肖像画

肖像画は、特定の人物を描写することを目的とした絵画のジャンルです。「肖像画」という用語は、実際に描かれた肖像画を指すこともあります。肖像画家は、公的または私的な人物からの依頼を受けて作品を作成する場合もあれば、対象に対する賞賛や愛情からインスピレーションを得て作品を作成する場合もあります。肖像画は、多くの場合、重要な国家および家族の記録、および記念品として機能します。

歴史的に、肖像画は主に富裕層や権力者を記念するものでした。しかし、時が経つにつれて、中流階級のパトロンが家族や同僚の肖像画を依頼することが一般的になりました。今日でも、肖像画は政府、企業、団体、クラブ、個人から依頼されています。肖像画は絵画だけでなく、版画（エッチングやリトグラフを含む）、写真、ビデオ、デジタルメディアなどの他の媒体でも作成できます。

今日では、肖像画を描く目的は、その人物を見た人が認識できる肖像を描くこと、そして理想的にはその人物の外見をよく記録することであるということは明白に思えるかもしれません。実際、この概念はゆっくりと発展し、異なる伝統を持つ芸術家が肖像画を描くための独特の技術を習得するのに何世紀もかかりました。

よくできた肖像画は、文字通りの似顔絵ではなく、（芸術家の観点から）対象の内面の本質や、魅力的な表現を示すことが求められます。アリストテレスは「芸術の目的は、物事の外見ではなく、その内面的な意味を示すことです。なぜなら、外見や細部ではなく、これが真の現実を構成するからです」と述べています。^[1]芸術家は、対象を描く際に写真のようなリアリズムや印象派的な類似性を求めるかもしれませんが、これは、身体的特徴を誇張して性格を明らかにしようとするカリカチュアとは異なります。芸術家は一般的に、代表的な描写を試みます。エドワード・バーン＝ジョーンズは「素晴らしい肖像画で許される唯一の表現は、一時的、つかの間の、または偶然のものではなく、性格と道徳的資質の表現です」と述べています。^[2]

ほとんどの場合、これは深刻な、唇を閉じた視線となり、わずかな微笑み以上のものは歴史的にかなりまれです。あるいは、チャールズ・ディケンズが言ったように、「肖像画には2つのスタイルしかありません。真剣さと薄笑いです。」^[3]これらの制限があっても、静かな脅迫から穏やかな満足感まで、微妙な感情をすべて表現できます。しかし、口は比較的ニュートラルであるため、顔の表情の多くは目と眉毛を通じて作成する必要があります。作家でアーティストのゴードン・C・アイマーは、「目は、対象について最も完全で信頼性が高く適切な情報を探す場所です」と述べています。そして、眉毛は、「ほとんど単独で、驚き、哀れみ、恐怖、痛み、皮肉、集中、物思い、不快感、期待を無限のバリエーションと組み合わせで表すことができます。」^[4]

肖像画は主題を描くことができる」全身（全身）半身丈（頭から腰またはヒップまで）頭と肩（バスト）、または頭だけ。被写体の頭は「フルフェイス（正面図）からプロファイルビュー（側面図）;「スリークォータービュー（「2/3 ビュー」）は、ほぼ正面からほぼ横顔までの範囲の中間のどこかにあります（分数は、横顔（顔の半分）と反対側の「1/4 顔」の合計です。 ^[5]または、 2 ⁄ 3と数値化され、この部分ビューが顔の半分以上であることを意味します）。時には、アンソニー・ヴァン・ダイクのチャールズ 1 世の 3 枚の肖像画「Three Positions」のように、複数の方向からのビューを合成した作品を制作するアーティストもいます。 ^[6]被写体の正面がまったく見えない肖像画もいくつかあります。 アンドリュー・ワイエスのクリスティーナの世界（1948 年）は有名な例で、背中を向けた障害を持つ女性のポーズが、彼女が配置されている環境と一体となってアーティストの解釈を伝えています。 ^[7]

その他の変数としては、主題は服を着ていても裸でも、屋内でも屋外でも、立っていても座っていても横たわっていても、さらには馬に乗っていても構いません。肖像画の題材は、個人、カップル、親子、家族、同僚のグループなどです。肖像画は、油彩、水彩、ペンとインク、鉛筆、木炭、パステル、混合媒体など、さまざまな媒体で作成できます。ピエール＝オーギュスト・ルノワールの『シャルパンティエ夫人とその子供たち』 （1878年）のように、芸術家は幅広い色のパレットを使用することもあれば、ギルバート・スチュアートの『ジョージ・ワシントンの肖像』（1796年） のように、主に白か黒に限定することもあります。

肖像画の全体の大きさは、重要な考慮事項となることがあります。 博物館展示用に制作されたチャック・クローズの巨大な肖像画は、家庭に収まるように、またはクライアントと一緒に簡単に持ち運べるように設計されたほとんどの肖像画とは大きく異なります。多くの場合、アーティストは、最終的に肖像画をどこに掛けるか、周囲の装飾の色やスタイルを考慮します。^[8]

肖像画の制作にはかなりの時間がかかり、通常は複数回の着席が必要となる。極端な例として、セザンヌは100回以上の着席を要求した。^[9]一方、ゴヤは1日かけて着席することを好んだ。^[10]平均は約4日である。^{[11]肖像画家は}、ジョシュア・レイノルズ卿が行ったように、モデルにデッサンや写真のポートフォリオを提示し、モデルが好みのポーズを選択することがある。ハンス・ホルバイン（子）のように、顔のデッサンをしてからモデル抜きで残りの絵を完成させる人もいる。^[12] 18世紀には、完成した肖像画を依頼者に届けるまでに通常約1年かかった。^[13]

肖像画家にとって、モデルの期待と気分を管理することは重大な関心事である。肖像画がモデルの容姿に忠実であることに関しては、肖像画家は一般的に一貫したアプローチを取っている。ジョシュア・レイノルズ卿を頼った顧客は、満足のいく結果が得られることを知っていたが、トーマス・エイキンズのモデルは、現実的で容赦のない肖像画を期待していた。強い好みを表明する人物もいれば、アーティストに完全に決めさせる人物もいる。オリバー・クロムウェルは、肖像画に「これらすべての荒れ、吹き出物、いぼ、そしてあなたが私を見るすべてのものを見せてください。そうでなければ、私は肖像画に一銭も払いません」と要求したことで有名である。^[14]

モデルのリラックスした雰囲気を作り、自然なポーズをとらせた後、画家はモデルを観察し、多くの可能性の中から、モデルの本質に対する自分の考えに合う唯一の表情を探します。モデルの姿勢も、衣装と同様に、モデルの感情的および身体的状態を明らかにするために慎重に考慮されます。モデルの関心とモチベーションを維持するために、熟練した画家はしばしば快い態度と会話を維持します。エリザベート・ヴィジェ＝ルブランは、モデル仲間の画家たちに、モデルに協力してもらうために、女性を褒め、外見を褒めることを勧めました。^[14]

肖像画をうまく描くには、人体の解剖学に精通していることが重要です。人間の顔は非対称であり、熟練した肖像画家は左右の微妙な違いを再現します。説得力のある肖像画を描くには、基礎にある骨や組織の構造について十分な知識が必要です。

複雑な構図の場合、画家はまず鉛筆、インク、木炭、油彩で完全なスケッチを描くことがあります。これは、モデルの時間が限られている場合に特に便利です。そうでない場合は、全体の形を決めてから、キャンバスに鉛筆、木炭、薄い油彩で大まかな似顔絵を描きます。多くの場合、顔が最初に完成し、残りは後から描きます。多くの偉大な肖像画家のスタジオでは、師匠は頭と手だけを描き、衣服と背景は主な弟子が仕上げます。ジョセフ・ファン・アーケンのように、衣服やドレープなどの特定のアイテムを扱う外部の専門家もいました。 ^[15]過去の画家の中には、ポーズや衣服の決定と実行を助けるために、素人の人物像や人形を使用する人もいました。 ^[16]モデルの周囲に配置された象徴的な要素（標識、家庭用品、動物、植物など）の使用は、絵画に主題の道徳的または宗教的な性格、またはモデルの職業、関心、社会的地位を表すシンボルをエンコードするためによく使用されました。背景は完全に黒で何も描かれていない場合もあれば、被写体の社会的または娯楽的環境を表す完全なシーンである場合もあります。

