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『ペット・サウンズ』は、アメリカのロックバンド、ザ・ビーチ・ボーイズの11枚目のスタジオ・アルバムで、1966年5月16日にキャピトル・レコードからリリースされた。ブライアン・ウィルソンがプロデュース、アレンジ、そして主に作曲を担当し、トニー・アッシャーが作詞を手がけた。1966年1月から4月にかけて大部分が録音されたこのアルバムは、『ザ・ビーチ・ボーイズ・トゥデイ！』 （1965年）で導入されたオーケストラ・サウンドをさらに発展させた。フィル・スペクターのウォール・オブ・サウンドの手法を拡張し、ビートルズの『ラバー・ソウル』 （1965年）を超えるウィルソンのオーケストレーションは、ポップ、ジャズ、エキゾチカ、クラシック、アヴァンギャルドの要素を融合させ、ロックの楽器編成に重ねられたボーカル・ハーモニー、フィールド・サウンド、そして通常ロックとは結びつかない楽器を組み合わせた。スタジオ・ミュージシャン、例えばレッキング・クルーなどがバンドの楽器演奏の大部分を担った最初のアルバムであり、ロック・グループがアルバム全体を通して小編成のアンサンブル形式を放棄した最初のアルバムでもある。その前例のない総生産コストは7万ドルを超え（ 2025年換算で69万ドルに相当）、
初期のロック・コンセプト・アルバムである本作の歌詞は、「You Still Believe in Me」（欠点に対する自己認識）、「I Know There's an Answer 」（ LSD文化への批判）、「I Just Wasn't Made for These Times」（社会的疎外を扱った）などの曲を通して内省的なテーマを探求している。リード・シングル「Caroline, No」はウィルソンの公式ソロ・デビューとしてリリースされ、続いてグループの「Sloop John B」と「Wouldn't It Be Nice」がリリースされた。このアルバムはアメリカでは批評家から冷ややかな反応を受け、ビルボード・トップLPチャートで最高10位となった。バンドの広報担当デレク・テイラーのプロモーション活動に後押しされ、イギリスの批評家やミュージシャンから絶賛され、レコード・リテーラー・チャートで2位に達し、6ヶ月間トップ10に留まった。予定されていた続編アルバム「Smile 」はお蔵入りとなり、1967年に「Smiley Smile」が代わりにリリースされた。
『ペット・サウンズ』は、その野心的なプロダクションと洗練されたハーモニー構造で知られ、音楽史上最も偉大で影響力のあるアルバムの一つとして広く認められています。[ 1 ] このアルバムは、斬新なオーケストレーション技術と構造的なハーモニーを導入し、また、その緻密さとスタジオを作曲ツールとして使用することで音楽制作に革命をもたらしたと評価されています。このアルバムは、ポピュラー音楽を芸術形式として、アルバムをまとまりのある作品として認識を高め、シンセサイザーの採用とオーケストラ・ポップ、サイケデリア、ソフト・ロック／サンシャイン・ポップ、プログレッシブ・ロック／ポップの進化に貢献しました。ビートルズの作品に長らく影を潜めていた『ペット・サウンズ』は、当初は限定的なメインストリームでの認知を得ましたが、再発によってその重要性が復活し、さまざまな出版物の史上最高のアルバムリストで上位にランクインするようになりました。1997年の拡張再発盤『ペット・サウンズ・セッションズ』では、初の真のステレオ・ミックスが初公開されました。ウィルソンは、 2000年代初頭と2010年代後半にこのアルバムを演奏するツアーを行いました。
ビーチ・ボーイズの6枚目のアルバム『オール・サマー・ロング』（1964年）でビーチをテーマにした時期は終わり、彼らはスタイルと歌詞の方向性を変え始めた。[ 2 ] 1965年1月、バンドのリーダーであるブライアン・ウィルソンは、作曲とスタジオ制作に専念するためツアーから身を引くことを宣言した。[ 3 ] [ 4 ]残りのメンバー、ブライアンの兄弟であるカールとデニス、いとこのマイク・ラブ、友人のアル・ジャーディンは、彼抜きでツアーを続けた。[ 5 ]セッションミュージシャンのグレン・キャンベルが当初彼の役割を担い、その後ブルース・ジョンストンが続いた。[ 5 ]
