは抽象表現主義を拒否し、簡素でハードエッジの非具象絵画を志向した。^[10]この様式の初期の重要な絵画2点として、『無題（黒い星）』（1960-1961年、クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー）と『無題（白い星）』（1960-1961年、クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー）がある。^[7]その後、ベアはさらに簡素化した形式を導入した。イメージは切り取られ、キャンバスの中央部分は完全に白くなった。1962年、ベアは16枚のキャンバスからなる韓国シリーズを開始した。「韓国人」という名前は美術商のリチャード・ベラミーによって付けられたもので、ベラミーは、ベアの絵画は韓国美術がほとんどの西洋人にとって無名であるのと同じくらい無名であると述べた。^{[9] [7]}韓国人は、きらめき動いているように見える空色と黒の帯に囲まれた濃く塗られた白の支配的なフィールドで構成されていました。この錯覚は、バアーの「光の概念」への焦点を強調しました。^{[7]バアーは、}韓国人のインスピレーションは、当時読んでいたサミュエル・ベケットの小説『名状しがたいもの』にあると述べています。膜を通した浸透と拡散に関する彼の観察は、空間間の境界の特性を調査する彼女に影響を与えました。 ^{[9] [7]}バアーが1964年から1966年の間に作成した多くの作品では、キャンバスの周辺と端は、2つの正方形または長方形の色帯でマークされ続けました。外側の太い境界線は黒で、その内側の細い帯は赤、緑、ラベンダー、青などの別の色で塗られていました。ベアは1971年に自身の作品の芸術的関心を次のように要約している。「非具象絵画の言語は、今日では、エッジと境界、輪郭とグラデーション、明るさ、暗さ、色の反射に根ざしています。その構文は動きと変化です。」^[11]

ベアは、ソル・ルウィット、ドナルド・ジャッド、ダン・フレイヴィンなどのアーティストから、成長しつつあったミニマリズム運動の仲間として認められた。^[12]フレイヴィンは1964年に「11人のアーティスト」展を企画した。これはミニマリズムの重要人物を定義する重要な一歩となった。^[6]フレイヴィンはベア、^[13]のほか、ジャッド、フレイヴィン、ルウィット、ワード・ジャクソン、フランク・ステラ、アーウィン・フレミンジャー、ラリー・プーン、ウォルター・ダービー・バナード、ロバート・ライマン、レオ・ヴァレドール、そして彼自身を招いた。1966年、ベアの初の個展が、当時前衛芸術の中心地であったフィッシュバッハ・ギャラリーで開催された。同年、ベアはニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で開催された現代幾何学的抽象の概観展「システミック・ペインティング」にも出展した。 ^[14]彼女はまた、アド・ラインハルトとロバート・スミスソンが共同キュレーターを務めたバージニア・ドワン・ギャラリーでのグループ展「10」にも参加し、参加者をミニマリズムの正統派としてさらに讃えました。ベア、ラインハルト、スミスソンの他に選ばれたアーティストは、カール・アンドレ、ジャッド、ルウィット、フラビン、ロバート・モリス、マイケル・シュタイナー、アグネス・マーティンでした。^[15]これらの展覧会で展示されたベアの作品には、垂直と水平の単一、二連、三連の絵画が含まれており、ニューヨークのアート界で彼女の前衛的な評判を確立しました。

1960 年代後半、ベアは色彩の実験をし、作品の視覚的な焦点を変えていました。「スペクトラムの駅」 (1967-1969) のシリーズに取り組んでいる間、ベアは白い表面を灰色に塗りました。その後、これらの絵画を 3 連画にしました。これは、これらの絵画を一緒に掛けると壁面の迫力が増すと考えたからです。次に、ベアは「角を曲がったところで何が起こるのか知りたかったのです。視覚的な面から興味をそそられました。」と言いました。^[9]その結果がラップアラウンド ペインティングです。このペインティングでは、ベアはキャンバスの側面を囲むように、青、緑、オレンジ、ラベンダーで縁取られた太い黒い帯を描きました。この領域は、アーティストが通常無視したり、見落としたり、フレームで隠したりする領域です。これまで以上に、エッジでアクションが起こりました。「感覚とは、物事のエッジです」とベアは書いています。「エッジがなければ、場所はありません。均一な視野はすぐに消えてしまいます。」^[16] 絵画の始まりと終わりという概念にさらに挑戦したのが、ベアが、かつては侵害されなかった白い領域を横切ってキャンバスの側面に流れる、斜めで曲線的な色の道を加えたことである。これらのキャンバスには、H. アルクアータ(1971 年、ダイムラー社、チューリッヒ所蔵) やV. ルリダ(1971 年、サンフランシスコ、レヴィ=ストロース コレクション所蔵) などのタイトルが付けられていた。これらのタイトルは、空想の雄弁な飛翔であり、ベアが所有していたラテン語の植物学の本から推測した架空の植物種を指していた (ベアは 1960 年代後半に受賞歴のある蘭を栽培しており、都会のロフトで蘭を育てる専門家になった)。^[17] 英語に翻訳すると、ベアのラテン語の文字と単語は花とはまったく関係がなく、科学的な言葉遣いを装った視覚的な説明である。「H. 「Arcuata」は「水平」を、「V」は「垂直」を意味します。^[18]「Arcuata」は「湾曲した」を意味し、「lurida」は「青白い」または「輝く」を意味します。