自画像は通常、鏡を使って描かれ、完成したものは鏡像の肖像画、つまりモデルと画家が向かい合った通常の肖像画とは逆の姿になります。自画像では、画家が意図的に画像を修正したり、絵を描く際に 2 つ目の反転鏡を使用したりしない限り、右利きの画家は左手に筆を持っているように見えます。

時には、依頼者や依頼者の家族が肖像画の出来に満足せず、画家は修正ややり直しを余儀なくされるか、報酬を受けずに依頼を取り下げざるを得なくなり、失敗の屈辱を味わうことになる。展覧会で大人気だったジャック＝ルイ・ダヴィッドの有名な『レカミエ夫人の肖像』はモデルに拒否されたが、ジョン・シンガー・サージェントの悪名高い『マダムXの肖像』も同様だった。ジョン・トランブルの全身肖像画『トレントンにいるジョージ・ワシントン将軍』は依頼した委員会に拒否された。^[17]気難しいことで有名なギルバート・スチュアートは、妻の肖像画に不満を持った依頼者に対し、「ジャガイモを持ってきたのに、桃を期待しているのか！」と言い返したことがある。^[18]

しかし、肖像画がうまく描ければ、依頼主から生涯にわたる感謝を受けることができる。バルタザール伯爵はラファエロが描いた妻の肖像画に大変満足し、画家にこう言った。「あなたの肖像だけが私の悩みを軽くしてくれます。その肖像は私の喜びです。私はその肖像に微笑みを向けます。それが私の喜びなのです。」^[19]

肖像画の起源はおそらく先史時代に遡るが、今日残っている作品はほとんどない。肥沃な三日月地帯の古代文明、特にエジプトの美術には、支配者や神としての支配者の描写が溢れている。しかし、そのほとんどは高度に様式化された形で、ほとんどが横顔で、石、金属、粘土、石膏、水晶などに描かれている。エジプトの肖像画は、少なくとも紀元前14世紀のアケナテンの時代までは、肖像にあまり重点を置いていなかった。中国の著名人の肖像画はおそらく紀元前1000年以上前に遡るが、その時代のものは残っていない。現存する中国の肖像画は紀元後1000年頃のものだが^[20] 、それ以降しばらくは肖像にはあまり重点が置かれていなかった。

文学的証拠から、古代ギリシャの絵画には肖像画が含まれていたことがわかっています。作家の賞賛を信じるならば、肖像画はしばしば非常に正確でしたが、絵画の実例は残っていません。統治者やソクラテスのような有名人の彫刻された頭部はある程度残っており、硬貨に描かれたヘレニズム統治者の個別の胸像のように、ギリシャの肖像画はよく似せることができ、主題、少なくとも文学上の人物は比較的お世辞を交えずに描かれていたことを示しています。ソクラテスの肖像画は、彼がなぜ醜いという評判だったのかを示しています。アレクサンダー大王の後継者は、彼の頭部を（神格化された人物として）硬貨に追加する習慣を始め、すぐに自分たちのものも使用するようになりました。

ローマの肖像画は、エトルリア人とギリシャ人の両方から肖像画の伝統を取り入れ、祖先の肖像画の宗教的使用やローマの政治と結びついた非常に強い伝統を発展させました。また、ローマ支配下のエジプトから出土したファイユームの肖像画、アリーネの墓、セウェルス・トンドなどの数少ない絵画作品は、明らかにローマ様式ではなくギリシャ様式を反映した地方の作品ですが、中流階級の墓から出土した多くの個性的な肖像画を含む豊富な彫刻された頭部や、何千種類もの硬貨の肖像画が残っています。

肖像画の最も大きなグループは、エジプトのファイユーム地方の乾燥した気候の中で生き残った葬儀の絵画である（下図参照）。これは紀元2世紀から4世紀にかけてのものである。これらはフレスコ画を除けば、ローマ時代の絵画で生き残ったのはほぼこれだけであるが、大プリニウスの著作から、肖像画はギリシャ時代に確立され、男性と女性の両方の芸術家によって行われていたことがわかっている。^[21]プリニウスは当時、ローマの肖像画芸術の衰退状態について、「人々の正確な肖像を時代を超えて伝えてきた肖像画は完全に消え去ってしまった...怠惰が芸術を破壊した」と嘆いている。^{[22] [23]}ローマ帝国エジプトのこれらの正面肖像画は幸運な例外である。それらは、ある程度現実的なバランス感覚と個々のディテールを表現している（ただし、目は一般的に大きすぎ、芸術的スキルは芸術家ごとにかなり異なる）。ファイユームの肖像画は、木や象牙にワックスや樹脂の絵の具（エンカウスティック）やテンペラで描かれ、ミイラの包みの中に入れられ、永遠に遺体とともに残るようにした。

ローマでは、独立した肖像画が衰退する一方で、肖像芸術はローマの彫刻において栄え、モデルはたとえ見栄えが悪くても写実性を求めた。4 世紀には、彫刻による肖像画が主流となり、その人物の外見を理想化したシンボルが好まれるようになった。(ローマ皇帝コンスタンティヌス 1 世とテオドシウス1 世の肖像画を比較してください)後期古代には、個人の肖像への関心は大幅に低下し、後期ローマの貨幣や執政官の二つ折り絵画に描かれた肖像のほとんどに、ほとんど個性が表れていませんが、同時に初期キリスト教美術では、イエスや、洗礼者ヨハネ、聖ペテロなどキリスト教美術の主要人物の描写において、かなり標準化されたイメージが発展していきました。

中世初期の肖像画のほとんどは寄進者の肖像画で、当初はローマのモザイク画や装飾写本に描かれた教皇がほとんどで、作家、神秘主義者、科学者、装飾画家、音楽家であったヒルデガルト・フォン・ビンゲン（1152年）による自画像がその例である。 ^[24] 同時代の硬貨と同様に、肖像を描こうとする試みはほとんどなかった。ロマネスク時代には石造の墓碑が広まった。1350年から1400年の間には、世俗の人物がフレスコ画や板絵に再び現れ始め、例えばテオドリック大帝の『忠誠を誓うカール4世』^[25]があり、肖像画は再び明らかな肖像となった。

世紀の終わり頃、ブルゴーニュとフランスで、小さな木製パネルに描かれた同時代の人物の最初の油絵肖像画が、最初は横顔として、その後他の角度から描かれたものが登場しました。1400年頃のウィルトンの二連祭壇画は、同時代の例が残っている最も初期のイギリス王 であるリチャード 2 世の現存する 2 枚のパネル肖像画のうちの 1 つです。

15世紀の中世末期には、初期フランドル絵画が個性的な肖像画の発展の鍵となった。巨匠にはヤン・ファン・エイク、ロベルト・カンピン、ロヒール・ファン・デル・ウェイデンなどがいた。実物の半分以下のかなり小さな板絵の肖像画が、宮廷の人物だけでなく、比較的質素な服装から裕福な町民と思われる人物を描いて注文された。装飾写本のミニアチュールにも、通常は注文主の個性的な肖像画が含まれていた。宗教画では、寄進者の肖像画が、そこにいるように、または主要な神聖な場面に参加しているように描かれるようになり、より私的な宮廷画では、主題が聖母マリアなどの重要な人物として描かれるようになった。

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  ロベルト・カンピン（1375年頃 - 1444年）、「若い女性の肖像（夫と対になっている）」、1430年 - 1435年。ファン・デル・ウェイデンのスタイルはカンピンのスタイルを基礎としています。
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  アルノルフィーニの肖像、ヤン・ファン・エイク作、1434
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  フィリップ善良王に『エノー年代記』を贈呈するジャン・ウォークラン、ロジャー・ファン・デル・ウェイデン作の贈呈用ミニチュア、1448年
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  ロジャー・ファン・デル・ウェイデン「貴婦人の肖像」 c. 1460
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  最も初期の独立した自画像の一つ、ジャン・フーケ、1450年頃

レオナルドの『ジネヴラ・デ・ベンチ』（ 1474年頃 - 1478年）は、イタリア美術における最初の半身像の肖像画の一つである。^[26]

自然界への興味と古代ギリシャ・ローマの古典文化への興味から、絵画と彫刻の両方の肖像画はルネサンス社会で重要な役割を担い、物として、また現世での成功と地位の描写として評価された。絵画は一般的にバランス、調和、洞察力の新たなレベルに達し、最も偉大な芸術家（レオナルド、ミケランジェロ、ラファエロ）は「天才」とみなされ、商人の地位をはるかに超えて宮廷と教会の重用者へと昇格した。^[27]

