アメリカンロック

アメリカのロック音楽の基礎は、1940年代後半から1950年代初頭にアメリカで生まれたロックンロールにある。その直接の起源は、当時の様々な黒人音楽ジャンル、例えばリズム・アンド・ブルースやゴスペル音楽、そしてカントリー・アンド・ウェスタンなどが混ざり合ったことにある。^{[ 1 ]} 1951年、クリーブランドのディスクジョッキー、アラン・フリードは、人種の異なる聴衆に向けてリズム・アンド・ブルースをかけ始め、この音楽を「ロックンロール」と表現した最初の人物として知られている。^{[ 2 ]}

最初のロックンロールレコードとみなされるべきものは何かについては、多くの議論がある。候補の一つは、1951年にメンフィスのサン・レコードでサム・フィリップスが録音した、ジャッキー・ブレンストンと彼のデルタ・キャッツ（実際にはアイク・ターナーと彼のバンド、キングス・オブ・リズム）の「ロケット88」である。^{[ 3 ]}エルヴィス・プレスリーのサン・レコードからの最初のメジャーシングル「ザッツ・オール・ライト（ママ）」（1954年）が最初のロックンロールレコードであると主張されているが、^{[ 4 ]}同時に、後にビル・ヘイリーがカバーしたビッグ・ジョー・ターナーの「シェイク、ラトル・アンド・ロール」 [ ^{5 ]}はすでにビルボードR&Bチャートのトップにあった。初期のロックンロールヒットを出した他のアーティストには、^チャック・ベリー、ボ・ディドリー、ファッツ・ドミノ、リトル・リチャード、ジェリー・リー・ルイス、ジーン・ヴィンセントなどがいる。^{[ 3 ]}ビル・ヘイリーの「ロック・アラウンド・ザ・クロック」（1955年）は、ビルボード誌の主要セールスチャートとエアプレイチャートで1位を獲得した最初のロックンロールソングとなり、この新しい大衆文化の波が世界中に広がる扉を開いた。^{[ 5 ] [ 6 ]}すぐにロックンロールはアメリカのレコード売上の主力となり、エディ・フィッシャー、ペリー・コモ、パティ・ペイジなど、前の10年間ポピュラー音楽を席巻していたクルーナーたちは、ポップチャートへのアクセスが大幅に制限されるようになった。^{[ 7 ]}

ロックンロールは、ロックンロールと「ヒルビリー」カントリーミュージックを組み合わせたロカビリーなど、数多くの異なるサブジャンルを生み出したと考えられており、ロカビリーは通常、1950年代半ばにカール・パーキンス、ジェリー・リー・ルイス、バディ・ホリー、そして最も商業的に成功したエルヴィス・プレスリーなどの白人歌手によって演奏および録音された。^{[ 8 ] [ 9 ]}対照的に、ドゥーワップは、多声部のボーカルハーモニーと意味のないバックの歌詞（後にこのジャンルの名前の由来となった）を重視し、通常は軽快な楽器演奏で支えられ、1930年代と40年代のアフリカ系アメリカ人のボーカルグループに起源を持つ。^{[ 10 ]}ザ・クロウズ、ザ・ペンギンズ、^{[ 5 ]}エル・ドラドス、ザ・ターバンズといったグループが大ヒットを記録し、 「ザ・グレート・プリテンダー」（1955 年）などの曲で知られるザ・プラターズ、 ^{[ 5 ]} 「ヤケティ・ヤック」（1958 年）などのユーモラスな曲で知られるザ・コースターズ、 ^{[ 11 ]}といったグループが、この時代の最も成功したロックンロール・グループにランクインした。^{[ 12 ]}この時代にはエレキギターの人気が高まり、チャック・ベリー、 ^{[ 5 ]}リンク・レイ、スコッティ・ムーアといった人物を通して、ロックンロール特有の演奏スタイルが発展した。^{[ 13 ]}また、ソウルミュージックが主要な商業勢力として登場したことも重要だった。ソウルミュージックはリズム・アンド・ブルースから発展し、ゴスペル音楽とポップが再注入され、1950 年代半ばからレイ・チャールズやサム・クックといった先駆者によって牽引された。 ^{[ 14 ]} 60年代初頭までに、マーヴィン・ゲイ、ジェームス・ブラウン、アレサ・フランクリン、カーティス・メイフィールド、スティーヴィー・ワンダーといった人物がR&Bチャートを席巻し、メインのポップチャートにも進出し、人種差別撤廃を加速させるのに貢献した一方、モータウンとスタックス/ヴォルト・レコードはレコード業界で大きな勢力となっていた。^{[ 15 ]}ドゥーワップやガールズグループの緊密なハーモニー、ブリル・ビルディング・サウンドの入念に練られたソングライティング、ソウルの洗練されたプロダクションなど、これらの要素すべてがマージービート・サウンド、特にビートルズの初期作品に影響を与え、彼らや他のアーティストを通じて後のロック音楽の形態に影響を与えたと考えられている。^{[ 16 ]}また、音楽史家の中には、この時期にロックンロールを基盤とした重要かつ革新的な技術開発、特にフィル・スペクターが追求したウォール・オブ・サウンドを指摘する者もいる。^{[ 17 ]}

評論家たちは伝統的に、1950年代後半から1960年代前半にかけてロックンロールが衰退したと見てきた。^{[ 18 ]} 1959年までに、バディ・ホリー、ビッグ・ボッパー、リッチー・ヴァレンスが飛行機事故で死亡し、エルヴィスが軍隊に入隊し、リトル・リチャードが牧師になるために引退し、ジェリー・リー・ルイスとチャック・ベリーが訴追され、ペイオラ・スキャンダル（アラン・フリードを含む主要人物が個々のアーティストや楽曲の宣伝における贈収賄と汚職に関与していた）が発覚したことで、初期のロックンロール時代は終わったという感覚が生まれた。^{[ 19 ]}最近では、この時期の重要な革新と傾向を強調する著者もおり、これらがなければ将来の発展は不可能だっただろう。^{[ 17 ] [ 20 ]}初期のロックンロール、特にロカビリーの登場によって、男性と白人のパフォーマーが最大の商業的成功を収めたが、この時代は黒人と女性のアーティストがこのジャンルを支配していた。ロックンロールは1950年代末に消滅したわけではなく、そのエネルギーの一部は60年代初頭のツイストダンスブームに見られ、主にチャビー・チェッカーのキャリアに恩恵をもたらした。^{[ 17 ]} 1950年代後半に衰退したドゥーワップは、同時期に復活し、ザ・マーセルズ、ザ・カプリス、モーリス・ウィリアムズ、シェップ・アンド・ザ・ライムライツなどのグループがヒットを飛ばした。^{[ 12 ]}ザ・シャンテルズ、ザ・シャイレルズ、ザ・クリスタルズなどのガールズグループの台頭は、初期のロックンロールとは対照的に、ハーモニーと洗練されたプロダクションを重視した。^{[ 21 ]}最も重要なガールズグループのヒット曲のいくつかは、多くのソングライターが拠点としていたニューヨークのブロックにちなんで名付けられたブリル・ビルディング・サウンドの産物であり、その中にはジェリー・ゴフィンとキャロル・キングの共同作詞作曲による1960年のシャイレルズのナンバーワンヒット「Will You Love Me Tomorrow 」も含まれる。^{[ 22 ]}

デュアン・エディ、リンク・レイ、ザ・ベンチャーズなどのパフォーマーによって開拓されたインストゥルメンタル・ロックンロールは、ディック・デイルによって発展し、独特の「ウェット」リバーブ、高速オルタネイトピッキング、中東やメキシコの影響を加え、1961年に地域的なヒット曲「Let's Go Trippin'」を生み出し、サーフミュージックブームを巻き起こした。デイルと彼のデルトーンズのように、初期のサーフバンドのほとんどは、ベルエアーズ、ザ・チャレンジャーズ、エディ＆ザ・ショーメンなど、南カリフォルニアで結成された。^{[ 23 ]}チャンテイズは1963年に「 Pipeline 」で全米トップ10ヒットを記録し、おそらく最も有名なサーフチューンは、1963年のサーファリーズの「 Wipe Out」で、1965年にビルボードチャートで2位と10位にランクインした。^{[ 24 ]}このジャンルの人気が高まるにつれ、他の地域のグループも挑戦するようになった。これらには、コロラド州ボルダー出身のジ・アストロノーツ、ミネソタ州ミネアポリス出身で1964年に「サーフィン・バード」で4位のヒットを飛ばしたジ・トラッシュメン、インディアナ州サウスベンド出身で1964年に「カリフォルニア・サン」で5位にランクインしたジ・リビエラスなどが含まれる。 ^{[ 25 ]}オーストラリアのシドニー出身のジ・アトランティックスは、ヒット曲「ボンボラ」（1963年）でこのジャンルに大きく貢献した。^{[ 25 ]}

