抽象芸術

抽象芸術は、形、形状、色、線などの視覚言語を使用して、世界の視覚的参照からある程度独立して存在する構成を作成します。 ^[1]抽象芸術、非具象芸術、非客観的芸術、非具象芸術はすべて密接に関連した用語です。それらは類似していますが、おそらく同じ意味ではありません。

西洋美術は、ルネッサンスから19世紀半ばまで、遠近法の論理と目に見える現実の幻想を再現しようとする試みによって支えられてきた。19世紀末までに、多くの芸術家が、技術、科学、哲学に起きている根本的な変化を包含する新しい種類の芸術を創造する必要性を感じていた。個々の芸術家が理論的議論を引き出した源泉は多様であり、当時の西洋文化のあらゆる分野における社会的、知的関心を反映していた。^[2]

抽象化は、芸術におけるイメージの描写が現実から逸脱していることを示します。正確な表現からの逸脱は、わずかであったり、部分的であったり、完全にであったりします。抽象化は連続体として存在します。完璧な表現は不可能なので、少なくとも理論的には、最高度の真実らしさを目指す芸術であっても抽象的であると言えます。目立つように色や形を変えるなど、自由な発想を取り入れた芸術作品は、部分的に抽象的であると言えます。完全な抽象化には、認識できるものへの参照の痕跡が一切ありません。たとえば、幾何学的抽象化では、自然主義的な実体への参照が見つかる可能性は低いです。具象芸術と完全な抽象化は、ほぼ相互に排他的です。しかし、具象芸術と具象芸術(または写実的) には、部分的な抽象化が含まれることが多いのです。

幾何学的抽象と叙情的抽象はどちらも完全に抽象的であることが多い。部分的抽象を体現する非常に多くの芸術運動の中には、例えば、現実に対して色彩が顕著かつ意図的に変更されるフォーヴィスムや、描かれた現実の存在の形を変えるキュビズムなどがある。 ^{[3] [4]}

教会からのパトロンは減少し、大衆からの個人的なパトロンが芸術家たちの生活を支えることができるようになった。^{[7] [8]}抽象芸術の発展に貢献した3つの芸術運動は、ロマン主義、印象派、表現主義である。芸術家の芸術的独立は19世紀に進んだ。目に見えるものに対する客観的な関心は、ジョン・コンスタブル、JMWターナー、カミーユ・コローの絵画から、そして彼らからバルビゾン派の外光絵画を継承した印象派まで、見分けることができる。新しい芸術の初期の暗示は、ジェームズ・マクニール・ホイッスラーによってなされており、彼は絵画『黒と金色の夜想曲：落下するロケット』（1872年）で、物体の描写よりも視覚的な感覚を重視した。それよりさらに以前、ジョージアナ・ホートンが「スピリット」の絵で抽象的な形を選んだのは、抽象化がまだ概念ではなかった時代（彼女は 1871 年に展覧会を開催）に、彼女の主題の不自然な性質と相関していた。

表現主義の画家たちは、絵の具の表面を大胆に使い、歪みや誇張、そして強烈な色彩を描いた。表現主義者たちは、当時の経験に対する反応や認識、そして印象派や19世紀後半のより保守的な絵画の方向性に対する反応として、感情に訴える絵画を制作した。表現主義者たちは、存在の心理的状態の描写を優先し、主題の重点を大幅に変えた。エドヴァルド・ムンクやジェームズ・アンソールのような芸術家は、主にポスト印象派の作品から影響を受けたが、20世紀の抽象化の到来に重要な役割を果たした。 ポール・セザンヌは印象派としてスタートしたが、彼の目的である、一点からの眺めに基づく現実の論理的な構築、^{[9]平らな部分に変調された色彩を施すという目的は、後に}キュビズムへと発展する新しい視覚芸術の基礎となった。

さらに、19世紀後半の東ヨーロッパでは、神智学者ブラヴァツキー夫人が表現した神秘主義と初期モダニズムの宗教哲学が、ヒルマ・アフ・クリントやワシリー・カンディンスキーのような幾何学芸術の先駆者たちに大きな影響を与えました。ジョルジュ・グルジェフとPD・ウスペンスキーの神秘主義の教えも、 20世紀初頭のピエト・モンドリアンとその同僚たちの幾何学的抽象スタイルの初期形成に重要な影響を与えました。 ^[10]心霊主義は、カジミール・マレーヴィチやフランティシェク・クプカの抽象芸術にも影響を与えました。^[11]