この豊かな時代には、肖像画のさまざまな形式において多くの革新が起こりました。肖像画のミニチュアの伝統が始まり、写真の時代まで人気を保っていましたが、これは装飾写本のミニチュア画家の技術から発展したものです。

古代のメダリオンにインスピレーションを得た横顔の肖像画は、1450年から1500年にかけてイタリアで特に人気がありました。両面に絵が描かれたメダリオンは、ルネサンス初期に短命に終わった両面絵画の流行にも影響を与えました。^[28]ベルヴェデーレのアポロ などの古典彫刻も、ルネサンスの肖像画家が使用するポーズの選択に影響を与え、そのポーズは何世紀にもわたって使用され続けました。^[29]

北ヨーロッパの芸術家たちは、世俗的な主題の写実的な肖像画を先導した。15世紀の北方芸術家たちの写実性とディテールの向上は、イタリアやスペインの画家たちがまだテンペラを使用していたのに対し、油絵具ではより細かい筆遣いと効果が可能だったことに一部起因している。油絵具の技法を開発した最も初期の画家の一人がヤン・ファン・エイクである。油絵具は、より多くの質感と厚さの段階を生み出すことができ、より効果的に重ね塗りすることができ、より厚い層を一つずつ重ねていくことができる（画家たちは「薄い層の上に厚い層」と呼んでいた）。また、油絵具は乾燥が遅いため、顔の細部を変えるなど、芸術家は容易に変更を加えることができる。アントネッロ・ダ・メッシーナは、油絵具を活用した最初のイタリア人の一人である。ベルギーで訓練を受けた彼は、1475年頃にヴェネツィアに定住し、ジョヴァンニ・ベリーニと北イタリア派に大きな影響を与えた。 ^[30] 16世紀には、油絵具が媒体としてヨーロッパ中に広まり、衣服や宝石をより豪華に表現できるようになった。また、絵画の質に影響を与えたのは、 16世紀初頭にイタリアで始まり、次の世紀にかけて北ヨーロッパに広がった、木材からキャンバスへの切り替えでした。キャンバスは木材よりも割れにくく、顔料の保持力が高く、準備もあまり必要ありませんが、当初は木材よりもはるかに希少でした。

北欧人は早い段階で横顔の描写を放棄し、写実的な立体感と遠近法の肖像画を描き始めた。オランダではヤン・ファン・エイクが代表的肖像画家だった。『アルノルフィーニ夫妻の結婚』（1434年、ロンドン国立美術館蔵）は西洋美術の金字塔であり、豊かな色彩と精緻なディテールで見事に描かれた、カップルの全身肖像画の初期の作品である。しかし、同じくらい重要なのは、ファン・エイクが開拓した油絵という新しい技法をこの作品が披露していることである。この技法は芸術に革命をもたらし、ヨーロッパ中に広まった。^[31]

ルーカス・クラナッハ、アルブレヒト・デューラー、ハンス・ホルバイン（子）など、油絵の技法を習得したドイツを代表する肖像画家がいた。クラナッハは等身大の肖像画を描いた最初の画家の一人で、この伝統はその後人気を博した。^[32]当時のイギリスには一流の肖像画家がおらず、ホルバインのような画家がイギリスのパトロンから引っ張りだこだった。^[33]イギリスでの最初の重要なパトロンであるサー・トマス・モア（1527年）を描いた作品は、写真のような写実性がある。 ^{[34]ホルバインは}ヘンリー8世を含む王族を描いて大成功した。デューラーは優れたデッサン家であり、全身像を含む一連の自画像を描いた最初の主要画家の一人でもあった。彼はまた、宗教画のいくつかに自画像（傍観者）を登場させた。^[35]デューラーは13歳で自画像を描き始めた。^[36]後にレンブラントはその伝統を拡大することになる。

イタリアでは、マサッチオがより写実的な遠近法を採用することでフレスコ画の近代化を先導した。フィリッポ・リッピはよりシャープな輪郭線やしなやかな線の開発に道を開き^[37]、彼の弟子ラファエロはその後数十年で記念碑的な壁画でイタリアの写実主義をはるかに高いレベルにまで高めた。^{[38]この時期には、}ロレンツォ・ロットの得意とする婚約肖像画が人気を博した。^[39] ルネサンス初期には、肖像画は一般的に小さく、保護用の蓋や蝶番式またはスライド式の蓋で覆われることもあった。^[40]

ルネサンス期には、特にフィレンツェとミラノの貴族は、自分たちの姿をより写実的に表現することを望んだ。説得力のある全身像や半身像を創り出すという課題は、実験と革新を刺激した。 サンドロ・ボッティチェッリ、ピエロ・デラ・フランチェスカ、ドメニコ・ギルランダイオ、ロレンツォ・ディ・クレディ、レオナルド・ダ・ヴィンチなどの芸術家たちは、それに応じて技法を拡張し、伝統的な宗教的および古典的な主題に肖像画を加えた。レオナルドとピサネロは、世俗的な肖像画に寓意的なシンボルを加えた最初のイタリアの芸術家の一人であった。^[38]

西洋世界で最もよく知られている肖像画の一つに、レオナルド・ダ・ヴィンチの『モナ・リザ』がある。この絵は、フィレンツェとトスカーナのゲラルディーニ家の一員で、裕福なフィレンツェの絹織物商フランチェスコ・デル・ジョコンドの妻であったリザ・デル・ジョコンドにちなんで名付けられた。[ ^{41] [ 42][43]}有名な「モナ・リザの微笑み」は、顔に微妙な非対称性を適用した優れた例である。ノートの中で、レオナルドは肖像画における光の性質について次のようにアドバイスしている。

暗い部屋の入り口に座っている人々の顔には、光と影の非常に高い優美さが加えられ、観察者の目には部屋の影に隠された顔の影の部分が見え、空気が与えるより大きな輝きで顔の明るい部分が見える。この影と光の増大により、顔はより一層浮き彫りになる。^[44]

レオナルドはヴェロッキオの弟子であった。画家組合の会員となった後、彼は独立した注文を受けるようになった。彼の幅広い興味と科学的思考により、完成した芸術作品は比較的少ないものの、素描や下絵の作品は膨大である。彼の他の印象的な肖像画には、貴族の女性ジネヴラ・デ・ベンチやチェチーリア・ガッレラーニのものなどがある。^[45]

ラファエロが依頼されて描いた肖像画は、レオナルドのものよりはるかに多く、ポーズ、照明、技法も多岐にわたる。ラファエロの偉大な功績は、革命的な革新を生んだというよりは、むしろルネサンス美術の発展の潮流を強化し、洗練させたことにある。^[46]彼は特に集団肖像画の専門家であった。彼の代表作である『アテネの学堂』^{は、レオナルド、ミケランジェロ、ブラマンテ、そしてラファエロ自身を古代哲学者に扮した肖像画を含む、最も著名な集団フレスコ画の一つである。 [47]}これは芸術家による最初の集団肖像画ではなかった。その数十年前に、パオロ・ウッチェロがジョット、ドナテッロ、アントニオ・マネッティ、ブルネレスキを含む集団肖像画を描いていた。^[35]名声が高まるにつれ、ラファエロは教皇たちのお気に入り肖像画家となった。ルネサンス期の芸術家の多くが肖像画の依頼を熱心に引き受けた一方で、それを断った芸術家も数人いた。最も有名なのはラファエロのライバルであるミケランジェロで、ミケランジェロは代わりにシスティーナ礼拝堂の巨大な肖像画の依頼を引き受けた。^[38]