サーフミュージックは、ボーカルミュージックとして最大の商業的成功を収めた。特に、1961年に南カリフォルニアで結成されたビーチ・ボーイズの作品がその代表例である。彼らの初期のアルバムには、インストゥルメンタル・サーフロック（ディック・デイルの曲のカバーを含む）とボーカル曲の両方が収録されており、ロックンロールやドゥーワップ、フォー・フレッシュメンのようなボーカルポップグループの緊密なハーモニーを取り入れている。^{[ 18 ] [ 25 ]} 1962年に彼らの最初のヒット曲「Surfin'」がビルボード・トップ100にランクインし、サーフミュージックブームを全国的な現象にするのに貢献した。^{[ 26 ]} 1963年からは、ブライアン・ウィルソンが主要な作曲家兼プロデューサーとなり、グループはサーフィンを題材から外し始め、「 Fun, Fun, Fun」（1964年）や「California Girls 」（1965年）などの曲で車や女の子など、より一般的な男性の思春期のテーマへと移行していった。^{[ 26 ]}ロニー＆ザ・デイトナズの「GTO」（1964年）やリップ・コーズの「ヘイ・リトル・コブラ」といった一発屋を含む他のボーカル・サーフ・アクトが続き、どちらもトップ10入りを果たしたが、この手法で持続的な成功を収めたのは、 1963年に「サーフ・シティ」（ブライアン・ウィルソンとの共作）でナンバーワン・ヒットを記録したジャン＆ディーンだけだった。 ^{[ 25 ]}サーフ・ミュージック・ブームと、ほぼすべてのサーフ・アクトのキャリアは、1964年からのブリティッシュ・インヴェイジョンの到来によって事実上終焉を迎えた。^{[ 25 ]}ビーチ・ボーイズだけが1960年代半ばまで創作活動を続け、1966年の高く評価された「ペット・サウンズ」を含む一連のヒット・シングルとアルバムを制作し、 ^{[ 27 ]}おそらくビートルズに匹敵する唯一のアメリカのロックまたはポップ・アクトとなった。^{[ 26 ]}

1962年末までに、ビートルズのようなイギリスのビートグループは、ソウルミュージック、リズムアンドブルース、サーフミュージックなど、幅広いアメリカの影響を受けていた。^{[ 28 ]}当初、彼らはアメリカの定番曲を再解釈し、例えばツイストを踊るダンサーのために演奏していた。これらのグループは最終的に、オリジナル曲にますます複雑な音楽的アイデアと独特のサウンドを取り入れるようになった。1963年には、ビートルズやサーチャーズ、ホリーズなどの他のビートグループがイギリスで人気と商業的成功を収めた。^{[ 29 ]}

1964年1月、ビートルズの成功により、ブリティッシュ・ロックはアメリカで主流の人気を獲得した。「抱きしめたい」はバンド初のビルボード・ホット100チャート1位ヒットとなり、アメリカの音楽チャートにおけるブリティッシュ・インヴェイジョンの幕開けとなった。^{[ 30 ]}この曲は1964年1月18日にチャートインし、45位となった後、7週間1位を獲得し、合計15週間チャートにランクインした。^{[ 31 ]} 2月9日のエド・サリバン・ショーへの初出演は、アメリカのポップカルチャーにおけるマイルストーンとされている。^{[ 32 ]}この放送は推定7300万人の視聴者を集め、当時アメリカのテレビ番組としては記録的な数字だった。ビートルズは史上最も売れたロックバンドとなり、ローリング・ストーンズ、アニマルズ、ヤードバーズなど、ブルース音楽の影響を受けた数多くのイギリスのバンドが彼らに続いた。^{[ 29 ]}

ブリティッシュ・インヴェイジョンは、1950年代後半から60年代前半にかけてアメリカのチャートを席巻していたインストゥルメンタル・サーフ・ミュージック、ボーカル・ガール・グループ、そして（一時的に）ティーン・アイドルの終焉を意味したと言えるだろう。 ^{[ 33 ]}ファッツ・ドミノやチャビー・チェッカーといった確立されたR&Bアーティストのキャリアに打撃を与え、エルヴィスを含む生き残ったロックンロール・アーティストのチャートでの成功さえも一時的に頓挫させた。^{[ 34 ]}ブリティッシュ・インヴェイジョンはまた、独自のロック音楽ジャンルの台頭に大きな役割を果たし、ギターとドラムを基盤とし、シンガーソングライターとして自らの楽曲を制作するロック・グループの優位性を確固たるものにした。^{[ 35 ]}

ガレージロックは、1960年代半ばに北米で流行した、荒削りなロック音楽の一形態で、郊外の家庭のガレージでリハーサルされているという認識からそう呼ばれた。^{[ 36 ] [ 37 ]}ガレージロックの曲は、高校生活のトラウマを中心に展開し、「嘘つきの女の子」についての歌が特に多かった。^{[ 38 ]}歌詞と歌い方は、当時としては一般的よりも攻撃的で、唸り声や叫び声がしばしば意味不明な叫び声に溶け込んでいた。^{[ 36 ]}粗雑な単音音楽（ザ・シーズなど）から、スタジオミュージシャン並みのクオリティ（ザ・ニッカーボッカーズ、ザ・リメインズ、ザ・フィフス・エステートなど）まで、その範囲は広かった。また、国内の多くの地域で地域的なバリエーションがあり、特にカリフォルニアとテキサスではシーンが盛んだった。^{[ 38 ]}太平洋岸北西部のワシントン州とオレゴン州は、おそらく最も明確な地域的なサウンドを持っていた。^{[ 39 ]}

このスタイルは、1958 年という早い時期から地域的なシーンで発展し始めていた。ザ・ウェイラーズの「Tall Cool One」（1959 年）やザ・キングスメンの「 Louie Louie 」 （1963 年）は、このジャンルの形成期における主流の例である。1963 年までに、ポール・リビア・アンド・ザ・レイダーズ（ボイシ）^{[ 40 ]} 、ザ・トラッシュメン（ミネアポリス）^{[ 41 ]}、ザ・リビエラス（インディアナ州サウスベンド） ^{[ 42 ]}など、ガレージバンドのシングルが全国チャートにますます多くランクインするようになった。ザ・ソニックス（ワシントン州タコマ）など、他の影響力のあるガレージバンドは、ビルボード・ホット 100にランクインすることはなかった。^{[ 43 ]}この初期の時期には、多くのバンドがサーフロックから大きな影響を受けており、ガレージロックとフラットロックの間には相互影響があり、フラットロックはガレージロックの単なるサブジャンルと見なされることもあった。^{[ 44 ]}

1964年から1966年にかけてのブリティッシュ・インヴェイジョンはガレージバンドに大きな影響を与え、全国的な聴衆を獲得し、多くのバンド（多くはサーフバンドやホットロッドバンド）がブリティッシュ・インヴェイジョンのリズムを取り入れ、さらに多くのバンドの結成を促した。^{[ 38 ]}この時代、米国とカナダには数千ものガレージバンドが存在し、数百のバンドが地域的なヒット曲を生み出した。^{[ 38 ]}例としては、ニューヨーク市のザ・D-メンの「I Just Don't Care」（1965年）、タコマのザ・ソニックスの「The Witch」 （1965年）、デトロイトのアンリレイテッド・セグメントの「Where You Gonna Go」 （1967年）、マイアミのバードウォッチャーズの「Girl I Got News for You」（1966年）、モントリオールのザ・ホーンテッドの「1–2–5」などがある。多くのバンドが大手レーベルや大規模な地域レーベルと契約したが、そのほとんどは商業的に失敗に終わった。ガレージロックは商業的にも芸術的にも1966年頃にピークを迎えたというのが一般的な見解である。 ^{[ 38 ]} 1968年までに、アマチュアミュージシャンが大学進学、就職、徴兵に直面したため、このスタイルは全国チャートや地方レベルからほぼ姿を消した。^{[ 38 ]}ガレージロックに代わる新しいスタイル（ブルースロック、プログレッシブロック、カントリーロックなど）が進化していた。^{[ 38 ]}デトロイトでは、 MC5やザ・ストゥージズのような、よりアグレッシブなスタイルを採用したバンドによって、ガレージロックは70年代初頭まで生き残った。これらのバンドはパンクロックと呼ばれるようになり、現在ではプロトパンクやプロトハードロックと見なされることが多い。^{[ 45 ]}