ニューヨークに住んでいた頃、ベアは作家として活躍していた。編集者への手紙、記事、美術雑誌の声明で、彼女は絵画の完全性と継続的な重要性を、ミニマリスト彫刻家による絵画への攻撃から擁護した。ミニマリスト彫刻家は、絵画は時代遅れの芸術形式となり、三次元の物体の制作に取って代わられるべきだと主張した。^[19]ベアは、ジャッドやモリスを含む強力な芸術家の教義に公然と疑問を呈したため、多くの元同僚から追放された。^{[9] [7]}

ベアの最も野心的なエッセイの 1 つで、科学的訓練を生かすことができたのは、1970 年に出版された「アート & ビジョン: マッハ バンド」です。^[20]彼女はマッハ バンドについて論じ、視覚の物理学と心理学に取り組みました。マッハ バンドは、19 世紀の物理学者アーネスト マッハにちなんで名付けられた錯視です。マッハは、反対色を隣り合わせに置くと明暗のコントラストが強くなり、明るい部分はより明るく見え、暗い部分はより暗く見えることを発見しました。彼女は、見る人の主観的な感覚に関するこの調査を、現代アートにおけるエッジ、境界、輪郭の体験と結び付けました。

1975年、ベアはホイットニー美術館で回顧展を開催され、ミニマリズムの作品を展示した。^[12] しかし、ベアは非具象絵画で行き詰まりに陥った。自分の形式が定型化していると感じた彼女は、それ以上先に進めなくなった。2つの過渡期のキャンバス、 「M. Refractarius」（1974-75年、パリ個人所蔵）と「The Old Year」（1974-75年、米国個人所蔵）は、ミニマリズムから脱却したいという彼女の願望を記録している。

ベアはニューヨークの芸術界から離れる必要があったため、1975年6月にアイルランドのラウス州にあるノルマン様式の城郭を備えた荘園兼農場であるスマーモア城に移住した。^[21]

この新しい環境の中で、馬、鳥、その他の動物の現実と田舎の人々の習慣が彼女の絵画に影響を与えた。彼女は動物、人間の体、物体のイメージの断片を落ち着いた半透明の色で重ね、準具象的に絵を描き始めた。また、初期の洞窟壁画、旧石器時代の彫刻、豊穣の象徴に見られるエロチックなイメージを描き、パリンプセストを思わせる構図を作った。^[7]

1977年、ベアはオックスフォード近代美術館で個展を開催し、その際にイギリス人アーティストのブルース・ロビンズと出会った。2人は1978年から1984年まで、最初はアイルランドで、その後1982年から1984年までロンドンで共に暮らし、絵画、デッサン、文章を制作した。彼らのコラボレーションは8つの二人展で展示された。^[22]ロンドン滞在中、ベアは彼女の最も有名な論文の1つである「私はもはや抽象画家ではない」を執筆した。これは 1983年10月にArt in America誌に掲載された宣言文である。 ^[23]ベアは「抽象の終焉」を記録し、大きく変化した世界における抽象の無意味さを特徴づけ、開放性、曖昧さ、「隠喩、象徴、階層的関係」が現代作品の必須の構成要素であると主張した。ベアは、彼女とロビンズがこれらの構造に基づいた「急進的な具象」に向けて取り組んでいると発表した。

1984年、ベアはアムステルダムに単身移住し、それ以来ずっとそこで暮らしている。^[24] 1990年代、ベアの絵画は、彼女の言葉を借りれば「より宣言的」になり、^[9]色彩はより豊かになり、明暗のコントラストはより鮮明になり、文化的、社会的批判もより野心的になった。アメリカ、ヨーロッパ、アジア、古典文明のさまざまなイメージやシンボルが、文学からの引用や、戦争、性、自然界の破壊、貪欲、不正、抑圧、無常、死といったテーマへの重層的な暗示と融合している。このスタイルの絵画には、「豚の神殿（豚は独り占めして、どこから手に入れたのか、誰と分け合おうとしないのかを、排泄して小便をする。それだけだ）」（2000年）と「権力者の遺言（木々が砂に変わり、残留色が土地を汚す）」（2001年）がある。^[25]

