ロック音楽

ロック
文体の起源	ロックンロール ロカビリー ブルース エレクトリックブルース フォーク 国 リズム・アンド・ブルース ジャズ
文化的起源	1940年代～1950年代、アメリカ合衆国
代表的な楽器	ギター ベース ドラム キーボード ピアノ ボーカル
派生形	新しい波 ポストプログレッシブ プログレッシブポップ
サブジャンル
アシッドロック オルタナティブロック アリーナロック アートロック ビートミュージック クリスチャンロック デスロック 実験的なロック ガレージロック グラムロック グランジ ハードロック ハートランドロック ヘビーメタル（サブジャンル） インディーロック オカルトロック ポストパンク ポストロック パワーポップ[1] プログレッシブ・ロック サイケデリックロック パンクロック（サブジャンル） ルーツロック ソフトロック ストーナーロック サーフミュージック （全リスト）
フュージョンジャンル
バロックポップ ブルースロック カントリーロック ダンスロック エレクトロニックロック フォークロック ファンクロック 工業用岩石 ジャズロック ラテンロック ノイズロック ポップロック ラガロック ラップロック レゲエロック サンバロック スーフィーロック
地域の情勢
アルゼンチン アルメニア オーストラリア バングラデシュ ベラルーシ ベルギー ボスニア・ヘルツェゴビナ ブラジル カナダ チリ 中国 コロンビア キューバ クロアチア デンマーク ドミニカ共和国 エクアドル エストニア フィンランド フランス ギリシャ ドイツ グアテマラ ハイチ ハンガリー アイスランド インド インドネシア イラン アイルランド イスラエル イタリア 日本 ラトビア リトアニア マレーシア メキシコ ネパール ニュージーランド ノルウェー パキスタン ペルー フィリピン ポーランド ポルトガル プエルトリコ ルーマニア ロシア サハラ砂漠地域 セルビア スロベニア 韓国 スペイン スリランカ スペイン語圏 スウェーデン スイス 台湾 タタール語 タイ 七面鳥 ウクライナ イギリス アメリカ合衆国 南部 ウルグアイ ベネズエラ ユーゴスラビア ザンビア
地元の風景
シアトルグランジ[2] マッドチェスター パームデザートの風景 サンフランシスコの音 トロンデラーグ
その他のトピック
アフロフュージョン アルバム時代 バックビート ねじれ 殿堂 ポップ プログレッシブミュージック 電子機器との関係 ロックバンド ロック音楽用語 ロックオペラ ロック主義 社会的影響
ロックミュージックの2024年

ロックは、1940年代後半から1950年代前半にかけて米国で「ロックンロール」として始まり、1960年代半ばから特に米国と英国でさまざまなスタイルに発展した、幅広いポピュラー音楽のジャンルです。そのルーツは、ブルース、リズムアンドブルース、カントリーミュージックのジャンルから直接影響を受けたロックンロールです。ロックは、エレクトリックブルースやフォークなどのジャンルからも強く影響を受け、ジャズやその他の音楽スタイルの影響も取り入れています。楽器編成に関しては、ロックはエレクトリックギターを中心に、通常はエレクトリックベースギター、ドラム、 1人以上の歌手を含むロックグループの一部として演奏されます。通常、ロックは歌をベースとした音楽で、⁴
₄ロックは、ヴァース・コーラス形式を用いた拍子記号で表現されますが、ジャンルは非常に多様化しています。ポップミュージックのように、歌詞はロマンチックな愛を強調することが多いですが、社会的または政治的なさまざまなテーマも取り上げています。ロックは、1950年代から2010年代にかけて、米国および西洋諸国の多くで最も人気のある音楽ジャンルでした。

1960年代半ばのロックミュージシャンは、録音された音楽の表現と消費の支配的な形態として、シングルよりもアルバムを推進し始め、ビートルズがこの発展の最前線にいました。彼らの貢献により、このジャンルは主流で文化的正当性を獲得し、その後数十年にわたって音楽業界でロックに影響を受けたアルバムの時代が始まりました。1960年代後半の「クラシックロック」^{[3]の時代までに、}ブルースロック、フォークロック、カントリーロック、サザンロック、ラガロック、ジャズロックなどのハイブリッドを含むいくつかの明確なロック音楽のサブジャンルが登場し、カウンターカルチャーのサイケデリックとヒッピーシーンの影響を受けたサイケデリックロックの発展に貢献しました。登場した新しいジャンルには、芸術的要素を広げたプログレッシブロック、攻撃的で分厚いサウンドを強調したヘビーメタル、ショーマンシップとビジュアルスタイルを強調したグラムロックなどがあります。 1970年代後半、パンク・ロックは、簡素でエネルギッシュな社会・政治批評を生み出すことでこれに反応しました。パンクは、1980年代のニューウェイヴ、ポストパンク、そして最終的にはオルタナティブロックに影響を与えました。

1990年代から、オルタナティヴ・ロックがロック音楽を支配し始め、グランジ、ブリットポップ、インディー・ロックの形で主流に躍り出た。その後、ポップ・パンク、エレクトロニック・ロック、ラップ・ロック、ラップ・メタルなどの融合サブジャンルがさらに登場した。2000年代のガレージ・ロック/ポスト・パンクのリバイバルなど、一部のムーブメントはロックの歴史を再訪する意識的な試みであった。2010年代以降、ロックは世界文化における卓越したポピュラー音楽ジャンルとしての地位を失ったが、商業的には成功し続けている。ヒップホップとエレクトロニック・ダンス・ミュージックの影響の増大は、ロック音楽、特に2010年代初頭のテクノポップシーンと2020年代のポップ・パンク・ヒップホップのリバイバル に見ることができる。

ロックはまた、文化的、社会的運動を体現し、その媒体としての役割を果たし、英国のモッズやロッカー、ヒッピー運動、そして1960年代に米国サンフランシスコから広がったより広範な西洋のカウンターカルチャー運動などの主要なサブカルチャーにつながりました。後者は今日まで続いています。同様に、1970年代のパンク文化は、ゴス、パンク、エモのサブカルチャーを生み出しました。プロテストソングの民俗伝統を受け継いだロック音楽は、政治活動や、人種、性別、薬物使用に対する社会的態度の変化と関連付けられており、大人の消費主義や同調に対する若者の反乱の表現と見なされることがよくあります。同時に、ロックは商業的に大成功を収めており、裏切り者との非難につながっています。

ロックのサウンドは伝統的に増幅されたエレキギターを中心に展開され、ロックンロールの人気とともに1950年代に現代的な形で登場しました。^[5]また、エレクトリックブルースギタリストのサウンドにも大きく影響を受けています。 ^[6]ロックミュージックにおけるエレキギターのサウンドは、同時代にジャズミュージックの先駆けとなったエレクトリックベースギターや、^[7]ドラムとシンバルを組み合わせたドラムキットから生み出されるパーカッションによって支えられているのが一般的です。 ^[8]この楽器トリオは、ピアノ、ハモンドオルガン、シンセサイザーなどのキーボードなど、他の楽器が加わることで補完されることがよくありました。^[9]基本的なロックの楽器編成は、基本的なブルースバンドの楽器編成（目立つリードギター、第2コード楽器、ベース、ドラム）から派生したものです。^[6]ロックミュージックを演奏するミュージシャンのグループは、ロックバンドまたはロックグループと呼ばれます。古典的なロックバンドは、ボーカリスト、リードギタリスト、リズムギタリスト、ベースギタリスト、ドラマー、そして多くの場合キーボード奏者や他の楽器奏者など、1つ以上の役割をメンバーが担うカルテットの形態をとります。 ^[10]

ロック音楽は伝統的に、⁴
₄ ロックは、1950年代後半から60年代半ばにかけて、ブルースやフォークミュージックに由来するヴァース・コーラス構造を採用することが多くなったが、このモデルからはかなりの変化があった。 ^{[13]批評家はロックの折衷主義とスタイルの多様性を強調してきた。 [14]}その複雑な歴史と、他の音楽や文化の形式から借用する傾向があることから、「ロックミュージックを厳密に定義された音楽的定義に縛り付けることは不可能^である」と主張されてきた。^{[15]音楽ジャーナリストの}ロバート・クリストガウの意見では、「最高のロックは、民俗芸術の美徳である直接性、実用性、自然な聴衆を、現代のテクノロジーとモダニズムの分離という要素とともに現代に蘇らせている」 ^[16]。

以前の多くのスタイルのポピュラー音楽とは異なり、ロックの歌詞は、恋愛、セックス、「体制」に対する反抗、社会問題、ライフスタイルなど、幅広いテーマを扱っています。^{[11]これらのテーマは、}ティン・パン・アレーのポップスの伝統、フォークミュージック、リズムアンドブルースなど、さまざまなソースから受け継がれました。^[18]クリストガウは、ロックの歌詞を、シンプルな言葉遣いと繰り返されるリフレインを備えた「クールなメディア」と特徴づけ、ロックの主な「機能」は「音楽、またはより一般的にはノイズに関係している」と主張しています。^[19]ロック音楽では、白人男性で、多くの場合中流階級のミュージシャンが優位であることがよく指摘されており、^[20]ロックは、若い白人で主に男性の聴衆のために黒人の音楽形式を流用したものと見なされてきました。^[21]その結果、スタイルと歌詞の両方でこのグループの懸念を明確に表現していると見られてきました。^[22] 1972年に執筆したクリストガウは、いくつかの例外はあるものの、「ロックンロールは通常、男性のセクシュアリティと攻撃性を暗示している」と述べている。^[23]

1960年代後半から「ロック」という言葉が「ロックンロール」よりも好んで使われるようになって以来、ロックは多くの特徴を共有するポップミュージックと対比されることが多くなったが、音楽性、ライブパフォーマンス、そしてジャンルの歴史と発展への認識としばしば結びつく真正性のイデオロギーの一部としての深刻で進歩的なテーマへの焦点によって、しばしばポップミュージックから遠ざけられている。 ^[24]サイモン・フリスによると、ロックは「ポップ以上のもの、ロックンロール以上のもの」であり、「ロックミュージシャンは、技術とテクニックの重視と、独創的で誠実な芸術的表現としてのロマンチックな芸術の概念を組み合わせた」。^[24]

新世紀に入り、ロックという用語は、ポップミュージック、レゲエミュージック、ソウルミュージック、さらにはヒップホップなどの形式を含む包括的な用語として使用されることが多くなりました。ロックはこれらの形式から影響を受けてきましたが、その歴史の大部分を通じて対照的であることも多々ありました。^[25]クリストガウは、この用語を「ロックンローラー」としての彼の感性に応えるポピュラー音楽やセミポピュラー音楽を指すために広く使用しており、そこには良いビート、ウィットのある意味深い歌詞、そして「永遠の魅力」を持ち、非常に客観的であるため「すべてのユースミュージックは社会学とフィールドレポートを共有している」という青春のテーマが含まれています。クリストガウは『レコードガイド：80年代』（1990年）の中で、この感性は、チャック・ベリー、ラモーンズ、リプレイスメンツの音楽と同様に、フォークシンガーソングライターのミシェル・ショックト、ラッパーのLLクールJ、シンセポップデュオのペット・ショップ・ボーイズの音楽（「自分たちのアイデンティティを模索している子供たち」）にも顕著に表れていると述べている。^[26]

ロック音楽の基礎はロックンロールにあり、これは1940年代後半から1950年代前半にかけてアメリカで生まれ、すぐに世界中に広まりました。その直接の起源は、リズム・アンド・ブルースやゴスペル音楽、カントリー・アンド・ウエスタンなど、当時のさまざまな黒人音楽ジャンルが融合したことにあります。^[27]

「最初のロックンロールのレコード」とされている多くの録音については議論が続いている。候補には、シスター・ロゼッタ・サープの「 Strange Things Happening Every Day」（1944年）、^[28]アーサー・クラダップの「That's All Right」（1946年）^[29]（後にエルヴィス・プレスリーが1954年にカバー）、 ^[30]エラ・メイ・モースとフレディ・スラックの「 The House of Blue Lights 」 （1946年）、 [30]ワイノニー・ハリスの「Good Rocking Tonight」（1948年）、^[31]ゴリー・カーターの「Rock Awhile」（1949年）、^[32]ジミー・プレストンの「Rock the Joint 」（1949年）（これも1952年にビル・ヘイリー・アンド・ヒズ・コメッツがカバー）などがある。 [ ^33]ジャッキー・ブレンストンと彼のデルタ・キャッツ（実際はアイク・ターナーと彼のバンド、キングス・オブ・リズム）による「ロケット88」は、1951年にサム・フィリップスがチェス・レコードに録音した。 ^[34]

1951年、オハイオ州クリーブランドのディスクジョッキー、アラン・フリードが、多人種の聴衆に向けてリズム・アンド・ブルース（当時は「人種音楽」と呼ばれていた）の演奏を開始し、この音楽を表現するのに「ロックンロール」という語句を初めて使った人物とされている。 ^[35] 4年後、ビル・ヘイリーの「ロック・アラウンド・ザ・クロック」（1954年）は、ビルボード誌の主要な売上チャートとエアプレイチャートでトップを飾った最初のロックンロールの曲となり、この新しい大衆文化の波への扉を世界中に開いた。^{[36] [37]}初期のロックンロールヒットを出した他のアーティストには、チャック・ベリー、ボ・ディドリー、ファッツ・ドミノ、リトル・リチャード、ジェリー・リー・ルイス、ジーン・ヴィンセントがいる。^[34]すぐにロックンロールはアメリカのレコード売上の主力となり、エディ・フィッシャー、ペリー・コモ、パティ・ペイジなど、前10年間のポピュラー音楽を支配していたクルーナーたちは、ポップチャートへのアクセスが大幅に制限されたことに気付きました。^[38]