アメリカでは、ブルースロックは1960年代初頭にギタリストのロニー・マックによって開拓されたが^{[ 46 ]}、このジャンルがアメリカで本格的に人気を博し始めたのは60年代半ばで、イギリスのブルースミュージシャンに似たサウンドを開発したアーティストたちが現れた。主なアーティストには、ポール・バターフィールド（彼のバンドはイギリスのメイオールズ・ブルースブレイカーズのような役割を果たし、多くの成功したミュージシャンの出発点となった）、キャンド・ヒート、初期のジェファーソン・エアプレイン、ジャニス・ジョプリン、ジョニー・ウィンター、J・ガイルズ・バンド、そしてパワートリオのジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスやバンド・オブ・ジプシーズを率いたジミ・ヘンドリックスなどがいる。ジミ・ヘンドリックスのギターの妙技とショーマンシップは、この10年間で最も模倣されたもののひとつとなった^{[ 47 ] 。}

初期のブルースロックバンドはジャズを模倣し、長くて複雑な即興演奏をすることが多かったが、これは後にプログレッシブロックの主要な要素となった。1967年頃から、クリームのようなバンドは純粋なブルースベースの音楽からサイケデリアへと移行し始めた。^{[ 48 ]} 1970年代までにブルースロックはよりヘヴィでリフ中心になり、イギリスのバンド、レッド・ツェッペリンやディープ・パープルの作品に代表されるように、ブルースロックとハードロックの境界線は「ほとんど見えなくなっていた」^{[ 48 ]}。バンドはロックスタイルのアルバムを録音し始めたからである。^{[ 48 ]}このジャンルは1970年代にジョージ・ソログッドのような人物によって続けられたが^{[ 47 ]}、バンドはヘヴィメタルの革新に注力するようになり、ブルースロックは主流から外れ始めた。^{[ 49 ]}

1960年代までに、アメリカのフォーク音楽リバイバルから発展したシーンは、伝統的な音楽と伝統的なスタイルの新しい作曲を、通常はアコースティック楽器で用いる主要なムーブメントへと成長した。^{[ 50 ]}アメリカでは、このジャンルはウディ・ガスリーやピート・シーガーといった人物によって開拓され、進歩主義や労働運動と結びつけられることが多かった。^{[ 50 ] [ 51 ]} 60年代初頭には、ジョーン・バエズやボブ・ディランといった人物がシンガーソングライターとしてこのムーブメントの先頭に立った。^{[ 52 ] [ 53 ]}ディランは「風に吹かれて」（1963年）や「マスターズ・オブ・ウォー」（1963年）などのヒット曲で主流の聴衆に届き始め、これらの曲は「プロテストソング」をより広い聴衆にもたらしたが、^{[ 54 ]}ロックとフォーク音楽は互いに影響し合い始めたものの、概ね別々のジャンルであり、聴衆も互いに排他的であることが多かった。^{[ 55 ]}

フォークロック運動は、1965年にチャートのトップに立ったザ・バーズのボブ・ディランの「ミスター・タンブリン・マン」のレコーディングから始まったと一般的に考えられている。 ^{[ 55 ] [ 56 ]}ロサンゼルスのカフェを拠点とするフォークシーンの一員だったメンバーを擁するザ・バーズは、ドラムや12弦リッケンバッカーギターなどのロック楽器を採用し、それがこのジャンルのサウンドの重要な要素となった。^{[ 55 ]}同年後半、ディランはエレクトリック楽器を採用し、多くのフォーク純粋主義者の怒りを買ったが、彼の「ライク・ア・ローリング・ストーン」はアメリカでヒットシングルとなった。^{[ 55 ] [ 57 ]}フォークロックは特にカリフォルニアで人気を博し、ママス＆パパス^{[ 58 ]}やクロスビー、スティルス＆ナッシュなどのアーティストがエレクトリック楽器を使用するようになったほか、ニューヨークではラヴィン・スプーンフル^{[ 56 ]}やサイモン＆ガーファンクル^{[ 58 ]}などのアーティストが誕生し、後者のアコースティック曲「サウンド・オブ・サイレンス」はロック楽器でリミックスされ、数々のヒット曲の最初のものとなった。^{[ 55 ]}

フォークロックは1967年から1968年にかけて商業的な人気がピークに達したが、その後、ディランやザ・バーズなど多くのアーティストが様々な方向へと進み、カントリーロックを発展させ始めた。^{[ 59 ]}しかし、フォークとロックの融合はロック音楽の発展に大きな影響を与え、サイケデリアの要素を取り入れ、シンガーソングライター、プロテストソング、そして「真正性」の概念の発展に役立ったと考えられている。^{[ 55 ] [ 60 ]}

サイケデリック音楽のLSDに影響を受けた雰囲気はフォークシーンで始まり、ニューヨークを拠点とするホーリー・モーダル・ラウンダーズが1964年の「ヘジテーション・ブルース」の録音でこの用語を使用した。^{[ 61 ]}サイケデリック・ロックとして自らを宣伝した最初のグループは、 1965年末にテキサスの13thフロア・エレベーターズで、翌年に彼らの方向性を明確にしたアルバム「サイケデリック・サウンズ・オブ・ザ・13thフロア・エレベーターズ」を制作した。 ^{[ 61 ]}

サイケデリック・ロックは、特にカリフォルニアの新興音楽シーンで人気を博し、1965年からはザ・バーズに続いてフォークからフォーク・ロックへと移行するグループが現れた。^{[ 62 ]}サイケデリックなライフスタイルはすでにサンフランシスコで発展しており、このシーンの特に著名なアーティストは、ザ・グレイトフル・デッド、カントリー・ジョー・アンド・ザ・フィッシュ、ザ・グレート・ソサエティ、ジェファーソン・エアプレインである。^{[ 62 ] [ 63 ]}ザ・バーズは、1966年にシングル「エイト・マイルズ・ハイ」で純粋なフォーク・ロックから急速に進化し、この曲はドラッグ使用を暗示していると広く解釈されている。 ^{[ 64 ]}

サイケデリック・ロックは1960年代後半に最盛期を迎えた。 1967年のサマー・オブ・ラブはヒューマン・ビーイン・イベントに先立ち、モントレー・ポップ・フェスティバルでピークを迎えた^{[ 64 ]。}このフェスティバルはジミ・ヘンドリックスをアメリカの大スターに押し上げるのに貢献した^{[ 65 ]} 。代表的なレコーディングには、ジェファーソン・エアプレインの『シュールリアリスティック・ピロー』やドアーズの『ストレンジ・デイズ』などがある^{[ 66 ]}。こうした傾向は1969年のウッドストック・フェスティバルで最高潮に達し^{[ 67 ]}、そこでは主要なサイケデリック・バンドのほとんどが出演したが、1960年代末にはサイケデリック・ロックは衰退していった。ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスやクリームは解散し、生き残った多くのバンドはサイケデリアから離れて、より原点回帰的な「ルーツ・ロック」、より広範な実験的なプログレッシブ・ロック、あるいはリフを多用したヘヴィ・ロックへと移行していった^{[ 62 ] 。}

1968年、グラム・パーソンズはインターナショナル・サブマリン・バンドと共に、おそらく最初の真のカントリー・ロック・アルバムである『Safe at Home』を録音した。 ^{[ 72 ]}同年後半、彼はザ・バーズに加入し、このジャンルで最も影響力のある録音の1つと一般的に考えられている『Sweetheart of the Rodeo』 （1968年）を録音した。 ^{[ 72 ]}ザ・バーズは同じ路線を続けたが、パーソンズは脱退し、元バーズのメンバーであるクリス・ヒルマンと共にフライング・ブリトー・ブラザーズを結成し、このジャンルの信頼性と枠組みを確立するのに貢献した。その後、パーソンズはソロ活動のために脱退した。^{[ 72 ]}カントリー・ロックはカリフォルニアの音楽シーンで特に人気があり、ハーツ・アンド・フラワーズ、ポコ、ニュー・ライダーズ・オブ・ザ・パープル・セージ^{[ 72 ]}、ザ・ボー・ブラメルズ^{[ 72 ]}、ニッティ・グリッティ・ダート・バンドなどのバンドが採用した。^{[ 73 ]}カントリーサウンドを取り入れて復活を遂げたパフォーマーもおり、エヴァリー・ブラザーズ、^{[ 74 ]}かつてティーンアイドルだったリック・ネルソン^{[ 75 ]}はストーン・キャニオン・バンドのフロントマンとなり、元モンキーズのマイク・ネスミス^{[ 76 ]}はファースト・ナショナル・バンドを結成し、ニール・ヤングもその一人である。^{[ 72 ]}ディラーズは、珍しいことにカントリー・アクトでありながらロック音楽へと移行した。^{[ 72 ]}カントリー・ロックの最大の商業的成功は1970年代に訪れ、ドゥービー・ブラザーズ、エミルー・ハリス、リンダ・ロンシュタット、イーグルス（ブリトス、ポコ、ストーン・キャニオン・バンドのメンバーで構成）などのアーティストが活躍し、史上最も成功したロック・アクトの一つとして台頭し、『ホテル・カリフォルニア』（1976年）などのアルバムを制作した。^{[ 77 ]}