1965 年を通して、ウィルソンはThe Beach Boys Today!とSummer Days (And Summer Nights!!) で音楽的発展の大きな進歩を示した。[ 6 ] [ 7 ] Today! は、オーケストラのアレンジとサーフィン、車、単純な愛のモチーフからの脱却により、グループの初期のサウンドから離れた。[ 8 ]歌詞は自伝的で感情的なトーンを採用し[ 9 ]、レコードの B 面には統一されたテーマの 5 曲が収録されている。[ 10 ] 3 か月後にリリースされたSummer Days は、ウィルソンの進歩的なスタイルとバンドの 1965 年以前のアプローチを橋渡しした。[ 11 ]ウィルソンは「Sloop John B 」のレコーディングを開始したが、キャピトル レコードのクリスマス リリースの要求に応えるために作られた非公式のアルバムBeach Boys' Party!に集中するためにこのトラックを棚上げした。[ 12 ]その年の後半に彼は「Sloop John B」を改良し、6 つの新しい作曲をレコーディングした。[ 13 ]キャピトルは相談なしに、アルバム『Party!』から「 Barbara Ann 」をシングルとしてリリースした。ウィルソンは1966年初頭のインタビューで、この曲は今後の作品を代表するものではないと一蹴した。[ 14 ]
1965年、ウィルソンはロサンゼルスのレコーディングスタジオで作詞家兼ジングル作家のトニー・アッシャーと出会った。 [ 15 ]曲のアイデアを交換した後、ウィルソンはアッシャーの才能を知り[ 15 ]、これまでの作品とは異なる曲を書くためのクリエイティブなパートナーシップを提案した。[ 16 ]アッシャーはこれを受け入れ、10日以内に「 You Still Believe in Me 」から始まる作曲セッションが始まった。[ 15 ] [ nb 1 ]彼らは1966年初頭、おそらく1月から2月にかけての約3週間、ウィルソンの自宅で共同作業を続けた。[ 19 ] [ nb 2 ]セッションは、ウィルソンが時間をかけて開発したコードパターンやメロディのアイデアなどの音楽の断片を紹介したり、他のアーティストのレコードの特定の美学について話し合ったり、歌詞のテーマを提案したりすることから始まることが多かった。[ 15 ]彼らが「フィール」と呼んだ予備的なスケッチは、[ 22 ]時折マリファナを使用しながら作成された。[ 23 ] [ nb 3 ]歌詞は通常、レコーディング セッションの前に完成し、作曲後すぐに開始されることが多かったが、[ 19 ]予約時間は事前に計画されることはなかった。[ 25 ]
まるで自伝を書いているような気分だったけれど、不思議なことに、ブライアンの自伝だけに限定するつもりはなかった。[...] 私たちはある程度親密な関係で仕事をしていたけれど、私は彼のことを全く知らなかったので、彼は私がどんな人間なのかを知り、私も彼がどんな人間なのかを知りつつあった。
アッシャーは、ウィルソンのメロディーやコード進行の発展についてフィードバックを提供するのが自分の役割だと考えていたが、二人は終始意見を交換していた。[ 15 ]歌詞の共同作業について、彼は「歌詞の全体的なトーンは常に彼のものだったが、実際の言葉の選択はたいてい私のものだった。私はただ彼の通訳に過ぎなかった」と説明した。[ 26 ]アッシャーは後に「I Just Wasn't Made for These Times」、「Caroline, No」、「That's Not Me」[ 27 ]に音楽的に大きく貢献したと述べ、3曲のコンセプトにも関与したと主張した。[ 28 ]彼は出版印税の25%を受け取ることに同意したが、これは自分の貢献に見合わない割合だと考えていた。[ 29 ]
妻のマリリンの記憶によると、ブライアンは『ペット・サウンズ』の制作にほぼ休みなく取り組み、家にいるときは「ピアノを弾いているか、編曲をしているか、食事をしているかのどれかだった」という。[ 30 ]曲が完成した後、アッシャーは主にストリングスのオーバーダビングを含むいくつかのレコーディングセッションを見学した。[ 31 ]
