Loading article…
ジョーン・ミッチェル（1925年2月12日 - 1992年10月30日）は、主に絵画と版画を制作したアメリカの芸術家であり、パステル画やその他の紙作品も手掛けた。1950年代にはニューヨーク派の芸術家として活躍した。シカゴ生まれの彼女は、キャリアの大部分をフランスで過ごしたが、アメリカの抽象表現主義運動と深く結びついている。
ミッチェルの感情豊かな作風と力強い筆致は、19世紀のポスト印象派の画家、特にアンリ・マティスの影響を受けていた。風景の記憶が彼女の作品のインスピレーション源となり、彼女は美術評論家のアーヴィング・サンドラーに「私は風景を常に持ち歩いている」と語ったことで有名である。晩年の作品は、彼女の健康状態の悪化によって影響を受け、また制約も受けていた。
ミッチェルは、同時代において批評家と一般大衆の両方から高い評価を得た数少ない女性画家の一人です。彼女の絵画、素描、版画作品は世界中の主要な美術館やコレクションに収蔵されており、記録的な高値で取引されています。2021年には、サンフランシスコ近代美術館とボルチモア美術館が共同で、彼女の作品を包括的に紹介する回顧展を開催しました。ルイ・ヴィトン財団は、 2022年10月から2023年2月にかけて、ミッチェルとクロード・モネの作品展を開催しました。
ミッチェルは遺言で、現役の芸術家への助成金や奨学金の授与、そして彼女のアーカイブの保存を目的とする非営利団体、ジョーン・ミッチェル財団の設立を定めた。
ミッチェルの家族のルーツは独立戦争にまで遡る。[ 1 ]『ジョーン・ミッチェル レディ・ペインター：ある生涯』のダストジャケットの表紙内側の折り返しには、ミッチェルが相続人であると記されている。[ 2 ]彼女の母親、マリオン・ストローベルは相続人であると記されているが、父親のジェームズ・ハーバート・ミッチェル博士は「州南部の農家の無名家子」であった。[ 3 ]彼らは1922年12月6日にノース・ミシガン・アベニューで結婚した。[ 4 ]
1857年、マリオンの母方の祖父母であるサラ・ムーアとダニエル・バクスターは、マサチューセッツ州クインシーの「由緒ある」家庭を離れ、シカゴのオハイオ通りに定住した。[ 5 ] 1871年までに、ダニエル・バクスターは穀物ビジネスで10万ドル（ 2025年換算で270万ドル）を蓄えた。ジョーンの祖母ヘンリエッタ・バクスターは、彼らの5人の子供の長女だった。[ 5 ] 1890年、ヘンリエッタはシンシナティ生まれのチャールズ・ルイス・ストローベルと結婚した。[ 6 ]ストローベルは、財布工場のオーナーで移民のカール・ストローベルの息子で、バイエルンの磁器商人の子孫だった。[ 7 ]土木技師の訓練を受けたチャールズは、アンドリュー・カーネギーのキーストーン・ブリッジ・カンパニーで27年間働いた。[ 8 ]
ジェームズ・ハーバート・ミッチェルはイリノイ州ハバナ出身で、彼の母方の祖父母であるジョージとウェイティ・ヴォーガンは1839年にバーモント州からそこに移住した。 [ 9 ]ジェームズ・ポーク大統領が署名した177エーカー（0.277平方マイル）の土地の払い下げにより、彼らは農家を建て、トウモロコシ、小麦、馬、羊、乳牛を育てた。[ 10 ] 彼らの祖先はイギリス人入植者で、なめし革工場の経営者だった。[ 10 ]ジョーンは、彼女の父方の曽祖父がアメリカ独立戦争の戦闘員だったと主張していたことで知られている。これらの主張は確認されていない。[ 10 ]サラ・フェリシア・ヴォーンは、2人の兄弟と母親より長生きした後、1873年にジェームズ・ヒックマン・ハーンドン・ミッチェル氏と結婚した。彼女の病弱な父親は1874年に亡くなった。[ 10 ]ミッチェルは、バージニア州を離れてケンタッキー州、そしてイリノイ川沿いに入植したアイザック・ミッチェルとフランシス・ストリブリング・ミッチェルの11人の子供のうち末っ子だった。[ 11 ]彼女の異父大叔父（ジム・H・H・ミッチェルの異父兄弟）であるヘンリー・ハリソン・ミッチェルは、南北戦争で彼の郡の最初の犠牲者となった。[ 11 ]