ロックンロールは、ロックンロールと「ヒルビリー」カントリーミュージックを組み合わせたロカビリーを含む、多くの異なるサブジャンルの先駆けとなったと見られてきた。ロカビリーは、1950年代半ばにカール・パーキンス、ジェリー・リー・ルイス、バディ・ホリー、そして最も商業的に成功したエルヴィス・プレスリーなどの白人歌手によって通常演奏され、録音された。^[39] 最終的に米国内でラテンロックとチカーノロックの成功につながる、ロックンロールにおけるヒスパニック系およびラテン系アメリカ人の動きは、南西部で勃興し始めた。ロックンロールのスタンダードミュージシャンであるリッチー・ヴァレンスや、アル・ハリケーンとその兄弟タイニー・モリー、ベイビー・ギャビーなど他の伝統的なジャンルのミュージシャンも登場し、伝統的なニューメキシコ音楽の中でロックンロールとカントリーウエスタンを融合し始めた。^[40]さらに、1950年代にはエレキギターの人気が高まり、チャック・ベリー、リンク・レイ、スコッティ・ムーアなどの奏者によってロックンロール特有の演奏スタイルが生まれました。^[41]ジュニア・バーナード^[42]やエルドン・シャンブリンなどのウエスタン・スウィング・ギタリストによって開拓されたディストーションの使用は、 1950年代半ばにチャック・ベリーによって普及しました。[ ^{43] 19世紀に}フランシスコ・タレガとエイトル・ヴィラ＝ロボスによって、後に1950年代初頭にウィリー・ジョンソンとパット・ヘアによって開拓されたパワーコードの使用は、1950年代後半にリンク・レイによって普及しました。^[44]

評論家たちは伝統的に、1950年代後半から1960年代前半にかけてロックンロールの衰退を感じてきた。1959年までに、バディ・ホリー、ビッグ・ボッパー、リッチー・ヴァレンスの飛行機事故での死、エルヴィスの軍隊への入隊、リトル・リチャードの引退と牧師への転身、ジェリー・リー・ルイスとチャック・ベリーの訴追、そしてペイオラ・スキャンダル（アラン・フリードを含む主要人物が個々のアーティストや曲の宣伝で賄賂や汚職に関与していたとされる）の暴露により、その時点で確立されたロックンロールの時代は終わったという印象が生まれた。^[45]

ロックは、第二次世界大戦後の急速なアメリカ化と関連して、米国発祥から急速に広まった。^[46]クリフ・リチャードは、「 Move It」（1959年）で北米以外で最初のロックンロールヒットの一つとされ、事実上イギリスのロックサウンドの先駆けとなった。^{[47]最も有名なのはイギリスの}トミー・スティールであるが、数人のアーティストは、レコーディングが国際的に広まる前に、アメリカのロックンロールのヒット曲のカバーで成功を収め、必要に応じて現地の言語に翻訳することが多かった。 ^{[48] [49]}特にスティールは、1955年から1957年にかけてイギリス、スカンジナビア、オーストラリア、ソ連、南アフリカをツアーし、ロックのグローバル化に影響を与えた。^[48]ジョニー・オキーフの1958年のレコード「Wild One」は、オーストラリアのロックンロールの最も初期のヒットの一つである。^[50] 1950年代後半には、アメリカの影響を受けた西側諸国だけでなく、ユーゴスラビア^[51]やソ連^[52]などの共産主義国や南米などの地域でもロックは人気を博しました。^[49]

1950年代後半から1960年代前半にかけて、アメリカでのロックンロールの台頭に追い抜かれていたアメリカのブルース音楽やブルースロックのアーティストたちは、イギリスで新たな人気を博し、ツアーで成功を収めた。 ^[53] ロニー・ドネガンの1955年のヒット曲「ロック・アイランド・ライン」は大きな影響を与え、全国でスキッフル音楽グループの流行を発展させるのに貢献し、その多くはジョン・レノンのクオリーメン（後のビートルズ）を含め、ロックンロールに移行した。^[54]アメリカの以前のロックンロール市場が軽いポップやバラードに支配されるようになる一方で、クラブや地元のダンスパーティーで活動するイギリスのロックグループは、ブルースロックの先駆者たちの影響をより強く受けたスタイルを展開し、白人アメリカ人のバンドにはめったに見られない激しさと勢いで演奏し始めた。^{[55]この影響は、}ブリティッシュ・インヴェイジョンを通じてロック音楽の未来を形作ることになる。^[53]

1960年代の最初の4年間は、伝統的にロックンロールの休止期と見なされてきた。^[56]最近では、一部の著者^{[曖昧な表現]}がこの時期に重要な革新と傾向があり、それらがなければ将来の発展は不可能であったと強調している。^{[57] [58]}初期のロックンロールは、特にロカビリーの出現により、男性と白人のパフォーマーが最大の商業的成功を収めたが、この時代、このジャンルは黒人と女性のアーティストによって支配されていた。ロックンロールは1950年代末には音楽から完全に消えたわけではなく、チャビー・チェッカーのレコード「The Twist 」（1960年）に始まった1960年代初期のさまざまなダンスブームに、そのエネルギーの一部を見ることができる。^{[58] [注 1]}音楽史家の中には、ジョー・ミークのような革新者による音響の電子化や、フィル・スペクターが追求したウォール・オブ・サウンドの精巧な制作方法など、この時期のロックンロールを基盤とした重要かつ革新的な技術開発を指摘する者もいる。^[58]

デュアン・エディ、リンク・レイ、ベンチャーズなどの演奏家によるインストゥルメンタル・ロックンロールは、ディック・デイルによってさらに発展させられ、独特の「ウェット」リバーブ、素早いオルタネート・ピッキング、中東やメキシコの影響が加えられた。彼は1961年に「 Let's Go Trippin ' 」という地域ヒット曲をプロデュースし、サーフミュージックの流行を巻き起こし、その後「 Misirlou」（1962年）などの曲を出した。 ^[62]デイルと彼のデル・トーンズのように、ベルエアーズ、チャレンジャーズ、エディ・アンド・ザ・ショーメンなど、初期のサーフバンドのほとんどは南カリフォルニアで結成された。^[62] チャンテイズは1963年に「パイプライン」で全米トップ10ヒットを記録し、おそらく最も有名なサーフ・チューンは1963年のサーファリスによる「ワイプ・アウト」で、 1965年のビルボード・チャートで第2位と10位を獲得した。^[63]サーフ・ロックもこの時期にヨーロッパで人気があり、イギリスのグループ、シャドウズは1960年代初頭に「アパッチ」（1960年）や「コンティキ」（1961年）などのインストゥルメンタル曲でヒットを記録し、スウェーデンのサーフ・グループ、スポットニクスはスウェーデンとイギリスの両方で成功を収めた。

サーフミュージックは、1961年に南カリフォルニアで結成されたザ・ビーチ・ボーイズの作品を中心に、ボーカルポップミュージックとして最大の商業的成功を収めた。彼らの初期のアルバムには、インストゥルメンタルサーフロック（ディック・デイルの曲のカバーを含む）と、ロックンロールやドゥーワップ、フォー・フレッシュメンのようなボーカルポップバンドの密接なハーモニーを取り入れたボーカルソングの両方が含まれていた。^[64]ザ・ビーチ・ボーイズの最初のヒット曲「サーフィン」は1961年にビルボードのトップ100にランクインし、サーフミュージックの流行を全国的な現象にした。^[65]サーフミュージックの流行とほぼすべてのサーフバンドのキャリアは、1964年のブリティッシュ・インヴェイジョンの到来によって事実上終わったとよく言われる。なぜなら、サーフミュージックのヒット曲のほとんどが1960年から1965年の間に録音され、リリースされたからである。^{[66] [注 2]}

1962年末までに、イギリスのロックシーンは、リバプールのビートルズ、ジェリー&ザ・ペースメーカーズ、ザ・サーチャーズ、マンチェスターのフレディ&ザ・ドリーマーズ、ハーマンズ・ハーミッツ、ザ・ホリーズなどのビートグループによって始まっていた。彼らは1950年代のロックンロール、ソウル、リズム&ブルース、サーフミュージックなど、幅広いアメリカの影響を受けており、^[67]当初はアメリカのスタンダードな曲を再解釈し、ダンサー向けに演奏していた。ニューカッスルのアニマルズやベルファストのゼムのようなバンド、^[68]特にロンドンのローリング・ストーンズやヤードバーズのようなバンドは、リズム&ブルース、そして後にブルース音楽の影響をより直接的に受けていた。^[69]すぐにこれらのグループはアメリカの音楽形式を組み合わせ、それに高エネルギーのビートを吹き込んだ独自の楽曲を作曲するようになった。ビートバンドは「弾むような、抗えないメロディ」を好む傾向があり、一方、初期のイギリスのブルースバンドは性的に無邪気ではなく、攻撃的な曲を好む傾向があり、反体制的な姿勢を取ることが多かった。しかし、特に初期の段階では、この2つの傾向の間には音楽的にかなりの重なりがあった。^[70] 1963年までに、ビートルズに先導されて、ビートグループはイギリスで全国的な成功を収め始め、すぐにリズムアンドブルースに重点を置いたバンドがチャートに登場した。^[71]

「抱きしめたい」はビートルズにとってビルボードホット100で初の1位を獲得したヒット曲であり、^[72] 7週間トップの座を維持し、合計15週間チャートインした。^{[73] [74] 1964年2月9日の}エド・サリバン・ショーへの初出演は、推定7300万人の視聴者（当時のアメリカのテレビ番組の記録）を集め、アメリカのポップカルチャーにおける画期的な出来事とみなされている。1964年4月4日の週に、ビートルズはビルボードホット100シングルチャートでトップ5すべてを含む12のポジションを占めた。ビートルズはその後、史上最も売れたロックバンドとなり、多くのイギリスのバンドがアメリカのチャートに名を連ねた。^[70]次の2年間、イギリスのアーティストが自国と米国のチャートを独占し、ピーター・アンド・ゴードン、アニマルズ、^[75] マンフレッド・マン、ペトゥラ・クラーク、^[75]フレディ・アンド・ザ・ドリーマーズ、ウェイン・フォンタナ・アンド・ザ・マインドベンダーズ、ハーマンズ・ハーミッツ、ローリング・ストーンズ、^[76] トロッグス、ドノヴァン^[77]はすべて1曲以上のナンバーワンシングルを獲得しました。^[73]この侵略に参加した他の主要アーティストには、キンクスやデイヴ・クラーク・ファイブがいました。^{[78] [79]}

ブリティッシュ・インヴェイジョンはロックンロールの制作の国際化に貢献し、その後の英国（およびアイルランド）のアーティストが国際的な成功を収める道を開いた。^[80]アメリカでは、 1950年代後半から1960年代にかけてアメリカのチャートを席巻していたインストゥルメンタル・サーフ・ミュージック、ボーカル・ガール・グループ、そして（一時期）ティーン・アイドルの終焉を告げたと言っても過言ではない。 ^[81]ファッツ・ドミノやチャビー・チェッカーなど定評のあるR&Bアーティストのキャリアに打撃を与え、エルヴィスを含む生き残ったロックンロールアーティストのチャートでの成功を一時的に阻んだ。^[82]ブリティッシュ・インヴェイジョンは、ロック音楽という独特のジャンルの台頭にも大きな役割を果たし、ギターとドラムを基盤とし、シンガーソングライターとして独自の楽曲をプロデュースするロックグループの優位性を確固たるものにした。^[83]ビートルズの1965年のLP 『ラバー・ソウル』の例に倣い、ローリング・ストーンズの『アフターマス』、ビートルズの『リボルバー』、ザ・フーの『ア・クイック・ワン』、アメリカのビーチ・ボーイズの『ペット・サウンズ』やボブ・ディランの『ブロンド・オン・ブロンド』など、他のイギリスのロックバンドも1966年に芸術的な声明を意図したロックアルバムをリリースした。^[84]

ガレージロックは、1960年代半ばに北米で特に流行したロックミュージックの原型であり、郊外の家庭のガレージでリハーサルされていたことからそう呼ばれた。^{[85] [86]}ガレージロックの曲は、高校生活のトラウマを中心に展開されることが多く、「嘘つき女子」や不公平な社会的状況についての曲が特に多かった。^[87]歌詞と歌い方は、当時一般的だったものよりも攻撃的になる傾向があり、しばしば唸り声や叫び声が支離滅裂な叫び声に溶け込んでいた。^[85]粗雑なワンコード音楽（シーズなど）から、スタジオミュージシャンに近い品質（ニッカボッカーズ、リメインズ、フィフスエステートなど）まで多岐にわたる。また、カリフォルニア州とテキサス州を中心に、国内の多くの地域で地域的な違いがあり、特にカリフォルニア州とテキサス州でシーンが栄えていた。^{[87]太平洋岸北西部のワシントン州とオレゴン州は、おそらく[誰によると？ ]}最も明確な地域サウンドを持っていた。 ^[88]

このスタイルは、1958年には早くも地方のシーンから発展し始めていた。ウェイラーズの「Tall Cool One」（1959年）やキングスメンの「Louie Louie」（1963年）は、このジャンルの形成段階における主流の例である。^[89] 1963年までに、ポール・リビア・アンド・ザ・レイダーズ（ボイシ）^{[90] 、}トラッシュメン（ミネアポリス）^[91]、リヴィエラズ（インディアナ州サウスベンド）^{[92]など、ガレージバンドのシングルが全国チャートに徐々にランクインし始めた。}ソニックス（ワシントン州タコマ）などの他の影響力のあるガレージバンドは、ビルボードホット100にランクインすることはなかった。^[93]

ブリティッシュ・インヴェイジョンはガレージ・バンドに大きな影響を与え、全国的な聴衆を獲得し、多くの（サーフやホットロッドのグループが多い）バンドがイギリスの影響を取り入れ、さらに多くのバンドが結成されるきっかけとなった。^[87]この時代、アメリカとカナダには何千ものガレージ・バンドが存在し、何百ものバンドが地方ヒットを飛ばした。^[87]多数のバンドが大手または地方の大手レーベルと契約したにもかかわらず、ほとんどが商業的に失敗した。ガレージ・ロックは1966年頃に商業的にも芸術的にもピークを迎えたというのが一般的な見解である。^{[87] 1968年までに、アマチュア・ミュージシャンが大学、仕事、}徴兵に直面したため、このスタイルは全国チャートからも地方レベルからもほぼ姿を消した。^[87]ガレージ・ロックに代わる新しいスタイルが生まれた。^{[87] [注 3]}