ウィルソンはさらに2曲でコラボレーションした。「I Know There's an Answer 」は、以前ビーチ・ボーイズのロードマネージャーであるテリー・サチェンと共作した曲である。[ 32 ] 1994年、ラブは「 Wouldn't It Be Nice」と「I Know There's an Answer」の共作クレジットを遡及的に受け取ったが、 [ 33 ] 「 I'm Waiting for the Day 」以外の彼の貢献は一般的に最小限と見なされている。[ 34 ]残りの2曲のインストゥルメンタル曲「Let's Go Away for Awhile」と「Pet Sounds」は、ウィルソンが単独で作曲した。元々は既存の曲のバッキングトラックとして録音されたものだが、彼はボーカルなしの方が効果的だと判断した。[ 35 ]
評論家たちは『ペット・サウンズ』をコンセプト・アルバムとして頻繁に挙げており、ロック音楽における最初のコンセプト・アルバムだと考える者もいる。[ 36 ] [注4 ]ウィルソンは『ペット・サウンズ』をフィル・スペクターのウォール・オブ・サウンド技法の「解釈」[ 39 ]であり、スペクターの作品の特徴、特に色調の組み合わせによる新たなテクスチャーの創出を模倣することを目的としていたと指摘している。[ 40 ] 1988年のインタビューで、彼はビーチ・ボーイズを『ペット・サウンズ』を通してスペクターの作品と革新を伝える「メッセンジャー」と位置づけた。[ 41 ]また別の機会には、次のように述べている。
『ペット・サウンズ』アルバムを、それぞれが独立して成立するようにデザインされながらも、全体として調和している芸術作品の集合体として捉えれば、私が目指していたものが分かるでしょう。[...] これは、楽曲のコンセプトアルバムでも、歌詞のコンセプトアルバムでもなく、制作のコンセプトアルバムだったのです。[ 42 ]
ウィルソンは、ビートルズのアルバム『ラバー・ソウル』（1965年12月）を聴いた後、『ペット・サウンズ』で「完全な声明」を作ろうともした。 [ 37 ]キャピトルがフォークロック風に再構成した『ラバー・ソウル』のアメリカ版[ 43 ]は、アルバムが主にシングルのプロモーションに使われていた時代には珍しく、統一感があり、埋め草的な曲がないとウィルソンには映った。 [ 44 ] [ 45 ]彼はビーチ・ボーイズのアルバムでは比較的表面的なテーマを取り上げることが多かったが[ 44 ] 、 『ラバー・ソウル』を自分のアプローチを高めるための挑戦と捉え、 [ 45 ]妻に「史上最高のロック・アルバムを作る」と宣言した。[ 46 ]
音楽学者のマイケル・ゼイガーは、ペット・サウンズはスペクターのウォール・オブ・サウンド の特徴を取り入れていることから、ラバー・ソウルよりもスペクターのウォール・オブ・サウンドに近いと書いている。 [ 47 ] カールは、ブライアンがビートルズよりもスペクターを高く評価していたと述べており、[ 48 ]ブライアンはスペクターの手法が自身のプロデューススタイルの基礎となっていると頻繁に述べている。[ 49 ] [ 41 ]ウィルソンは、ラバー・ソウルを「主な動機」[ 50 ]とし、ビートルズのサウンドを再現しようとせずに「同じレベル」の音楽を作るよう刺激を与えてくれたと述べている。[ 48 ] [ nb 5 ] 2009年、彼は「ラバー・ソウルはペット・サウンズのアイデアを明確にしてくれなかった」ものの、ビートルズのシタールの使用がアルバムの楽器編成の選択に影響を与えたと述べている。[ 21 ] [ nb 6 ]
アッシャーは、自分とウィルソンがビートルズやロック全般によって確立されたテンプレートに従ったという考えに異議を唱え、ウィルソンはコール・ポーターやロジャース＆ハマースタインのような「古典的なアメリカのラブソング」を作ることを目指していたと回想した。[ 55 ]アッシャーはウィルソンにジャズの録音を紹介し、ウィルソンはデューク・エリントンの「ソフィスティケイテッド・レディ」（1932年）やハンプトン・ホーズの「オール・ザ・シングス・ユー・アー」（1955年）などのレコードに「圧倒された」。[ 56 ] [注7 ]アッシャーは、ウィルソンは「ジャズやジャズのスタンダードについてはあまり知らなかったが、フォー・フレッシュメンのことは知っていた」と回想している。[ 57 ]自身のスタジオ経験から、アッシャーはバイオリン、チェロ、バスフルートなどのクラシック楽器をアレンジに取り入れることを提唱した。[ 25 ]