ミッチェルはイリノイ州シカゴで、皮膚科医のジェームズ・ハーバート・ミッチェルと詩人のマリオン・ストローベル・ミッチェルの娘として生まれた。 [ 12 ]父親はアメリカ皮膚科学会の会長を務め、母親は『ポエトリー』誌の共同編集者を務めた。[ 1 ]彼女は幼い頃から飛び込みやスケートを楽しんでおり、後に彼女の芸術にもこの運動能力が反映されることになる。あるギャラリーのオーナーは、ミッチェルは「まるで競技スポーツのように絵画に取り組んでいた」と評した。[ 13 ]ミッチェルはシカゴ美術館の土曜美術教室によく通い、やがて思春期後半の夏は美術館が運営する芸術家村、オックスボウで過ごすようになった。彼女はストリータービル地区のチェスナット通りに住み、リンカーンパーク地区のフランシス・W・パーカー高校に通った。パーカー高校の同級生エドワード・ゴーリーと親しく、後年も友人関係を続けたが、お互いの作品は好きではなかった。[ 14 ] 1936 年 4 月に彼女の母方の祖父であるチャールズ・ルイス・ストローベルが亡くなったとき、彼女の相続財産は彼の 50 万ドル ( 2025 年換算で1160万ドル)の 3 分の 2 であった。 [ 15 ]そして彼女は後に両親からの信託財産を相続することになる。[ 16 ]
ミッチェルはマサチューセッツ州のスミス大学で2年間学んだが、専業画家になりたかった。[ 1 ]その後、シカゴ美術館附属美術大学（SAIC）に入学し、[ 17 ] 1947年に美術学士号、 1950年に美術修士号を取得した。 [ 18 ]彼女は1944年にSAICの奨学金を得た。[ 19 ]彼女はメキシコでの夏の間に絵を描いた。[ 20 ] 1947年にマンハッタンに移った後、ニューヨーク市のハンス・ホフマンの学校で学びたいと思ったが、キュレーターのジェーン・リビングストンによると、ミッチェルは1回の授業に出席しただけで、「彼の言うことが一言も理解できなかったので、怖くなって帰ってしまいました」と語った。[ 21 ] 2,000ドル（2025年換算で27,063ドル）の旅行奨学金により、彼女は1948年から49年にかけてパリとプロヴァンスで研究することができ、[ 22 ]またスペインとイタリアにも旅行した。この期間、彼女の作品はますます抽象的になった。[ 23 ]
ミッチェルは1949年9月にフランスのル・ラヴァンドゥーでアメリカ人出版業者のバーニー・ロセットと結婚した。夫妻はその年の後半にニューヨーク市に戻った。[ 24 ]ロセットはグローブ・プレスを設立した。[ 25 ]二人は1952年に離婚した。[ 23 ]
1950年、ミッチェルはホイットニー・アニュアルで初めてウィレム・デ・クーニングの絵画を目にした。 [ 1 ]同年、ミッチェルは作品「人物と都市」で人物像を取り入れた最後の絵を描き、後に「これが私の最後の人物像になるだろうと分かっていた」と語っている。[ 26 ] その後、1950年代を通して、ミッチェルはニューヨーク派の芸術家や詩人たちと活発に活動し、アメリカ抽象表現主義運動と関係があったが、彼女自身は美的レッテルを嫌っていた。[ 27 ] [ 28 ] 1950年から、彼女はグリニッジ・ヴィレッジにスタジオを構え、最初は11番街、後に9番街に移った。[ 24 ] 1950年代後半からフランスを拠点としていたにもかかわらず、1982年までニューヨーク市のアパートを所有していた。[ 29 ]彼女は、シーダー・タバーンや、8番街にある招待制のロフトスペースであるザ・クラブといった、由緒ある芸術家が集まる場所の常連で、ミッチェルは1950年代を通してそこでパネルディスカッションに参加したり、社交の集まりに出席したりしていた。[ 23 ]： 32
ミッチェルは、彼女が大いに賞賛していたニューヨーク・スクールの画家仲間であるフィリップ・ガストン、フランツ・クライン、ウィレム・デ・クーニングと活発な創作上の対話を続けていた。 [ 23 ]ケイティ・シーゲルがジョーン・ミッチェルについて書いたように、「彼女は彼らのスタジオや展覧会に行き、彼らも彼女のスタジオや展覧会に来た。彼女は彼らと夕食やお酒を共にし、一緒に、あるいは一人で、画材や偉大な芸術について語り合った。」[ 23 ] : 31–32リー・クラズナー、グレース・ハーティガン、ヘレン・フランケンターラー、シャーリー・ジャッフェ、エレイン・デ・クーニング、ソニア・ゲクトフとともに、ミッチェルは同時代において批評家の称賛と認知を得た数少ない女性アーティストの一人であった。[ 30 ]
1951年、ミッチェルの作品は、美術商レオ・カステリとアーティスト・クラブのメンバーが企画した画期的な「ナインス・ストリート・ショー」で展示された。このショーには、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、ハンス・ホフマンの作品も含まれていた。[ 31 ]ジョーン・ミッチェルは、カステリの助けを借りて、大きな抽象画を街中を運んだ。[ 32 ]彼女の友人であるクラインとデ・クーニングは、彼女の作品を素晴らしいと考え、展覧会でその絵を良い場所に置いた。[ 12 ]彼女の最初の個展は、1952年にニューヨークのニュー・ギャラリーで開催された。 [ 21 ]