ブリティッシュ・インヴェイジョンがアメリカのポピュラー音楽に最初に影響を与えたのはビートやR&Bをベースにしたバンドだったが、その勢いはすぐにローリング・ストーンズやヤードバーズなど、アメリカのブルースからより直接的なインスピレーションを得た第二波のバンドに引き継がれた。^[95] 1950年代後半から1960年代前半のイギリスのブルース・ミュージシャンは、スキッフル流行に大きな影響を与えたリード・ベリーやロバート・ジョンソンなどのアコースティック演奏に触発されていた。^[96]彼らはシカゴ・ブルースをベースにした、エレキギターを中心とした大音量の増幅されたサウンドをますます取り入れるようになり、特に1958年のマディ・ウォーターズによるイギリス・ツアーがきっかけで、シリル・デイヴィスとギタリストのアレクシス・コーナーはブルース・インコーポレイテッドというバンドを結成した。^[97]このバンドは、ローリング・ストーンズやクリームのメンバーを含む、その後のイギリスのブルースブームの多くの人物を巻き込み、影響を与え、ブルースのスタンダードや形式をロックの楽器や強調と組み合わせた。^[55]

ブリティッシュ・ブルースのもうひとつの重要な焦点はジョン・メイオールだった。彼のバンド、ブルースブレイカーズにはエリック・クラプトン（クラプトンのヤードバーズ脱退後）や後にピーター・グリーンが所属していた。特に重要なのは、エリック・クラプトンとのブルース・ブレイカーズ（Beano）アルバム（1966年）のリリースで、これはブリティッシュ・ブルースの重要なレコーディングの1つとみなされ、そのサウンドは英国と米国の両方で大いに模倣された。^[98]エリック・クラプトンはその後、クリーム、ブラインド・フェイス、デレク・アンド・ザ・ドミノスといったスーパーグループを結成し、その後、ブルース・ロックを主流に押し上げるのに貢献した長いソロ活動を行った。^[97]グリーンは、ブルースブレイカーズのリズム隊、ミック・フリートウッドとジョン・マクヴィーと共にピーター・グリーンのフリートウッド・マックを結成し、ブルース・ロック界で最も商業的な成功を収めたバンドの1つとなった。^[97] 1960年代後半、ヤードバーズの卒業生でもあるジェフ・ベックは、自身のバンド、ジェフ・ベック・グループでブルース・ロックをヘビー・ロックの方向に推し進めた。^[97]ヤードバーズの最後のギタリストはジミー・ペイジで、彼はその後ニュー・ヤードバーズを結成し、それがすぐにレッド・ツェッペリンとなった。彼らの最初の3枚のアルバムの曲の多くは、そして彼らのキャリアの後半でも時折、伝統的なブルースの曲の展開であった。^[97]

アメリカでは、ブルースロックは1960年代初頭にギタリストのロニー・マックによって開拓されていたが、^[99]このジャンルは1960年代半ばにイギリスのブルースミュージシャンに似たサウンドを展開するアーティストが現れ、人気が出始めた。主なアーティストとしては、ポール・バターフィールド（彼のバンドはイギリスでメイオールズ・ブルースブレイカーズのような活動を行い、多くの成功したミュージシャンの出発点となった）、キャンド・ヒート、初期のジェファーソン・エアプレイン、ジャニス・ジョプリン、ジョニー・ウィンター、J・ガイルズ・バンド、ジミ・ヘンドリックスとそのパワートリオ、ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンス（イギリス人メンバーが2人含まれ、イギリスで結成された）、そしてギターの妙技とショーマンシップでその10年間で最も模倣されるバンドの一つとなったバンド・オブ・ジプシーズなどが挙げられる。^[97]オールマン・ブラザーズ・バンド、レーナード・スキナード、ZZトップなどの南部のブルースロックバンドは、カントリーの要素を自分たちのスタイルに取り入れ、独特のジャンルであるサザンロックを生み出した。^[100]

初期のブルースロックバンドはジャズを真似て、長く複雑な即興演奏を演奏することが多く、これは後にプログレッシブ・ロックの大きな要素となった。1967年頃から、クリームやジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスなどのバンドは、純粋なブルースベースの音楽からサイケデリックへと移行していった。^{[101] 1970年代までには、レッド・ツェッペリンや}ディープ・パープルの作品に代表されるように、ブルースロックはよりヘビーでリフベースになり、バンドがロックスタイルのアルバムを録音し始めたため、ブルースロックとハードロックとの境界線は「ほとんど見えなくなった」^[101]。^{[101]このジャンルは1970年代に}ジョージ・ソログッドやパット・トラヴァースなどの人物によって継承されましたが、^[97]特にイギリスのシーンでは（おそらく、高エネルギーで反復的なブギーロックに移行したステイタス・クォーやフォガットなどのグループの出現を除いて）、バンドはヘビーメタルの革新に焦点を当てるようになり、ブルースロックは主流から外れ始めました。^[102]

1960年代までに、アメリカのフォーク音楽の復興から生まれたシーンは、伝統的な音楽と新しい作曲を伝統的なスタイルで、通常はアコースティック楽器で演奏する大きな運動に成長しました。^{[103]アメリカでは、このジャンルは}ウディ・ガスリーやピート・シーガーなどの人物によって開拓され、進歩主義や労働政治と結び付けられることが多かった。^[103] 60年代初頭には、ジョーン・バエズやボブ・ディランなどの人物がシンガーソングライターとしてこの運動の先頭に立っていました。^{[104]ディランは「}風に吹かれて」（1963年）や「戦争の覇者」（1963年）などのヒット曲で主流の聴衆に届き始め、これにより「抗議歌」がより広い聴衆に広まりました。^[105]しかし、ロックとフォーク音楽は互いに影響し合い始めていたものの、互いに排他的な聴衆を持つ、ほとんど別のジャンルのままでした。^[106]

フォークとロックの要素を融合させようとする初期の試みには、アニマルズの「ハウス・オブ・ザ・ライジング・サン」（ 1964年）がある。これはロックンロールの楽器で録音された最初の商業的に成功したフォークソングだった^[107] 。ビートルズの「アイム・ア・ルーザー」（1964年）は、おそらくディランから直接影響を受けた最初のビートルズの曲である。[ ^108]フォークロック運動は、 1965年にチャートのトップに立ったディランの「ミスター・タンバリン・マン」をバーズが録音したことから始まったと通常考えられている。 ^[106]ロサンゼルスのカフェを拠点とするフォークシーンに参加していたメンバーで、バーズはドラムや12弦リッケンバッカーギターなどのロック楽器を採用し、それがこのジャンルのサウンドの大きな要素となった。^[106]その年、ディランは多くのフォーク純粋主義者の怒りをよそにエレクトリック楽器を採用し、「ライク・ア・ローリング・ストーン」が米国でのヒットシングルとなった。^[106]リッチー・ウンターバーガーによると、ディランは（電子楽器を導入する前から）ビートルズのようなロックミュージシャンに影響を与え、「ロック世代全体にアルバムがヒットシングルなしでも独立した主要な声明になり得ることを示した」と述べており、その一例として『フリーホイーリン・ボブ・ディラン』（1963年）が挙げられます。^[109]

フォーク・ロックは特にカリフォルニアで人気が高まり、ママス&パパスやクロスビー、スティルス&ナッシュなどのアーティストがエレクトリック楽器に移行するきっかけとなった。またニューヨークでは、ラヴィン・スプーンフルやサイモン&ガーファンクルなどのアーティストが生まれ、サイモン&ガーファンクルのアコースティック曲「サウンズ・オブ・サイレンス」（1965年）はロック楽器でリミックスされ、多くのヒット曲の最初のものとなった。^{[106]これらのアーティストは、ドノヴァンや}フェアポート・コンベンションなどのイギリスのアーティストに直接影響を与えた。^[106] 1969年、フェアポート・コンベンションはアメリカのカバー曲とディランの影響を受けた曲を混ぜたスタイルをやめ、伝統的なイギリスのフォーク音楽をエレクトリック楽器で演奏するようになった。^{[110]このイギリスのフォークロックは、}ペンタングル、スティーライ・スパン、アルビオン・バンドなどのバンドに取り入れられ、それが今度はアイルランドのホースリップスやスコットランドのJSDバンド、スペンサーズ・フィート、後にファイヴ・ハンド・リールなどのバンドに、彼らの伝統音楽を使って1970年代初頭にケルトロックのブランドを作り出すきっかけとなった。^[111]

フォークロックは1967年から68年にかけて商業的人気がピークに達し、その後多くのアーティストが様々な方向へ進み、ディランやバーズはカントリーロックを展開し始めた。^[112]しかし、フォークとロックの融合はロック音楽の発展に大きな影響を与え、サイケデリックの要素を取り入れ、シンガーソングライター、プロテストソング、そして「本物」という概念の発展に貢献したと考えられている。^{[106] [113]}

サイケデリック音楽のLSD風な雰囲気は、フォークシーンで始まった。^[114]サイケデリック・ロックを自称した最初のグループは、テキサス出身の13thフロア・エレベーターズだった。^{[114]ビートルズは、}ギターのフィードバック、インドのシタール、バックマスキング 効果音など、サイケデリックサウンドの主要な要素の多くをこの時期に聴衆に紹介した。 ^[115]サイケデリック・ロックは、 1965年以降、バーズがフォークからフォークロックへと転換した後を追随するグループが続いたため、特にカリフォルニアの新興音楽シーンで人気が高まった。 [ ^115]幻覚剤を中心としたサイケデリックなライフスタイルは、サンフランシスコで既に発展しており、特にこのシーンで目立ったのは、ビッグ・ブラザー・アンド・ザ・ホールディング・カンパニー、グレイトフル・デッド、ジェファーソン・エアプレインだった。^{[115] [116]}ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスのリードギタリスト、ジミ・ヘンドリックスは、歪んだフィードバックに満ちた長時間のジャムセッションを行い、それがサイケデリック音楽の重要な特徴となった。^[115]サイケデリック・ロックは、1960年代の最後の数年間に頂点に達した。1967年には、ビートルズが決定的なサイケデリック・ステートメントである『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』をリリースし、物議を醸したトラック「ルーシー・イン・ザ・スカイ・ウィズ・ダイアモンズ」が含まれる。ローリング・ストーンズは同年後半に『ザ・サタニック・マジェスティーズ・リクエスト』でこれに応え、^[115]ピンク・フロイドが『夜明けの口笛吹き』でデビューした。重要なレコーディングには、ジェファーソン・エアプレインの『シュールレアリスト・ピロウ』やドアーズのデビューアルバムがある。これらのトレンドは、ほとんどの主要なサイケデリック・バンドが出演した1969年のウッドストック・フェスティバルでピークに達した。 ^[115]

『サージェント・ペパーズ』は後に史上最高のアルバムとされ、アルバム時代の始まりとなった。この時代、ロック音楽はシングル形式からアルバム形式へと移行し、主流の中で文化的正当性を獲得した。^[117] 1960年代半ばにビートルズが先導し、^[118]ロックミュージシャンはLPを録音音楽の表現と消費の主流として推進し、その後数十年にわたって音楽業界でロックに影響を受けたアルバム時代を開始した。^[119]

プログレッシブ・ロックは、アート・ロックと互換的に使われることもある用語で、様々な楽器、曲の種類、形式を実験することで、確立された音楽の公式を超えていった。^[120] 1960年代半ばから、レフト・バンク、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、ビーチ・ボーイズは、録音にハープシコード、管楽器、弦楽器セクションを取り入れてバロック・ロックの形式を作り出す先駆者となり、バッハに触発されたイントロを持つプロコル・ハルムの「A Whiter Shade of Pale」（1967年）などのシングルで聞くことができる。^[121]ムーディー・ブルースは、アルバム「 Days of Future Passed 」（1967年）でフルオーケストラを使用し、その後シンセサイザーでオーケストラのサウンドを作成した。^[120]その後のプログレッシブ・ロックでは、ギター、ベース、ドラムという確立されたロック形式に、クラシックなオーケストレーション、キーボード、シンセサイザーが頻繁に追加された。^[122]

インストゥルメンタルが一般的だったが、歌詞のある曲は概念的、抽象的、またはファンタジーやSFをベースにしたものもあった。^[123] プリティ・シングスの『SFソロウ』（1968年）、キンクスの『アーサー（あるいは大英帝国の衰亡史）』（1969年）、ザ・フーの『トミー』 （1969年）は、ロックオペラの形式を導入し、壮大な物語を語ったり、壮大な包括的なテーマに取り組んだりするコンセプトアルバムへの扉を開いた。 ^[124] キング・クリムゾンの1969年のデビューアルバム『クリムゾン・キングの宮殿』は、力強いギターリフとメロトロンをジャズや交響曲と融合させており、プログレッシブ・ロックの重要なレコーディングとされることが多く、1970年代初頭に既存のブルースロックやサイケデリックバンドだけでなく、新しく結成されたバンドの間でこのジャンルが広く採用されるのを助けた。^[120]活気に満ちたカンタベリーのシーンでは、サイケデリックからジャズの影響を経て、より拡張的なハードロックへと向かうソフトマシーンに続くアーティストが登場し、キャラヴァン、ハットフィールド・アンド・ザ・ノース、ゴング、ナショナル・ヘルスなどがいた。^[125]ドラマーのクリスチャン・ヴァンダーを中心としたフランスのグループ、マグマは、1970年代初頭に最初のアルバムで新しい音楽ジャンルであるズールをほぼ独力で生み出した。^[126]