1966年、ウィルソンは自身の作品をバート・バカラックとハル・デイヴィッドのソングライティング・チームになぞらえた。[ 58 ]ネルソン・リドルのオーケストラ編曲もウィルソンのアプローチに影響を与えた。[ 59 ]伝記作家のジョン・ステビンズは、このアルバムではスペクターよりもリドルの影響の方が顕著だったと感じている。[ 60 ] [注8 ]ウィルソンは、アッシャーとのコラボレーションはスペクターやモータウンのような同時代の人物との競争よりも芸術的誠実さに重点を置いていると特徴づけた。[ 54 ] [注9 ]
マリファナに手を出したことで、いくつかの扉が開かれ、精神的なレベルで人々のための音楽を作ることに、より一層力を入れるようになった。
1965年4月に初めてLSDを服用した際、ウィルソンは「非常に宗教的な体験」をしたと述べ、神を知覚したと主張した。[ 65 ]彼はインタビューでアルバムのスピリチュアルな性質について頻繁に言及し[ 66 ]、カールと共に世界規模の癒しのための祈りのセッションを行ったことを回想し[ 64 ]、その雰囲気は「宗教的な儀式」に変わったと述べた。[ 66 ]カールは彼らのスピリチュアルな実践に続いて「特別なアルバム」を提案した。[ 64 ]ブライアンは1994年に、「私たちは『ラバー・ソウル』に匹敵するアルバムを祈った。それは祈りのようなものだったが、そこには多少のエゴもあった」と説明した。 [ 67 ]初めてLSDを服用した直後に生涯にわたる幻聴に苦しんだ彼は[ 68 ]、後に薬物の影響で「不安感」が芽生え、「それが音楽に反映されたと思う」と述べた。[ 69 ]
ブライアンは『ペット・サウンズ』で重厚で内省的な曲を発表し始めるまでは、人々は彼をいつも陽気な男だと思っていた。しかし、ああいった曲こそが彼の性格や考え方に最も合致していたのだ。
音楽的な洗練度が増したにもかかわらず、ウィルソンはこのアルバムのテーマを10代の若者が共感できるものにしようとした。[ 71 ]歌詞は繰り返し大人になることへの幻滅や失われた純真さのテーマを探求し[ 48 ]、年上になりたいと願う「Wouldn't It Be Nice」の語り手に代表される、グループが以前に歌った青春の賛美とは対照的だった。[ 72 ] [ 73 ] [注10 ]悲観的で落胆した内容の多くは、彼の薬物使用によって悪化した結婚生活の苦悩から生じたものだった。[ 77 ] [ 78 ]マリリンは「You Still Believe in Me」と「Caroline, No」を聴いて、これらの曲が自分たちの結婚生活に直接言及していると感じた。[ 79 ]アッシャーによると、彼とウィルソンは、女性や人間関係の力学について広範な議論を交わし、そこから曲のインスピレーションを得たという。[ 15 ]ウィルソンの結婚に対する疑念、「性的空想」、義理の妹ダイアンへの魅力などが含まれるが、[ 80 ]彼らの作曲に関する会話は仮説的なシナリオに焦点を当てていた。[ 81 ]
『ペット・サウンズ』は、恋愛関係の崩壊を描いた歌曲集であると示唆されることがある[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ] [ 36 ] 。 『ペット・サウンズ』は統一された感情的なテーマを示しているが、意図的な物語は計画されていなかった[ 85 ] 。アッシャーとウィルソンは特定のコンセプトについて話し合ったことはなかったが、アッシャーはウィルソンが無意識のうちにコンセプトを形成する可能性を認めていた[ 15 ] [注11 ]。著者スコット・シンダーは、ウィルソンとアッシャーが「青春から大人への移行に伴う感情的な課題」についての歌曲集を、「親密で賛美歌のようなラブソングのシリーズ」と組み合わせたと主張した[ 82 ] 。音楽史家ラリー・スターは、トラックの順序を通して、「若々しい楽観主義[...]から哲学的および感情的な幻滅」へのテーマの進展をたどった。[ 88 ]ランバートは、ウィルソンはフランク・シナトラやフォー・フレッシュメンの「テーマ・アルバム」に影響を受けた物語を意図していた可能性が高いと主張した。 [ 89 ] [ nb 12 ]