ベアは自身の人生についての自伝的瞑想作品もいくつか描いており、代表的なものとしては『自我の祭壇（暗黒の鏡を通して）』（2004年、クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー所蔵）、『芸術界の身体のための記念碑（ネヴァーモア）』（2009年、アーティスト所蔵）、そして2013年にアムステルダム市立美術館で展示が予定されている6点の作品シリーズ『巨人の国で』（2011年、アーティスト所蔵）などがある。ベアが長年にわたり執筆した著作は『ブロードサイド＆ベルズ・レトレス：厳選された著作とインタビュー 1965-2010』^[26]にまとめられており、芸術に関する一般的な論評と自身の作品に対する姿勢を提供している。

その後、彼女の作品の回顧展は、フィラデルフィアのムーア美術大学ペイリー・レヴィ・ギャラリー（1993年）、オッテルローのクレラー・ミュラー美術館（1993年）、アムステルダム市立美術館（1999年）、ニューヨークのディア芸術センター（2002年〜2003年）、アイントホーフェンのファン・アッベ美術館（1986年と2009年）、ベルリンのギャラリー・バーバラ・トゥム（2010年）、ジュネーブのガゴシアン・ギャラリー（2012年）で開催されている。^[27] 2013年には、アムステルダム市立美術館での「In the Land of the Giants」とケルンのルートヴィヒ美術館での「Jo Baer. Gemälde und Zeichnungen seit 1960（素描と絵画）」という2つの個展が並行して開催された。ベアの作品は2017年のホイットニー・ビエンナーレにも出品された^[28]

• 「ステートメント」。システミック・ペインティング。ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク、1966年。
• 「Letters」、アートフォーラム、ニューヨーク、1967 年 9 月。 5-6.
• 「エドワード・キーンホルツ：感傷的な旅人」、アート・インターナショナル、ルガーノ、1968年4月、45-49ページ。
• 「手紙」。アートフォーラム、ニューヨーク。 1969 年 4 月、p. 4-5.
• 「芸術家と政治：シンポジウム」アートフォーラム、1970年9月、35-36ページ。
• 「マッハバンド: アートとビジョン」および「ゼログラフィーとマッハバンド: 楽器モデル」、Aspen Magazine。1970 年秋冬号。
• 「蛍光灯栽培」、アメリカ蘭協会紀要、ニューヨーク、1971年9月～10月。
• 「芸術と政治」および「絵画について」。フラッシュアート、1972年11月、p.6-7。
• 「あちこち行き来して: シーマス・コールマンとの対話」『アート・マンスリー』、ロンドン、1977 年 3 月、6-10 ページ。
• 「ギャラリーに対するラディカルな態度: 声明」、Art-Net、1977 年ロンドン。「ギャラリー」、Paul Andriesse、アムステルダム、1989 年、39 ページに再掲載。
• 「絵画について。」ジョー・バーの絵画 1962-1975年、オックスフォード近代美術館 1977年 (カタログ)。
• 「ギャラリーに対する急進的な態度：声明＃2」、スタジオインターナショナル、ロンドン、1980年。
• 「Beyond the Pale」（ブルース・ロビンスとの共著）、REALLIFE Magazine、ニューヨーク、1983年夏、16-17ページ。
• 「ジョー・ベア：私はもはや抽象芸術家ではない。」Art in America、ニューヨーク、1983年10月、136-137ページ。
• 「ジョー・ベア：赤、白、青の牡馬が右に倒れる（ダブルクロスのブリタニクス/トライカラーのヒベルニクス）；コカトリスの巣穴で水たまりがひどく（ラ・バス）；逆さの杖（記憶と欲望の混合）」カタログ、1990年アムステルダム。
• 「ジョー・バー：4つのドローイング」（ブルース・ロビンスとの共著）、カタログ、アムステルダム、1993年。
• 「ギャラリーに対する急進的な態度」、アートギャラリー展示、De Balie、アムステルダム、1996年、42-43ページ。
• 「二連画」『絵画の追求』アイルランド近代美術館、ダブリン、1997年、カタログ、52ページ。
• 「二連画」、カタログ、ジョー・バー、絵画、1960-1998、アムステルダム市立美術館、1999年、p26-27。「私はもはや抽象画家ではない」、カタログ、1999年、1985年からの再版。pp. 15-19。
• 『Revisioning the Parthenon 』、1996年。これは、Broadsides & Belles Lettres: Selected Writings and Interviews 1965–2010 の付録として最初に発表された、進行中の作業です。より完全なバージョンを準備中です。