20 世紀初頭、アンリ・マティスや、プレキュビズムのジョルジュ・ブラック、アンドレ・ドラン、ラウル・デュフィ、ジャン・メッツィンジェなど、他の若手芸術家たちが、批評家がフォーヴィスムと呼んだ「野性的」で多色使いの表現力豊かな風景画や人物画でパリの芸術界に革命を起こしました。フォーヴィスム派が開発した生々しい色彩言語は、抽象表現主義のもう一人の先駆者であるワシリー・カンディンスキーに直接影響を与えました。

キュビズムは、自然のあらゆる描写は立方体、球体、円錐に還元できるというセザンヌの考えに基づいており、フォーヴィスムとともに、20世紀初頭に抽象化への扉を直接開いた芸術運動となりました。

1912年のサロン・ド・ラ・セクション・ドールで、フランティシェク・クプカが抽象画『アモルファ、二色のフーガ』（1912年）を展示した際、詩人のギヨーム・アポリネールはロベール・ドローネーを含む数人の芸術家の作品をオルフィスムと名付けた。[ ^12]彼はそれを「視覚領域から借りたものではなく、芸術家によって完全に創造された要素から新しい構造を描く芸術...それは純粋な芸術である」と定義した。^[13]

世紀の変わり目以降、ヨーロッパの主要都市の芸術家たちは、モダニズムの高い志に匹敵する芸術形態を創造しようと努め、文化的つながりが極めて活発になりました。芸術家の本、展覧会、マニフェストを通じてアイデアが相互に作用し合い、多くの情報源が実験や議論に開かれ、多様な抽象表現様式の基礎が形成されました。『後進世界』からの次の抜粋は、当時の文化の相互関連性を印象づけるものである。「ダヴィド・ブルリュークの近代美術運動に関する知識は極めて最新だったに違いない。1912年1月にモスクワで開催された第2回ダイヤモンドのジャック展には、ミュンヘンから送られた絵画だけでなく、ドイツのブリュッケ・グループのメンバーの作品も含まれていた。一方、パリからはロベール・ドローネー、アンリ・マティス、フェルナン・レジェ、ピカソの作品が届いた。春の間、ダヴィド・ブルリュークはキュービズムに関する2回の講義を行い、ダイヤモンドのジャックが資金提供することになっていた論争的な出版物を計画した。彼は5月に海外に行き、ドイツ滞在中に印刷所から出てきた年鑑『青騎士』に対抗しようと決意して戻ってきた。」^[14]

1909年から1913年にかけて、この「純粋芸術」を探求する実験的な作品が多くの芸術家によって制作された。フランシス・ピカビアは1909年頃の『カウチューク^{』[15] 、} 『春』^{[16] 、} 『春の踊り』^[17]、 『セビリアの行列』^[18] を描いた。ワシリー・カンディンスキーは1913年に『無題（最初の抽象水彩画）』^{[19] 、} 『即興21A』、 『印象シリーズ』 ^[20 ] 、 『円のある絵』 [21]を描いた。フランティシェク・クプカはオルフィスムの作品『ニュートンの円盤（二色によるフーガの習作）』^[22]、『アモルファ、二色によるフーガ』[ 23]を描いた。ロベール・ドローネーは「同時の窓」と「円形フォーム、太陽第2号」（1912年 - 1913年）と題する連作を描いた。 ^[22]レオポルド・シュルヴァージュは「色のリズム（映画のための習作）」を1913年に制作した。 ^[23]ピエト・モンドリアンは「タブロー第1号」と「コンポジション第11号」（1913年）を描いた。 ^[24]

アンリ・マティスは、表現力豊かな色彩と自由で想像力豊かな描画により、『コリウールのフランス窓』（1914年）、『ノートルダムの眺望』（1914年）、『黄色いカーテン』（1915年）で純粋な抽象表現に非常に近づきました。

そして探求は続いた。ナタリア・ゴンチャロワとミハイル・ラリオノフの光線主義（ルチズム）の絵では、光線のような線を使って構造を作った。カジミール・マレーヴィチは、 1915年に最初の完全に抽象的な作品であるシュプレマティスムの『黒の正方形』を完成させた。シュプレマティスムグループのもう一人の画家、リュボフ・ポポワは、1916年から1921年の間に『建築的構成』と『空間力構成』を制作した。ピエト・モンドリアンは、1915年から1919年の間に、水平線と垂直線に色の長方形を使った抽象的な言語を発展させていた。新造形主義は、モンドリアン、テオ・ファン・ドゥースブルフ、そしてデ・スティルグループの他の画家たちが未来の環境を作り変えようとした美学であった。