サザンロックの創始者は通常、オールマン・ブラザーズ・バンドだと考えられており、彼らは1970年代初頭にブルースロックを基盤としつつ、ブギー、ソウル、カントリーの要素を取り入れた独特のサウンドを開発した。 ^{[ 78 ]}彼らに続いて最も成功したバンドはレーナード・スキナードで、このサブジャンルの「古き良き男」イメージと1970年代のギターロックの一般的な形を確立するのに貢献した。^{[ 78 ]}彼らの後継者には、フュージョン/プログレッシブ・インストゥルメンタル・バンドのディキシー・ドレッグス、カントリーの影響を受けたアウトローズ、ジャズ寄りのウェット・ウィリー、そして（R&Bとゴスペルの要素を取り入れた）オザーク・マウンテン・デアデビルズなどがいる。^{[ 78 ]}オールマン・ブラザーズ・バンドとレーナード・スキナードのオリジナルメンバーが脱退した後、このジャンルは1970年代後半に人気が衰え始めたが、.38スペシャル、モリー・ハチェット、マーシャル・タッカー・バンドなどのバンドによって1980年代には維持された。^{[ 78 ]}

プログレッシブ・ロックは、アート・ロックとほぼ同義で使われることもあるが、さまざまな楽器、曲の種類、形式を実験することで、確立された音楽の定型を超えようとする試みであった。^{[ 79 ]} 1960年代半ばから、ザ・レフト・バンクやザ・ビーチ・ボーイズなどのグループが、録音にチェンバロ、管楽器、弦楽器を取り入れることで、バロック・ロックの一形態を生み出した。^{[ 27 ] [ 80 ]}インストゥルメンタル曲が一般的であった一方、歌詞のある曲は、概念的、抽象的、あるいはファンタジーやSFに基づいている場合もあった。^{[ 81 ]}アメリカのプログレッシブ・ロックは、フランク・ザッパ^{[ 82 ]} 、キャプテン・ビーフハート、ブラッド・スウェット・アンド・ティアーズ^{[ 83 ]}のような折衷的で革新的なバンドから、ボストン、フォリナー、カンサス、ジャーニー、スティクスのようなよりポップ・ロック志向のバンドまで多岐に渡る。^{[ 79 ]}これらのバンドは、イギリスのバンドであるスーパートランプやエレクトリック・ライト・オーケストラと並んで、プログレッシブ・ロックの影響を受けており、1970年代で最も商業的に成功したバンドの一つに数えられ、壮大なアリーナ・ロックの時代を切り開いた。この時代は、複雑なショー（しばしば演劇的な演出や特殊効果を伴う）のコストが、1990年代に主要なライブ会場としてより経済的なロック・フェスティバルに取って代わられるまで続いた。

グラムロックは、ザ・コケッツやアリス・クーパーなどのアメリカのアーティストのショーマンシップとジェンダー・アイデンティティの操作によって先駆的に現れた。^{[ 84 ]}グラムロックは1960年代後半のイギリスのサイケデリック・ロックやアート・ロックのシーンから生まれ、それらのトレンドの延長線上にあると同時に、それらに対する反動でもあると見なすことができる。^{[ 85 ]}音楽的には非常に多様で、シンプルなロックンロールのリバイバルから複雑なアート・ロックまで幅広く、音楽のサブジャンルというよりはファッションと見なすこともできる。^{[ 85 ]}視覚的には、1930年代のハリウッドの華やかさから、1950年代のピンナップのセクシーさ、戦前のキャバレーの演劇性、ヴィクトリア朝の文学や象徴主義のスタイル、SF 、古代やオカルトの神秘主義や神話に至るまで、さまざまなスタイルが混ざり合ったもので、奇抜な服、メイク、ヘアスタイル、厚底ブーツなどで表現された。^{[ 86 ]}グラムは、演劇的な演出を多用することに加え、性的およびジェンダーの曖昧さや両性具有の表現で最もよく知られています。 ^{[ 87 ]}デヴィッド・ボウイのようなイギリスのアーティストの成功により、ルー・リード、イギー・ポップ、ニューヨーク・ドールズ、ジョブリアスなどのアーティストがグラムスタイルを採用するようになり、しばしば「グリッターロック」として知られ、イギリスのアーティストよりも歌詞の内容が暗いものとなっています。^{[ 88 ]}

1960年代後半から、主流のロック音楽をソフトロックとハードロックに分けることが一般的になった。ソフトロックはフォークロックから派生したもので、アコースティック楽器を使用し、メロディーとハーモニーをより重視していた。^{[ 89 ]}主なアーティストには、キャロル・キング、ジェームス・テイラー、アメリカなどがいる。^{[ 89 ] [ 90 ]} 70年代半ばから後半にかけて、ビリー・ジョエルや再結成したフリートウッド・マックなどのアーティストによって商業的なピークを迎え、フリートウッド・マックの『噂』（1977年）は10年間で最も売れたアルバムとなった。^{[ 91 ]}対照的に、ハードロックはブルースロックから派生したものが多く、より大音量で激しく演奏された。^{[ 92 ]}シンプルな反復リフを使用するリズム楽器としても、ソロリード楽器としても、エレキギターが重視されることが多く、ディストーションやその他のエフェクトが使用されることが多かった。^{[ 92 ]}主な出演者には、ザ・フーやザ・キンクスなどのブリティッシュ・インヴェイジョン・バンドのほか、クリーム、ジミ・ヘンドリックス、ジェフ・ベック・グループなどのサイケデリック時代の出演者、アイアン・バタフライ、MC5、ブルー・チアー、バニラ・ファッジなどのアメリカのバンドが含まれていた。^{[ 92 ] [ 93 ]} 1970年代に国際的な成功を収めたハードロックの影響を受けたバンドには、ロニー・モントローズの楽器演奏の才能とサミー・ヘイガーのボーカルを含むモントローズがあり、おそらくこのジャンルのイギリスの支配に挑戦した最初のアメリカのハードロックバンドであり、 1973年に最初のアルバムをリリースし、^{[ 94 ]}エアロスミスなどのバンドが後に続いた。^{[ 92 ]}

1960年代後半から、ヘヴィメタルという用語は、より大きな音量と激しさで演奏されるハードロックを表現するために使われるようになり、最初は形容詞として、1970年代初頭には名詞として使われるようになった。^{[ 95 ]}この用語は、ステッペンウルフの「ボーン・トゥ・ビー・ワイルド」（1967年）で音楽に初めて使用され、ボストンのブルー・チアーやミシガンのグランド・ファンク・レイルロードなどの先駆的なバンドと関連付けられるようになった。^{[ 96 ]} 1970年までに、3つの主要なイギリスのバンドが、このサブジャンルを形成するのに役立つ特徴的なサウンドとスタイルを開発した。レッド・ツェッペリンは、リフ満載のブルースロックにファンタジーの要素を加え、ディープ・パープルは、プログレッシブ・ロックのフレーズからシンフォニックと中世の関心を取り入れ、ブラック・サバスは、ゴシックとモードのハーモニーの側面を導入し、「より暗い」サウンドを生み出すのに役立った。^{[ 97 ]}これらの要素は、1970年代後半にかけて、アメリカのKiss、Ted Nugent、Blue Öyster Cultなどの「第二世代」のヘヴィメタルバンドに取り入れられた。 ^{[ 97 ]}ラジオでの放送が少なく、シングルチャートにもほとんど登場しなかったにもかかわらず、1970年代後半のヘヴィメタルは、特に北米とヨーロッパの労働者階級の青年男性の間で、かなりの支持を集めた。^{[ 98 ]}

ロックは、キリスト教の宗教指導者の中には、不道徳で反キリスト教的、さらには悪魔的だと非難する者もいる。^{[ 99 ]}しかし、キリスト教ロックは1960年代後半、特に南カリフォルニアで始まったイエス運動から発展し始め、1970年代にはラリー・ノーマンのようなアーティストによってサブジャンルとして出現した。ノーマンは通常、キリスト教ロックの最初の主要な「スター」と見なされている。^{[ 100 ]}このジャンルは、特にアメリカ合衆国で人気がある。^{[ 101 ]}多くのキリスト教ロックのパフォーマーは、現代のキリスト教音楽シーンとつながりがあるが、他のバンドやアーティストは独立音楽と密接に関係している。1980年代以降、キリスト教ロックのパフォーマーは、アメリカのゴスペルからポップへのクロスオーバーアーティストであるエイミー・グラントのような人物を含め、主流の成功を収めている。^{[ 102 ]}これらのアーティストはキリスト教コミュニティでは概ね受け入れられていたが、1980年代にかなりのメインストリームでの成功を収めたペトラやストライパーのようなバンドによるヘヴィロックやグラムメタルのスタイル採用は、より物議を醸した。 ^{[ 103 ] [ 104 ]} 1990年代からは、クリスチャンバンドというレッテルを避け、クリスチャンでもあるグループとして見られることを好むアーティストが増え、PODやコレクティブ・ソウルもその例である。^{[ 105 ]}