より大きな商業的成功を収めたのはピンク・フロイドで、彼らも1968年のシド・バレット脱退後サイケデリックから遠ざかり、ジャンルの最高傑作と見なされている『狂気』（1973年）は史上最も売れたアルバムの1つとなった。^[127]楽器の技巧に重点が置かれ、イエスはギタリストのスティーヴ・ハウとキーボード奏者のリック・ウェイクマンの両者のスキルを披露し、エマーソン・レイク・アンド・パーマーはジャンルの中でも最も技術的に要求の厳しい作品のいくつかを制作したスーパーグループであった。^[120] ジェスロ・タルとジェネシスはどちらも非常に異なるが、明らかに英国的なブランドの音楽を追求した。^{[128]元ヤードバーズのジム・マッカーティとキース・レルフによって1969年に結成された} ルネッサンスは、アニー・ハスラムの3オクターブの声をフィーチャーしたハイコンセプトのバンドへと進化した。^[129]イギリスのバンドのほとんどは比較的小規模なカルト的なファンに依存していたが、ピンク・フロイド、ジェネシス、ジェスロ・タルなど少数のバンドは国内でトップ10シングルを生み出し、アメリカ市場を席巻した。[ ^{130]アメリカ発のプログレッシブ・ロックは}、フランク・ザッパ、キャプテン・ビーフハート、ブラッド・スウェット・アンド・ティアーズなどの折衷的で革新的なバンドから、^[131]ボストン、フォリナー、カンサス、ジャーニー、スティクスなどのよりポップロック志向のバンドまで多岐にわたる。^[120]イギリスのバンド、スーパートランプやELOと並んで、これらはすべてプログレッシブ・ロックの影響を示し、1970年代の最も商業的に成功したバンドに数えられ、華やかなアリーナ・ロックの時代の到来を告げた。この時代は、複雑なショー（劇場のようなステージングや特殊効果を伴うことが多い）の費用がかさむため、 1990年代に主要なライブ会場としてより経済的なロックフェスティバルが台頭するまで続いた。 ^[要出典]

このジャンルのインストゥルメンタルの流れは、マイク・オールドフィールドの『チューブラー・ベルズ』（1973年）のようなアルバムを生み出した。これはヴァージン・レコード・レーベルにとって初のレコードであり、世界的なヒットとなり、同レーベルはこのジャンルの主力となった。^[120]インストゥルメンタル・ロックは特に大陸ヨーロッパで重要であり、クラフトヴェルク、タンジェリン・ドリーム、カン、フォーカス（バンド）、ファウストなどのバンドが言語の壁を乗り越えることを可能にした。^[132]彼らのシンセサイザーを多用した「クラウトロック」は、ブライアン・イーノ（一時期ロキシー・ミュージックでキーボード奏者を務めた）の作品とともに、その後のエレクトロニック・ロックに大きな影響を与えた。^[120] 1970年代後半のパンク・ロックの出現とテクノロジーの変化により、プログレッシブ・ロックはますます気取っていて大げさだと見なされるようになった。^{[133] [134]}多くのバンドが解散したが、ジェネシス、ELP、イエス、ピンク・フロイドなど、定期的にトップ10アルバムを獲得し、世界ツアーも成功したバンドもあった。^{[94]スージー}・アンド・ザ・バンシーズ、ウルトラヴォックス、シンプル・マインズなど、パンクの余波で登場したバンドの中には、より一般的に認識されているパンクの影響に加え、プログレッシブ・ロックの影響も見られた。^[135]

1960年代後半、ブルースロック、サイケデリック、プログレッシブロックのシーンから、ロックのパワーとジャズの音楽的複雑さや即興的要素を融合させたジャズロックが独自のサブジャンルとして登場した。オールミュージックは、ジャズロックという用語は「ジャズ陣営の最も騒々しく、ワイルドで、エレクトリックなフュージョンバンドを指すこともあるが、ほとんどの場合、ロック側の演奏者を指す」と述べている。ジャズロックは「一般的に、60年代後半から70年代前半の最も芸術的に野心的なロックのサブジャンルから生まれた」もので、シンガーソングライター運動もその1つである。^[136]初期のアメリカのロックンロールミュージシャンの多くはジャズからスタートし、これらの要素のいくつかを新しい音楽に取り入れた。イギリスでは、ブルースロックのサブジャンルと、エリック・クラプトン率いるクリームのジンジャー・ベイカーやジャック・ブルースなど、その主要人物の多くがイギリスのジャズシーンから登場した。最初の真のジャズロック録音としてしばしば取り上げられるのは、比較的無名のニューヨークを拠点とするフリースピリッツによる唯一のアルバム『アウト・オブ・サイト・アンド・サウンド』（1966年）である。この呼称を意識的に使用した最初のバンドグループは、エレクトリック・フラッグ、ブラッド・スウェット・アンド・ティアーズ、シカゴなど、ジャズのホーンセクションを活用したR&B志向の白人ロックバンドであり、1960年代後半から1970年代前半にかけて最も商業的に成功したバンドのいくつかとなった。^[137]

同時期にブルース界から登場し、ジャズの音色と即興性の側面を活用したイギリスのアーティストには、ニュークリアス^[138]や、グラハム・ボンドとジョン・メイオールのスピンオフであるコロシアムなどがいる。サイケデリック・ロックとカンタベリー界からはソフト・マシーンが登場し、この2つのジャンルを芸術的にうまく融合させたバンドの一つだと言われている。おそらく最も高い評価を得た融合はジャズ界からのもので、特にヘンドリックスの作品に影響を受けたマイルス・デイビスが、アルバム「ビッチェズ・ブリュー」 （1970年）でロックの楽器演奏を取り入れた。これはハービー・ハンコック、チック・コリア、ウェザー・リポートなど、ロックに影響を受けたその後のジャズ・アーティストに大きな影響を与えた。^[137]このジャンルは1970年代後半に衰退し始め、より穏やかな形のフュージョンが聴衆を獲得し始めましたが、^[136]スティーリー・ダン、^[136]フランク・ザッパ、ジョニ・ミッチェルなどのアーティストがこの時期にジャズの影響を受けた重要なアルバムを録音し、ロック音楽に大きな影響を与え続けています。^[137]

1970年代初頭のロック音楽の発展を振り返り、ロバート・クリストガウは『クリストガウのレコードガイド：70年代のロックアルバム』（1981年）の中で次のように書いている。 ^[17]

もちろん、10 年というのは、それ自体が恣意的な図式であり、時間は 10 年ごとに未来に向かってきれいに方向転換するわけではない。しかし、多くの人工的な概念 (たとえばお金) と同様に、このカテゴリは、人々がそれをどのように活用するかを理解すると、それ自体の現実性を獲得する。「60 年代は終わった」というスローガンは、1972 年頃にようやく聞かれるようになり、理想主義は時代遅れになったと信じたがるすべての人々を動員した。そして、彼らが動員されると、理想主義は時代遅れになった。ポピュラー音楽では、70 年代を受け入れることは、乱雑なコンサートやカウンターカルチャーのシーンからエリート主義的に撤退することと、 FM ラジオやアルバム ロックの最低共通分母を追求する利益追求の両方を意味した。

ロックはこの10年間で商品化が進み、数十億ドル規模の産業に変貌し、市場規模は倍増したが、クリストガウが指摘したように、大きな「文化的威信の喪失」に見舞われた。「ビージーズはビートルズより人気があったかもしれないが、イエスより人気があったことは一度もない」と彼は言う。「音楽が神話的な力を持っていたとしても、その神話は自己言及的なものだった。ロックンロールの人生についての歌はたくさんあったが、ロックが世界を変えることができるという歌はほとんどなく、新しい鎮痛剤としてしかなかった。70年代には権力者が支配権を握り、ロック産業家たちは国民の気分を利用して、強力な音楽をしばしば反動的な娯楽に貶め、ロックの人気基盤を聴衆から市場へと変えた。」^[17]

ルーツ・ロックとは、サイケデリック・シーンの過剰と見られるものから、ブルース、カントリー、フォークなど、ロックンロール本来の影響を取り入れたより基本的な形式へと移行し、カントリー・ロックやサザン・ロックが生まれた現象を指す言葉として現在では使われている。^[139] 1966年、ボブ・ディランはアルバム『ブロンド・オン・ブロンド』を録音するためにナッシュビルを訪れた。^{[140]このアルバムと、その後の『}ナッシュビル・スカイライン』など、よりカントリーの影響がはっきりと表れたアルバムは、カントリー・フォークというジャンルを生み出したと見られており、この方向性は、主にアコースティック・フォークを演奏する多くのミュージシャンによって追求された。^[140]基本回帰のトレンドに従った他のバンドには、カナダのバンド、ザ・バンドやカリフォルニアを拠点とするクリーデンス・クリアウォーター・リバイバルがあり、どちらも基本的なロックンロールにフォーク、カントリー、ブルースを融合させ、1960年代後半の最も成功し影響力のあるバンドの一つとなった。^[141]同じ動きから、ライ・クーダー、ボニー・レイット、ローウェル・ジョージといったカリフォルニアのソロアーティストのレコーディングキャリアが始まり、^[142]ローリング・ストーンズの『ベガーズ・バンケット』（1968年）やビートルズの『レット・イット・ビー』（1970年）といった有名アーティストの作品にも影響を与えた。^[115]過去数年間のロック音楽のトレンドの変化を振り返り、クリストガウは1970年6月の「コンシューマー・ガイド」コラムで、この「新しい正統派」と「文化的遅れ」が即興的でスタジオで装飾された制作を放棄し、「タイトで簡素な楽器」と曲の構成に重点を置くようになったと書いている。「その対象は50年代のロック、カントリーミュージック、リズムアンドブルースであり、その主なインスピレーションはザ・バンドである。」^[143]

1968年、グラム・パーソンズはインターナショナル・サブマリン・バンドと共に『セーフ・アット・ホーム』を録音した。これはおそらく最初の真のカントリー・ロック・アルバムである。 ^[144]その年、彼はバーズに参加し、 『スウィートハート・オブ・ザ・ロデオ』（1968年）をリリースした。これはこのジャンルで最も影響力のあるレコードの1つと一般に考えられている。^[144]バーズは同じ流れを続けたが、パーソンズは脱退し、同じく元バーズのメンバーであるクリス・ヒルマンと合流してフライング・ブリトー・ブラザーズを結成。彼らはこのジャンルの尊敬と基準を確立するのに貢献し、その後パーソンズはソロ活動へと移った。^[144]カリフォルニアでカントリー・ロックを取り入れたバンドには、ハーツ・アンド・フラワーズ、ポコ、ニュー・ライダーズ・オブ・ザ・パープル・セージ、^[144]ボー・ブランメルズ、^[144]ニッティー・グリッティ・ダート・バンドなどがある。^[145]カントリーサウンドを取り入れることでルネッサンスを楽しんだアーティストもいた。エヴァリー・ブラザーズ、ストーン・キャニオン・バンドのフロントマンとなったかつてのティーンアイドル、リック・ネルソン、ファースト・ナショナル・バンドを結成した元モンキーズのマイク・ネスミス、ニール・ヤングなどである。^[144]ディラーズは珍しくカントリーバンドだったが、ロックミュージックへと転向した。^[144]カントリーロックが最も商業的に成功したのは1970年代で、ドゥービー・ブラザーズ、エミルー・ハリス、リンダ・ロンシュタット、イーグルス（ブリトーズ、ポコ、ストーン・キャニオン・バンドのメンバーで構成）などのアーティストが活躍し、イーグルスは史上最も成功したロックバンドの一つとして登場し、『ホテル・カリフォルニア』（1976年）などのアルバムを制作した。^[146]

サザンロックの創始者は、通常オールマン・ブラザーズ・バンドであると考えられており、彼らは1970年代初頭に、主にブルースロックから派生しながらもブギー、ソウル、カントリーの要素を取り入れた独特のサウンドを生み出した。 ^[100]彼らに続く最も成功したバンドはレーナード・スキナードであり、このサブジャンルの「古き良き男」のイメージと1970年代のギターロックの一般的な形を確立するのに貢献した。^[100]その後継者には、フュージョン/プログレッシブ楽器奏者のディキシー・ドレッグス、よりカントリーの影響を受けたアウトローズ、ファンク/R&B寄りのウェット・ウィリー、そして（R&Bとゴスペルの要素を取り入れた）オザーク・マウンテン・デアデビルズがいる。 [ ^100]オールマン・ブラザーズとレーナード・スキナードのオリジナルメンバーが亡くなった後、このジャンルの人気は1970年代後半に衰え始めましたが、1980年代には.38スペシャル、モリー・ハチェット、マーシャル・タッカー・バンドなどのアーティストによって維持されました。^[100]

グラムロックは、1960年代後半のイギリスのサイケデリックとアートロックのシーンから生まれ、これらのトレンドの延長と反動の両方として見ることができます。^{[147]音楽的には多様で、}アルヴィン・スターダストのような人物のシンプルなロックンロールリバイバルから、ロキシー・ミュージックの複雑なアートロックまでさまざまであり、音楽のサブジャンルであると同時にファッションとしても見ることができます。^{[147]視覚的には、1930年代の}ハリウッドの魅力から、1950年代のピンナップセックスアピール、戦前のキャバレーの演劇、ビクトリア朝の文学と象徴主義のスタイル、SF、古代とオカルトの神秘主義と神話に至るまで、さまざまなスタイルが混ざり合っており、奇抜な服、メイク、ヘアスタイル、厚底ブーツに表れています。^[148]グラムロックは、演劇の広範な使用に加えて、性的およびジェンダーの曖昧さと両性具有の表現で最も知られています。 ^{[149]これは、}コケッツやアリス・クーパーなどのアメリカのアーティストによるショーマンシップとジェンダー・アイデンティティの操作によって予見されていました。^[150]