1950年代半ばまでに、ミッチェルはフランスへの旅行や仕事に費やす時間が増えていった。[ 33 ]彼女はニューヨークで定期的に作品を発表し続け、1950年代から1960年代にかけてはステーブル・ギャラリーで数多くの個展を開催した。 [ 34 ]リンダ・ノックリンとのインタビューで、ミッチェルは、多くの同僚が彼女の芸術活動を非常に支持してくれたものの、美術界の女性であったために、いくつかの挫折を経験したことを認めた。彼女はかつてハンス・ホフマンから「絵を描くべきだ」と言われたことがあると語った。それはとても素敵な言葉に聞こえるが、彼女はそれを、男性アーティストは女性アーティストにそれほど脅威を感じておらず、彼女たちが芸術活動を進めることを気にしないという意味だと受け取った。[ 35 ]
1955年、パリ滞在中にミッチェルはカナダ人画家のジャン＝ポール・リオペルと出会い、彼とは長く、豊かで、波乱に満ちた関係（1955年から1979年まで）を築くことになる。[ 36 ]二人は別々の家とスタジオを構えていたが、ほぼ毎日一緒に夕食をとり、酒を飲んだ。[ 12 ]同年、ミッチェルは作家のサミュエル・ベケットと初めて出会った。二人の関係は個人的なものだけでなく、知的なものでもあった。批評家のルーシー・ジェフリーは、二人の相互の影響とポール・セザンヌへの関心について、「ミッチェルとベケットは、振り子のように、ダイナミズムとためらい、明快さと曖昧さの間を揺れ動き、そうすることで意味を曖昧にして、還元的な分類に抵抗するスタイルを共有している」と説明している。 [ベケットの短いテキスト]「ある夜」と[ミッチェルの絵画] 「トンド」では、テキスト/キャンバスの旅人である私たちが「終わりのない終わりや始まりの光の中」を旅するような自己言及的な断片が作られている（ベケット、2009、126）。[ 37 ]
1956年、ミッチェルは彼女の代表作の一つである『ヘムロック』を描いた。この作品は、完成後に彼女自身がウォレス・スティーブンスの1916年の詩『黒人の支配』の「暗く青みがかった雰囲気」と呼んだものから名付けられた。[ 38 ] [ 39 ]
1957年10月、ミッチェルの作品に関する最初の主要な特集記事がARTnewsに掲載された。「ミッチェルが絵を描く」と題された記事の中で、美術評論家のアーヴィング・サンドラーは、「彼女が表現しようと努めている感情は、『詩の一行と散文の一行を区別する性質』と定義している。しかし、感情には外部の参照点が必要であり、自然が彼女の作品における外部の実体を提供している」と書いている。[ 28 ] 1950年代末までに、ミッチェルはタイム誌の「ヴォーカル・ガールズ」の一人に選ばれた。[ 1 ]
1959年までに、ミッチェルはフランスに定住し、パリ15区のフレミクール通りのスタジオで絵を描いていた。 [ 40 ]ミッチェルはこの賃貸物件を1960年代のほとんどの間所有していた。[ 1 ]彼女は恋人のリオペルに誘われてパリに来た。[ 25 ]この間、彼女の絵画は大阪の「新時代の国際美術：アンフォルメルと具体美術」展、第29回ヴェネツィア・ビエンナーレ、第5回サンパウロ近代美術館ビエンナーレ、カッセルのドクメンタIIなど、数々の著名な国際展に出品された。[ 41 ]ステーブル・ギャラリーでの定期的な個展やニューヨークの他の会場でのグループ展に加えて、彼女はパリのギャラリー・ジャン・フルニエ（1963年まではギャラリー・クレベールとして知られていた）で展示を始めた。[ 34 ]フルニエは30年以上にわたりミッチェルのパリのディーラーであり続けた。
また、1960年代初頭には、ミッチェルはパリのギャラリー・ヌーヴィル（1960年）とギャラリー・ローレンス（1962年）で個展を開催した。[ 34 ]さらに、イタリア（ミラノのガレリア・デッラリエテ、1960年）とスイス（ベルンのクリップシュタイン・ウント・コルンフェルト、1962年）でも個展を開催した。[ 34 ] 1960年代を通して、ミッチェルの作品はパリのサロン・ド・メとサロン・デ・レアリテ・ヌーヴェルに出品されたほか、フランス、ドイツ、イタリア、スイス、日本、オランダ、その他の国際的な会場で開催された数多くのグループ展にも出品された。[ 34 ]