パンク・ロックは、1974年から1976年にかけてアメリカとイギリスで発展した。ガレージ・ロックや、現在プロトパンク音楽として知られる他の形態に根ざしたパンク・ロック・バンドは、1970年代の主流ロックの過剰と見なされるものを避けた。^{[ 106 ]}彼らは、通常短い曲、簡素化された楽器編成、そしてしばしば政治的で反体制的な歌詞を持つ、速くて鋭い音楽を作り出した。パンクはDIY（Do It Yourself）の倫理を受け入れており、多くのバンドがレコーディングを自主制作し、非公式なルートで配布した。^{[ 107 ]} 1976年後半までに、ニューヨーク市のラモーンズやパティ・スミス、ロンドンのセックス・ピストルズやザ・クラッシュなどのバンドが、新しい音楽運動の先駆者として認識された。^{[ 106 ]}翌年には、パンク・ロックは世界中に広まった。パンクは、大抵の場合、主流派との関わりを拒否する傾向のあるローカルシーンに根付きました。それに伴うパンクのサブカルチャーが出現し、若者の反抗を表現し、独特の服装スタイルとさまざまな反権威主義的なイデオロギーを特徴としています。^{[ 108 ] [ 109 ]} 1970年代のパンクロックの初期の人気と、1990年代のパンク・リバイバルによって生み出された新たな関心以来、パンクロックは強力なアンダーグラウンドの支持者を持ち続けています。^{[ 110 ]}パンクロックのより過激なバリエーションであるハードコア・パンクは、特にロサンゼルスとニューヨークのローカルシーンから出現し、ワシントンDC、ボストン、サンフランシスコに根付きました。よりラウドで、より速く、通常はより短い曲と、叫んだり絶叫したりするボーカルを特徴とするハードコア・パンクは、デッド・ケネディーズ、マイナー・スレット、ブラック・フラッグなどのバンドを生み出しました。^{[ 111 ]}

パンクロックは重要な社会的、音楽的現象であったが、レコードの売り上げ^{[ 112 ]}やアメリカのラジオでの放送回数（ラジオシーンはディスコやアルバム指向ロックなどの主流フォーマットに支配され続けていたため）^{[ 113 ]}という点ではそれほどの成果を上げなかった。パンクロックは芸術界や大学界の信奉者を引きつけ、すぐにトーキング・ヘッズやディーヴォのような、より文学的で芸術的なアプローチをとるバンドがパンクシーンに浸透し始めた。一部では、これらのあまり露骨にパンクではないバンドを区別するために「ニューウェーブ」という表現が使われるようになった。^{[ 114 ]}パンクムーブメントにほとんど戸惑っていたレコード会社の幹部たちは、より親しみやすいニューウェーブのバンドの可能性を認識し、パンクやニューウェーブとのわずかな繋がりを主張できるバンドを積極的に契約し、マーケティングし始めた。^{[ 115 ]}ザ・カーズ、ザ・ランナウェイズ、ザ・ゴーゴーズなどのこれらのバンドの多くは、ニューウェーブとして売り出されたポップバンドと見なすことができる。^{[ 116 ]}他の既存のバンドは、ザ・ナック[ ^{117 ]や}写真映えするブロンディ^{[ 118 ]}に代表される「スキニータイ」バンドとは異なり、パンクバンドとして始まり、より商業的な領域へと移行した。

ハードコアがパンクの簡素な美学を最も直接的に追求し、ニューウェーブがその商業的な側面を代表するようになったとすれば、ポストパンクは1970年代後半から80年代初頭にかけて、より芸術的で挑戦的な側面として登場した。パンクバンド以外で大きな影響を与えたのは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、ザ・フー、フランク・ザッパ、キャプテン・ビーフハート、そしてジェームス・チャンス・アンド・ザ・コントーションズ、DNA 、ソニック・ユースなどのバンドを含む、パフォーマンスを重視したニューヨークを拠点とするノーウェーブシーンである。^{[ 118 ]}このジャンルの初期の貢献者には、アメリカのバンドであるペール・ウブ、ディーヴォ、ザ・レジデンツ、トーキング・ヘッズが含まれる。^{[ 118 ]}多くのポストパンクバンドはレコーディングや演奏を続けましたが、1980年代半ばには解散したり、他の音楽分野を探求するために離れたりしたため、ムーブメントとしては衰退しました。しかし、ロック音楽の発展に影響を与え続け、オルタナティブロックムーブメントの創造における主要な要素と見なされています。^{[ 119 ]}

1970年代後半、エディ・ヴァン・ヘイレンは、自身のバンドの1978年のセルフタイトルのアルバムの後、メタルギターの名手としての地位を確立した。^{[ 120 ]} ヴァン・ヘイレンの成功とブリティッシュ・ヘヴィメタルの新潮流に触発され、1970年代後半から南カリフォルニアでメタルシーンが発展し始めた。ロサンゼルスのサンセット・ストリップのクラブを拠点とし、クワイエット・ライオット、ラット、モトリー・クルー、WASPなどのバンドが、ニューヨークのツイステッド・シスターなどの同様のスタイルのバンドとともに、アリス・クーパーやキッスなどのグラムロックバンドの演劇性（そして時にはメイクアップ）を取り入れた。^{[ 120 ]}これらのグラムメタルバンドの歌詞は、特徴的に快楽主義と奔放な行動を強調し、音楽的には、速射砲のようなシュレッドギターソロ、アンセム的なコーラス、そして比較的メロディックでポップ志向のアプローチが特徴だった。^{[ 120 ]} 1980年代半ばまでに、LAシーンからは、より華やかさを抑えたイメージと、より生々しいサウンドを追求するバンドが現れ始めていた。特にガンズ・アンド・ローゼズは、チャート1位を獲得した『アペタイト・フォー・ディストラクション』 （1987年）でブレイクし、ジェーンズ・アディクションは翌年、メジャーレーベルデビュー作『ナッシングズ・ショッキング』で登場した。 ^{[ 121 ]}

1980年代後半、メタルはいくつかのサブジャンルに分裂し、その中にはスラッシュメタルも含まれる。スラッシュメタルは、アメリカでスピードメタルとして知られるスタイルからハードコアパンクの影響を受けて発展し、低音域のギターリフの上にシュレッディングリードが重ねられるのが特徴である。^{[ 122 ]}歌詞はしばしば虚無主義的な見解を表現したり、内臓をえぐるようなグロテスクな言葉を使って社会問題を扱ったりする。スラッシュメタルは「ビッグ4オブスラッシュ」:メタリカ、アンスラックス、メガデス、スレイヤーによって普及した。^{[ 123 ]}デスメタルはスラッシュから発展し、特にヴェノムとスレイヤーの影響を受けていた。フロリダのデスとベイエリアのポゼストは、冒涜、悪魔主義、千年王国主義の歌詞の要素を強調し、ボーカルは通常、喉の奥から絞り出すような「デスグロウル」、甲高い叫び声で歌われ、ダウンチューニングされた非常に歪んだギターと非常に速いダブルベースパーカッションがそれを補完する。 ^{[ 124 ]}

アメリカの労働者階級を志向したハートランド・ロックは、ストレートな音楽スタイルと、普通のブルーカラーのアメリカ人の生活への関心を特徴とし、1970年代後半に発展した。ハートランド・ロックという用語は、当初はカンサス、REOスピードワゴン、スティクスなどの中西部のアリーナ・ロック・グループを指すために使われたが、フォーク、カントリー、ロックンロールの影響をより直接的に受けた、より社会的な関心を持つルーツ・ロックと関連付けられるようになった。^{[ 125 ]}これは、アメリカ中西部とラストベルトにおける、西海岸のカントリー・ロックやアメリカ南部のサザン・ロックの対極と見なされてきた。 ^{[ 126 ]}当初はパンクやニュー・ウェーブと関連付けられていた人物が主導し、ボブ・ディラン、ザ・バーズ、クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル、ヴァン・モリソンなどのアーティストや、60年代のガレージ・ロックやローリング・ストーンズの基本ロックから最も強い影響を受けた。^{[ 127 ]}

