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アンゼルム・キーファー（1945年3月8日生まれ）は、ドイツの画家、彫刻家です。1960年代後半にペーター・ドレーハーとホルスト・アンテスに師事しました。彼の作品には、藁、灰、粘土、鉛、シェラックなどの素材が用いられています。パウル・ツェランの詩は、カバラの精神的概念と同様に、キーファーの作品におけるドイツの歴史やホロコーストの惨禍といったテーマの発展に影響を与えています。
キーファーは18歳の時、ゴッホゆかりのオランダ、ベルギー、フランスの地を巡る1年間の旅に出た。彼がつけていた日記[ 4 ]の抜粋は、彼がゴッホからどれほど強い影響を受けていたかを示している。
キーファーは、その作品全体を通して過去と向き合い、近現代史におけるタブーや物議を醸す問題を取り上げている。特にナチス支配のテーマは作品に色濃く反映されており、例えば絵画「マルガレーテ」（油彩、藁、キャンバス）は、ツェランの有名な詩「死のフーガ」に触発されたものである。
彼の作品は、文化の暗い過去や未実現の可能性に果敢に立ち向かう姿勢が特徴であり、作品はしばしば主題にふさわしい、大きく対決的なスケールで制作される。また、歴史的に重要な人物、伝説上の人物、歴史的な場所の署名や名前を見つけることも彼の作品の特徴である。これらはすべて、キーファーが過去を処理しようとする暗号化された記号であり、その結果、彼の作品は新象徴主義や新表現主義の運動と関連付けられている。[ 5 ]
キーファーは1992年からフランスに住み、活動している。2008年からは主にパリに住み、活動している。[ 6 ] 2018年にはオーストリア国籍を取得した。[ 7 ]
ドイツ人美術教師の息子であるキーファーは、第二次世界大戦終戦の数ヶ月前にドナウエッシンゲンで生まれた。彼の住む街は激しい爆撃を受け、キーファーは戦争の惨禍に囲まれて育った。1951年、家族はオッタースドルフに移り住み、キーファーはラシュタットの公立学校に通い、1965年に高校を卒業した。彼はフライブルク大学で法学とロマンス語を学んだ。しかし、3学期後に美術に転向し、フライブルクとカールスルーエの美術アカデミーで学んだ。カールスルーエでは、写実主義と具象画の画家であるペーター・ドレーハーに師事した。[ 9 ]彼は1969年に美術の学位を取得した。[ 5 ]
1971年、キーファーはホルンバッハ（ヴァルドゥルン）に移り住み、スタジオを設立した。彼は1992年までネッカー＝オーデンヴァルト郡に留まり、この最初の創作期の作品は「ドイツ時代」として知られている。1992年に彼はフランスに移住した。[ 10 ]
キーファーは1992年にバルジャックに移住した際、最初の妻と子供たちをドイツに残した。2008年からはパリのマレ地区にある大きな家に、2番目の妻であるオーストリア人写真家のレナーテ・グラフと2人の子供と暮らしていた。[ 11 ]キーファーとグラフは2014年に離婚した。[ 12 ]
2017年、キーファーは月刊ビジネス誌「マネージャーマガジン」によって、ドイツで最も裕福な個人および家族1,001人の1人にランクインした。[ 13 ]
キーファーは、ヴィム・ヴェンダース監督の3Dドキュメンタリー映画『アンセルム』（2023年）の題材となっている。[ 14 ]
キーファーは一般的に、伝統的な神話、書籍、図書館を自身の主な主題およびインスピレーションの源泉としている。中期には、パウル・ツェランやインゲボルク・バッハマンといった文学者から影響を受けた。後期の作品では、ユダヤ・キリスト教、古代エジプト、東洋文化のテーマを取り入れ、他のモチーフと融合させている。宇宙論もまた、彼の作品における重要なテーマの一つである。総じて、キーファーは存在の意味と「理解不能なもの、非表象的なものの表象」を探求している。