1500年頃のヴェネツィアでは、ジェンティーレ・ベリーニとジョヴァンニ・ベリーニが肖像画の主流を占めていた。彼らは国家の高官から最高の注文を受けていた。ベリーニのドージェ・ロレダーノの肖像画は、ルネッサンスの最も優れた肖像画の1つと考えられており、新たに登場した油絵の技法に対するこの芸術家の熟達をうまく示している。^[48]ベリーニは、作品に日付を入れることはめったになかったが、作品に署名したヨーロッパの芸術家の1人でもある。^[49] 16世紀後半には、ティツィアーノがほぼ同じ役割を引き継ぎ、特に王族の主題のポーズや座り方の多様性を広げた。ティツィアーノはおそらく最初の偉大な子供の肖像画家であろう。^[50]ティツィアーノの後、ティントレットとヴェロネーゼがヴェネツィアの代表的な芸術家となり、イタリアのマニエリスムへの移行に貢献した。マニエリスム派は、アニョーロ・ブロンズィーノやヤコポ・ダ・ポントルモの作品に見られるように、素材の豊かさと優雅で複雑なポーズを強調した、優れた肖像画を数多く残している。ブロンズィーノはメディチ家の肖像で名声を得た。コジモ1世デメディチの大胆な肖像画では、鎧をまとった厳格な統治者が右端を警戒した目で見つめている様子が描かれており、肖像を温厚な君主として描く王室絵画の大半とは対照的である。^{[51]ヴェネツィアで12年間修行した} エル・グレコは、スペインに到着後、より極端な方向に進み、肖像の「内なるビジョン」を強調し、外見のリアリティを薄れさせるほどにまで至った。^[52] 16世紀イタリアの最高の肖像画家の一人はクレモナ出身のソフォニスバ・アングイッソラで、彼女は個人の肖像画や集団の肖像画に新たなレベルの複雑さを吹き込んだ。

フランスにおける宮廷肖像画は、1525年頃にフランドルの芸術家ジャン・クルーエがフランス王フランソワ1世の豪華な肖像画を描いたことに始まる。 ^[53]フランソワ1世は芸術家の大パトロンであり、晩年にレオナルド・ダ・ヴィンチをフランスに招いて暮らすほどの貪欲な美術品収集家でもあった。レオナルドがフランスで亡くなった後も、モナ・リザは^{フランスに残った。 [53]}

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  ピサネッロ、おそらくジネブラ・デステ、c。 1440
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  サンドロ・ボッティチェッリ作「若い男」、1483年頃。イタリア初期の正面向きのポーズ。
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  おそらくラファエロ、1518年頃、イザベル・デ・レクセンス作。ルネサンス盛期のスタイルと形式は、後の壮大な肖像画に多大な影響を与えました。
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  クリスティアーネ・フォン・エウレナウ、ルーカス・クラナッハ長老作、1534年
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  ルクレツィア・パンチャティチ、アーニョロ・ブロンズィーノ作、1540
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  教皇パウロ3世とその孫たち、ティツィアーノ、1546年
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  マールテン・ファン・ヘームスケルク（1498年 - 1574年）、ピーテル・ヤン・フォッペシュの家族、1532年以前、オランダの肖像画における最初の家族肖像画と考えられている。^[54]
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  ティツィアーノ作「シャルル5世」（1548年）、画期的な騎馬肖像画。
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  イングランド女王エリザベス1世の無敵艦隊の肖像画、1588年頃。イングランド女王エリザベス1世の様式化された肖像画は、ヨーロッパでは独特なものでした。
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  枢機卿の肖像画、おそらくフェルナンド・ニーニョ・デ・ゲバラ、エル・グレコ、c. 1600

バロック時代とロココ時代（それぞれ17世紀と18世紀）には、肖像画は地位や立場の記録としてさらに重要になった。権力のある宮廷の世俗的指導者がますます支配する社会では、豪華な衣装をまとった人物像は重要な人物の権威を主張する手段だった。フランドルの画家、サー・アンソニー・ヴァン・ダイクとピーテル・パウル・ルーベンスはこの種の肖像画に優れ、ヤン・フェルメールは主に中流階級の人物、屋内での仕事や遊びを描いた肖像画を制作した。ルーベンスが結婚衣装を着た自分と最初の妻を描いた肖像画（1609年）は、夫婦肖像画の傑作である。^[55]

ルーベンスの名声は芸術だけにとどまらず、彼は宮廷人、外交官、美術収集家、そして成功したビジネスマンでもあった。彼のスタジオは当時最も大規模なスタジオの一つで、肖像画に加えて静物画、風景画、動物画、風俗画の専門家を雇っていた。ヴァン・ダイクはそこで2年間修行した。^[56] イングランド王チャールズ1世は最初にルーベンスを雇い、その後ヴァン・ダイクを宮廷画家として迎え入れ、騎士に叙せ、宮廷の地位を与えた。ヴァン・ダイクはルーベンスの制作方法とビジネススキルを応用しただけでなく、彼の優雅なマナーと容姿も取り入れた。記録にあるように、「彼はいつも豪華な服装で出かけ、数多くの勇敢な馬具を持ち、自分の部屋にとても高貴なテーブルを置いていたため、ほとんどの王子は彼よりも多く訪問され、よりよくもてなされた。」^[57]フランスでは、イアサント・リゴーが5人のフランス王の肖像画を描き、王室の優れた年代記作家としてほぼ同様に君臨した。^[58]

ルネサンス美術の革新の一つは、様々な感情を伴う顔の表情の表現の改善であった。特に、オランダの画家レンブラントは、特に一流の自画像家の一人として（生涯で60枚以上の自画像を描いた）、人間の顔の様々な表情を探求した。^[59]この人間の顔への関心は、 16世紀後半にイタリアのボローニャでカラッチ家の画家たちが運営していたアカデミア・デッリ・インカミナティによる最初の風刺画の創作を促した。

バロック時代、特にオランダでは、集団肖像画が大量に制作された。ヨーロッパの他の国々とは異なり、オランダの芸術家は、そのような肖像画を禁じていたカルヴァン派教会や、事実上存在しなかった貴族階級から注文を受けることはなかった。その代わり、注文は市民団体や企業団体から来た。オランダの画家フランス・ハルスは、鮮やかな色彩の流れるような筆使いで、彼が所属していた市民衛兵を含む集団肖像画を生き生きと表現した。レンブラントは、そのような注文や、肖像画だけでなく静物画や風景画も支持していたブルジョワ階級の顧客による芸術の一般的な評価から大きな恩恵を受けた。さらに、当時のオランダでは最初の重要な美術品市場とディーラー市場が栄えた。^[60]

レンブラントは、需要が高かったため、キアロスクーロなどの型破りな構成や技法を試すことができた。カラヴァッジョなどのイタリアの巨匠が開拓したこれらの革新を、有名な「夜警」（1642年）で実演した。^[61] 「テルプ博士の解剖学講義」（1632年）は、レンブラントの群像画の熟練度を示すもう1つの優れた例であり、死体を明るい光で照らして絵の中央に注目を集め、衣服と背景を黒に溶け込ませることで外科医と学生の顔を際立たせている。これはレンブラントがフルネームで署名した最初の絵でもある。^[62]

スペインでは、ディエゴ・ベラスケスが、史上最も有名かつ謎めいた集団肖像画の一つである『ラス・メニーナス』 （1656年）を描いた。これは画家自身とスペイン王室の子供たちを記念したもので、モデルは鏡に映った王室の夫婦であるようだ。 ^[63]ベラスケスは主に風俗画家としてスタートしたが、すぐにフェリペ4世の宮廷画家として名声を博し、肖像画の芸術、特に集団肖像画の複雑さを拡張することに秀でていた。^[64]

ロココ芸術家たちは、特に豪華で複雑な装飾に興味を持ち、洗練された肖像画の達人でした。フランソワ・ブーシェの、ふわふわのシルクのガウンをまとったポンパドゥール夫人の有名な肖像画が示すように、衣服や質感の細部への配慮により、肖像画は世俗的な富の証としての効果を高めました。

イギリス派の最初の主要な肖像画家は、イギリスの画家トーマス・ゲインズバラとジョシュア・レイノルズ卿で、彼らもまた、人目を引く方法で被写体の衣装を描くことを得意としていました。ゲインズバラの「青い少年」は、史上最も有名で認知度の高い肖像画の1つであり、青い衣装のきらめき効果を実現するために非常に長い筆と薄い油絵の具で描かれています。^[66]ゲインズバラは、被写体の背景を精巧に描いたことでも知られています。