グラムロックの起源はマーク・ボランと関連がある。彼は1960年代末までに自身のフォークデュオをT.レックスに改名し、エレクトリック楽器も始めた。その始まりとしてよく挙げられるのは、1971年3月にBBCの音楽番組「トップ・オブ・ザ・ポップス」にグリッターとサテンの衣装で出演し、2曲目の全英トップ10ヒット（そして初の全英ナンバーワンヒット）となる「ホット・ラブ」を演奏した時である。^[151] 1971年から、すでにマイナースターだったデヴィッド・ボウイは、ジギー・スターダストのペルソナを展開し、プロのメイクアップ、パントマイム、パフォーマンスの要素を演技に取り入れていった。^[152]これらのパフォーマーに続いて、すぐにロキシー・ミュージック、スウィート、スレイド、モット・ザ・フープル、マッド、アルヴィン・スターダストなどのアーティストがこのスタイルを採用した。^[152]イギリスのシングルチャートでは大成功を収めたものの、アメリカで本格的な影響を与えられたミュージシャンはごくわずかであった。ボウイは大きな例外で、国際的なスーパースターとなり、ルー・リード、イギー・ポップ、ニューヨーク・ドールズ、ジョブライアスなどのアーティストの間でグラムロックのスタイルが取り入れられるきっかけとなった。グラムロックは「グリッターロック」とも呼ばれ、イギリスのアーティストよりも暗い歌詞の内容を持つ。^[153]英国では、グリッターロックという用語は、ゲイリー・グリッターと彼のサポートミュージシャンであるグリッターバンドが追求したグラムの極端なバージョンを指すために最もよく使われていました。彼らは1972年から1976年の間に英国で18曲のトップ10シングルを達成しました。^{[154]スージー}・クアトロ、ロイ・ウッドのウィザード、スパークスを含むグラムロックの第二波は、 1974年から1976年頃まで英国のシングルチャートを独占しました。 ^[152]ロッド・スチュワート、エルトン・ジョン、クイーン、そして一時期はローリング・ストーンズなど、通常はこのジャンルの中心とは見なされていない既存のアーティストもグラムスタイルを採用しました。 ^{[152]また、}キッスやアダム・アントなど、後に有名になったアーティストに直接的な影響を与えたほか、ゴシック・ロックやグラム・メタルの形成、パンク・ロックにも直接的な影響を与え、1976年頃からグラムの流行に終止符を打った。^[153]グラムはその後、チェーンソー・キトゥンズ、ダークネス^[155]やR&Bクロスオーバーバンドのプリンス^[156]にも参加している。

1960年代にラテンロックが初期の成功を収めた後、カルロス・サンタナやアル・ハリケーンのようなチカーノのミュージシャンは1970年代を通して成功したキャリアを持ち続けた。サンタナは1970年のアルバム『アブラクサス』に収録されたシングル「ブラック・マジック・ウーマン」でこの10年を成功に導いた。^[157] 3枚目のアルバム『サンタナIII』からはシングル「ノー・ワン・トゥ・ディペンド・オン」が収録され、4枚目のアルバム『キャラバンセライ』では彼のサウンドを実験的に取り入れたものの、評価はまちまちだった。^{[158] [159]その後、} Welcome、Borboletta、Amigos、Festiválの4枚のアルバムをリリースし、いずれもゴールド・ディスクを獲得した。アル・ハリケーンはロック音楽とニューメキシコ音楽を融合させ続けたが、ジャズ音楽にもより力を入れ、特にアルバム『Vestido Mojado 』で同名の「Vestido Mojado」や「Por Una Mujer Casada」、「Puño de Tierra」などいくつかのヒットシングルを生み出した。また、兄弟はタイニー・モリーの「La Del Moño Colorado」やベイビー・ギャビーの「La Cumbia De San Antone」などニューメキシコ音楽のヒットシングルを出している。^[160]アル・ハリケーン・ジュニアも1970年代にニューメキシコ音楽のロック調のレコーディングキャリアを開始し、1976年に「Flor De Las Flores」をカバーした。^{[161] [162]}ロス・ロボスもこの時期に人気を博し、1977年に最初のアルバム『Los Lobos del Este de Los Angeles』を発表した。

1960年代後半から、主流のロック音楽をソフトロックとハードロックに分けることが一般的になった。ソフトロックはフォークロックから派生したものが多く、アコースティック楽器を使用し、メロディーとハーモニーに重点が置かれていた。^[164]主なアーティストには、キャロル・キング、キャット・スティーヴンス、ジェームス・テイラーなどがいた。^[164] 1970年代半ばから後半にかけて、ビリー・ジョエル、アメリカ、再結成したフリートウッド・マックなどのアーティストの活躍により、商業的なピークを迎え、フリートウッド・マックの『噂』（1977年）は、その10年間で最も売れたアルバムとなった。^[165]対照的に、ハードロックはブルース・ロックから派生したものであることが多く、より大音量でより激しく演奏された。^[166]エレキギターを強調することが多く、単純な反復リフを使用するリズム楽器としても、ソロリード楽器としても使用され、ディストーションなどのエフェクトが使用されることが多かった。^[166]主要アーティストには、キンクスのようなブリティッシュ・インヴェイジョンのバンドや、クリーム、ジミ・ヘンドリックス、ジェフ・ベック・グループのようなサイケデリック時代のアーティストが含まれます。^[166] 1970年代後半に国際的な成功を収めたハードロックの影響を受けたバンドには、クイーン、^[167] シン・リジィ、^[168] エアロスミス、AC/DC、^[166]ヴァン・ヘイレンが含まれます。

1960年代後半から、「ヘビーメタル」という用語は、最初は形容詞として、1970年代初頭には名詞として、さらに音量と激しさを増して演奏されるハードロックを表すために使われるようになった。^{[169]この用語は、}ステッペンウルフの「Born to Be Wild 」（1967年）で初めて音楽で使用され、サンフランシスコのブルー・チアー、クリーブランドのジェイムス・ギャング、ミシガン州のグランド・ファンク・レイルロードなどの先駆的なバンドに関連付けられるようになった。^[170] 1970年までに、3つの主要なイギリスのバンドが、このサブジャンルの形成に役立つ特徴的なサウンドとスタイルを開発していた。レッド・ツェッペリンはリフの多いブルース・ロックにファンタジーの要素を加え、ディープ・パープルはプログレッシブ・ロックの時代から交響曲と中世への興味を持ち込み、ブラック・サバスはゴシックとモードのハーモニーの側面を導入して、「よりダークな」サウンドを生み出すのに貢献した。^[171]これらの要素は、1970年代後半まで「第二世代」のヘビーメタルバンドに取り入れられ、イギリスのジューダス・プリースト、UFO、モーターヘッド、レインボー、アメリカのキッス、テッド・ニュージェント、ブルー・オイスター・カルト、カナダのラッシュ、ドイツのスコーピオンズなど、このサブジャンルの人気の拡大を象徴するバンドが続いた。^[171]ラジオでの放送が少なく、シングルチャートにほとんどランクインしなかったにもかかわらず、1970年代後半のヘビーメタルは、特に北米とヨーロッパの労働者階級の青年男性の間でかなりの支持を集めた。^[172]

1980年代には、ボン・ジョヴィ、ガンズ・アンド・ローゼズ、スキッド・ロウ、デフ・レパードなどのバンドが、ハードロックや、ハードロックとヘビーメタルをポップと融合させた音楽で主流の成功を収めました。1990年代には、ガンズ・アンド・ローゼズの「November Rain」などの大ヒット曲を除いて、ハードロックの人気はわずかに低下しました。しかし、2000年代初頭には、ボン・ジョヴィの「It's My Life」によってロックとポップロックの人気が急上昇し、このジャンルを新しいファン層に紹介するのに役立ちました。

ロック、特にヘビーメタルのジャンルは、一部のキリスト教指導者から、不道徳、​​反キリスト教的、さらには悪魔的であると非難されてきた。^[173]しかし、クリスチャンロックは1960年代後半、特に南カリフォルニアで始まったジーザス運動から発展し始め、1970年代にはラリー・ノーマンなどのアーティストによってサブジャンルとして登場し、通常、クリスチャンロックの最初の主要な「スター」と見なされている。^[174]このジャンルは主に米国で現象となった。^{[175]多くのクリスチャンロックのパフォーマーは、}現代のクリスチャンミュージックシーンとつながりがある。1980年代から、クリスチャンポップのパフォーマーが主流の成功を収めるようになった。これらのアーティストはキリスト教コミュニティで広く受け入れられたが、1980年代にかなりの主流の成功を収めたストライパーなどのバンドによるヘビーロックやグラムメタルのスタイルを取り入れたことは、より物議を醸した。^{[176] [177] 1990年代からは、} PODを含め、クリスチャンバンドというラベルを避け、自分たちもクリスチャンであるグループとして見られることを好むバンドが増えてきました。^[178]

アメリカの労働者階級志向のハートランド・ロックは、率直な音楽スタイルと、普通のブルーカラーのアメリカ人の生活への関心を特徴とし、1970年代後半に発展した。ハートランド・ロックという用語は、カンサス、REOスピードワゴン、スティックスなどの中西部の アリーナ・ロック・グループを表すために最初に使用されたが、フォーク、カントリー、ロックンロールの影響をより直接的に受けた、より社会的関心の高いルーツ・ロックと関連付けられるようになった。^[179]これは、アメリカ中西部およびラストベルトにおける、西海岸カントリー・ロックやアメリカ南部のサザン・ロックの対応物とみなされてきた。^[180]当初はパンクやニューウェイヴと同一視されていた人物によって率いられ、ボブ・ディラン、バーズ、クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル、ヴァン・モリソンなどのアーティスト、および1960年代のガレージのベーシック・ロックやローリング・ストーンズの影響を最も強く受けた。^[181]

ブルース・スプリングスティーン、ボブ・シーガー、トム・ペティといったシンガーソングライターの商業的成功や、サウスサイド・ジョニー・アンド・ザ・アズベリー・ジュークス、ジョー・グルシェッキー・アンド・ザ・ハウスロッカーズといったあまり知られていないアーティストに代表されるように、ロックは東部と中西部のポスト工業化都市の衰退に対する反応でもあり、一種の楽しいロックンロール復興と並んで、社会的崩壊と孤立の問題にこだわることが多かった。^[181]このジャンルは1980年代半ばに商業的、芸術的、影響力のピークを迎え、スプリングスティーンの『ボーン・イン・ザ・USA』（1984年）が世界中のチャートで1位を獲得し、トップ10シングルを次々に生み出したほか、ジョン・メレンキャンプ、スティーヴ・アールなどのアーティストや、ブルース・ホーンズビーなどのより穏やかなシンガーソングライターが登場した。^{[181]また、}ビリー・ジョエル^[182] 、キッド・ロック^[183] ​​、キラーズ^[184]など、多様なアーティストに影響を与えたともいえる。

1990年代初頭までに、ハートランド・ロックは認知されたジャンルとしては消えていった。ロック音楽全般、特にブルーカラーや白人労働者階級をテーマにしたものが若い聴衆から支持を失い、ハートランドのアーティストがより個人的な作品に傾倒したためである。^[181]多くのハートランド・ロック・アーティストは、ブルース・スプリングスティーン、トム・ペティ、ジョン・メレンキャンプなど、批評的にも商業的にも成功を収めながらレコーディングを続けたが、彼らの作品はより個人的かつ実験的なものとなり、もはや特定のジャンルに当てはまらなくなった。^[185]

パンク・ロックは1974年から1976年にかけてアメリカとイギリスで発展した。ガレージロックや現在プロトパンク音楽として知られている他の形式に根ざしたパンク・ロックバンドは、1970年代の主流ロックの過剰とみなされるものを避けた。^[186]彼らは、典型的には短い曲、簡素化された楽器編成、そしてしばしば政治的で反体制的な歌詞を伴う、速くてエッジの効いた音楽を生み出した。パンクはDIY（自分でやる）倫理を受け入れており、多くのバンドがレコーディングを自ら制作し、非公式のチャネルを通じて配布している。^[187]

1976年後半までには、ニューヨークのラモーンズやパティ・スミス、ロンドンのセックス・ピストルズやクラッシュといったアーティストが、新しい音楽運動の先駆者として認知されるようになった。 ^[186]翌年、パンク・ロックが世界中に広まった。パンクはすぐにイギリスで大きな文化的現象となった。1976年12月1日のセックス・ピストルズとビル・グランディのテレビでの生討ちは、レコード店がレコードの取り扱いを拒否し、ラジオでのオンエアが困難であったにもかかわらず、イギリスのパンクが大きなメディア現象へと変貌する分岐点となった。^{[188] 1977年5月、セックス・ピストルズは、}エリザベス2世女王の即位25周年記念式典で「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」と題した曲で、新たな論争の的となり（シングルチャートで2位を獲得した）、[ 189 ]主に^パンクは、主流との結びつきを拒む傾向のある地元のシーンに根付いた。若者の反抗心​​を表現し、独特の服装スタイルとさまざまな反権威主義的イデオロギーを特徴とするパンクサブカルチャーが出現した。^[190]

1980年代初頭までに、ハードコアやOi!などのより速く、より攻撃的なスタイルがパンク・ロックの主流となった。^[191]これにより、Dビート（英国のバンドDischargeの影響を受けたディストーションを多用したサブジャンル）、アナルコ・パンク（ Crassなど）、グラインドコア（ Napalm Deathなど） 、クラスト・パンクなど、ハードコア・パンクから進化した系統がいくつか生まれた。^[192]パンクに共感したり影響を受けたミュージシャンは、幅広いバリエーションを追求し、ニューウェーブ、ポストパンク、オルタナティヴ・ロック運動を生み出した。^[186]

パンク・ロックは社会的、音楽的に重要な現象であったが、レコードの売り上げ（スティッフ・レコードなどの小規模な専門レーベルによって流通された）やアメリカのラジオでのオンエア（ラジオシーンはディスコやアルバム志向のロックなどの主流フォーマットに支配され続けたため）^{の点ではさほど成果を上げなかった。 [194]}パンク・ロックは芸術界や大学界の熱狂者を魅了し、すぐにトーキング・ヘッズやディーヴォなど、より教養があり芸術的なアプローチを誇示するバンドがパンクシーンに浸透し始めた。一部では、これらのあまりパンクではないバンドを区別するために「ニューウェーブ」という表現が使われるようになった。^[195]パンク運動にほとんど困惑していたレコード会社の重役たちは、より親しみやすいニューウェーブのバンドの可能性を認識し、パンクやニューウェーブと少しでもつながりがあると主張できるバンドと積極的に契約し、宣伝し始めた。^[196]カーズやゴーゴーズなど、これらのバンドの多くは、ニューウェーブとして宣伝されたポップバンドと見なすことができる。^[197]ポリス、プリテンダーズ、エルヴィス・コステロなどの既存のアーティストは、ニューウェイヴ運動をきっかけに比較的長く批評的に成功したキャリアを築きました。 [ ^198]一方、ナックに代表される「スキニータイ」バンドや、写真映えするブロンディは、パンクバンドとして始まり、より商業的な領域へと移行しました。^[200]