1960年から1964年の間、ミッチェルは初期の作品に見られた全面的なスタイルや鮮やかな色彩から離れ、代わりに暗い色調と中央の濃い色の塊を用いて、未分化で原始的なものを表現した。これらの作品の痕跡は並外れたものと言われている。「絵具はキャンバスに投げつけられ、絞り出され、表面にこぼれ、飛び散り、画家の指で塗りつけられた。」[ 42 ]画家自身は、1960年代初頭のこの時期に制作された作品を「非常に暴力的で怒りに満ちている」と評したが、1964年までには「暴力的な段階から抜け出して、何か別のものに移行しようとしていた」[ 43 ] 。一時期、ミッチェルは存命する最も偉大な抽象画家としてデ・クーニングと肩を並べた。[ 44 ]この頃には、クラインやポロックといった彼女と同レベルの抽象表現主義の巨匠たちは亡くなっており、デ・クーニングは具象的な作品に戻っていたため、彼女が抽象表現主義においてこのような急進的な様式転換を行う余地ができた。[ 25 ]
1967年、ミッチェルは母親の死後、十分な遺産を相続し、フランスのジヴェルニー近郊のヴェトゥイユという町にある2エーカーの土地を購入した。その土地の庭師小屋は、かつてクロード・モネの家だった。ミッチェルは「犬の散歩をしなくて済むように」その家を買ったのだが、それは彼女の13匹の犬にとって都合が良かった。[ 35 ]パリから35マイル（56.3km ）離れた場所に位置するこの土地で、彼女は残りの人生をそこで過ごし、制作活動を行った。[ 25 ]ヴェトゥイユの風景、特にセーヌ川の眺めと彼女の所有地の庭園は、彼女の作品の頻繁な参照点となった。[ 23 ] : 122しかし、死期が近づくと、彼女は以前の所有者を気にせずにその土地を取得したかのように、また、彼の名前の発音さえ知らないかのように、それをボネと韻を踏ませて話した。[ 1 ]ミッチェルはよくニューヨークの芸術家仲間をヴェトゥイユでの創作合宿に招待していた。画家ジョイス・ペンサトはこう回想している。「彼女は若い人たちに何かを与えたかったんです。カール（プランスキー）と私はそれをフレッシュ・エア・ファンドと呼んでいました…彼女が初めて私を夏に招待してくれた時、結局3月から9月まで滞在することになりました。私は6ヶ月間洗脳されたようなもので、そうやって自分が何者なのかを知ったのです。」[ 46 ]
1968年、ミッチェルは、故郷のスマート美術館のコレクションに抽象表現主義の作品が収蔵された最初のアーティストとなった。ミッチェルの《Untitled》（1961年）が同美術館への最初の寄贈作品の一つとなったのである。[ 47 ] [ 48 ]同年、ミッチェルはニューヨークのマーサ・ジャクソン・ギャラリーで展示を開始し、1970年代まで同ギャラリーで展示を続けた。 [ 34 ] 1972年、ミッチェルはニューヨーク州シラキュースのエバーソン美術館で、初の主要な美術館展「 My Five Years in the Country」を開催した。 [ 49 ]この展覧会、特に1960年代後半から1970年代初頭にかけてのミッチェルの「ひまわり」の絵画は、批評家から高い評価を受けた。[ 50 ]ニューヨーク・タイムズに寄稿したピーター・シェルダールは、ミッチェルは最終的に「50年代だけでなく、60年代、70年代においても最高のアメリカ人画家の一人として認められるだろう」と予測した。彼は続けて、「この主張は、最近シラキュースのエバーソン美術館で開催された、ミッチェルの大規模で、ほとんど畏敬の念を抱かせるほど美しい展覧会（フランスに住んでいた5年間に描かれた49点の絵画、中には巨大なものもある）を鑑賞する幸運に恵まれた人にとっては、大げさに思えないだろう」と述べた。[ 49 ]この展覧会は、エバーソン美術館での展示の後、マーサ・ジャクソン・ギャラリーに巡回した。[ 34 ]
1969年、ミッチェルは最初の大型三連作である幅16.5フィートの「雪のない」（ Sans Neige）を完成させた。[ 51 ]
フランスを拠点としていたミッチェルは、ニューヨークのアートシーンにおけるポップアート、ミニマリズム、コンセプチュアリズムへのシフトには巻き込まれなかった。[ 25 ]ミッチェルは1972年にエバーソン美術館で初の美術館展を開催した。[ 1 ] 1976年、ミッチェルはニューヨークのギャラリスト、グザヴィエ・フルカデと定期的に展覧会を開催し始め、フルカデは1987年に亡くなるまで彼女のニューヨークでのディーラーを務めた。