二人のイギリス人画家は、アシスタントを使うことについて正反対の意見を持っていた。レイノルズはアシスタントを定期的に雇っていたが（時には絵の20パーセントだけ自分で描くこともあった）、ゲインズバラはめったに雇わなかった。^[67]時には、依頼人が画家から誓約書を要求することもあった。リチャード・ニューデゲート卿が肖像画家ピーター・レリー（イギリスにおけるヴァン・ダイクの後継者）から行ったように、レリーは肖像画が「最初から最後まで自分の手で描く」ことを約束した。 ^[68]フランドルの巨匠たちが用いた正確さとは違い、レイノルズは肖像画に対する自分なりのアプローチを「優美さ、そして付け加えれば、似顔絵は、あらゆる特徴の正確な類似性を観察することよりも、全体的な雰囲気を捉えることにある」と要約している。 ^[69]イギリスで著名な画家ウィリアム・ホガースは、肖像画にユーモアのタッチを取り入れることで、従来の手法に敢えて逆らった。彼の「パグとの自画像」は、自己満足の絵画というよりも、明らかに彼のペットに対するユーモラスな解釈である。^[70]

18 世紀には、特に肖像画の分野で女性画家の重要性が高まりました。著名な女性芸術家には、フランスの画家エリザベート・ヴィジェ＝ルブラン、イタリアのパステル画家ロザルバ・カリエラ、スイスの芸術家アンジェリカ・カウフマンなどがいます。また、写真が発明される前のこの世紀には、信じられないほどの精密さで描かれ、金やエナメルのロケットに収められることが多かったミニチュア肖像画が高く評価されていました。

アメリカでは、洗練された英国風の教育を受けたジョン・シングルトン・コプリーが等身大の肖像画やミニチュアの肖像画の第一人者となり、サミュエル・アダムズやポール・リビアを描いたハイパーリアリズムの肖像画は特に高く評価された。コプリーはまた、肖像画と、アカデミックでより尊敬を集める歴史画の芸術との融合を図ったことでも知られ、有名な軍人の集団肖像画でそれを試みた。^[71]同じくらい有名なのが、1,000点以上の肖像画を描き、特に大統領の肖像画で知られるギルバート・スチュアートである。スチュアートは、ジョージ・ワシントンの複製だけでも100点以上を描いた。^[72]スチュアートは素早く作業し、コプリーよりも柔らかく、詳細を控えた筆遣いで、被写体の本質を捉えた。時には、顧客のために数バージョンを作り、モデルがお気に入りを選べるようにした。^[73]バラ色の頬で知られるスチュアートは、「肉体はこの世のいかなる物質とも似ていない。絹織物の店の華やかさをすべて備えているが、その派手な光沢はなく、古いマホガニーの柔らかさをすべて備えているが、その悲しみはない」と書いている。^[74]植民地時代の他の著名なアメリカ人の肖像画家には、ジョン・スマイバート、トーマス・サリー、ラルフ・アール、ジョン・トランブル、ベンジャミン・ウェスト、ロバート・フェイク、ジェームズ・ピール、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピールがいる。

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  茶色と銀の衣装を着たフェリペ4世、ディエゴ・ベラスケス、1632年
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  アンソニー・ヴァン・ダイクによるケネルム・ディグビー卿、1640年頃
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  レンブラント・ファン・レイン、ヤン・シックスの肖像、1654年
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  ゲリット・シクターマン、コルネリス・トロースト作、1725
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  ポンパドゥール夫人のパステル、モーリス・クエンティン・ド・ラ・トゥール、18世紀半ば
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  トーマス・ケリッチ（1748-1828）、ポンペオ・バトーニ作
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  ジョン・デュランド『ラパリェの子供たち』、1768年、ニューヨーク歴史協会、ニューヨーク市
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  ジョン・シングルトン・コプリー、ポール・リビア、1770年

18 世紀後半から 19 世紀初頭にかけて、新古典主義の芸術家たちは、当時の女性にとって最新のファッションとは古代ギリシャやローマの衣服スタイルに由来する透け感のあるガウンを意味していた、被写体を描く伝統を引き継いだ。芸術家たちは、顔や手足の質感やシンプルな丸みを表現するために、指向性のある光を使用した。フランスの画家ジャック＝ルイ・ダヴィッドとジャン＝オーギュスト＝ドミニク・アングルは、この素描家のような技法と人物に対する鋭い観察眼を巧みに発揮した。ダヴィッドの弟子であるアングルは、被写体の後ろ姿を模して、被写体の後ろに鏡を描いた肖像画で有名である。^[75]彼が描いた、皇帝の座に座るナポレオンの肖像画は、王室肖像画の傑作である。(下のギャラリーを参照)

19世紀前半に活躍したロマン主義の芸術家たちは、生き生きとした筆致とドラマチックで時には陰鬱な照明を用いて、人々を鼓舞する指導者や美しい女性、興奮した主題の肖像画を描いた。フランスの芸術家ウジェーヌ・ドラクロワとテオドール・ジェリコーは、特に威勢のいい騎手を描いたこの種の肖像画を特にうまく描いた。^[76]騎手の肖像画を描いたポーランドのロマン主義時代の芸術家の代表的な例としては、ピオトル・ミハウォフスキ（1800年 - 1855年）が挙げられる。また、ジェリコーの精神病患者の肖像画シリーズ（1822年 - 1824年）も注目に値する。スペインの画家フランシスコ・デ・ゴヤは、この時代で最も探求的で挑発的な作品のいくつかを描いており、その中には『裸の母』 （1797年頃 - 1800年）や、有名なカール4世の宮廷肖像画がある。

ギュスターヴ・クールベなどの19世紀の写実主義の芸術家たちは、下層階級や中流階級の人々を客観的に描いた肖像画を制作した。クールベはロマン主義を示し、さまざまな気分や表情で自分自身を描いた自画像を数点描いた。^[77]他のフランスの写実主義の芸術家には、同時代の人々の似顔絵を多数制作した オノレ・ドーミエがいる。アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックは、ジャンヌ・アヴリルなど有名な劇場の役者を、彼らの動きを捉えて記録した。^[78]フランスの画家エドゥアール・マネは、写実主義と印象派の間を行き来する作品を制作した重要な過渡期の芸術家だった。彼は優れた洞察力と技術を持った肖像画家で、ステファーヌ・マラルメを描いた作品はその過渡期のスタイルの良い例である。同時代のエドガー・ドガは主に写実主義で、彼の絵画『ベルリ家の肖像』は不幸な家族を洞察力豊かに表現した作品で、彼の最高傑作の肖像画の1つである。^[79]

アメリカではトーマス・エイキンズが最高の肖像画家として君臨し、特に外科医の仕事風景を描いた2枚の肖像画や、運動選手や音楽家が演技している様子を描いた作品で、リアリズムを率直さの新たなレベルに引き上げた。「エディス・マホン夫人の肖像」など、多くの肖像画で、エイキンズは悲しみや憂鬱といった見苦しい感情を大胆に表現している。^[80]

1870年代までに、写実主義派は主に印象派に取って代わられた。収入が乏しかったこともあり、印象派の画家の多くは家族や友人にモデルを頼り、屋外や明るい室内で親密な集団や一人の人物像を描いた。きらめく表面と豊かな絵の具の塗りで知られる印象派の肖像画は、心を奪われるほど親密で魅力的であることが多い。フランスの画家クロード・モネとピエール＝オーギュスト・ルノワールは、個々の人物や集団を描いた最も人気のある作品をいくつか制作した。フランスで訓練を受け、活動したアメリカ人画家のメアリー・カサットは、ルノワールと同様、魅力的な母子の絵画で今日でも人気がある。^[81] ポスト印象派の画家ポール・ゴーギャンとフィンセント・ファン・ゴッホは、知り合いの露骨な肖像画を描いた。色彩が渦巻いているが必ずしもお世辞ではない。彼らは、同様に、あるいはそれ以上に、力強い自画像で高く評価されている。

ジョン・シンガー・サージェントも世紀の変わり目に活躍したが、彼はあからさまな印象派やポスト印象派を拒絶した。彼はその時代で最も成功した肖像画家で、鮮やかな色使いで溢れかえる写実的な技法を用いていた。彼は個人の肖像画と集団の肖像画、特に上流階級の家族の肖像画の両方に等しく適していた。サージェントはアメリカ人の両親のもとイタリアのフィレンツェで生まれた。彼はイタリア、ドイツ、そしてパリで学んだ。サージェントはヴァン・ダイクに始まるイギリスの肖像画の伝統の最後の主要な代表者と考えられている。^[81]海外で訓練を受けたもう1人の著名なアメリカ人の肖像画家はウィリアム・メリット・チェイスである。「女性のサージェント」と呼ばれたアメリカの社交界の画家セシリア・ボーはフランス人の父親の生まれで、海外で学び、伝統的な手法に固執して母国で成功した。サージェントと豊かな技法で比較されたもう1人の肖像画家は、ドガやホイッスラーの友人で、イタリア生まれのパリの芸術家ジョヴァンニ・ボルディーニである。