キーファーは、自分が扱う素材との「精神的なつながり」を重視し、「すでにその中に宿っている精神を引き出す」ことを目指している。[ 15 ]その過程で、彼は酸浴や棒や斧を使った物理的な打撃など、さまざまな方法で素材を変容させる。[ 16 ]
彼はしばしば錬金術的な特性を持つ素材を選びます。特に鉛です。キーファーが鉛に惹かれたのは、初めて所有した家の老朽化した配管を修理しなければならなかったことがきっかけでした。やがて彼は鉛の物理的および感覚的な特性を賞賛するようになり、錬金術との関連性についてさらに探求し始めました。[ 15 ]物理的には、キーファーは加熱および溶解の過程で金属がさまざまな色、特に金色に変化する様子を特に好んでおり、それを錬金術師が求める象徴的な金と結びつけています。[ 17 ]
キーファーが作品で藁を使うのはエネルギーを象徴している。彼は、これは藁の金色や燃焼時に放出されるエネルギーと熱といった物理的特性によるものだと主張している。結果として生じる灰は新たな創造への道を開き、変容と生命の循環というモチーフを反映している。[ 17 ]
キーファーは作品における秩序と混沌のバランスも重視しており、「秩序が多すぎると作品は死んでしまうし、混沌が多すぎるとまとまりがない」と述べている。さらに、作品が置かれる空間にも深く気を配っており、作品が間違った場所に置かれると「完全に力を失ってしまう」と述べている。[ 15 ]
キーファーは、パフォーマンスを創作し、それを写真に記録する活動からキャリアをスタートさせ、「占領」や「英雄的シンボル」といったタイトルで発表した。父親の国防軍の制服を着て、フランス、スイス、イタリアの様々な場所でナチスの敬礼を真似てみせた。彼はドイツ人に、第三帝国の狂気じみた外国人嫌悪によって失われた文化を記憶し、認めるよう求めた。1969年、カールスルーエのカイザー広場ギャラリーで、物議を醸す政治的行動を捉えた一連の写真で、初の個展「占領」を開催した。[ 18 ]
キーファーは、鉛、割れたガラス、乾燥した花や植物などを加えることで、ますます大規模になった絵画で最もよく知られています。その結果、表面は覆われ、厚いインパスト層が形成されます。[ 19 ]
1970年までに、デュッセルドルフ美術アカデミーでヨーゼフ・ボイスの指導を非公式に受けていた頃、[ 20 ]彼の作風はゲオルク・バゼリッツのアプローチに似ていた。彼はガラス、藁、木、植物の部位を用いて制作した。これらの素材の使用は、彼の作品が一時的で壊れやすいものになることを意味し、キーファー自身もよく理解していた。彼はまた、素材を隠さずに自然な形で表現できるようにしたいと考えていた。彼の作品の脆さは、彼の絵画の厳しい主題とは対照的である。アイデアを表現するために身近な素材を使用するこの手法は、作品に脂肪やカーペットフェルトを使用したボイスの影響を受けている。これはまた、新表現主義のスタイルの特徴でもある。[ 21 ]
キーファーは1971年に故郷の地域に戻った。その後数年間、彼は特にドイツ神話を作品に取り入れ、次の10年間はカバラやロバート・フラッドのようなカバラ主義者を研究した。[ 22 ]彼はヨーロッパ、アメリカ、中東を長期旅行し、後者2つの旅は彼の作品にさらに影響を与えた。絵画の他に、キーファーは彫刻、水彩画、写真、木版画を制作し、特に木版画を用いて、その後数十年にわたってあらゆる媒体で繰り返し使用できる人物像のレパートリーを作り出し、彼の作品に複雑なテーマの一貫性を与えた。[ 22 ]