1979年から1985年の間、クラフトワーク、イエロー・マジック・オーケストラ、デヴィッド・ボウイ、ゲイリー・ニューマンの影響を受け、ブリティッシュ・ニューウェイヴは、スパンダー・バレエ、ウルトラヴォックス、ジャパン、デュラン・デュラン、ア・フロック・オブ・シーガルズ、カルチャー・クラブ、トーク・トーク、ユーリズミックスなどのニューロマンティックスの方向に進み、時には他のすべての楽器の代わりにシンセサイザーを使用することもあった。^{[201]この時期は}MTVの台頭と重なり、このタイプのシンセポップは大きな注目を集め、第二次ブリティッシュ・インヴェイジョンと呼ばれる現象を生み出した。^[202]いくつかのより伝統的なロックバンドはビデオ時代に適応し、MTVのエアプレイから利益を得た。最も明白なのはダイアー・ストレイツで、「マネー・フォー・ナッシング」は、彼らが国際的なスターになるのに貢献したにもかかわらず、MTVをやさしく揶揄した。^[203]しかし、一般的にギター志向のロックは商業的に影を潜めていた。^[204]

ハードコアがパンクの削ぎ落とされた美学を最も直接的に追求し、ニューウェイヴがその商業的な側面を代表するようになったとすれば、ポストパンクは1970年代後半から1980年代前半にかけて、より芸術的で挑戦的な側面として登場した。パンクバンド以外で大きな影響を与えたのは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、フランク・ザッパ、キャプテン・ビーフハート、そしてパフォーマンスを重視したニューヨークを拠点とするノーウェイヴシーンで、ジェイムス・チャンス・アンド・ザ・コントーションズ、DNA、ソニック・ユースなどのバンドがいた。^[205]このジャンルの初期の貢献者には、米国のバンド、ペール・ウブ、ディーヴォ、ザ・レジデンツ、トーキング・ヘッズが含まれていた。^[205]

イギリスのポストパンクの第一波には、ギャング・オブ・フォー、スージー・アンド・ザ・バンシーズ、ジョイ・ディヴィジョンなどが含まれ、彼らはアメリカのバンドに比べ芸術性よりも音楽の暗く感情的な性質を重視していた。^[205]スージー・アンド・ザ・バンシーズ、バウハウス、ザ・キュアー、シスターズ・オブ・マーシーなどのバンドは、この方向にますます進んでゴシック・ロックを創始し、 1980年代初頭までに主要なサブカルチャーの基礎となっていた。 ^{[206]同様の感情的な領域は、}バースデイ・パーティーやニック・ケイヴなどのオーストラリアのバンドによって追求された。^[205]バウハウスとジョイ・ディヴィジョンのメンバーは、それぞれラヴ・アンド・ロケッツとニュー・オーダーとして新しいスタイルの領域を模索した。^[205]ポストパンクの初期のムーブメントのもう一つは、イギリスのバンド、スロッビング・グリッスルやキャバレー・ヴォルテール、ニューヨークを拠点とするスーサイドによって開発されたインダストリアル・ミュージック^[207]であり、工業製品の音を模倣した様々な電子音楽やサンプリング技術を用いており、1980年代には様々な形態のポストインダストリアル・ミュージックへと発展していった。 ^[208]

1980年代初頭にブレイクしたザ・フォール、ザ・ポップ・グループ、ザ・メコンズ、エコー・アンド・ザ・バニーメン、ザ・ティアドロップ・エクスプローズなどのイギリスのポストパンクバンドの第二世代は、暗い音の世界から離れていく傾向があった。^[205]ポストパンクから登場したバンドの中でおそらく最も成功したのはアイルランドのU2だろう。彼らは宗教的なイメージの要素と政治的なコメントをしばしばアンセム的な音楽に取り入れ、1980年代後半には世界最大のバンドの一つになっていた。^[209]多くのポストパンクバンドがレコーディングや演奏を続けたものの、1980年代半ばにはバンドが解散したり他の音楽分野を模索したりしたため、ムーブメントとしては衰退したが、ロックミュージックの発展に影響を与え続け、オルタナティブロックムーブメントの創造における主要な要素と見なされてきた。^[210]

オルタナティヴ・ロックという用語は、1980年代初頭に、当時の主流のジャンルに当てはまらないロックアーティストを表すために作られた造語である。「オルタナティヴ」と名付けられたバンドは統一されたスタイルを持っていなかったが、すべて主流の音楽とは異なるものと見なされていた。オルタナティヴ・バンドは、ハードコア、ニューウェイヴ、ポストパンク運動を通じて、パンク・ロックに集団的に影響を受けていたことで結び付けられていた。^[211] 1980年代の米国の重要なオルタナティヴ・ロックバンドには、 REM、ハスカー・ドゥ、ジェーンズ・アディクション、ソニック・ユース、ピクシーズなどがあり、^[211]英国では、ザ・キュアー、ニュー・オーダー、ジーザス＆メリー・チェイン、ザ・スミスなどがあった。^{[212]アーティストは主に}独立系レコードレーベルに限定され、大学ラジオ、ファンジン、ツアー、口コミに基づいた大規模なアンダーグラウンド音楽シーンを構築していた。 ^[213]彼らは1980年代初頭に主流だったシンセポップを拒否し、グループベースのギターロックへの回帰を示した。^{[214] [215] [216]}

これらの初期のバンドで主流の成功を収めたものはほとんどなかったが、例外として REM、ザ・スミス、ザ・キュアーが挙げられる。アルバムの売り上げが目覚ましいというわけではないが、元祖オルタナティブロックバンドは、1980年代に成人し、1990年代に主流の成功を収めた世代のミュージシャンに多大な影響を与えた。1980年代の米国のオルタナティブロックのスタイルには、 1960年代半ばのポップやロックの鳴り響くギターを取り入れた REM の初期のレコーディングに関連するジャングルポップや、 10,000マニアックスやザ・フィーリーズなどの大学サーキットや大学ラジオで始まったオルタナティブロックバンドを表すカレッジロックなどがあった。^[211]イギリスでは、1980年代前半はゴシック・ロックが主流だったが、80年代の終わりには、プライマル・スクリーム、ボグシェッド、ハーフ・マン・ハーフ・ビスケット・アンド・ザ・ウェディング・プレゼントなどのインディーズやドリームポップ^[217]や、マイ・ブラッディ・ヴァレンタインズ、スロウダイヴ、ライド、ラッシュなどのシューゲイザーバンドが登場した。^[218]特に活気があったのはマッドチェスターシーンで、ハッピー・マンデーズ、インスパイラル・カーペッツ、ザ・ストーン・ローゼズなどのバンドを輩出した。^{[212] [219]}次の10年間は​​、米国ではグランジ、英国ではブリットポップが成功し、オルタナティヴ・ロックが主流となった。

1980年代半ば、商業化され、高度にプロデュースされたポップやロックに不満を抱いたワシントン州（特にシアトル周辺）のバンドは、当時の主流音楽とは対照的な新しいスタイルのロックを生み出した。^[220]この発展途上のジャンルは「グランジ」と呼ばれるようになった。これは、音楽の汚い音と、他のアーティストの過度に身だしなみを整えたイメージに積極的に反抗したほとんどのミュージシャンのだらしない外見を表す言葉である。 ^{[220]グランジは、}ハードコアパンクとヘビーメタルの要素を1つのサウンドに融合し、ギターのディストーション、ファズ、フィードバックを多用した。^[220]歌詞は典型的には無関心で不安に満ちており、社会的疎外や閉じ込めなどのテーマを扱うことが多かったが、ブラックユーモアや商業ロックのパロディでも知られていた。^[220]

グリーン・リヴァー、サウンドガーデン、メルヴィンズ、スキン・ヤードなどのバンドがこのジャンルの先駆者となり、10年後にはマッドハニーが最も成功した。1991年、ニルヴァーナのアルバム『ネヴァーマインド』が大ヒットし、アンセミックな曲「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」が収録されるまで、グランジは主にローカルな現象に留まった。^{[221] 『} ネヴァーマインド』は前作よりもメロディアスで、ゲフィン・レコードと契約したこのバンドは、MTVビデオ、店内ディスプレイ、主要な主流ロック局での放送を促進するラジオ「コンサルタント」の活用など、伝統的な企業プロモーションやマーケティングの仕組みを最初に採用したバンドの1つとなった。 1991年から1992年にかけて、パール・ジャムの『Ten』、サウンドガーデンの『Badmotorfinger』、アリス・イン・チェインズの『Dirt』、そしてパール・ジャムとサウンドガーデンのメンバーが参加したアルバム『Temple of the Dog 』など、他のグランジ・アルバムもベストセラー・アルバム100にランクインした。^[222]大手レコード会社はシアトルに残っていたグランジ・バンドのほとんどと契約し、第二波のアーティストが成功を期待してシアトルに移り住んだ。^[223]しかし、 1994年のカート・コバーンの死とそれに続くニルヴァーナの解散、パール・ジャムのツアー問題、1998年のアリス・イン・チェインズのリードシンガー、レイン・ステイリーの脱退により、このジャンルは衰退し始め、ブリットポップやよりコマーシャルなポスト・グランジに影を落とされた。^[224]

ブリットポップは1990年代初頭のイギリスのオルタナティブロックシーンから生まれ、特に1960年代と1970年代のイギリスのギター音楽に影響を受けたバンドによって特徴づけられた。^[212] スミスは大きな影響を与えたが、 1990年代初頭に解散したマッドチェスターシーンのバンドも同様であった。 ^{[80]このムーブメントは、1980年代後半から1990年代初頭のさまざまな米国ベースの音楽的および文化的傾向、特に}グランジ現象に対する反応として、またイギリスのロックアイデンティティの再主張として部分的に見られている。^[212]ブリットポップはスタイルが多様であったが、キャッチーな曲調やフックがよく使用され、歌詞には特にイギリス的な懸念が込められ、モッズが以前使用していたイギリスのアイデンティティのシンボルを含む1960年代のブリティッシュインベイジョンの図像が採用されている。^{[225] 1993年頃に}スウェードやブラーなどのグループのリリースで開始され、すぐにオアシス、パルプ、スーパーグラス、エラスティカなどのグループが加わり、一連のヒットアルバムとシングルを制作しました。^[212]しばらくの間、ブラーとオアシスの競争は大衆メディアによって「ブリットポップの戦い」にまで発展し、最初はブラーが勝利しましたが、オアシスはより長期的かつ国際的な成功を収め、オーシャン・カラー・シーンやクーラ・シェイカーなどの後のブリットポップバンドに直接影響を与えました。^[226]ブリットポップグループはイギリスのオルタナティブロックを主流に持ち込み、クール・ブリタニアとして知られるより大きなイギリスの文化運動のバックボーンを形成しました。^[227]より人気のあるバンド、特にブラーとオアシスは海外、特に米国で商業的な成功を広げることができましたが、この運動は10年代の終わりまでにほぼ崩壊しました。^[212]

ポストグランジという用語は、シアトルのグランジバンドが主流に登場し、その後活動休止した世代のバンドを指す造語である。ポストグランジバンドは彼らの態度や音楽を模倣したが、よりラジオ向きの商業志向のサウンドであった。^[224]彼らはメジャーレーベルを通じて活動することが多く、ジャングルポップ、ポップパンク、オルタナティブメタル、ハードロックなど、さまざまな影響を取り入れるようになった。^[224]ポストグランジという用語はもともと軽蔑的な意味合いがあり、単に音楽的に派生したもの、または「本物の」ロックムーブメントに対する皮肉な反応であると示唆していた。^[228]もともと、グランジが主流だった時代に登場し、グランジサウンドを模倣していると疑われたグランジバンドは、軽蔑的にポストグランジと呼ばれていた。^[228] 1994年からは、元ニルヴァーナのドラマー、デイヴ・グロールの新バンド、フー・ファイターズがこのジャンルの普及とその基準を定義するのに貢献した。^[229]

ポスト・グランジには、キャンドルボックスのようなシアトル出身のバンドもいたが、このサブジャンルは、ロサンゼルスのオーディオスレイヴやジョージアのコレクティヴ・ソウル、さらにはアメリカ国内ではオーストラリアのシルバーチェアーやイギリスのブッシュといったバンドの登場により、グランジの地理的基盤が広がったことを特徴としており、これらのバンドにより、ポスト・グランジは1990年代後半の最も商業的に成功したサブジャンルの1つとしての地位を確立した。^{[211] [224]}ポスト・グランジでは男性バンドが主流であったが、女性ソロ・アーティストのアラニス・モリセットの1995年のアルバム『Jagged Little Pill』も、ポスト・グランジと称され、マルチ・プラチナ・ヒットとなった。^[230]ポスト・グランジは、1990年代後半にクリードやニッケルバックのようなポスト・グランジ・バンドの登場により、形を変えていった。^[228]クリードやニッケルバックのようなバンドは、ポストグランジを21世紀に持ち込み、かなりの商業的成功を収め、元のムーブメントの不安や怒りのほとんどを捨て、より伝統的なアンセム、物語、ロマンチックな歌に切り替え、シャインダウン、シーザー、3ドアーズダウン、パドル・オブ・マッドなどの新しいバンドがこれに続きました。^[228]

1990年代のポップパンクの起源は、1970年代のパンク運動におけるバズコックスやクラッシュのような歌重視のバンド、ザ・ジャムやザ・アンダートーンズのような商業的に成功したニューウェーブのバンド、そして1980年代のハードコアの影響を受けたオルタナティヴ・ロックの要素に見て取れる。^[231]ポップパンクは、パワーポップのメロディーやコード進行を、スピーディーなパンクのテンポや大きなギターと共に使用する傾向がある。^[232]パンク音楽は、1990年代初頭にカリフォルニアを拠点にインディーズレーベルに所属するバンドにインスピレーションを与えた。その中にはランシドやグリーン・デイなどがある。 ^[231] 1994年にグリーン・デイはメジャーレーベルに移籍し、アルバム『ドゥーキー』をプロデュースした。このアルバムは主に10代の若者を新たに獲得し、予想外にダイヤモンド級の売り上げを記録し、アメリカで2枚のナンバーワンヒットを含む一連のヒットシングルを生み出した。^{[211]その後すぐに}ウィーザーの同名デビュー作が続き、アメリカでトップ10シングルを3枚生み出した。^{[233]この成功により、メタリックパンクバンド、}オフスプリングのスマッシュ（1994年）がマルチプラチナセールスを記録することになった。^{[211]この第一波のポップパンクは、グリーンデイの}ニムロッド（1997年）とオフスプリングのアメリカーナ（1998年）で商業的なピークを迎えた。^[234]