アメリカ生まれの国際主義者ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーはヨーロッパの芸術家と深いつながりがあり、優れた肖像画も描いている。最も有名なのは「灰色と黒の配置、芸術家の母」（1871年）で、別名「ホイッスラーの母」とも呼ばれている。^[82]肖像画でも、色調の風景画と同様に、ホイッスラーは鑑賞者に自分の絵画における形と色の調和のとれた配置に注目してもらいたいと考えていた。ホイッスラーは、意図した効果を生み出すために、色のバランスと柔らかい色調を強調した落ち着いたパレットを使用した。彼は「音楽が音の詩であるように、絵画は視覚の詩であり、主題は音や色の調和とは無関係である」と述べた。^[83]形と色はセザンヌの肖像画でも中心的な役割を果たしたが、アンドレ・ドランやアンリ・マティスの肖像画では、さらに極端な色彩と筆遣いの技法が主流となっている。^[84]

19 世紀の写真の発達は肖像画に大きな影響を与え、それ以前にも絵画の補助として使われていたカメラ オブスキュラに取って代わった。多くのモダニストが肖像画を描こうと写真スタジオに押し寄せた。ボードレールも、写真は「芸術の敵」だと断言しながらも、写真の率直さと力に惹かれた。^{[85]安価な代替手段を提供することで、写真は肖像画の最も低レベルなものの多くに取って代わった。}トーマス エイキンズやエドガー ドガなどの写実主義の芸術家はカメラ写真に熱中し、それが構図の便利な補助になると考えた。印象派以降、肖像画家は肖像画を再解釈して写真に対抗する無数の方法を見つけた。^[86]サージェントやホイッスラーは、カメラでは捉えられない効果を生み出すために技法を拡張するよう刺激を受けた人々の 1 人である。

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  フランシスコ・デ・ゴヤ『スペイン国王カルロス4世とその家族』1800年～1801年
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  ジャン・オーギュスト・ドミニク・アングル、皇帝の玉座に座るナポレオンの肖像、1806年、パリ軍事博物館
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  ジャック＝ルイ・ダヴィッド、『チュイルリー宮殿の書斎にいるナポレオン皇帝』（1812年）、ナショナル・ギャラリー、ワシントンD.C.
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  ギュスターヴ・クールベ『シャルル・ボードレールの肖像』 1848年
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  ピエール＝オーギュスト・ルノワール『アルフレッド・シスレーの肖像』1868年
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  ペドロ・アメリカ、国王演説。総会開会式でのブラジル国王ペドロ2世の肖像、1872年、ブラジル帝国博物館、ペトロポリス
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  エドガー・ドガ、ミス・カサットの肖像、座る、カードを持つ、1876-1878年
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  ジョン・シンガー・サージェント『ロバート・ルイス・スティーブンソンの肖像』1887年
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  ポール・ゴーギャン、「ひまわりの画家」 、フィンセント・ファン・ゴッホの肖像、1888年
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  フィンセント・ファン・ゴッホ、『ガシェ医師の肖像』（初版）、1890年

20世紀初頭の他の芸術家たちも、肖像画のレパートリーを新しい方向に広げた。フォーヴィスムの芸術家アンリ・マティスは、肌の色に非自然主義的で派手な色さえも使用して力強い肖像画を制作した。セザンヌの肖像画は、細部を避けながら色の対比を強調し、非常に単純化された形式に依存していた。^[88]オーストリアのグスタフ・クリムトの独特のスタイルは、印象的な肖像画にビザンチン様式のモチーフと金色の塗料を適用した。彼の弟子オスカー・ココシュカは、ウィーンの上流階級の重要な肖像画家であった。多作なスペインの芸術家パブロ・ピカソは多くの肖像画を描いたが、その中には愛人を描いたキュビズム風の肖像もいくつか含まれており、それらの肖像では、通常の戯画の枠をはるかに超えた感情表現を実現するために、被写体の肖像が大きく歪められている。^[89] 20世紀初頭のフランス印象派と関連のある女性肖像画家として傑出した人物がオルガ・ボズナンスカ（1865-1940） である。表現主義の画家たちは、これまでに制作された中で最も印象的で説得力のある心理学的研究のいくつかを提供した。オットー・ディックスやマックス・ベックマンなどのドイツの芸術家は、表現主義の肖像画の顕著な例を生み出した。ベックマンは多作な自画像家で、少なくとも27点制作した。^[90] アメデオ・モディリアーニは、形態と色彩の厳密な研究を優先し、「内面の人物」を軽視した細長いスタイルで多くの肖像画を描いた。これを実現するために、彼は通常表情豊かな目と眉毛を、黒く塗られたスリットとシンプルなアーチにまで強調しなかった。^[91]

イギリス美術を代表するのはヴォーティシズム派で、20世紀初頭に著名な肖像画を描いた。ダダ派の画家フランシス・ピカビアは、独自のスタイルで多数の肖像画を描いた。さらに、タマラ・ド・レンピッカの肖像画は、流線型の曲線、豊かな色彩、鋭い角度でアール・デコ時代をうまく捉えている。アメリカでは、ロバート・アンリとジョージ・ベローズが、 1920年代と1930年代のアメリカン・リアリズム派の優れた肖像画家だった。 マックス・エルンストは、 1922年の絵画『みんな一緒に』で、現代の共同肖像画の例を生み出した。^[92]

1930年から2000年にかけての肖像画の発展に大きく貢献したのは、主に写実主義と具象主義の伝統に則って活動していたロシアの芸術家たちである。その中にはイサーク・ブロツキー、ニコライ・フェチン、アブラム・アルヒーポフなどが挙げられます。 ^[93]

ヨーロッパ（ロシアを除く）とアメリカ大陸での肖像画の制作は、抽象芸術や非具象芸術への関心が高まった結果、1940年代と1950年代に全体的に減少した。しかし、例外は、アメリカの代表的なリアリズム肖像画家となったアンドリュー・ワイエスである。ワイエスの場合、リアリズムは明白ではあるものの、絵画の色調や雰囲気に比べると二の次である。これは、彼の画期的な絵画シリーズ「ヘルガ」によく表れている。これは、主要画家による人物肖像画としては最大規模である（1971年から1985年の間に描かれた、隣人のヘルガ・テストルフの衣服姿と裸体、さまざまな環境を描いた247点の習作）。^[94]

1960年代から1970年代にかけて、肖像画の復活が起こった。ルシアン・フロイト（ジークムント・フロイトの孫）やフランシス・ベーコンなどのイギリス人アーティストが力強い絵画を制作した。ベーコンの肖像画は悪夢のような質感で有名である。2008年5月、フロイトの1995年の肖像画「眠る福利厚生監督者」がニューヨークのクリスティーズでオークションにかけられ、3,360万ドルで落札され、存命のアーティストによる絵画の売却額として世界記録を樹立した。^[95]

アンディ・ウォーホル、アレックス・カッツ、チャック・クローズなど、多くの現代アメリカ人アーティストは、人間の顔を作品の焦点に据えてきました。

ウォーホルは20世紀で最も多作な肖像画家の一人である。マリリン・モンローを描いた『オレンジ・ショット・マリリン』は1960年代のウォーホルの初期の代表作であり、ポップシンガーのプリンスを描いた『オレンジ・プリンス』（1984年）はその後の代表作であり、どちらもウォーホル独特のグラフィックな肖像画スタイルを示している。^{[96] [97] [98] [99]}

クローズの専門は、写真画像を基にした、壁一面の巨大な超写実的な「頭部」の肖像画でした。ジェイミー・ワイエスは、父アンドリューの写実主義の伝統を引き継ぎ、大統領から豚まで幅広い題材の有名な肖像画を制作しています。