ブルース・スプリングスティーン、ボブ・シーガー、トム・ペティといったシンガーソングライターの商業的成功や、サウスサイド・ジョニー・アンド・ジ・アズベリー・ジュークス、ジョー・グルシェッキー・アンド・ジ・ハウストロッカーズといったあまり知られていないアーティストの成功に代表されるように、このジャンルは、東部や中西部のポスト工業化時代の都市衰退への反動という側面もあり、社会の崩壊や孤立といった問題を取り上げることが多く、楽しいロックンロールのリバイバルという側面もあった。^{[ 127 ]}このジャンルは、1980年代半ばに商業的、芸術的、影響力のピークを迎え、スプリングスティーンの『ボーン・イン・ザ・USA 』（1984年）が世界中のチャートのトップに立ち、一連のトップ10シングルを生み出し、ジョン・メレンキャンプ、スティーヴ・アール、ブルース・ホーンズビーといったより穏やかなシンガーソングライターなどのアーティストが登場した。^{[ 127 ]}また、ビリー・ジョエル^{[ 128 ]}やトレイシー・チャップマン^{[ 129 ]}のような多様なアーティストにも影響を与えていると聞き取ることができる。

ハートランド・ロックは、ロック音楽全般、特にブルーカラーや白人労働者階級をテーマにした音楽が若い世代の聴衆の支持を失い、ハートランドのアーティストたちがより個人的な作品へと向かったため、1990年代初頭までに認知されたジャンルとしての地位を失っていった。^{[ 127 ]}多くのハートランド・ロック・アーティストは、ブルース・スプリングスティーンやジョン・メレンキャンプなど、批評的にも商業的にも成功を収めながら今日でもレコーディングを続けているが、彼らの作品はより個人的で実験的になり、もはや単一のジャンルに容易には収まらなくなっている。ミズーリ州のボトル・ロケッツやイリノイ州のアンクル・トゥペロなど、1970年代や1980年代にリリースされていたらハートランド・ロックと呼ばれていたであろう音楽の新しいアーティストたちは、オルタナティブ・カントリーと呼ばれるようになった。^{[ 130 ]}

オルタナティブロックという用語は、1980年代初頭に、当時の主流ジャンルに当てはまらないロックアーティストを表現するために造語された。オルタナティブと呼ばれるバンドには統一されたスタイルはなく、いずれも主流音楽とは一線を画していると見なされていた。オルタナティブバンドは、ハードコア、ニューウェーブ、ポストパンク運動を通じて、パンクロックから受け継いだ共通の影響によって結びついていた。^{[ 131 ]} 1980年代のアメリカのオルタナティブムーブメントの重要なバンドには、 R.E.M.、ハスカー・ドゥ、ジェーンズ・アディクション、ソニック・ユース、ピクシーズなどがあった。^{[ 131 ]}アーティストは主にインディーズレコードレーベルに所属し、カレッジラジオ、ファンジン、ツアー、口コミを基盤とした広範なアンダーグラウンド音楽シーンを築き上げた。 ^{[ 132 ]} REMを除いて、これらのバンドのほとんどはメインストリームでの成功を収めなかったが、アルバムの売上はそれほど大きくなかったものの、80年代に成人し、1990年代にメインストリームでの成功を収めた世代のミュージシャンに相当な影響を与えた。1980年代のアメリカのオルタナティブロックのスタイルには、REMの初期の録音に関連付けられるジャングルポップがあり、これは1960年代半ばのポップやロックの響き渡るギターを取り入れたものであった。また、カレッジロックは、10,000 ManiacsやThe Feeliesなどのバンドを含め、大学のサーキットや大学のラジオで始まったオルタナティブバンドを指すのに使われた。^{[ 131 ]}

1990年代初頭までに、ロックは商業化され高度にプロデュースされたポップ、ロック、および「ヘアメタル」アーティストによって支配され、MTVが登場してイメージとスタイルへの注目を促進しました。この傾向に不満を抱いたワシントン州（特にシアトル地域）のバンドは、1980年代半ばに、当時の主流音楽とは大きく異なる新しいスタイルのロックを形成しました。^{[ 133 ]}この発展途上のジャンルは「グランジ」として知られるようになり、この用語は音楽のダーティなサウンドと、人気アーティストの過度に整えられたイメージに積極的に反抗したほとんどのミュージシャンのだらしない外見を表しています。^{[ 133 ]}グランジはハードコアパンクとヘヴィメタルの要素を1つのサウンドに融合し、ギターのディストーション、ファズ、フィードバックを多用しました。^{[ 133 ]}歌詞は典型的には無気力で不安に満ちており、社会的疎外や束縛といったテーマを扱うことが多かったが、ダークユーモアや商業ロックのパロディでも知られていた。^{[ 133 ]}

グリーン・リバー、サウンドガーデン、メルヴィンズ、スキン・ヤードなどのバンドがこのジャンルの先駆けとなり、マッドハニーは1990年代末までに最も成功したバンドとなった。しかし、グランジは1991年にニルヴァーナの『ネヴァーマインド』がリードシングル「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」のおかげで大ヒットするまで、主にローカルな現象にとどまっていた。^{[ 134 ]} 『ネヴァーマインド』は前作よりもメロディックだったが、バンドは従来の企業プロモーションやマーケティング手法を採用することを拒否した。1991年と1992年には、パール・ジャムの『テン』、サウンドガーデンの『バッドモーターフィンガー』 、アリス・イン・チェインズの『ダート』などの他のグランジ・アルバムや、パール・ジャムとサウンドガーデンのメンバーが参加したテンプル・オブ・ザ・ドッグのアルバムが、売上トップ100アルバムにランクインした。^{[ 135 ]}これらのグランジ・バンドの人気急上昇を受けて、ローリング・ストーン誌はシアトルを「新しいリバプール」と呼んだ。^{[ 136 ]}大手レコード会社はシアトルに残っていたグランジバンドのほとんどと契約を結び、成功を期待して第二波のバンドがシアトルに移住してきた。^{[ 137 ]}しかし、 1994年のカート・コバーンの死とそれに続くニルヴァーナの解散、パール・ジャムのツアー問題、1996年のアリス・イン・チェインズのリードシンガー、レイン・ステイリーの脱退により、このジャンルは衰退し始め、ブリットポップやより商業的なサウンドのポストグランジに影を潜めることになった。^{[ 138 ]}

ポストグランジという用語は、シアトルのグランジバンドが主流に登場し、その後活動休止した後に登場したバンドの世代を指すために造語された。ポストグランジバンドは、彼らの姿勢や音楽を模倣したが、よりラジオ向きで商業的なサウンドになった。^{[ 139 ]}彼らはしばしば大手レーベルを通して活動し、ハードロック^{[ 139 ]} 、ポップロック^{[ 140 ]} 、オルタナティブメタル^{[ 139 ]}など、さまざまな影響を取り入れるようになった。ポストグランジという用語は、もともとは軽蔑的な意味で使われ、これらのグループは単に音楽的に模倣的である、あるいは「本物の」ロックムーブメントに対する皮肉な反応であるという意味だった。^{[ 141 ]} 1995年からは、元ニルヴァーナのドラマー、デイヴ・グロールの新しいバンド、フー・ファイターズがポストグランジジャンルを普及させ、ロックの新時代を定義するのに貢献した。^{[ 142 ]}

Candleboxのようなポストグランジバンドの中にはシアトル出身のものもあったが、このサブジャンルはグランジの地理的基盤の拡大によって特徴づけられ、ペンシルベニアのLiveやジョージアの Collective Soul のようなバンドがポストグランジを 1990 年代で最も商業的に成功したサブジャンルの 1 つとして確立した。^{[ 131 ] [ 139 ]} CreedやNickelbackのようなバンドは、ポストグランジを 21 世紀に持ち込み、かなりの商業的成功を収め、オリジナルのムーブメントの不安や怒りのほとんどを捨てて、より一般的なアンセム、物語、ロマンチックな歌に切り替え、 Shinedown、Seether、3 Doors Downなどの新しいバンドがこの流れに続いた。^{[ 141 ]}