1979年、ミッチェルは、後に彼女の最もよく知られることになる大規模作品2点、多翼祭壇画『ラ・ヴィ・アン・ローズ』（フランスのシャンソン歌手エディット・ピアフの有名な歌にちなんで名付けられた）と『サリュ・トム』 （ 1978年に亡くなった友人の美術評論家兼キュレーターのトーマス・B・ヘスに捧げられた）を完成させた。 [ 52 ] [ 53 ]タウシフ・ヌールはニューヨーク・タイムズ紙 に寄稿した記事の中で、『ラ・ヴィ・アン・ローズ』について次のように述べている。「ミッチェルは、黒と青の筆致の力強く、ほとんど暴力的な部分を、ラベンダーと淡いピンクの霞と並置することで、鑑賞者の絵画のスケール感を歪め、視線を誘導している」。[ 54 ]
1982年、ミッチェルはパリ市立近代美術館で個展を開催した最初のアメリカ人女性アーティストとなった。[ 55 ]パリでは、作曲家のジゼル・バローや、ケイト・ヴァン・ホーテン、クロード・ボーレ・アラール、ミシェル＝アンドレア・シャット、モニーク・フライドマン、マキ・クセナキス、シャーリー・ジャッフェ、ズカ、ケイティ・クロウといった画家など、アーティスト仲間がいた。[ 12 ] 1984年11月、ミッチェルはバスティーユ地区でパリの精神分析医クリスティアーヌ・ルソー＝モセティグのセッションを開始した。そこで彼女はアメリカ人アーティストのサラ・ホルトとその夫でアーティストのジャン＝マックス・アルベールと出会い、友人となった。彼女はこう書いた。「子どもたち…あなたたちの複数形の作品と、もちろんあなたたち二人のことが本当に大好きです。作品もアーティストも好きになれてとても嬉しいです。そういう人に出会うのはかなり稀なので…とてもとても嬉しいです…」。[ 12 ]
1984年、ミッチェルは進行性口腔癌と診断され、下顎骨切除術（顎の切除）を勧められた。10月、彼女はキュリー研究所の放射線腫瘍学の先駆者であるジャン＝ピエール・バタイニ医師からセカンドオピニオンを受けた。バタイニ医師の治療は成功したが、ミッチェルは顎骨壊死（骨壊死）と不安、うつ病に苦しむことになった。彼女は医師の指示で禁煙したが、飲酒は続けていた。[ 12 ]
1985 年以降、ミッチェルの癌後の絵画は、癌がもたらした心理的変化を反映している。6 点の「Between」絵画、「Faded Air I」、「Faded Air II」、「A Few Days」サイクル、「Before, Again」サイクル、そして4 点の「Then, Last Time」グループである。[ 12 ] : 382–383股関節形成不全の結果として変形性関節症を発症したため、ミッチェルの健康状態はさらに悪化した。1985 年 12 月にコシャン病院で股関節置換手術を受けたが、ほとんど成功しなかった。その後、ルーヴシエンヌの診療所で療養中に、水彩画を描き始めた。術後の困難により、イーゼルを使用し、より小さなフォーマットで制作する必要があった。彼女の「River」サイクルはこの時期を象徴している。[ 12 ]
ほぼ同時期に、ミッチェルのニューヨークのディーラーであるグザヴィエ・フルカデがエイズと診断され、1986年に治療のためフランスへ渡った。フルカデとミッチェルは12月にリールを訪れ、レニングラードの国立エルミタージュ美術館所蔵のマティスの作品展を鑑賞した。この旅行がリール連作絵画の制作につながり、1987年4月28日にグザヴィエ・フルカデが亡くなった後、コード連作絵画が制作された。リールとコードの絵画「川」は、1987年6月10日から7月13日までパリのジャン・フルニエ画廊で展示された。[ 56 ]
1988年、ミッチェルの作品は大規模な回顧展で紹介され、彼女はそれを「生きた美術史」と呼んだ。[ 12 ] 「ジョーン・ミッチェルの絵画：36年間の自然表現主義」と題されたこの展覧会は、1988年から1989年にかけてアメリカ各地を巡回し、コーコラン美術館を皮切りに、サンフランシスコ美術館、オールブライト＝ノックス美術館、ラホヤ現代美術館、コーネル大学のハーバート・F・ジョンソン美術館を巡回した。[ 24 ]
ミッチェルのロバート・ミラー・ギャラリーでの初の個展（9点の絵画）は、1989年10月25日から11月25日まで開催された。[ 57 ]ロバート・ミラー・ギャラリーでの2回目の個展は、1991年3月26日から4月20日まで開催された。[ 56 ]この個展は非常に人気があり、ニューヨーク・タイムズのジョン・ラッセルは、展示された絵画を「彼女自身に特有の自律的な痕跡にすべてを賭けた人物による自画像」と評した。[ 58 ]