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  アンリ・マティス、「緑の縞模様」、「マティス夫人の肖像」、1905年
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  オルガ・ボズナンスカ、自画像、1906年、ワルシャワ国立美術館
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  ウンベルト・ボッチョーニ、自画像、1906
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  グスタフ クリムト、アデーレ ブロッホ＝バウアー 1 世の肖像、1907 年
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  パブロ・ピカソ、ダニエル・ヘンリー・カーンワイラーの肖像、 1910年、シカゴ美術館
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  フアン・グリス、パブロ・ピカソの肖像、1912
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  アメデオ・モディリアーニ、チャイム・スーティンの肖像、 1916年
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  ボリス・グリゴリエフ、フセヴォロド・メイエルホリドの肖像、1916年
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  ボリス・クストーディエフ、カピツァ、セミョーノフ、1921

ペルシアのミニアチュールの伝統では、偶像崇拝の印象を与えないようにするため、宗教的な理由もあって、長い間、人物に個性的な顔の特徴を持たせることを避けてきた。イスラム世界の君主は、貨幣に自分の肖像を載せることはなく、西洋のように、その外見が広報活動の一部になることもなかった。王子の宮廷が作品を発注している場面がはっきりと示されている場合でも、主役の人物像は、他の人物と同じく、むしろ中国風の特徴を帯びている。この長く続く慣習は、モンゴルのイルハン朝時代のミニアチュールの伝統の始まりに由来しているようだが、イルハン朝時代よりもずっと長く続いた。

ペルシャの伝統がインドでムガル帝国のミニアチュールとして発展すると、状況は急速に変化した。ペルシャの先達とは異なり、ムガル帝国のパトロンは、動物、鳥、植物など、新しい帝国のあらゆる未知の自然形態の詳細な自然主義的な肖像を非常に重視した。彼らは人間の肖像画に対しても同じ態度をとり、通常は横顔の個々の肖像が伝統の重要な特徴となった。これは、失読症でほとんど読み書きができなかったと思われるアクバル大帝の時代に特に重視された。彼は、巨大な宮廷の主要メンバー全員の肖像画を収めた大きなアルバム (ムラッカ) を作成し、帝国各地の顧問との人事を検討するときにこれを使用した。^[100]

後の皇帝、特にジャハーンギールとシャー・ジャハーンは、プロパガンダの一形態として自らの理想化されたミニチュア肖像画を多用し、重要な同盟者に配布した。これらの肖像画には、宗教的人物に与えられるものよりも大きな光輪が描かれていることが多かった。こうした肖像画によって、統治者の肖像画という概念が小規模な宮廷に広まり、18世紀までには多くの小規模な王が宮廷画家を雇い、王族としての活動を楽しむ姿を、形式張らない雰囲気と威厳を兼ね備えた様式化された肖像画で描くようになった。

オスマン帝国のミニアチュールの人物像は、一般的にペルシャのミニアチュールの人物像よりも個性に欠ける顔をしていたが、皇室の男性を描いた小さな肖像画というジャンルが生まれた。これらの肖像は非常に個性的で、かなり誇張された特徴があり、似顔絵に近いものもあった。おそらくごく限られた人々だけが見ていたものと思われる。

ペルシャのガージャール朝は、1781年以降、油絵やミニチュア、織物による壁掛けなど、 王族の大きな肖像画を制作するようになりました。これらには、王族の豪華な衣装や長いあごひげが目立つ傾向にあります。

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  オスマン帝国のスルタン、セリム2世、1570年頃
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  1750 年代、ラージプートの小国ジャスロータの宮廷画家ナインスークによる貴婦人。パハリ族の絵画。
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  シャー・ファトフ・アリー・シャー、ミール・アリー作、1813年頃

中国の肖像画は、実際の肖像を望んだり実現したりするまでに時間がかかりました。多くの「肖像」は過去の有名人を描いたもので、その人物がどのような外見であるべきかというイメージを示していました。仏教の僧侶、特に彫刻家は、この点では例外でした。皇帝の肖像画は長い間公に公開されることはありませんでした。肖像を乱用すると皇帝の名誉を傷つけたり、不運を招く恐れもあったからです。最上級の大臣は、特別な名誉として、年に一度、皇室の祖先の肖像画ギャラリーにある像に敬意を表すことが許されていました。

漢王朝時代には、人間を宇宙と社会の中心とみなす儒教の台頭により、心理学の研究に重点が置かれるようになりました。その一方で、道教の学者たちは人相学の研究を始めました。人間の心理的特徴と身体的特徴への関心が相まって、伝記と肖像画の成長が促されました。漢王朝時代に制作された肖像画は、中国初期の肖像画の原型と考えられており、そのほとんどは宮殿の広間、墓室、供物の祠の壁に描かれています。たとえば、河南省西部の紀元前3世紀の墓の瓦に彫られた男性の姿は、画家の観察力と生き生きとした人物を描きたいという願望を示しています。しかし、壁画の主題のほとんどは、会話をしている匿名の人物です。身体的特徴や表情が鮮明に描かれているにもかかわらず、同一性が欠如しており、物語の文脈と密接に結びついているため、多くの学者はこれらの漢代の壁画を、特定の人物の実際の肖像ではなく「行動中の人物像」として分類しています。^[101]

晋の時代は、古代中国史上最も激動の時代の一つでした。184年から280年にかけて、魏、蜀、呉の三国の間で数十年にわたる戦争が続いた後、司馬炎は266年に西晋を建国しました。不安定な社会政治的環境と皇帝の権威の低下により、儒教から新道教への移行が起こりました。社会階層や礼儀作法を破る姿勢が広まるにつれ、知識人の間で自己表現と個人主義が成長し始めました。

「竹林七賢と容其奇」は、南京の金代の煉瓦造りの墓で発見されたタイルに描かれた糸浮き彫りの絵画である。浮き彫りは長さ96インチ、幅35インチで、300個以上の煉瓦が使われている。これは、高度な職人技を反映した、金代の糸浮き彫りの絵画の中で最も保存状態が良いものの1つである。浮き彫りは2つの部分から成り、それぞれに4人の人物像が含まれている。人物の横に刻まれた名前によると、上から下、左から右の順に、8人の人物は容其奇、阮仙、劉玲、項秀、季康、阮季、善涛、王容である。容其其以外の7人は、晋の時代の有名な道士で、「竹林の七賢」と呼ばれていました。彼らは文学、音楽、哲学に秀でた知識人でした。レリーフには、竹林の地面に座ってさまざまな活動を行っている8人の教養ある紳士の物語的な場面が描かれています。人物はゆったりとした衣服を着て裸足で、リラックスして夢中になっている姿勢で描かれています。

人物の横に歴史的に記録された名前の銘文が刻まれているため、この浮彫は「特定の人物を描いた肖像画」として機能している。 ^[102]また、伝記に基づいた各人物の図像的細部は、ある程度の個別化を表現している。例えば、『晋書』の劉玲の伝記には、彼の酒への執着が記録されている。浮彫の中で、劉玲は膝を曲げてくつろいだ姿勢で座り、二杯（酒を入れる器）を持ち、もう一方の手をコップに浸して酒を味見している。肖像は、劉玲の性格と気質の真髄を反映している。 『晋書』によると音楽の才能で有名だった阮仙は、肖像の中でフルートを演奏している。

東晋時代の最も有名な画家の一人である顧凱之は、著書『絵画論』の中で、人物の身体的特徴を正確に描写することで、人物の特徴を反映させる方法を説いている。また、目を生き生きと描写することで、人物の精神を捉えることも強調している。^[101]

唐代には肖像画の人間化と個性化が進んだ。仏教の流入により、肖像画はより写実的な肖像を採用し、特に僧侶の肖像画はそうであった。大乗仏教における不滅の肉体の「不滅性」の信仰は、イメージの存在と現実の存在を結び付けた。肖像画は実在の人物の視覚的な具現化および代替物とみなされた。したがって、僧侶の絵画や彫像では、真の肖像が非常に高く評価された。^[101]唐代の壁画肖像画は、精神的な質、つまり「精神の調和による活気」（気雲神通）を重視している。^[103]