ポップパンクの第二波は、ブリンク182の画期的なアルバム『エネマ・オブ・ザ・ステイト』 （1999年）によって先導され、グッド・シャーロット、シンプル・プラン、サム41などのバンドがそれに続き、ビデオにユーモアを取り入れ、よりラジオ向きのトーンの音楽を作りつつ、1970年代のパンクのスピード、態度、さらには外見も保持した。^[231]その後のポップパンクバンド、オール・タイム・ロウ、オール・アメリカン・リジェクツ、フォール・アウト・ボーイは、1980年代のハードコアに近いと言われるサウンドでありながら、商業的な成功を収めた。^[231]

1980年代には、インディーロックとオルタナティブロックという用語は互換的に使用されていました。^[235] 1990年代半ばまでに、このムーブメントの要素、特にグランジ、次にブリットポップ、ポストグランジ、ポップパンクが主流の関心を集め始めると、オルタナティブロックという用語は意味を失い始めました。^[235]シーンのあまり商業的ではない輪郭をたどるバンドは、ますますインディーズと呼ばれるようになりました。^[235]彼らは、プロモーションのためにツアー、口コミ、独立系ラジオ局や大学ラジオ局でのオンエアに頼りながら、独自のレーベルや小規模な独立系レーベルでアルバムをリリースすることで、キャリアのコントロールを維持しようとするのが特徴でした。^[235]音楽的なアプローチというよりも精神によって結びついたインディーロック運動は、クランベリーズやスーパーチャンクのようなハードエッジでグランジの影響を受けたバンドから、ペイブメントのようなDIY実験バンド、アニ・ディフランコのようなパンクフォークシンガーまで、幅広いスタイルを包含していた。^{[211] [212]}インディーロックは、それ以前のロックジャンルと比較して女性アーティストの割合が比較的高いことが指摘されており、フェミニズムに影響を受けたライオットガール音楽の発展がその傾向を例示している。^{[236]多くの国で大規模なローカル}インディーシーンが発展しており、国内では十分に人気があって生き残れるものの、国外ではほとんど知られていないバンドが栄えている。^[237]

1990年代の終わりまでには、1980年代後半のオルタナティブ・ムーブメントに端を発する多くの有名なサブジャンルがインディーズというカテゴリーに含まれるようになった。ローファイは洗練されたレコーディング技術を避けてDIY精神を追求し、ベック、セバドー、ペイブメントが先頭に立った。^[211]トーク・トークとスリントの作品は、バーク・サイコシスが先駆けとなり、トータス、ステレオラブ、ライカなどが取り入れた、ジャズとエレクトロニック・ミュージックに影響を受けた実験的なスタイルのポスト・ロック^{[238] [239]や、}ポルボやチャベスなどが開発した、より密度が高く複雑なギター・ベースのマッド・ロックにも影響を与えた。^[240]スペース・ロックは、ドローンを多用しミニマリスト的な演奏を特徴とするSpacemen 3、その分裂から生まれた2つのバンドSpectrumとSpiritualized、そして後発のグループであるFlying Saucer Attack、Godspeed You! Black Emperor、Quickspace などを代表とするプログレッシブ・ロックのルーツに立ち返った。^[241]対照的に、サッドコアは、アメリカン・ミュージック・クラブやレッド・ハウス・ペインターズなどのバンドの音楽で、アコースティック楽器と電子楽器のメロディックな使用を通じて痛みや苦しみを強調した。^{[242]一方、バロック・ポップのリバイバルは、}アーケイド・ファイア、ベル・アンド・セバスチャン、ルーファス・ウェインライトなどのアーティストがメロディとクラシック楽器を重視することで、ローファイや実験音楽に反発した。^[243]

オルタナティブ・メタルは1980年代後半にアメリカのオルタナティブ・ロックのハードコアシーンから生まれたが、1990年代初頭にグランジが主流になったことでより幅広い聴衆を獲得した。^[244]初期のオルタナティブ・メタルバンドは、ハードコアやヘビーメタルの感性で様々なジャンルをミックスしており、ジェーンズ・アディクションやプリマスはプログレッシブ・ロック、サウンドガーデンやコローション・オブ・コンフォーミティはガレージ・パンク、ジーザス・リザードやヘルメットはノイズロック、ミニストリーやナイン・インチ・ネイルズはインダストリアル・ミュージックの影響を受け、モンスター・マグネットはサイケデリックへと、パンテラ、セパルトゥラ、ホワイト・ゾンビはグルーヴ・メタルを生み出し、バイオハザード、リンプ・ビズキット、フェイス・ノー・モアはヒップホップやラップへと転向した。 ^[244]

ヒップホップは1980年代初頭にロックバンドから注目を集めた。クラッシュの「荒野の七人」（1980年）やブロンディの「ラプチャー」（1980年）などである。^{[245] [246]}初期のクロスオーバーバンドには、Run DMCやビースティ・ボーイズがいる。^[247]デトロイトのラッパー、エシャムは、ラップとロックやヘビーメタルをベースにしたサウンドを融合させた「アシッド・ラップ」スタイルで知られるようになった。^{[248] [249]}ロックの曲をサンプリングしたラッパーには、アイス-T、ファット・ボーイズ、LLクールJ、パブリック・エネミー、フーディニがいる。^{[250 ] スラッシュメタルとラップの融合は、}アンスラックスが1987年にコメディに影響を受けたシングル「アイム・ザ・マン」で開拓した。 ^[250]

1990年、フェイス・ノー・モアはシングル「エピック」で主流に躍り出た。これはヘビーメタルとラップの真の意味で成功した最初の組み合わせとよく見られている。^{[251]これにより、} 24-7スパイズやリヴィング・カラーなどの既存のバンドや、レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンやレッド・ホット・チリ・ペッパーズなどの新進アーティストの成功への道が開かれ、彼らはすべてロックとヒップホップを融合させ、他の影響も受けていた。^{[250] [252]}ラップ・ロックとして主流の成功を収めた最初の波のアーティストには、311、^[253] ブラッドハウンド・ギャング、^[254]キッド・ロックがいた。^[255]よりメタリックなサウンド、つまりニューメタルは、リンプ・ビズキット、コーン、スリップノット などのバンドによって追求された。^[250] 10年後には、グランジ、パンク、メタル、ラップ、ターンテーブル・スクラッチをミックスしたこのスタイルから、リンキン・パーク、POD、ステインドなどの成功したバンドが次々と誕生した。これらのバンドはラップ・メタルやニュー・メタルに分類されることが多く、リンキン・パークとPODはこのジャンルで最も売れているバンドである。^[256]

2001年、ニューメタルはステインドの『Break the Cycle』、PODの『Satellite』、スリップノットの『Iowa 』 、リンキン・パークの『Hybrid Theory』などのアルバムでピークを迎えた。また、ディスターブド、ゴッドスマック、パパ・ローチなどの新しいバンドも登場し、パパ・ローチのメジャーデビュー作『Infest』はプラチナ・ヒットとなった。^[257]コーンの待望の5枚目のアルバム『Untouchables』とパパ・ローチの2枚目のアルバム『Lovehatetragedy』は、以前のリリースほど売れず、ニューメタルバンドはロックラジオ局であまり放送されなくなり、MTVはポップパンクやエモに焦点を当て始めた。 [ ^258]それ以来、多くのバンドがより一般的なハードロック、ヘビーメタル、またはエレクトロニックミュージックのサウンドに変化した。^[258]

1997年頃から、クール・ブリタニアの概念に対する不満が高まり、ブリットポップという運動が解散し始めると、新進気鋭のバンドはブリットポップというレッテルを避けながらも、そこから派生した音楽を作り始めた。^{[259] [260]}これらのバンドの多くは、英国の伝統的なロック（または英国のトラッド・ロック）の要素、^[261]特にビートルズ、ローリング・ストーンズ、スモール・フェイセス^[262]と、ポスト・グランジなどのアメリカの影響をミックスする傾向があった。^{[263] [264]}イギリス全土から集まった（イングランド北部、スコットランド、ウェールズ、北アイルランドから重要なバンドが数本登場した）彼らの音楽のテーマは、全盛期のブリットポップの場合よりも、英国、イングランド、ロンドンの生活に偏狭にこだわる傾向が少なく、より内省的なものとなった。^{[265] [266]}これは、アメリカのマスコミやファンと関わろうとする意欲の高まりと並んで、彼らの一部が国際的な成功を収めるのに役立ったのかもしれない。^[267] 1990年代半ばにある程度の成功を収めたものの、1990年代後半まで商業的な大きな成功を収めなかったオルタナティブバンドには、ヴァーヴやレディオヘッドなどがある。ブリットポップの衰退後、彼らはより批評家や一般の注目を集めるようになった。ヴァーヴのアルバム『アーバン・ヒムズ』（1997年）は世界的ヒットとなり、レディオヘッドは実験的な3枚目のアルバム『OK Computer』（1997年）とそれに続く『キッドA』（2000年）でほぼ普遍的な批評家の称賛を得た。

ポスト・ブリットポップのバンドは、ロックスターを普通の人として表現していると見られ、彼らのメロディアスになっていく音楽は、味気ない、あるいは模倣的だと批判された。^[268]ポスト・ブリットポップのバンド、例えば『ザ・マン・フー』 （1999年）のトラヴィス、 『パフォーマンス・アンド・カクテルズ』 （1999年）のステレオフォニックス、『エコー・パーク』 （2001年）のフィーダー、そして特にデビューアルバム『パラシューツ』 （2000年）のコールドプレイは、それ以前のブリットポップグループのほとんどよりもはるかに広い国際的成功を収め、1990年代後半から2000年代前半にかけて最も商業的に成功したバンドの一つであり、その後のガレージロックのリバイバルやポストパンクのリバイバルの足がかりとなったとも言えるが、これは彼らの内省的なロックに対する反応とも見られている。^{[264] [269] [270] [271]}

ポストハードコアは、1980年代前半から中頃にかけて、特にシカゴとワシントンDC周辺でアメリカで発展しました。ハードコアパンクのDIY精神とギター中心の音楽にインスピレーションを受けたバンドが、ポストパンクの影響を受け、より長い曲形式、より複雑な音楽構造、時にはよりメロディアスなボーカルスタイルを採用しました。^[272]

エモは1980年代のワシントンDCのハードコアシーンからも登場し、当初は「エモコア」と呼ばれ、より一般的な耳障りで吠えるようなスタイルよりも表現力豊かなボーカルを好むバンドを表す言葉として使われた。^[273]初期のエモシーンはアンダーグラウンドとして運営され、短命のバンドは小さな独立系レーベルから少量のビニールレコードをリリースした。^[273]エモは2000年代初頭、ジミー・イート・ワールドの『Bleed American』（2001年）とダッシュボード・コンフェッショナルの『The Places You Have Come to Fear the Most』（2003年）のプラチナセールスで主流文化に突入した。^[274]新しいエモは1990年代よりもはるかに主流のサウンドを持ち、以前のものよりも若者の間ではるかに大きな人気を博した。^[274]同時に、エモという言葉の使用は音楽ジャンルを超えて拡大し、ファッション、ヘアスタイル、感情を表現するあらゆる音楽と関連付けられるようになった。^[275] 2003年までにポストハードコアバンドもメジャーレーベルの注目を集め、アルバムチャートで主流の成功を収め始めました。^{[要出典]これらのバンドの多くはエモのより攻撃的な派生と見なされ、}スクリーモという漠然としたラベルが付けられました。^[276]

2000年代初頭、ギターロックを簡素化し原点回帰させた新しいバンドのグループが主流に登場した。彼らはガレージロック、ポストパンク、ニューウェーブリバイバルの一部として様々に特徴づけられた。^{[277] [ 278] [279] [280]}これらのバンドは世界中から集まり、多様な影響（伝統的なブルースからニューウェーブ、グランジまで）を挙げ、異なる服装スタイルを採用していたため、ジャンルとしての統一性は議論の的となってきた。^[281] 1980年代と1990年代にはガレージロックとパンクの要素を復活させようとする試みがあり、2000年までにいくつかの国でシーンが成長した。^[282]

これらのシーンからの商業的躍進は、4つのバンドによって牽引された。ニューヨークのクラブシーンからデビューアルバム『Is This It』（2001年）で登場したザ・ストロークス、デトロイト出身で3枚目のアルバム『White Blood Cells』（2001年）、コンピレーションアルバム『Your New Favourite Band』 （2001年）を発表したスウェーデン出身のザ・ハイヴス、そしてオーストラリア出身で『Highly Evolved 』 （2002年）を発表したザ・ヴァインズである。 ^[283]メディアによって「ザ」バンドと名付けられ、「ロックンロールの救世主」と呼ばれたが、誇大宣伝だという非難を浴びた。^[284]この運動により国際的に認知された第二波のバンドとしては、アメリカのブラック・レベル・モーターサイクル・クラブ、キラーズ、インターポール、キングス・オブ・レオン、 ^{[285]イギリスの}リバティーンズ、アークティック・モンキーズ、ブロック・パーティー、カイザー・チーフス、フランツ・フェルディナンド、^{[286]オーストラリアの}ジェット、ウルフマザー、^[287]ニュージーランドのダットサン、D4などがある。 ^[288]

2000年代には、コンピュータ技術がより身近になり、音楽ソフトウェアが進歩したため、ラップトップコンピュータ1台だけで高品質の音楽を作成できるようになりました。^[289]これにより、インターネットの拡大を通じて一般に公開される自家製の電子音楽の量が大幅に増加し、^[290]ラプトロニカ^[289]やライブコーディングなどの新しい形式のパフォーマンスも登場しました。^{[291]これらの技術は、既存のバンドや、}インディーエレクトロニック、エレクトロクラッシュ、ダンスパンク、ニューレイブなど、ロックとデジタル技術やサウンドをミックスしたジャンルの開発にも使用され始めました。^[要出典]