1970年代から1980年代初頭にかけて、キーファーはリヒャルト・ワーグナーの4部作オペラ『ニーベルングの指環』で解釈されたテーマを題材にした絵画、水彩画、木版画、書籍を数多く制作した。[ 23 ] 1980年代初頭には、ルーマニア系ユダヤ人作家パウル・ツェランの詩「死のフーガ」にタイトルや碑文で言及した絵画、写真、水彩画を30点以上制作した。[ 24 ]
キーファーが1980年から1983年にかけて制作した一連の絵画は、そびえ立つ石造りの建造物を描いており、特にアルベルト・シュペーアとヴィルヘルム・クライスが設計した建物など、国家社会主義建築の有名な例を参照している。1983年の「無名の画家へ」に描かれた壮大な広場は、1938年にシュペーアが無名戦士を称えて設計したベルリンのヒトラー総統官邸の屋外中庭を具体的に指している。 [ 25 ] 1984年から1985年にかけて、彼は電柱や送電線のある荒涼とした風景の加工された白黒写真を取り入れた一連の紙作品を制作した。 1985年の「重い雲」のような作品は、1980年代初頭に西ドイツでNATOがドイツ領土に戦術核ミサイルを配備し、核燃料処理施設を設置したことに関する論争に対する間接的な反応であった。[ 26 ]
1980年代半ばまでに、キーファーのテーマは、文明におけるドイツの役割に焦点を当てることから、芸術と文化全般の運命へと広がった。彼の作品はより彫刻的になり、国民的アイデンティティと集合的記憶だけでなく、オカルト的象徴主義、神学、神秘主義も含まれるようになった。すべての作品のテーマは、社会全体が経験するトラウマと、人生における絶え間ない再生と更新である。1980年代には、彼の絵画はより物理的になり、珍しい質感と素材が特徴となった。[ 27 ]彼のテーマの範囲は、大作「オシリスとイシス」（1985～87年）のように、古代ヘブライとエジプトの歴史への言及を含むように広がった。特に1990年代の彼の絵画は、国民的アイデンティティの神話ではなく、存在と意味の普遍的な神話を探求している。[ 28 ] 1995年から2001年にかけて、彼は宇宙の大きな絵画の連作を制作した。[ 29 ]
キーファーは長年にわたり数々の異例の作品を制作してきたが、中でも特に異様な作品が一つある。それは彼の作品「20年間の孤独」である。制作に20年以上（1971年～1991年）を要した「20年間の孤独」は、天井まで積み上げられた数百冊の白く塗られた帳簿や手作りの本で、土や乾燥した植物が散乱し、ページには作家の精液が染み込んでいる。タイトルの「孤独」という言葉は、制作に要した20年間、作家が紙に頻繁に自慰行為をしていたことを指している。彼はアメリカの美術評論家ピーター・シェルダールに、この自慰行為の記録をまとめた本のカタログのテキストを書いてくれるよう依頼した。シェルダールは依頼に応えようとしたが、結局は失敗に終わった。他の評論家もこの仕事を引き受けようとしなかったため、この作品はほとんど忘れ去られてしまった。[ 30 ]
彼は1993年5月のディナーパーティーで再びアート界に衝撃を与えた。キーファーと2番目の妻レナーテ・グラフは、ニューヨークのろうそくの灯りがともる商業用ロフトを白いモスリンで飾り、白い砂を敷き詰めた床の上にフックに皮を剥いだ動物を吊るし、白塗りのパントマイムの格好をしたウェイターを配置した。シェリー・レヴィンなどのアート界のエリート数名には、膵臓など、ほとんどが白い、珍しい内臓肉のコースが何品も提供された。当然のことながら、ゲストたちはその食事を特に食欲をそそるものとは感じなかった。[ 30 ]ジョアンナ・コンスタンティン、ラヴィニア・クープ、アーメン・ラ、フロティラ・デバージなど、ニューヨークのナイトライフのパフォーマーたちが雇われ、白い服を着てウエストビレッジの会場インダストリアをうろつき、アノーニがキーファーのゲストのために歌を歌うために雇われた。[ 31 ]