皇帝の肖像画について言えば、唐の第2代皇帝である太宗は、肖像画を用いて継承の正当性と権力の強化を図った。彼は歴代皇帝の肖像画13人を年代順に描いた『歴代皇帝の肖像画』を制作させた。選ばれた皇帝たちの共通点は、彼らが各王朝の創始者の息子たちだということだった。太宗の父である高祖は唐の創始者であったため、太宗が自分と似た立場にある歴代皇帝を選んだことは政治的な暗示となった。太宗は兄弟2人を殺害し、父に無理やり帝位を譲らせたため、自身の継承は疑問視され批判されていた。歴代皇帝の集合肖像を制作することで、太宗は統治の継承の正当性を目指した。また、描かれた皇帝の衣装の違いは、太宗皇帝の彼らに対する意見を暗示していた。普段着の皇帝は、弱気だったり暴力的だったりするなど、統治者の悪い例とみなされ、正装の皇帝は、文武に関わらず功績を挙げたと考えられていた。この依頼は、太宗皇帝が自身の功績が歴代皇帝を上回っていることを宣言するための間接的な方法だった。太宗皇帝は、皇帝になる前に、有名な学者や知識人の肖像画も依頼した。彼は、尊敬の印として肖像画を平岩閣の壁に掛けることで、知識人と親交を深めようとした。肖像画はまた、描かれた有名な学者から政治的な支持を得て、敵対者を脅かす証拠でもあった。太宗皇帝は、在位中、征服した外国の大使から献上品を受け取る自分の肖像画を依頼し、自身の軍事的功績を祝い宣伝した。^[104]

During the Song dynasty, Emperor Gaozong commissioned Portraits of Confucius and Seventy-two Disciples (sheng xian tu) on blank ground with his handwritten inscription. The figures were portrayed in vivid lines, animated gestures, and the facial expressions were rendered a narrative quality. The portrait of the saints and his disciples was found on a stone tablet on the wall of Imperial University as a moral code to educate the students. However, scholars argued that Emperor Gaozong's true purpose of the commission was to announce that his policies were supported by Confucianism as well as his control over the Confucian heritage.^[105]

The Yuan dynasty was a watershed moment in Chinese history. After the Mongol Empire conquered the Chinese mainland and ended the Song dynasty, the traditional Chinese intelligentsia were left in a dilemma situation of choosing between reclusion from the foreign government or pursuing new political careers. Portrait paintings of "men of culture" (wen ren hua) at that period reflects this dilemma. For instance, the Portrait of Yang Qian depicted him standing in a bamboo forest. While the bamboo symbolizes his moral rightness, the half-enclosed and half-opened space in the background alludes to his potential of choosing between reclusion and serve in the Mongol government.^[106]

In terms of imperial portrait, the Portrait of Kublai and the Portrait of Chabi by Mongol imperial painter Araniko in 1294 reflect the fusion of the traditional Chinese imperial portrait techniques and the Himalayan-Mongol aesthetic value. Kublai Khan was portrayed as an elder man while Empress Chabi was depicted in youth, both wearing traditional Mongolian imperial costumes. Araniko adopted the Chinese portrait technique such as outlining the shape with ink and reinforcing the shape with color, whereas the highlights on Chabi's jewelry with the same hue but lighter value proved to be a continuation of the Himalayan style. The full frontal orientation of the sitters and their centered pupil add a confrontational impact to the viewer, which reflect the Nepali aesthetics and style. The highly symmetrical composition and the rigid depiction of hair and clothes differed from the previous Song dynasty painting style. There is little implication on the moral merit of the sitters or their personality, indicating a detachment of the painter from the sitter, which contradicts with the Song dynasty's emphasis on the capture of the spirit.^[107]

During the Qing dynasty, the eighteenth century European masquerade court portraiture which portrayed the aristocrats engaging in various activities in different costumes was imported to China. The Yongzheng Emperor and his son, the Qianlong Emperor, commissioned a number of masquerade portrait paintings with various political implications. In most of the Yongzheng Emperor's masquerade portrait, he wears exotic costumes such as the suit of the European gentleman. The lack of inscription on the portrait painting leaves his intention unclear, but some scholars believe the exotic costume reflects his interest in foreign culture and desire to rule the world. Compared with the Yongzheng Emperor's ambiguous attitude, the Qianlong Emperor wrote inscriptions on his masquerade portraits to announce his philosophy of the "Way of Ruling" which was to conceal and to deceive so that his subordinates and enemies cannot trace his strategies. Compared with the Yongzheng Emperor's enthusiasm in exotic costume, the Qianlong Emperor showed more interest in Chinese traditional costume such as dressing as a Confucian scholar, Taoist priest, and Buddhist monk, which manifests his desire in conquer the traditional Chinese heritage.

The Qianlong Emperor commissioned the Spring's Peaceful Message after he inherited the throne from his father, which is a double portrait painting of him and his father dressed in Confucian scholar garments instead of traditional Manchu robes standing side by side next to bamboos. Scholars believe that the commission aimed to legitimize his succession of the throne by emphasizing the physical similarity between him and his father such as facial structure, identical costume and hairstyle. The bamboo forest in the background indicate their moral righteousness proposed by traditional Confucianism. The portrait depicts the Yongzheng Emperor, who is in a larger scale, handing a flowering branch to the Qianlong Emperor as a political metaphor of the imperial authority to reign. The Qianlong Emperor also advertised his filial piety proposed by Confucianism by posing in a modest gesture.^[108]

The Jesuit painter Giuseppe Castiglione spent 50 years at the imperial court before his death in 1766, and was a court painter to three emperors. In his portraits, as with other genres, he combined aspects of Chinese traditional style with contemporary Western painting.

Portrait painting of women in ancient China from the Han dynasty to the Qing dynasty (206 BC – 1912) developed under great impact of the Confucian patriarchal cosmology, however, the subject and the style varied according to the culture of each dynasty.

In the Han dynasty (206 BC – 220 AD), women in the portrait painting were mainly a type rather than specific individual. The major subject was idealized exemplary women (lie nü) with virtues prompted by Confucianism such as chastity, three-fold obedience (san cong) to father, husband, son. Gu Kaizhi’s handscroll Exemplary Women (lie nü tu) which was created shortly after the Han dynasty represents this genre.

In the Tang dynasty (618–906), palace women (shi nü) performing daily chores or entertainment became a popular subject. The feminine beauty and charm of the palace ladies were valued, but the subject remained nonspecific under the painting name "Palace Ladies". Characteristics encouraged by the Confucianism including submissive and agreeable were encompassed as standards of beauty and emphasized in the portrait. Painters pursued correctness and likeness of the sitter and aimed to reveal the purity of the soul.

In the Song dynasty (960–1279), portrait paintings of women were created based on love poems written by court poets. Although depicted as living in luxurious fashion and comfortable housing, women in the painting were usually portrayed as lonely and melancholic because they feel deserted or trapped in the domestic chores while their husbands stayed outside and pursued their careers. Common settings include empty garden path and empty platform couch which hint the absence of male figures. Common background include flowering trees which were associated with beauty and banana trees which symbolized vulnerability of women.

In the Ming dynasty(1368–1644), literati painting (wenren hua) which combined painting, calligraphy, and poetry became a popular trend among the elites. Most women in the literati painting were abstract figures serving as visual metaphor and remained nonentity. In the Qing dynasty (1644–1912), the literati painting gained more variety of brushstroke and use of bright color.^[109]

• 
  Portrait of Ho Bun (何斌), a late Ming dynasty Scholar-bureaucrat, late 16th century to early 17th century, Chinese
• 
  Three Beauties of the Present Day by Utamaro, 1793

• Hierarchy of genres
• The Portrait Now
• Royal Society of Portrait Painters

References

注記

• 1918 年 2 月 28 日のニューエイジの「アートノート」コラムでは、BH ディアス (エズラ パウンドのペンネーム) が肖像画の原理と美学について綿密に分析しており、古代や現代のあらゆる肖像画を鑑賞するための洞察に満ちた基準となっています。

• ウッドオール、ジョアンナ。『肖像画：主題に向き合う』マンチェスター大学出版局、マンチェスター、1997年。
• ウェスト・S・肖像画（オックスフォード美術史）、オックスフォード：オックスフォード大学出版局、2004年
• ブリリアント、R.肖像画（芸術と文化に関するエッセイ）、ケンブリッジ：ハーバード大学出版局、1991年
• Christiansen, K. および Weppelmann, S. 編著『ルネサンスの肖像画：ドナテッロからベリーニまで』、メトロポリタン美術館、ニューヨーク、Yale University Press より配布、2011 年。

ウィキメディア・コモンズには、肖像画に関連するメディアがあります。

• ジョアンナ・ウッドオールがグレシャム・カレッジで商人のイメージであるトレーディング・アイデンティティについて講義しています。