ロシアの抽象芸術家の多くは、芸術はもはや遠いものではなく、人生そのものであると考えて構成主義者になった。芸術家は技術者となり、近代的な制作の道具や材料の使い方を学ばなければならない。 「芸術を人生に！ 」がウラジーミル・タトリン、そしてすべての後継構成主義者のスローガンだった。ヴァルヴァーラ・ステパノワやアレクサンドル・エクステルらはイーゼル画をやめ、舞台美術やグラフィック作品に力を注いだ。一方、カジミール・マレーヴィチ、アントン・ペヴスナー、ナウム・ガボらは、芸術とは本質的に精神的な活動であり、実用的、物質的な意味で人生を組織するのではなく、世界における個人の居場所を創造することであると主張した。この時期、ロシア・アヴァンギャルドの代表者たちは、ヴワディスワフ・ストシェミンスキ、カタジナ・コブロ、ヘンリク・スタジェフスキなど他の東欧構成主義芸術家とコラボレーションした。

芸術の唯物論的生産観に敵対する人々の多くはロシアを去った。アントン・ペヴスナーはフランスへ、ガボはまずベルリンへ、次にイギリスへ、そして最後にアメリカへ渡った。カンディンスキーはモスクワで学んだ後、バウハウスへ向かった。1920年代半ばまでに、芸術家たちが自由に実験することができた革命期（1917年から1921年）は終わり、1930年代までには社会主義リアリズムのみが認められた。^[25]

視覚芸術がより抽象的になるにつれ、音楽の特徴が発達します^[要出典]。音楽とは、音と時間の区分という抽象的な要素を使用する芸術形式です。自身もアマチュア音楽家であったワシリー・カンディンスキー^{[26] [27] [28]は、マークと連想される色が}魂に響き渡る可能性にインスピレーションを受けました。シャルル・ボードレールは、私たちの感覚はすべてさまざまな刺激に反応するが、感覚はより深い美的レベルでつながっているという 考えを提唱しました。

これに密接に関連しているのは、芸術には精神的な次元があり、「日常」の経験を超越して精神的なレベルに到達できるという考えです。神智学協会は、世紀の初めにインドと中国の聖典の古代の知恵を広めました。この文脈で、ピエト・モンドリアン、ワシリー・カンディンスキー、ヒルマ・アフ・クリント、および「対象のない状態」を目指して活動する他の芸術家が、「内なる」対象を作成する方法としてオカルトに興味を持つようになりました。幾何学に見られる普遍的で時代を超越した形状、つまり円、正方形、三角形は、抽象芸術の空間要素になります。これらは、色と同様に、目に見える現実の根底にある基本的なシステムです。

バウハウスは1919年にヴァルター・グロピウスによってドイツのワイマールに設立された。^[29]教育プログラムの根底にある哲学は、建築や絵画から織物やステンドグラスまで、あらゆる視覚芸術と造形芸術の統一であった。この哲学は、イギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動とドイツ工作連盟の考えから生まれたものである。教師の中には、パウル・クレー、ワシリー・カンディンスキー、ヨハネス・イッテン、ヨーゼフ・アルバース、アンニ・アルバース、ラースロー・モホイ＝ナジがいた。1925年に学校はデッサウに移転し、 1932年にナチ党が政権を握るとバウハウスは閉鎖された。1937年の退廃芸術展「退廃芸術」には、ナチ党が認めないあらゆる種類の前衛芸術が展示された。それから、バウハウスだけでなく、ヨーロッパ全体からパリ、ロンドン、アメリカへの脱出が始まりました。パウル・クレーはスイスに行きましたが、バウハウスの芸術家の多くはアメリカに行きました。