2002年以来、キーファーはコンクリートを素材として、ミラノのピレリ倉庫向けのタワー、ヴェリミール・フレブニコフへのオマージュ作品シリーズ（ボートや鉛の物体を描いた海を描いた絵画、2004～2005年）、パウル・ツェランの作品への回帰としてルーン文字をモチーフにした絵画シリーズ（2004～2006年）、その他の彫刻作品を制作してきた[ 32 ] 。2003年には、ザルツブルクのヴィラ・カッツにあるタデウス・ロパック・ギャラリーで、歴史と神話という繰り返し現れるテーマを中心とした新作シリーズを展示する初の個展「アンゼルム・キーファー：始まり」[ 33 ]を開催した。 2005年、彼はギャラリー・タデウス・ロパックのザルツブルク店で2回目の展覧会「Für Paul Celan」[ 34 ]を開催した。この展覧会は、キーファーの本への執着に焦点を当て、ゲルマン神話への言及と、チェルノヴィッツ出身のドイツ語を話すユダヤ人、パウル・ツェランの詩を結びつけた。展覧会では、キャンバス作品11点、展示ケースに収められた製本された書籍シリーズ、そして彫刻5点が展示された。彫刻には、鉄筋コンクリートと鉛の要素を用いた力強く記念碑的な屋外彫刻1点、鉛の本の山2点とブロンズのヒマワリ、鉛の船と楔を組み合わせた作品、そして「植物の秘密の生活」シリーズからの記念碑的な鉛の本2点が含まれていた。この展覧会は翌年、パリのギャラリー・タデウス・ロパックとパリのギャラリー・イヴォン・ランベールを巡回した。[ 34 ]
2006年、キーファーの展覧会「ヴェリミール・フレブニコフ」は、まずバルジャック近郊の小さなスタジオで展示され、その後ロンドンのホワイトキューブに移り、最後にコネチカット州のアルドリッチ現代美術館で終了した。作品は、30点の大型（2 × 3メートル）絵画で構成され、制作スタジオを模して特別に作られた波形鋼板の建物の向かい合う壁に、15点ずつ2列に掛けられている。この作品は、ロシアの未来派哲学者・詩人ヴェリミール・フレブニコフの奇抜な理論に言及している。フレブニコフは「ザウム」と呼ばれる「未来の言語」を発明し、317年に一度、壊滅的な海戦が歴史の流れを変えると提唱した。キーファーの絵画では、おもちゃのような戦艦が、歪んで傷つき、錆びて、ねじれたワイヤーで吊るされ、絵の具と石膏の波に翻弄されている。作品に繰り返し登場する色彩は黒、白、灰色、錆色であり、表面は粗く、絵具、石膏、泥、粘土が塗りつけられている。[ 35 ]
2007年、彼は約50年前にジョルジュ・ブラック以来、パリのルーブル美術館に常設作品を設置するよう依頼された最初のアーティストとなった。同年、彼はパリのグラン・パレ[ 36 ]でモニュメンタ展シリーズを開始し、詩人のパウル・ツェランとインゲボルク・バッハマンに特別な敬意を表した作品を展示した。
2009年、キーファーはロンドンのホワイトキューブギャラリーで2つの展覧会を開催した。ガラスケースに収められた森の二連画と三連画のシリーズは、多くがモロッコの棘で覆われており、「カルフンケルフェー」と題された。これは、戦後のオーストリアの作家インゲボルク・バッハマンの詩に由来するドイツ・ロマン主義の言葉である。「肥沃な三日月地帯」では、15年前にインドを旅した際に初めて田舎のレンガ工場に出会ったことから着想を得た壮大な絵画群を発表した。過去10年間、キーファーがインドで撮影した写真は、メソポタミアの最初の人類文明から、少年時代に遊んだ第二次世界大戦後のドイツの廃墟に至るまで、膨大な文化的・歴史的参照を示唆するものとして、彼の心の中で「反響」し続けた。 「建築物の壮大さの不安定さについての共鳴する瞑想を探している人は誰でも、キーファーの『肥沃な三日月地帯』をじっくりと見てみるべきだ」と歴史家のサイモン・シャーマはカタログのエッセイに書いている。[ 37 ]