ミッチェルは晩年、新たな集中力をもってヒマワリの主題に再び取り組んだ。[ 59 ] 1990年から91年にかけての「ヒマワリ」は、「枯れゆくヒマワリの感情を伝える」ために描かれた。[ 60 ]
1992年10月、ミッチェルはニューヨーク近代美術館で開催されたマティス展[ 61 ]のためにニューヨークへ飛んだ。到着後、医師の診察を受けたところ、進行した肺がんと診断された[ 62 ]。10月22日にパリに戻り、パリの病院に入院する前に一時的にヴェトゥイユに滞在した。病院では、ジョン・チェイムやジョセフ・ストリックなどの友人が彼女を訪ねた[ 62 ]。彼女は1992年10月30日の朝、パリのアメリカン病院で亡くなった[ 63 ]。
ミッチェルの絵画スタイルは年月を経て変化したが、1950年代初頭から1992年の最後の作品まで、彼女は抽象表現にこだわり続けた。幼い頃にシカゴ美術館を訪れて19世紀の絵画を鑑賞した経験に基づき、ミッチェルはポール・セザンヌ、ワシリー・カンディンスキー、アンリ・マティス、フィンセント・ファン・ゴッホを自身の作品に影響を与えた画家として挙げており[ 23 ] 、 「マティスのように絵が描けたら、天国にいるような気分だ」と語っていた[ 64 ]。彼女の絵画は広がりがあり、しばしば複数のパネルにまたがる。記憶や、記憶に残る風景にまつわる感情が、彼女の作品の主要な素材となった。ミッチェルは批評家のアーヴィング・サンドラーに「私は風景を常に持ち歩いている」と語った[ 28 ]。
ミッチェルは主に油絵具で下地処理済みのキャンバスや白い下地に絵を描き、ジェスチャー的で時には激しい筆致を用いた。彼女は絵画を「空間の中で回転する有機体」と表現している。[ 65 ]
美術史家のリンダ・ノックリンによれば、「ミッチェルの絵画の意味と感情的な強さは、いわば一連の対立によって構造的に生み出されている。密な筆致と透明な筆致、格子状の構造とより混沌としたアドホックな構成、キャンバス下部の重みと上部の重み、明と暗、断片的な筆致と連続的な筆致、調和のとれた色相と衝突する色相の並置など、すべてが意味と感情の強力な兆候である。」[ 66 ]
ミッチェルは、自分の絵で「枯れゆくヒマワリの気持ちを伝えたい」と言い、「中には、とても恥ずかしがり屋の若い女の子のように見えるものもある…とても人間らしい」と語った。[ 65 ]ミッチェルは自分の感情に強く影響を受け、それを作品に取り入れた。彼女は、自分の絵に影響を与えたこれらの感情を詩に例えたことさえある。[ 67 ]
ミッチェルは遺言で、自身の遺産を管理しながらアーティストを「支援し援助する」財団の設立を定めた。[ 68 ] 1993年にニューヨークで非営利法人として設立されたジョーン・ミッチェル財団は、米国を拠点とする画家、彫刻家、アーティスト集団に助成金やフェローシップを授与している。[ 69 ] 1,000人以上の米国在住アーティストが財団から助成金を受けており、[ 70 ]メル・チン（1995年）、[ 71 ]エイミー・シルマン（1999年）、[ 72 ]フランコ・モンディーニ＝ルイス（2001年）、[ 73 ]マーク・ブラッドフォード（2002年）、[ 71 ]ワンゲチ・ムトゥ（2007年）、[ 71 ]シモーネ・リー（2011年）、[ 74 ]エイミー・シェラルド（2013年）、[ 71 ]アマンダ・ロス＝ホー（2013年）、[ 75 ]アン・パーセル（2014年）、[ 76 ]ミチ・メコ（2017年）、[ 77 ]エリザベス・コンドン（2018年）、[ 78 ]ダニエル・リンド＝ラモス（2019年）、[ 79 ]ザロウヒ・アブダリアンなどが含まれる。（2020年）[ 80 ] 、およびライザ・シルヴェストル（2021年）。[ 81 ]財団は、キャリア記録、在庫管理、遺産計画の分野でアーティストに無料のリソースと指導を提供しています。[ 82 ] 100歳の誕生日の時点で、彼女の財団（同時代のロバート・ラウシェンバーグの財団とともに）は、最大かつ最も影響力のある視覚芸術財団の1つと見なされていました。[ 83 ]