1930年代、パリは全体主義の台頭に影響を受けたロシア、ドイツ、オランダなどヨーロッパ諸国の芸術家たちの受け入れ地となった。ゾフィー・タウバーとジャン・アルプは有機的/幾何学的形態を用いて絵画や彫刻で協力した。ポーランド人のカタジナ・コブロは数学に基づくアイデアを彫刻に応用した。今や多くの種類の抽象表現が密接に結びつき、芸術家たちは様々な概念的、美的グループを分析しようとする試みがなされた。ホアキン・トーレス＝ガルシア^[30]がミシェル・スーフォール^[31]の協力を得て企画したサークル・エ・カレのグループのメンバー46人による展覧会には、新造形主義者だけでなく、カンディンスキー、アントン・ペヴスナー、クルト・シュヴィッタースといった様々な抽象主義者の作品が含まれていた。テオ・ファン・ドゥースブルフから作品集が漠然としすぎると批判されたが、彼は線、色彩、表面のみが具体的な現実である抽象芸術を定義する宣言文を掲載した雑誌「アート・コンクレット」を刊行した。^{[32] 1931年に設立された}アブストラクション・クリエーションは、よりオープンなグループとして抽象芸術家たちの基準点となったが、1935年に政治情勢が悪化し、芸術家たちは再び集まり、その多くはロンドンに集まった。イギリスの抽象芸術の最初の展覧会は1935年にイギリスで開催された。翌年、ニコレッタ・グレイが主催したより国際的な抽象と具象の展覧会には、ピエト・モンドリアン、ジョアン・ミロ、バーバラ・ヘップワース、ベン・ニコルソンの作品が含まれた。ヘップワース、ニコルソン、ガボは構成主義の仕事を続行するため、コーンウォールのセント・アイヴスに移った。^[33]

1930年代にナチスが台頭すると、多くの芸術家がヨーロッパからアメリカに逃れ​​た。1940年代初頭までには、表現主義、キュビズム、抽象主義、シュルレアリスム、ダダといった現代美術の主要な運動がニューヨークで代表された。マルセル・デュシャン、フェルナン・レジェ、ピエト・モンドリアン、ジャック・リプシッツ、アンドレ・マッソン、マックス・エルンスト、アンドレ・ブルトンは、ニューヨークにやってきた亡命ヨーロッパ人のほんの一部である。^[35]ヨーロッパの芸術家によってもたらされた豊かな文化的影響は、ニューヨークの地元画家によって抽出され、構築された。ニューヨークの自由な風土は、これらすべての影響を開花させた。主にヨーロッパ美術に焦点を当てていたアートギャラリーは、地元のアートコミュニティと、成熟し始めた若いアメリカ人芸術家の作品に注目し始めた。この時期、ピエト・モンドリアンの絵画「コンポジション No. 10」（1939-1942年）は、原色、白地、黒のグリッド線を特徴とし、長方形と抽象芸術全般に対する彼の急進的でありながら古典的なアプローチを明確に定義しています。この時期の芸術家の中には、分類を拒否する人もいました。たとえば、ジョージア・オキーフは、モダニズムの抽象主義者でありながら、この時期の特定のグループには属さず、高度に抽象的な形を描くという点で、純粋な異端者でした。

やがて、非常に多様なスタイルで活動していたアメリカ人アーティストたちが、まとまりのあるスタイルグループにまとまり始めた。最も有名なアメリカ人アーティストのグループは、抽象表現主義者やニューヨーク派として知られるようになった。ニューヨーク市には議論を奨励する雰囲気があり、学び成長するための新たな機会があった。アーティストで教師のジョン・D・グラハムとハンス・ホフマンは、新たに到着したヨーロッパのモダニストと成人を迎えた若いアメリカ人アーティストとの間の重要な架け橋となった。ロシア生まれのマーク・ロスコは、強いシュールレアリスト的なイメージで作品を制作し、後に1950年代初頭の力強い色彩構成へと融合していった。表現主義的なジェスチャーと絵を描くという行為そのものは、ジャクソン・ポロック、ロバート・マザーウェル、フランツ・クラインにとって最も重要なものとなった。1940年代には、アーシル・ゴーキーとウィレム・デ・クーニングの具象的な作品が、40年代の終わりまでに抽象化へと進化した。ニューヨーク市が中心となり、世界中のアーティストがそこに引き寄せられた。アメリカの他の地域からも同様に。^[36]

デジタルアート、ハードエッジペインティング、幾何学的抽象、ミニマリズム、叙情的抽象、オプアート、抽象表現主義、カラーフィールドペインティング、モノクロームペインティング、アサンブラージュ、ネオダダ、シェイプドキャンバスペインティングは、20 世紀後半の抽象化に関連するいくつかの方向性です。