モーゲンソー・プラン（2012年）では、高さ5メートルの鉄製の檻の中に金色の麦畑の彫刻が展示され、ギャラリー全体がその彫刻で満たされている。[ 38 ]同年、キーファーはパンタンにあるタデウス・ロパック・ギャラリーのギャラリースペースを、記念碑的な新作展「Die Ungeborenen（生まれていない人々）」でオープンした。展覧会には、アンゼルム・キーファーの手紙とアレクサンダー・クルーゲとエマニュエル・デイデのエッセイを収録した出版物が添えられた。彼は現在も同ギャラリーに所属し、ギャラリーの様々な場所で開催されるグループ展や個展に参加している。
1969年、キーファーは本のデザインを始めた。初期の作品は、加工された写真が一般的である。最近の作品は、鉛の板に塗料、鉱物、または乾燥させた植物素材を重ねたものである。例えば、彼は図書館の鉄製の棚に多数の鉛の本を並べ、歴史の蓄積され、捨てられた知識の象徴とした。[ 39 ] 1981年の作品『ライン』は、ライン川沿いの旅を示唆する25枚の木版画の連続で構成されている。ライン川はドイツの地理的および歴史的発展の中心であり、ワーグナーの『ニーベルングの指環』などの作品ではほとんど神話的な意味合いを帯びている。手つかずの川の風景は、1941年にライン演習というコードネームの大西洋出撃中に戦艦ビスマルクが沈没した様子を表す暗く渦巻くページによって中断される。[ 40 ] [ 41 ]
キーファーの最初の大きなスタジオは、ホルンバッハにある自宅（元学校）の屋根裏部屋にあった。数年後、彼はホルンバッハ近郊のブーヘンにある工場の建物にスタジオを移した。1988年、キーファーは（同じくブーヘン近郊の）ヘプフィンゲンにある元レンガ工場を、多数のインスタレーションや彫刻を含む大規模なアート作品へと変貌させた。[ 42 ] 1991年、オーデンヴァルトで20年間活動した後、この芸術家はドイツを離れ、インド、メキシコ、日本、タイ、インドネシア、オーストラリア、アメリカ合衆国など世界中を旅した。[ 43 ] 1992年、彼はフランスのバルジャックに拠点を構え、[ 44 ] 35ヘクタールのスタジオ複合施設ラ・リボーテを総合芸術作品へと変貌させた。廃墟となった絹工場である彼のスタジオは巨大で、多くの点で工業化に対するコメントとなっている。[ 45 ]彼はガラス張りの建物、アーカイブ、インスタレーション、材料や絵画の保管室、地下室、廊下などからなる広大なシステムを構築した。[ 46 ]
ソフィー・フィーンズは、ドキュメンタリー映画『Over Your Cities Grass Will Grow』（2010年）で、バルジャックにあるキーファーのスタジオ複合施設を撮影し、環境と制作中のアーティストの両方を記録した。ある批評家はこの映画について次のように書いている。「廃墟となった絹工場をほぼゼロから作り上げたキーファーは、何エーカーにも及ぶ芸術プロジェクトを考案した。何マイルにも及ぶ廊下、野心的な風景画や彫刻が並ぶ巨大なスタジオ空間は、周囲の森にある記念碑的な建造物に対応しており、鍾乳石やシロアリ塚に似た巨大な土の柱が並ぶ蛇行した掘削迷路もある。完成品がどこにあるのかはっきりとは分からない。おそらくすべてが進行中の作品であり、記念碑的なコンセプトアートの有機体なのだろう。」[ 47 ]