ルイジアナ州ニューオーリンズのジョーン・ミッチェル・センターのアーティスト・イン・レジデンス・プログラムは、2015年にセブンス・ワードのバイユー・ロード2275番地に開設されました。[ 84 ]ニューオーリンズのジョーン・ミッチェル・センターは、6週間または14週間の滞在を通して、アーティストに創作活動のための時間と空間を提供しています。アーティストは、芸術専門家、提携芸術団体、コミュニティの他の人々と交流する機会を得られます。応募者は、過去5年間ニューオーリンズに拠点を置いているか、ニューオーリンズ出身であるか、またはジョーン・ミッチェル財団の助成金を以前受給したことがある必要があります。[ 85 ]過去の滞在プログラム参加者には、レイラ・アリ、ファイアレイ・バエズ、ヘザー・ハート、マレン・ハッシンガー、ローラ・キナ、キャリー・モイヤー、シャニ・ピーターズ、アリソン・サール、エイミー・シェラルド、カレン・ワシントン・ジュニア、カール・ジョー・ウィリアムズ、メル・ジーグラーなどがいます。[ 86 ]
さらに、財団はミッチェルの美術作品、文書（書簡や写真を含む）、および彼女の生涯と作品に関連するその他のアーカイブ資料のコレクションを管理しています。[ 69 ] 2015年、財団はジョーン・ミッチェル作品目録プロジェクトを設立し、最終的に作品目録を出版するためにミッチェルの絵画を調査しています。[ 87 ]
ミッチェルの作品は、1961年と1974年に中期回顧展で取り上げられ[ 34 ]、1988年と1989年には後期回顧展が巡回した。回顧展「ジョーン・ミッチェルの絵画」は、2002年にホイットニー美術館で開幕した。展覧会の開幕前夜、友人であり美術評論家のクラウス・ケルテスはニューヨーク・タイムズ紙に次のように書いている。「情熱的な内なるビジョンがジョーンの筆を導いた。同時代のサイ・トゥオンブリーのように、彼女は抽象表現主義の先人たちの語彙を拡張した。彼女は彼らの絵画性に、構図と色彩の大胆さを吹き込み、その美しさを掴むよう私たちを挑発的に驚かせた。」[ 88 ]
2016年、彼女の作品はデンバー美術館が主催した「抽象表現主義の女性たち」展に出品された。[ 89 ] 2015年には、オーストリアのブレゲンツ美術館が「ジョーン・ミッチェル回顧展：彼女の生涯と絵画」を開催し、ドイツのケルンにあるルートヴィヒ美術館に巡回した（2015～2016年）。[ 90 ]
ミッチェルの作品は、ポンピドゥー・センターで開催された2021年の展覧会「抽象の女性たち」に出品された。[ 91 ]
2021年9月、サンフランシスコ近代美術館でジョーン・ミッチェルの包括的な回顧展が開幕した（2021年9月4日～2022年1月17日）。この回顧展は、SFMOMAのサラ・ロバーツとボルチモア美術館のケイティ・シーゲルが共同キュレーターを務めた。ニューヨーク・タイムズの評論家タウシフ・ヌールは、この展覧会について「ミッチェルが歴史に名を残す偉大な画家の一人となるという揺るぎない決意が、抽象表現主義の輪郭を広げる独自のスタイルを生み出した経緯をたどっている」と評した。[ 92 ] SFMOMAでの開催後、この展覧会はボルチモア美術館（2022年3月6日～8月14日）とパリのルイ・ヴィトン財団（2022年秋）を巡回した。[ 93 ] 2023年、彼女の作品はロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで開催された展覧会「アクション、ジェスチャー、ペイント：女性アーティストとグローバルな抽象表現 1940-1970」に出品された。 [ 94 ]
2023年3月25日から6月25日まで、セントルイス美術館で「モネ／ミッチェル：フランスの風景を描く」展が開催されました。[ 95 ] この展覧会では、ミッチェルとクロード・モネのフランスの風景画が取り上げられました。また、この展覧会は2022年10月5日から2023年2月27日まで、パリのルイ・ヴィトン財団でも開催されました。展覧会カタログはサイモン・ケリーが執筆し、スザンヌ・パジェとマリアンヌ・マチューが寄稿しました。ISBN 978-3-777-44092-7
ミッチェルの作品は、世界中の100以上の公共機関の永久コレクションに収蔵されている。[ 96 ]
ミッチェルの作品は、生前も死後も商業的に非常に成功を収めている。ミッチェルは、キャリアの真っ只中であった1960年から1962年の間に、作品販売で3万ドル以上を稼いだ。これは当時、女性画家としては重要な金額であった。[ 97 ]