1990年代のパンク・ポップの起源は、1970年代のパンク・ムーブメントの、より歌に重点を置いたバンドであるバズコックスやザ・クラッシュ、商業的に成功したニュー・ウェーブ・バンドであるザ・ジャムやジ・アンダートーンズ、そして1980年代のオルタナティブ・ロックのよりハードコアに影響を受けた要素に見ることができる。^{[ 143 ]}ポップ・パンクは、パワー・ポップのメロディーとコード進行を、速いパンクのテンポとラウドなギターとともに使用する傾向がある。^{[ 144 ]}パンク音楽は、1990年代初頭のインディーズ・レーベルに所属するカリフォルニアを拠点とするバンド、ランシド、ペニーワイズ、ウィーザー、グリーン・デイなどにインスピレーションを与えた。^{[ 143 ]} 1994年、グリーン・デイはメジャー・レーベルに移籍し、アルバム『ドゥーキー』を制作した。このアルバムは、主に10代の新たな聴衆を獲得し、予想外のダイヤモンド・セールスを記録し、米国で2曲のナンバーワンを含む一連のヒット・シングルを生み出した。^{[ 131 ]}すぐにウィーザーの同名デビュー作が続き、アメリカでトップ10シングルを3曲生み出した。^{[ 145 ]}この成功により、メタリックパンクバンドのオフスプリングが『Smash』（1994年）でマルチプラチナセールスを達成する道が開かれた。 ^{[ 131 ]}この第2波のポップパンクは、グリーン・デイの『Nimrod』（1997年）とオフスプリングの『Americana』 （1998年）で商業的なピークを迎えた。^{[ 146 ]}

パンクポップの第三波は、ブレイクスルーアルバム『Enema of the State 』（1999年）をリリースしたBlink-182によって先導され、その後、 Good Charlotte、Bowling for Soup、Sum 41などのバンドが続き、彼らはビデオでユーモアを活用し、音楽にはよりラジオ向きのトーンを取り入れつつ、1970年代のパンクのスピード、態度、そしてルックスを維持した。^{[ 143 ]}後期のポップパンクバンド、Simple Plan、All-American Rejects、Fall Out Boyなどは、1980年代のハードコアに近いサウンドを持ちながらも、かなりの商業的成功を収めた。^{[ 143 ]}

1980年代には、インディーロックとオルタナティブロックという用語は同義語として使われていました。^{[ 147 ]} 1990年代半ばまでに、このムーブメントの要素、特にグランジ、そしてブリットポップ、ポストグランジ、ポップパンクが主流の関心を集めるようになると、オルタナティブという用語は意味を失い始めました。^{[ 147 ]}シーンの商業的ではない輪郭をたどるバンドは、ますますインディーというラベルで呼ばれるようになりました。^{[ 147 ]}彼らは、ツアー、口コミ、独立系ラジオ局や大学のラジオ局での放送に頼って宣伝しながら、自分たちまたは小規模な独立系レーベルからアルバムをリリースすることで、自分たちのキャリアをコントロールしようとしました。^{[ 147 ]}音楽的アプローチよりもむしろ精神で結びついたインディーロック運動は、 Superchunkのようなハードエッジでグランジの影響を受けたバンドから、 PavementのようなDIY実験バンド、Ani DiFrancoのようなパンクフォークシンガーまで、幅広いスタイルを包含していた。^{[ 131 ]}インディーロックは、それ以前のロックジャンルと比較して女性アーティストの割合が比較的高いことが指摘されており、フェミニズムに影響を受けたライオットガール音楽の発展はその傾向を象徴している。^{[ 148 ]}

1990年代末までに、80年代後半のオルタナティブ・ムーブメントに起源を持つ多くの認識可能なサブジャンルが、インディーという包括的な概念の下に含まれるようになった。ローファイは、洗練された録音技術を避け、DIY精神を採用し、ベック、セバドー、ペイヴメントが先導した。^{[ 131 ]}トーク・トークとスリントの作品は、ジャズや電子音楽の影響を受けた実験的なスタイルであるポスト・ロック（トータスなどのバンドが採用）[ ^{149 ] [ 150 ]}と、ポルヴォやチャベスなどのバンドが発展させた、より濃密で複雑なギターベースのマス・ロック^の両方に影響を与えた。^{[ 151 ]}サッドコアは、アメリカン・ミュージック・クラブやレッド・ハウス・ペインターズなどのバンドの音楽において、アコースティック楽器や電子楽器のメロディーを用いることで痛みや苦しみを強調したが、^{[ 152 ]}バロック・ポップの復活は、ルーファス・ウェインライトなどのアーティストによって、メロディーやクラシック楽器に重点を置くことで、ローファイや実験音楽に反発した。^{[ 153 ]}

オルタナティブ・メタルは、1980年代後半にアメリカのオルタナティブ・ロックのハードコア・シーンから生まれたが、1990年代初頭にグランジが主流になったことで、より幅広い聴衆を獲得した。^{[ 154 ]}初期のオルタナティブ・メタル・バンドは、ハードコアやヘヴィ・メタルの感性とさまざまなジャンルを融合させ、ジェーンズ・アディクションやプライマスはプログレッシブ・ロックを、サウンドガーデンやコロージョン・オブ・コンフォーミティはガレージ・パンクを、ジーザス・リザードやヘルメットはノイズ・ロックを、ミニストリーやナイン・インチ・ネイルズはインダストリアル・ミュージックを、モンスター・マグネットはサイケデリアを、パンテラやホワイト・ゾンビはグルーヴ・メタルを生み出し、バイオハザードやフェイス・ノー・モアはヒップホップやラップに転向した。^{[ 154 ]}

ヒップホップは1980年代初頭にロックバンドの注目を集め、ザ・クラッシュの「The Magnificent Seven」（1981年）やブロンディの「Rapture」（1981年）などがその例である。^{[ 155 ] [ 156 ]}初期のクロスオーバーバンドには、Run DMCやビースティ・ボーイズなどがある。^{[ 157 ] [ 158 ]}デトロイトのラッパー、イーシャムは、ラップとロックやヘヴィメタルをベースにしたサウンドを融合させた「アシッド・ラップ」スタイルで知られるようになった。^{[ 159 ] [ 160 ]}ロックソングをサンプリングしたラッパーには、アイス・T、ザ・ファット・ボーイズ、LL・クール・J、パブリック・エネミー、フーディーニなどがいる。^{[ 161 ]}スラッシュメタルとラップの融合は、アンスラックスが1987年のコメディ色の強いシングル「I'm the Man」で先駆的に行った。^{[ 162 ]}

1990年、フェイス・ノー・モアはシングル「エピック」でメインストリームに躍り出た。この曲は、ヘヴィメタルとラップの真に成功した最初の組み合わせとしてしばしば見なされている。^{[ 163 ]}これにより、 24-7スパイズやリビング・カラーといった既存のバンド、そしてレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンやレッド・ホット・チリ・ペッパーズといった新進バンドの成功への道が開かれた。これらのバンドはすべて、ロックやヒップホップなど様々な影響を融合させていた。^{[ 161 ] [ 164 ]}ラップ・ロックとしてメインストリームで成功を収めた最初の波のパフォーマーには、311 ^{[ 165 ]} 、ブラッドハウンド・ギャング^{[ 166 ]}、キッド・ロック^{[ 167 ]}などがいた。よりメタリックなサウンド、つまりニュー・メタルは、リンプ・ビズキット、コーン、スリップノットなどのバンドによって追求された。^{[ 162 ]} 1990年代後半には、グランジ、パンク、メタル、ラップ、ターンテーブルのスクラッチをミックスしたこのスタイルがリンキン・パーク、POD、ステインドといった成功したバンドの波を生み出し、これらのバンドはしばしばラップメタルやニューメタルに分類され、リンキン・パークは同ジャンルで最も売れたバンドである。^{[ 168 ]}

2001年、ニューメタルは、ステインドの『Break the Cycle』、PODの『Satellite』、スリップノットの『Iowa』、リンキン・パークの『Hybrid Theory』などのアルバムでピークを迎えた。ディスターブド、ポストグランジ・ハードロックバンドのゴッドスマック、ブレイキング・ベンジャミン、そしてメジャーレーベルデビュー作『Infest』がプラチナヒットとなったパパ・ローチといった新しいバンドも登場した。[ ^{169 ]しかし}、2002年までにニューメタルのメインストリームでの人気が弱まっている兆候が見られた。^{[ 164 ]}コーンの5枚目のアルバム『Untouchables』とパパ・ローチの2枚目のアルバム『Lovehatetragedy』は、以前のリリースほど売れず、ニューメタルバンドはロックラジオ局であまり放送されなくなり、MTVはポップパンクやエモに焦点を当て始めた。^{[ 170 ]}しかし、KornのアルバムUntouchablesはプラチナディスクを獲得し^{[ 171 ]}、シングル「Here to Stay 」はBillboard Hot 100で72位^{[ 172 ]} 、 MTVのTotal Request Liveで2度1位を獲得した^{[ 173 ]}。また、ニューメタルバンドのEvanescenceは2003年に非常に人気を博し、Linkin Parkは引き続きメインストリームで大きな成功を収めた^{[ 174 ]} 。 2000年代初頭以降、多くのニューメタルバンドはスタイルを変え、オルタナティブロック、ポストグランジ、ハードロック、スタンダードヘヴィメタルなどがニューメタルバンドが移行したジャンルの例である^{[ 170 ] 。}