2008年、キーファーはバルジャックのスタジオ複合施設を離れ、パリに移った。110台のトラックが彼の作品をパリ郊外のクロワシー・ボーブールにある35,000平方フィート（3,300平方メートル）の倉庫に運び込んだ。そこはかつてラ・サマリテーヌ百貨店の倉庫だった。 [ 48 ] [ 49 ]あるジャーナリストは、キーファーが放棄したスタジオ複合施設について次のように書いている。「彼はバルジャックの偉大な仕事、つまり芸術と建物を残していった。管理人がそれを管理している。人が住んでおらず、静かに自然が支配するのを待っている。なぜなら、ご存知のように、私たちの都市の上には草が生えるからだ」。キーファーは2019年の夏をバルジャックで生活し、制作活動に費やした。[ 50 ]
出典: [ 51 ]
1969年、キーファーはカールスルーエのカイザー広場ギャラリーで初の個展を開催した。1980年にはゲオルク・バゼリッツと共にヴェネツィア・ビエンナーレにドイツ代表として参加した。また、1997年のヴェネツィア・ビエンナーレにも参加し、コッレール美術館で絵画と書籍を中心とした個展を開催した。[ 52 ]
キーファーの作品の包括的な個展は、デュッセルドルフ美術館（1984年）、シカゴ美術館（1987年）、東京のセゾン美術館（1993年）、ベルリンの新国立美術館（1991年）、ニューヨークのメトロポリタン美術館（1998年）、バーゼルのバイエラー財団（2001年）、フォートワース近代美術館（2005年）、ワシントンDCのハーシュホーン美術館・彫刻庭園（2006年） 、サンフランシスコ近代美術館、ビルバオ・グッゲンハイム美術館（2007年）などで開催されている。[ 29 ] 2007年には、ビルバオ・グッゲンハイム美術館で近作の大規模な回顧展が開催された。2009年には、彼の作品のいくつかが初めてバレアレス諸島のパルマ・デ・マヨルカにあるエス・バルアード美術館で展示された。 2012年、ハミルトン美術館は彼の絵画を展示した。[ 53 ]ロンドンのロイヤル・アカデミー・オブ・アーツは、2014年9月にこの芸術家の作品の英国初となる回顧展を開催した。[ 54 ]
2007年、キーファーはパリのグラン・パレで開催された第1回「モニュメンタ」のために、彫刻と絵画による大規模なサイトスペシフィック・インスタレーションの制作を依頼された。[ 55 ] 2007年にルーブル美術館で壁画「アタノール」と彫刻「ダナエ」と「ホルトゥス・コンクルスス」の2点からなる三連祭壇画が公開されたことで、キーファーは1953年のジョルジュ・ブラック以来、美術館に恒久的なサイトスペシフィック・インスタレーションを制作した最初の存命アーティストとなった。[ 56 ]
2008年、キーファーは、1927年に建てられた巨大なイタリア・ロマネスク様式の建物であるロサンゼルス第一バプテスト教会の講堂兼体育館に、巨大なヤシの木と36枚の鉄とガラスの聖遺物板からなる「Palmsonntag（棕櫚の日曜日）」（2006年）を設置した。この作品を収容するために部屋は再構成された。床はバスケットボールコートのマーキングを消すために研磨され、聖遺物画のための壁は空間内に構築された。[ 57 ] 2010年、この作品はトロントのオンタリオ美術館に設置され、キーファーはAGOでのこの作品の展示のために特別に8枚の新しいパネルを制作した。
2009年、メトロポリタン美術館は「壊れた花と草：アンゼルム・キーファーの素描における自然と風景」展を開催し、キーファーの風景画を展示した。[ 58 ]
ガゴシアン・ギャラリーで開催された「Next Year in Jerusalem 」（2010年）で、キーファーはそれぞれの作品が、最近耳にした何かによって引き起こされた個人的な「ショック」への反応であると説明した。[ 59 ]