1992年にミッチェルが亡くなった当時、彼女はニューヨークのロバート・ミラー・ギャラリーとパリのジャン・フルニエ・ギャラリーに所属していた。両ギャラリーは1990年代を通して彼女の作品の展覧会を開催し続けた。[ 34 ] 2004年、ニューヨークのチェイム＆リードがジョーン・ミッチェル財団のギャラリー代理を引き継ぎ、同ギャラリーは2018年に財団が代理をデイヴィッド・ツヴィルナーに移すまで、ミッチェルの作品の個展を数多く開催した。[ 98 ] [ 99 ] 2019年、ミッチェルのマルチパネル作品が、ニューヨークのデイヴィッド・ツヴィルナーで開催された「ジョーン・ミッチェル：私は風景を常に持ち歩いている」と題された個展のテーマとなった。[ 100 ]
2007年、シカゴ美術館はクリスティーズ・ニューヨークでミッチェルの作品「サント・イレール、1957年」 [ 33 ]を380万ドルで売却した。 [ 101 ] 2012年には、クリスティーズ・パリでミッチェルの無題の1971年の絵画が520万ユーロ（700万ドル）で売却された。[ 101 ]オークションデータベースArtnetによると、その年、ミッチェルのキャンバス作品はオークションで販売された女性アーティストの作品の中で最も高額な2点だった。[ 102 ]ブルームバーグがまとめた数字によると、ミッチェルの作品は1985年から2013年までに2億3980万ドルの売上を記録した。[ 103 ]
2014年にクリスティーズ・ニューヨークで、ミッチェルの無題の1960年の抽象画が1190万ドルで落札され、最高予想価格を上回り、同アーティストのオークション記録を樹立した。この結果はまた、ベルト・モリゾの『昼食後』（1881年）が保持していた、オークションにおける女性アーティストの作品の新記録も樹立した。[ 104 ] [ 105 ] [ 106 ]この価格は、 2014年11月20日にジョージア・オキーフの1932年の絵画『ジムソン・ウィード／ホワイト・フラワー No.1』が達成した4440万ドルによってさらに上回られた。[ 107 ] 2018年6月、世界最大の現代美術フェアであるアート・バーゼルで、ミッチェルの絵画9点が7000万ドル以上で落札されると予想された。[ 13 ]彼女の作品5点が合計4900万ドルで売却され、その中にはそれぞれ1400万ドルで売却された「Composition (1969)」と「Untitled (1959)」が含まれる。 [ 108 ] [ 109 ] 2021年5月、ミッチェルの絵画「12 Hawks at 3 O'Clock (ca. 1962)」がアート・バーゼル香港で記録的な2000万ドルで売却された。[ 110 ]
2023年11月9日、クリスティーズで《Untitled》 （1959年頃）が2,916万ドルで、11月16日、サザビーズで《Sunflowers》（1990～91年）が2,790万ドルで落札され、このアーティストの作品で2,000万ドルを超える価格で落札された最初の2作品となった。[ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]ミッチェルの作品のオークションでのこれまでの最高額は、 2018年にクリスティーズ・ニューヨークで《Blueberry》（1969年）が1,690万ドルで落札された時だった。[ 114 ]ミッチェルは完成後、1991年に《Sunflower》をジョン・チェイムに贈呈した。 [ 115 ] 2024年5月、サザビーズで《Noon》（1969年頃）が2,260万ドルで落札され、1,500万～ 2,000万ドルの予想を上回った。[ 111 ] [ 116 ] 2024 年 6 月、サンフラワー(1990–91)と題された作品がアート バーゼルで 1,800 万～ 2,000 万ドルの範囲で売却されましたが、[ 117 ]これは 2023 年のサザビーズのオークションに出品された作品ではありませんでした。[ 118 ]シティ ランドスケープは 1,500 万～ 2,000 万ドルの範囲で売却されると予想され、最終的に 2024 年 11 月 19 日にクリスティーズで 1,708 万 000 ドルで売却されました。[ 119 ] 2026 年 3 月、ミッチェルは、2020 年にニューヨークのクリスティーズで 1,450 万ドルで売却されたラ グランデ ヴァレ VII (1983) が、サザビーズ香港でハンマー価格 1,470 万ドル、手数料込みで 1,760 万ドルで売却され、アジアのオークションで作品が売却された最高額の女性アーティストとなりました。[ 120 ]
2025年、アメリカの実業家で慈善家のホルヘ・M・ペレスとその妻ダーリーンは、ミッチェルの1973年の記念碑的な三連作「イヴァ」をロンドンのテート・モダンに寄贈した。[ 121 ]
発行日順（逆時系列）