2010年代、ロック音楽は主要なポピュラー音楽ジャンルとしての地位から衰退し、現在ではエレクトロニックダンスやヒップホップと並んでおり、ヒップホップは2017年までに米国で最も消費されている音楽ジャンルとしてロックを上回った。^{[292] [293] [294]}ストリーミングの台頭と音楽制作へのアプローチを変えたテクノロジーの出現が主な要因として挙げられた。^[295] Geniusのケン・パートリッジは、ヒップホップがより変革的なジャンルであり、過去のサウンドに頼る必要がないため人気が高まったと示唆し、2010年代のロック音楽の停滞と社会的態度の変化に直接関係していると述べた。^{[293]ビル・フラナガンは、2016年の}ニューヨークタイムズの意見記事で、この時期のロックの状態を1980年代初頭のジャズの状態、「減速して過去を振り返る」ことに例えた。^[296]

2010年代にチャートで成功したロックバンドは、新しいシーンやサウンドを反映したものではなく、2000年代やそれ以前の数十年間に人気があったトレンドに関連したものがほとんどだった。 ^[297]ポップロックやハードロックバンドの中には、ゴースト、マルーン5、トゥエンティ・ワン・パイロッツ、フォール・アウト・ボーイ、イマジン・ドラゴンズ、ヘイルストーム、パニック！アット・ザ・ディスコ、ブラック・ベール・ブライズ、グレタ・ヴァン・フリート、ザ・ブラック・キーズなど、この時期にも商業的な成功を収めたバンドがあった。 ^{[298] [299] [300]}チャートの外では、ロックフェスティバルの商業化がこの10年間の大きなテーマであり、コーチェラ、グラストンベリー、ロスキレなどの世界的なメガフェスティバルと、小規模なローカルフェスティバルの両方が拡大した。^[301]

2020年、COVID-19パンデミックは世界中のロックシーンに大きな変化をもたらした。隔離規則などの制限により、コンサート、ツアー、フェスティバル、アルバムリリース、授賞式、コンテストなどが広範囲にわたってキャンセルまたは延期された。^{[302] [303] [304] [305] [306]}アーティストの中には、キャリアをアクティブに保つためにオンラインでのパフォーマンスに頼った者もいた。^[307]隔離制限を回避する別の策略が、デンマークのロックミュージシャン、マッズ・ランガーのコンサートで使用された。観客はドライブインシアターのように車内からパフォーマンスを観たのだ。^[308]音楽的には、パンデミックにより、ロックミュージックのよりゆっくりとした、エネルギーが少なく、よりアコースティックなサブジャンルからの新作が急増した。^{[309] [310]}業界は、ライブネーションが主催するライブ音楽クルーの救済基金であるクルー・ネーションなどの取り組みを通じて、自らを助けるための資金を調達した。^[311]

ロックにおけるサイケデリックやプログレッシブのスタイルは、2010年代から2020年代にかけて人気が再燃した。ネオサイケデリックの最も有名なアーティストのいくつかはオーストラリア出身である。ケヴィン・パーカーのテーム・インパラは2012年にシングル「エレファント」をリリースし、これは様々な国のオルタナティブラジオでヒットし、その後パーカーは『ロネリズム』（2012年）や『カレント』 （2015年）といった批評家から絶賛されたアルバムをリリースした。^{[312] [313] [314]この新しいスタイルのオーストラリアのサイケデリック音楽は、60年代や70年代の}サイケデリックやプログレッシブ・ロックのアーティストを基盤としているだけでなく、ロック、ヘビーメタル、EDM、ワールドミュージックの様々なサブジャンルからの新しくユニークな音楽的影響も取り入れている。^{[315] 2014年の}ガーディアン紙の記事では、オーストラリアは「独立心のあるロックバンドが自分たちのペースで自由に発展できる場所」であると評されている。^[316] 2010年代と2020年代の他のオーストラリアのサイケデリックおよびプログレッシブリバイバルバンドには、キング・ギザード・アンド・ザ・リザード・ウィザード、サイケデリック・ポルノ・クランペッツ、ローリング・ブラックアウト・コースタル・フィーバー、バナナガン、ジェイ・ワトソン、ザ・マーロックス、ストーンフィールド、トロピカル・ファック・ストームなどがある。^{[317] [318]}

ロックにおけるサイケデリックなトレンドもヨーロッパで復活を遂げており、アンクル・アシッド・アンド・ザ・デッドビーツ、グレイブヤード、カダバー、オール・ゼム・ウィッチーズ、トゥルー・ウィドウなどのヨーロッパやアメリカのストーナーロックグループが、ブルースやメタルの影響が強い、より重くリフ中心のバージョンのネオサイケデリックを演奏している。^[319]ヨーロッパは新しいサイケデリックミュージックにとって「本当に良い」と言われており、多くのアメリカのストーナーロックバンドが北米ではなくヨーロッパでのツアーを選択している。^[320]

2020年代初頭、ポップとラップ両方のアーティストがポップパンクの影響を受けた人気のレコーディングをリリースし、その多くはブリンク182のドラマー、トラヴィス・バーカーがプロデュースまたはサポートしたものだ。このジャンルの商業的復活を代表するこれらのアーティストには、マシン・ガン・ケリー、ウィロー・スミス、トリッピー・レッド、ホールジー、ヤングブラッド、オリビア・ロドリゴなどが含まれていた。ソーシャルメディアプラットフォームTikTokの人気は、パンデミック中に若いリスナーの間で不安に駆られた音楽スタイルへのノスタルジーを呼び起こすのに役立った。これらのリリースで最も成功したものの中には、ビルボード200で1位になったマシン・ガン・ケリーの2020年のアルバム『 Tickets to My Downfall 』と、ロドリゴのナンバーワンヒットシングル「Good 4 U」（2021年）がある。^[321]

2010年代半ばから後半、そして2020年代初頭には、イギリスとアイルランドからポストパンクバンドの新しい波が出現した。このシーンのグループは、2019年にNMEとThe Quietusによって「クランク・ウェイヴ」という言葉で表現され、 2021年にはNPRの記者マシュー・パーペチュアによって「ポスト・ブレグジット・ニューウェイヴ」と表現された。 ^{[322] [323] [324]}このスタイルに該当すると特定されているアーティストには、ブラック・ミディ、ウェット・レッグ、スクイッド、ブラック・カントリー、ニュー・ロード、ドライ・クリーニング、シェイム、スリーフォード・モッズ、フォンテインズDC、ザ・マーダー・キャピタル、アイドルズ、ヤード・アクトがいる。^{[322] [323] [324] [325]} 2010年代から2020年代初頭にかけて英国以外の国で注目を集めたポストパンクアーティストには、パーケット・コーツ、プロトマーティア・アンド・ギース（米国）、プレオキュペーションズ（カナダ）、アイスエイジ（デンマーク）、バイアグラ・ボーイズ（スウェーデン）などがいます。^{[326] [327] [328]}

2010年代半ばから後半にかけて、一部の主流ロックバンドは、クラシックロックのラジオで人気のレガシーバンドのサウンドを模倣することを目的とした、基本に立ち返ったロックミュージックのスタイルで演奏することで悪評を得始めました。グレタ・ヴァン・フリートの『Anthem of the Peaceful Army』 （2018年）のリリースにより、1960年代と1970年代の初期のロックスタイルへの主流の関心が再燃し、Revolverは、このクラシックロックの復活サウンドを「ボーカル、ギター、ベース、ドラムの構成を中心に構築された、強烈で威勢のいい、リフ主導のロックンロール」と表現しました。^[329]このトレンドの一部であると考えられている他のグループには、ライバル・サンズ、ザ・ストラッツ、ダーティー・ハニー、クラウン・ランズ、ラーキン・ポー、ホワイト・リーパーなどがあります。^[330]

ロックのさまざまなサブジャンルが、多数のサブカルチャーに取り入れられ、そのアイデンティティの中心となった。1950年代と1960年代には、それぞれ英国の若者が、米国のロックンロールを中心に展開するテディボーイとロッカーのサブカルチャーを取り入れた。 ^[331] 1960年代のカウンターカルチャーは、サイケデリックロックと密接に関連していた。^[331] 1970年代中期から後半のパンクサブカルチャーは米国で始まったが、英国人デザイナーのヴィヴィアン・ウエストウッドによって独特の外観が与えられ、その外観は世界中に広まった。^[332]パンクシーンから、ゴスとエモのサブカルチャーが成長し、どちらも独特の視覚スタイルを提示した。^[333]

国際的なロック文化が発達すると、ロックは映画に取って代わり、ファッションの影響力の主要な源泉となった。^{[334]逆説的に、ロック音楽のファンは、イメージを実質より重視すると見なされてきたファッションの世界をしばしば信用していない。 [334]}ロックファッションは、異なる文化や時代の要素を組み合わせたものであると同時に、セクシュアリティやジェンダーに関する相反する見解を表現していると見なされており、ロック音楽全般は、より大きな性的自由を促進することで注目され、批判されてきた。^{[334] [335]}ロックはまた、1960年代前半から半ばにかけてモッズが摂取したアンフェタミン、 1960年代半ばから後半、1970年代前半のサイケデリックロックと結び付けられたLSD、メスカリン、ハシシ、その他の幻覚剤、そして時には大麻、コカイン、ヘロインなど、さまざまな形態の薬物使用と関連付けられており、これらはすべて歌の中で称賛されてきた。^{[336] [337]}

ロックは、アフリカ系アメリカ人の文化を白人の聴衆に開放することで人種に対する態度を変えたと評価されてきたが、同時に、ロックはその文化を盗用し、搾取していると非難されてきた。 ^{[338] [339]}ロック音楽は多くの影響を吸収し、西洋の聴衆にさまざまな音楽の伝統を紹介してきたが、^[340]ロック音楽の世界的な普及は文化帝国主義の一形態と解釈されてきた。^[341]ロック音楽は、戦争、宗教、貧困、公民権、正義、環境などの主題について政治的な声明を出す、抗議歌の民俗伝統を受け継いだ。 ^[342]政治活動は、「Do They Know It's Christmas?」シングル（1984年）と1985年のエチオピアでのライブエイドコンサートで主流のピークに達した。これらは世界の貧困と援助資金に対する意識を高める一方で、（同様のイベントとともに）関与したロックスターの自己顕示と利益増加の舞台を提供しているとして批判も受けた。^[343]

ロック音楽は、その初期の発展以来、社会的・政治的規範に対する反抗と結び付けられてきた。初期のロックンロールは大人中心の文化を拒絶し、カウンターカルチャーは消費主義と同調を拒絶し、パンクはあらゆる形態の社会的慣習を拒絶した。^[344]しかし、ロック音楽はそのような思想を商業的に利用し、若者を政治活動から遠ざける手段を提供しているとも考えられる。^{[345] [346]}

ヘビーメタルなどのロックジャンルでプロの女性楽器奏者は珍しいが、ウィズイン・テンプテーションなどのバンドでは女性がリードシンガーとして登場し、男性が楽器を演奏することがある。シャープとバーカーズによれば、「バンドで演奏することは男性の同性愛活動であり、つまり、バンドで演奏することを学ぶことは、既存の性別で分離された友人関係のネットワークによって形作られた、仲間を基盤とした経験である」。^[347]彼らは、ロック音楽は「女性の寝室文化に対する男性の反抗の一形態として定義されることが多い」と指摘している。^[348]（「寝室文化」理論は、社会が少女たちを事実上寝室に閉じ込めることで、犯罪や逸脱行為に手を染めないように影響を与えていると主張している。これは、アンジェラ・マクロビーという社会学者によって特定された。）ポピュラー音楽では、音楽への「公的（男性）参加と私的（女性）参加の区別」が性別によって行われてきた。^[348]「何人かの学者は、男性が女性をバンドから、またはバンドのリハーサル、レコーディング、パフォーマンス、その他の社会活動から排除していると主張している」。^[349]「女性は、巧妙で、非公式な、そして ...男女混合バンドが存在する理由の1つは、「バンドは緊密なユニットとして機能し、同性間の社会的絆であるホモソーシャルな連帯感が重要な役割を果たしている」ためである。[ ^{349 ]} 1960年代のロックミュージックシーンでは、「歌うことは女の子にとって許容される娯楽である場合もあったが、楽器を演奏することは決して行われていなかった」。^[350]

「ロック音楽の反乱は男性の反乱だった。ロック界の女性たち、特に1950年代や60年代には10代の少女たちが、マッチョなボーイフレンドに頼る人物として歌を歌っていた」。フィリップ・アウスランダーは「1960年代後半までにはロック界に多くの女性がいたが、そのほとんどは歌手としてのみ活動していた。これはポピュラー音楽における女性の立場だ」と述べている。アメリカの女性だけのガレージロックバンドで楽器を演奏する女性もいたが、これらのバンドはいずれも地域的な成功を収めたに過ぎなかった。そのため「ロック界における女性の継続的な参加の有効なテンプレートを提供しなかった」。^{[351]ヘビー}メタルバンドの性別構成に関しては、「少なくとも1980年代半ばまでは」^{[353] 「}ガールスクールなどの例外を除いて」ヘビーメタルの演奏者はほとんど男性のみであると言われている。^[352]しかし、「今[2010年代]は、これまで以上に、強いメタル女性たちが勇気を振り絞って活動し始めている」^[354]「自分たちのためにかなりの地位を築き上げている」^{[355] 1973年に}スージー・クアトロが登場したとき、「ロック界で歌手、楽器奏者、作詞家、バンドリーダーとして同時に活動している著名な女性ミュージシャンは他にいなかった」^[351]アウスランダーによると、彼女は「ロックンロールの男性の扉を蹴破り、女性ミュージシャンが …そしてこれは私が非常に懸念している点だが…男性と同等、あるいはそれ以上に演奏できることを証明した」^[351]

女性のみのバンドとは、ロックやブルースなどのジャンルで女性ミュージシャンで構成される音楽グループである。女性メンバーがボーカルを務めるガールグループとは異なるが、この用語は普遍的に使われているわけではない。^[356]

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• 熱帯雨林のためのロック

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