2013 年 9 月、ホール アート財団は、マサチューセッツ現代美術館と提携し、MASS MoCA キャンパス内の特別に用途変更された 10,000 平方フィートの建物で、彫刻と絵画の長期展示を開始しました。2014 年、財団はこの建物の周囲の景観を整え、屋外彫刻の長期展示を展示できるようにしました。[ 60 ]長期展示には、鋳造コンクリート、露出した鉄筋、鉛で作られた、波打つような長さ 82 フィートの彫刻であるÉtroits sont les Vaisseaux ( Narrow are the Vassels ) (2002)、写真と壁面テキスト付きの 20 個以上の鉛のベッドで構成されたThe Women of the Revolution ( Les Femmes de la Revolution ) (1992) などが含まれます。ヴェリミール・フレブニコフ（2004年）は、ロシアの数学的実験家ヴェリミール・フレブニコフの奇抜な理論に触発された、海戦を扱った30点の絵画を収めた鉄製のパビリオンであり、MASS MoCAでのインスタレーションのためにアーティストが制作した鉛にプリントされた新しい大型写真である。[ 61 ]
2015年、ポンピドゥー・センター、パリ国立図書館、ライプツィヒ美術館はキーファーの70歳の誕生日を記念して回顧展を開催した。[ 12 ]
2016年、ウィーンのアルベルティーナ美術館は彼の木版画展を開催し、1977年から2015年の間に制作された35点を展示し、カタログも併せて刊行した。[ 22 ]
2017年、メット・ブロイヤーは、アンゼルム・キーファーのキャリア全体にわたる作品を集めた展覧会「挑発：メット・ブロイヤーにおけるアンゼルム・キーファー」を開催した。 [ 62 ]
彼は2018年5月にロックフェラーセンターで、米国で初めての公共芸術作品を発表した。ウラエウスの彫刻は、エジプトの宗教的シンボルとツァラトゥストラはこう語ったという詩から部分的にインスピレーションを得たものである。[ 63 ] 7月22日まで展示された。[ 64 ]
2025年10月18日から2026年1月25日まで、セントルイス美術館では、アンゼルム・キーファーの60年にわたるキャリアを振り返る回顧展「アンゼルム・キーファー：海になる」 [ 65 ]が開催されました。展覧会で最も大きな5つの作品は、2027年の春まで展示されます。展覧会にはカタログが付属していました。
2026年、キーファーはミラノのサラ・デッレ・カリアティディで、2026年冬季オリンピックの文化ショーケースの一環として、サイトスペシフィック・インスタレーション「女性錬金術師」を制作した。この作品は、ソフィー・ブラーエ、イザベラ・コルテーゼ、カミラ・エルクリアーニ、アンナ・マリア・ジーグラーリン、レディ・マーガレット・クリフォード、レオナ・コンスタンシアなど、歴史上の、そしてほとんど忘れ去られた女性科学者、錬金術師、薬剤師を称える42枚のキャンバスで構成されている。この展示は、歴史を作った女性たちに対する彼の長年の関心を反映しており、キーファーは「歴史を修正できる」ことを願っている。[ 66 ]
1990年、キーファーはウルフ賞を受賞した。1999年には、日本美術協会から生涯の功績に対して高松宮殿下記念世界文化賞を授与された。その説明文には次のように記されている。
アンゼルム・キーファーの作品には、歴史に対する複雑かつ批判的な考察が貫かれている。彼の絵画作品は、ゲオルク・バゼリッツの彫刻作品と同様に、1980年のヴェネツィア・ビエンナーレで大きな波紋を呼んだ。鑑賞者は、作品に表れているナチスのモチーフが皮肉として用いられているのか、それとも実際にファシズムの思想を伝えようとしているのかを判断しなければならなかった。キーファーは、芸術が傷ついた国家と、混乱し分断された世界を癒すことができるという確信を持って制作に取り組んだ。彼は巨大なキャンバスに壮大な絵画を描き、リヒャルト・ワーグナーやゲーテといった人物像を通してドイツ文化の歴史を想起させ、絵画が世界に語りかける媒体としての歴史的伝統を受け継いだ。過去と向き合い、現代の倫理的問題に取り組むという芸術の使命感をこれほど強く持ち、人間の努力によって罪の赦しが可能であることを表現できる現代の芸術家は、ごくわずかしかいない。