ベアは長年にわたり数多くの文章を執筆しており、それらは「Broadsides & Belles Lettres Selected Writings and Interviews 1965–2010」にまとめられており、^[29]芸術に関する一般的な解説と彼女自身の作品に対する姿勢が述べられている。^[30]

ベアの作品は以下の公共コレクションに収蔵されています。

• オルブライト・ノックス美術館、バッファロー、ニューヨーク州、米国^[31]
• シカゴ美術館、イリノイ州シカゴ、アメリカ^[32]
• 英国芸術評議会、ロンドン、イングランド
• オーストラリア国立美術館、オーストラリア、キャンベラ^[33]
• ボルチモア美術館、米国メリーランド州ボルチモア^[34]
• チェース・マンハッタン銀行、ニューヨーク市、ニューヨーク州、米国
• クランブルック美術館、ミシガン州ブルームフィールドヒルズ^[35]
• ダイムラークライスラーAG、ベルリン、ドイツ
• フォートワース近代美術館、テキサス州フォートワース、米国
• アーネム美術館、アーネム、オランダ
• デン・ハーグ市立美術館、デン・ハーグ、オランダ
• グッゲンハイム美術館、ニューヨーク市、ニューヨーク^[36]
• カイザー・ヴィルヘルム博物館、クレーフェルト、ドイツ
• ロサンゼルス郡立美術館、カリフォルニア州ロサンゼルス、アメリカ合衆国^[37]
• ヴィンタートゥール美術館、ヴィンタートゥール、スイス
• Ludwig Coll.、ケルニッシャー美術館、ケルン、西ドイツ
• ルートヴィヒ大学、ズールモント美術館、アーヘン、西ドイツ
• リーバイ・ストラウス コレクション、米国カリフォルニア州サンフランシスコ
• ミッチェナー コレクション、テキサス大学オースティン校、テキサス州、米国
• シカゴ現代美術館、イリノイ州、アメリカ^[38]
• アメリカ合衆国カリフォルニア州ロサンゼルス現代美術館^[39]
• 米国カリフォルニア州サンディエゴ現代美術館
• ニューヨーク近代美術館、ニューヨーク市、アメリカ合衆国^[40]
• 国立美術館、ワシントンD.C.、アメリカ^[41]
• ニューバーガー博物館、ニューヨーク州立大学パーチェス校、ニューヨーク州、米国
• ノートン・サイモン美術館、カリフォルニア州パサデナ、米国
• クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー、オランダ
• シアトル美術館、シアトル、ワシントン州、米国^[42]
• サーチコレクション、ロンドン、イギリス
• サンフランシスコ近代美術館、カリフォルニア州サンフランシスコ、米国
• ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク市、ニューヨーク州、アメリカ合衆国
• 市立美術館、アムステルダム、オランダ^[43]
• ファン・アッベ美術館、アイントホーフェン、オランダ^[44]
• テートギャラリー、ロンドン、イギリス^[45]
• ノースカロライナ大学、ノースカロライナ州グリーンズボロ、米国
• ウェザースプーン博物館、ノースカロライナ大学、ノースカロライナ州グリーンズボロ、米国
• ホイットニー美術館、ニューヨーク市、ニューヨーク州、アメリカ合衆国^[46]
• イェール大学美術館、ニューヘイブン、コネチカット州、アメリカ^[47]

• ジョー・ベア。1962-1975年の絵画。 オックスフォード近代美術館、1977年。
• マージャ・ブルームとマリアンヌ・ブラウワー、ジョー・ベア：絵画 1960-1998。アムステルダム市立美術館、1999 年。
• リン・クック『ジョー・ベア：ミニマリストの時代、1960-1975』ニューヨーク：ディア・センター・フォー・ジ・アーツ、2003年。
• ジュリア・フリードリヒ編、ジョー・バー、コーン、ヴァルター・ケーニッヒ、2013年。

• 公式サイト
• 「A Piece of Work Podcast」、アビ・ジェイコブソンがジョー・ベアにインタビュー、2017年、WNYC Studios/MoMA
• ジョー・バー氏へのオーラル・ヒストリー・インタビュー、2010年10月5日〜7日、スミソニアン・アーカイブ・オブ・アメリカン・アートより
• アートサイクロペディア
• 爆破現場 2010-01-02ウェイバックマシンにアーカイブ
• 現代アートデイリー