アメリカでは、ドナルド・ジャッドのミニマリスト彫刻やフランク・ステラの絵画に見られる「オブジェクトとしてのアート」は、今日ではより新しい変形として見られています。その他の例としては、ロバート・マザーウェル、パトリック・ヘロン、ケネス・ノーランド、サム・フランシス、サイ・トゥオンブリー、リチャード・ディーベンコーン、ヘレン・フランケンサーラー、ジョーン・ミッチェル、ヴェロニカ・ルイス・デ・ベラスコなど、多岐にわたる画家の作品に見られる叙情的な抽象表現や感覚的な色彩の使用などがあります。

近代美術における抽象表現の増加について提示されている社会史的説明の一つは、テオドール・W・アドルノの名前に結び付けられた説明であり、抽象表現は産業社会における社会関係の抽象化の増加に対する反応（および反映）であるというものである。^[37]

フレデリック・ジェイムソンも同様に、モダニズムの抽象化を貨幣の抽象的な力の機能とみなし、すべてのものを交換価値として等しくみなしている。^{[38]抽象芸術の社会的内容は、まさに}後期モダニズムの世界における社会的存在の抽象的な性質、つまり法的形式、官僚的非人格化、情報/権力である。^[39]

対照的に、ポスト・ユング派は、形態と物質に関する従来の概念を崩壊させた量子論が、現代美術における具象と抽象の分離の根底にあると見なすだろう。^[40]

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  アルバート・グレーズ、レ・ザーブル（木々）、1910-12年、キャンバスに油彩、41 × 27 cm。Du「Cubisme」で複製、1912
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  アーサー・ダブ、葉の形と空間に基づく、1911-12年、パステル画、支持体不明（現在は紛失）
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  フランシス・ピカビア、タレント、1912年、キャンバスに油彩、73.6 × 92.1 cm、ニューヨーク近代美術館。 Du「Cubisme」で複製
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  ワシリー・カンディンスキー、即興27（愛の庭II）、1912年、キャンバスに油彩、120.3×140.3cm、メトロポリタン美術館、ニューヨーク。1913年アーモリーショーに出展
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  パブロ・ピカソ、頭部（Tête）、1913-14年、切り貼りされた色紙、グアッシュと木炭、厚紙、43.5 × 33 cm、スコットランド国立近代美術館、エディンバラ
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  アンリ・マティス、コリウールのフランス窓、1914年、ジョルジュ・ポンピドゥー・センター、パリ
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  ヒルマ・アフ・クリント、『白鳥』、1914 年 10 月 - 1915 年 3 月、第 17 号、グループ IX、シリーズ SUW (この抽象作品はアフ・クリントの存命中に展示されることはなかった)
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  テオ・ファン・ドゥースブルフ、コンポジション VII（三美神）、1917年、新造形主義
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  フェルナン・レジェ『踏切』 1919年、キャンバスに油彩、53.8 × 64.8 cm、シカゴ美術館
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  ジョゼフ・シャキー、2人の人物、1920年、レリーフ、石灰岩、多色、80 cm、クレラー・ミュラー美術館、オッテルロー
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  アルベール・グレーズ、コンポジション・ブルー・エ・ジョーヌ（コンポジション・ジョーヌ）、1921年、キャンバスに油彩、200.5 × 110 cm
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  ピエト・モンドリアン『黄色、黒、青、赤、灰色のコンポジション』1921年、シカゴ美術館
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  パウル・クレー『夕べの火』1929年
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  オットー・グスタフ・カールスンド、ラピッド、1930年、コンクリートアートレストラン壁画、ストックホルム
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  バーネット・ニューマン、ワンメント 1、1948年、ニューヨーク近代美術館

他のメディア

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• 新しい形式主義
• ノイズミュージック
• 音の詩

• ^ コンプトン、スーザン（1978年）。『逆行する世界：1912年から1916年のロシア未来派の本』大英図書館。ISBN 978-0-7141-0396-9。
• ^ スタンゴス、ニコス編。 （1981年）。現代美術の概念。テムズ川とハドソン川。ISBN 978-0-500-20186-2。
• ^ グッディング、メル（2001）。抽象芸術。現代美術の動きシリーズ。テート出版。ISBN 978-1-85437-302-1。
• ^ ランプ、ゲルハルト・チャールズ（1985年）。抽象絵画の見方。Inter Nationes。

ウィキメディア・コモンズには、抽象芸術に関連するメディアがあります。

Wikiquote には抽象芸術に関する引用句があります。

• グローブ・アート・オンラインのネルソン・グッドマンがニューヨーク近代美術館で語った「抽象化」という言葉
• テートUK「抽象芸術とは…」
• 抽象芸術の謎を解く