2008年、キーファーはドイツ書籍出版協会平和賞を受賞しました。これは視覚芸術家としては初めての受賞でした。美術史家のヴェルナー・シュピースはスピーチの中で、キーファーは熱心な読書家であり、文学から作品のインスピレーションを得ていると述べました。[ 67 ] 2011年、キーファーはコレージュ・ド・フランスの芸術における創造性の教授に任命されました。
彼の創作過程は自発的な性質を持つため、多くの作品は安定性に問題を抱えており、これはコレクター、ディーラー、キュレーターが共通して懸念している点である。彼はこの問題を認識しているものの、変化は制作過程の一部であり、作品の本質は最終的には変わらないと述べている。この変容という概念はキーファーにとってある種の魅力があり、そのため彼の多くの作品に見られる。この制作過程への魅了は、錬金術に対する彼の強い関心に由来するのかもしれない。彼はしばしば錬金術的な性質を持つ素材を選び、中でも鉛は特にその代表例である。鉛の場合、加熱・溶解過程で金属が様々な色、特に金色に変化する様子を特に好んでおり、それを錬金術師が求める金と象徴的に捉えていた。彼はまた、鉛上の白の酸化も特に好んでおり、酸を用いて人工的に酸化を促し、その過程を加速させようと試みることもあった。鉛はまた、錬金術における魔法数の概念と関連付けられ、土星を象徴するものでもあった。
シェラックは彼の作品でよく使われる素材の一つだが、その色や持つエネルギーの可能性という点では、鉛に匹敵するものだった。また、磨くにつれてエネルギーを帯び、触ると温かみが増すところも気に入っていた。
彼の作品における藁の使用も、エネルギーという共通のテーマの結果の一つである。藁は金色をしており、燃やすとエネルギー、熱、暖かさを発する。これにより新たな創造への道が開かれ、変容の過程を通して生命のサイクルが継続される。[ 91 ]
この画家の最高額で売れた絵画は「肥沃な三日月地帯」（2009年）で、2019年6月3日にチャイナ・ガーディアン・オークションハウスで3,997,103ドルで落札された。[ 92 ]これまでの最高額は、2011年5月11日にクリスティーズ・ニューヨークでアメリカ人個人コレクターに3,554,500ドルで落札された絵画「無名の画家へ」 （1983年）だった。 [ 93 ] [ 94 ]それまでは、 2007年2月8日にクリスティーズ・ロンドンで3,549,350ドルで落札された「千の花を咲かせよ」（1999年）が最高額だった。 [ 95 ]
キーファーの作品は、ベルリンのハンブルガー・バーンホフ、ニューヨーク近代美術館とソロモン・R・グッゲンハイム美術館、デトロイト美術館、ロンドンのテート・モダン、サンフランシスコ近代美術館、トロントのオンタリオ美術館、ローリーのノースカロライナ美術館、アトランタのハイ美術館、バッファローのオールブライト＝ノックス美術館、フィラデルフィア美術館、キャンベラのオーストラリア国立美術館、テルアビブ美術館、ミズーリ州セントルイス美術館、ウィーンのアルベルティーナ美術館など、数多くの公共コレクションに収蔵されている。ニューヨークのメトロポリタン美術館は、この画家の希少な水彩画20点を所蔵している。著名な個人コレクターには、イーライ・ブロードとアンドリュー・J・ホールがいる。[ 93 ]