エモは1980年代のワシントンDCのハードコアシーンから生まれ、当初は「エモコア」と呼ばれ、より一般的な荒々しく吠えるようなスタイルよりも表現力豊かなボーカルを好むバンドを表す用語として使われた。^{[ 175 ]}このスタイルは、バンドのRites of SpringとEmbraceによって開拓され、後者はイアン・マッケイによって結成された。彼のDischord Recordsは、 Rites of Spring、 Dag Nasty、Nation of Ulysses、Fugaziの作品をリリースし、DCのエモシーンの新たな中心地となった。[ ^{175 ] Fugazi}は、特にその露骨な反商業主義的な姿勢により、オルタナティブロックのファンの間でファンベースを獲得し、決定的な初期エモバンドとして登場した。^{[ 175 ]}初期エモシーンはアンダーグラウンドとして機能し、短命のバンドが小さなインディーズレーベルから少量のレコードをリリースしていた。^{[ 175 ]} 90年代半ばのエモのサウンドは、グランジやよりメロディックなロックの要素を取り入れたJawbreakerやSunny Day Real Estateのようなバンドによって定義されました。 ^{[ 176 ]}グランジとポップパンクがメインストリームに進出した後になって初めて、ポップパンクを使用したWeezerのアルバムPinkerton (1996)の成功により、エモはより広く注目されるようになりました。^{[ 175 ]} 1990年代後半のバンドは、The Promise Ring、Get Up Kids、Braid、Texas Is the Reason、Joan of Arc、Jets to Brazil 、そして最も成功したJimmy Eat Worldなど、Fugazi、SDRE、Jawbreaker、Weezerの作品から影響を受け、ミレニアムの終わりまでに、アメリカで最も人気のあるインディーズスタイルの1つになりました。^{[ 175 ]}

エモは、ジミー・イート・ワールドの『ブリード・アメリカン』（2001年）とダッシュボード・コンフェッショナルの『ザ・プレイス・ユー・ハヴ・カム・トゥ・フィアー・ザ・モスト』（2003年）がプラチナセールスを記録して成功を収めた2000年代初頭に、主流文化に進出した。^{[ 177 ]}新しいエモは、以前のエモよりも10代の若者の間で遥かに大きな魅力を持っていた。^{[ 177 ]}同時に、エモという言葉の使用は音楽ジャンルを超えて拡大し、ファッション、ヘアスタイル、感情を表現するあらゆる音楽と関連付けられるようになった。^{[ 178 ]}エモという言葉は、フォール・アウト・ボーイ^{[ 179 ]}やマイ・ケミカル・ロマンス^{[ 180 ]}のようなマルチプラチナアーティストや、パラモア^{[ 179 ]}やパニック！アット・ザ・ディスコ^{[ 181 ]}のような異質なグループなど、さまざまなアーティストに批評家やジャーナリストによって適用されてきたが、彼らはそのレッテルに抗議している。

2000年代初頭、ギターロックを簡素化し、基本に立ち返った新しいバンド群が主流に登場した。彼らはガレージロック、ポストパンク、ニューウェーブのリバイバルの一部として様々に特徴づけられた。^{[ 182 ] [ 183 ] ​​[ 184 ] [ 185 ] 1980年代と1990}年代にはガレージロックとパンクの要素を復活させようとする試みがあり、2000年までにアメリカではいくつかのローカルシーンが成長した。^{[ 186 ]}デトロイトのロックシーンには、The Von Bondies、Electric Six、The Dirtbombs、The Detroit Cobras ^{[ 187 ]}、ニューヨークのロックシーンには、Radio 4、Yeah Yeah Yeahs、The Raptureなどがあった。^{[ 188 ]}

これらのシーンから商業的なブレイクスルーを牽引したのは、デビューアルバム『 Is This It』（2001年）でニューヨークのクラブシーンから登場したザ・ストロークスや、サードアルバム『White Blood Cells』（2001年）でデトロイトから登場したザ・ホワイト・ストライプスなどのバンドだった。^{[ 189 ]}彼らはメディアによって「ザ」バンドと名付けられ、「ロックンロールの救世主」と呼ばれたが、誇大宣伝だという非難も受けた。^{[ 190 ]}このムーブメントの結果として国際的な認知を得ることに成功した第二波のバンドには、アメリカのブラック・レベル・モーターサイクル・クラブ、ザ・キラーズ、インターポール、ザ・ブラック・キーズ、キングス・オブ・レオンなどがあった。^{[ 191 ]}

元々はスラッシュメタルとハードコアパンクのアメリカ版ハイブリッドであるメタルコアは、2000年代半ばに商業的な勢力として台頭した。^{[ 192 ]}それは、 Suicidal Tendencies、Dirty Rotten Imbeciles、Stormtroopers of Deathなどのバンドによって20年前に開発されたクロスオーバースラッシュスタイルに根ざしており、1990年代を通じてアンダーグラウンド現象のままであった。 ^{[ 193 ]} 2004年までに、メロディックデスメタルの影響を受けたメロディックメタルコアは、 Killswitch EngageのThe End of HeartacheとShadows FallのThe War Withinがビルボードアルバムチャートでそれぞれ21位と20位に初登場するほど人気を博した。^{[ 194 ] [ 195 ]}関連するメタルスタイルのブレンドで、 Lamb of Godは2009年にWrathでビルボードチャートの2位を獲得した。^{[ 196 ]}これらのバンドや、メタルコアとストレートなスラッシュアルバムの両方をリリースしたトリヴィアム、プログレッシブ/スラッジスタイルで演奏したマストドンなどの成功は、米国におけるメタルの復活という主張を刺激し、一部の批評家はそれを「ニューウェーブ・オブ・アメリカン・ヘヴィメタル」と呼んだ。^{[ 197 ] [ 198 ] [ 199 ]}

2000年代には、コンピュータ技術がより身近になり、音楽ソフトウェアが進歩するにつれて、ラップトップコンピュータ1台だけで高品質の音楽を作成することが可能になった。^{[ 200 ]}これにより、インターネットの拡大を通じて一般の人々が利用できる家庭制作の電子音楽の量が大幅に増加し、^{[ 201 ]}ラップトロニカ^{[ 200 ]}やライブコーディング^{[ 202 ]}などの新しいパフォーマンス形式が生まれた。これらの技術は、インダストリアルロックバンドNine Inch NailsのアルバムYear Zero（2007）^{[ 203 ]}のように既存のバンドでも使用されるようになり、ロックとデジタル技術やサウンドを融合させたインディーエレクトロニック、エレクトロクラッシュ、ダンスパンクなどのジャンルが発展した。

1990年代初頭にステレオラブやディスコ・インフェルノなどのバンドで始まったインディーズ・エレクトロニックは、新しいデジタル技術の発展に伴い、新世紀に入ってから勢いを増し、アメリカのザ・ポスタル・サービスやラタタットなどのアーティストが、さまざまなインディーズ・サウンドとエレクトロニック・ミュージックをミックスし、主に小規模なインディーズ・レーベルで制作した。 ^{[ 204 ] [ 205 ]}エレクトロクラッシュというサブジャンルは、1990年代末にニューヨークで始まり、シンセポップ、テクノ、パンク、パフォーマンス・アートを組み合わせたものである。IFが「Space Invaders Are Smoking Grass」（1998年）で先駆者となり、[ ^{206 ]フェリックス}・ダ・ハウスキャット^{[ 207 ]}やピーチズ^{[ 208 ]}などのアーティストがそれを継承した。新世紀の初めには国際的な注目を集めたが、すぐに認知されたジャンルとしては衰退した。^{[ 209 ]}ポストパンクのサウンドにディスコやファンクをミックスしたダンスパンクは1980年代に発展したが、新千年紀の初めにガレージロック／ポストパンクのリバイバルバンド、特にライアーズ、ザ・ラプチャー、ラジオ4などのニューヨークのバンドの間で復活し、アウト・ハッドのようなロックサウンドを取り入れたダンス志向のバンドも加わった。^{[ 210 ]}

• ボグダノフ、V.、ウッドストラ、C.、アーレワイン、ST（2002）。『オールミュージック・ガイド・トゥ・ロック：ロック、ポップ、ソウルの決定版ガイド』（第3 版）。ミルウォーキー、ウィスコンシン州：バックビート・ブックス。ISBN 0-87930-653-X。
• ギリランド、ジョン（1969）。「ヘイル、ヘイル、ロックンロール：ロック革命が始まる」（オーディオ）。ポップ・クロニクルズ。ノーステキサス大学図書館。
• サビン、R. (1999).パンク・ロック：だから何？：パンクの文化的遺産。アビンドン：ラウトレッジ。ISBN 0-415-17029-X。