ウィルソンは、ビーチ・ボーイズの『Today!』で導入したテーマと複雑なアレンジスタイルを洗練させた[ 91 ] [ 92 ]ため、評論家はしばしば『Today!』のB面を『 Pet Sounds 』の前身と呼んでいる[ 93 ] [注13 ]。音楽学者のダニエル・ハリソンは、 『Pet Sounds 』における作曲家および編曲家としての彼の発展は、以前の作品に比べて漸進的であったが、その型破りな和声進行と超拍子の破壊は、1964年の楽曲「 The Warmth of the Sun」と「Don't Back Down 」ですでに実証されていたテクニックを拡張したと主張している。[ 99 ]音楽学者のチャールズ・グラナタは、このアルバムをウィルソンの作曲芸術の集大成と評しているが、1965年までに彼は「車やサーフソングを書くことから、よりスタジオ的な曲を書くようになった」と述べている。 [ 100 ]ジョン・コヴァックは、「カリフォルニア・ガールズ」シングルが『ペット・サウンズ』の「より実験的な」アプローチを予見していたと指摘している。[ 101 ]一方、カール、デニス、ジャーディンは後に、そのB面「レット・ヒム・ラン・ワイルド」が『ペット・サウンズ』につながるウィルソンの進化するプロデュース・スタイルを認識したことを示すものだと指摘している。[ 102 ] [ 103 ] [ 104 ]
私はそれをチャペルロック、つまり商業的な合唱音楽だと考えていました。10年後も色褪せないアルバムを作りたかったんです。
『ペット・サウンズ』は、ポップ、ジャズ、クラシック、エキゾチカ、アヴァンギャルド音楽の要素を融合させた作品である。ステビンズは、このアルバムは単一のカテゴリーに分類できないと主張している。「『ペット・サウンズ』は、時に未来的で、進歩的で、実験的である。[...]ブルースはテーマとブライアンの声にのみ存在する。」[ 105 ]ジョンストンは、ドゥーワップとR&Bの影響が絶えず感じられると述べている。[ 106 ]音楽ジャーナリストのノア・ベルラツキーは、ポップR&Bの伝統に様々な「白人化された」要素があると指摘している。[ 107 ] [注14 ] 『ペット・サウンズ』以前に弦楽アンサンブルをほとんど使用していなかったウィルソンは、スペクターと同様に、古いポピュラー音楽のスタイルを取り入れており、彼の革新のいくつかは1950年代の劇中音楽やムザックのアレンジに先例がある。 [108] [ 109 ] [ nb 15 ]ウィルソンのオーケストレーションは、特に文化的に多様な音色を取り入れることで、レス・バクスター、マーティン・デニー、エスキベルなどのエキゾチカ・プロデューサーと様式的に類似点が見られた。 [ 110 ] [ nb 16 ]
評論家たちはこのアルバムをプログレッシブ・ポップ[ 116 ] [ 117 ]（初期のマーケティングで使用された表現）[ 118 ] [ 119 ]、チェンバー・ポップ[ 120 ] 、サイケデリック・ポップ[ 121 ] [ 122 ]、アート・ロック[ 123 ] [ 124 ] [ 125 ]などと様々に分類してきた。一般的には他の先駆的なサイケデリック・ロック・アルバムに分類されるが[ 126 ] 、多くの評論家はビーチ・ボーイズをサイケデリック・ミュージックに含めることに消極的であった[ 122 ] [注17 ]。ウィルソン自身は、いくつかの曲にはサイケデリックな要素が含まれているものの、アルバム全体としてはそうではないと感じていた。[ 114 ]学者のポール・ヘガティとマーティン・ハリウェルは、サイケデリックなサウンドはウィルソンの制作手法（折衷的な楽器編成、エコー、リバーブ、スペクターに影響を受けたテクニック）によるもので、重層的で絡み合ったサウンドスケープが生み出されたと述べている。[ 128 ] [ nb 18 ]歴史家のデール・カーターは、ビーチ・ボーイズの1960年代半ばの作品に見られるサイケデリックな特徴として、密度の高い音のテクスチャ、構造的な複雑さ、斬新な楽器の組み合わせ、変化する音の中心、催眠的なリズムを挙げている。[ 130 ] [ nb 19 ]
「バロック・ポップ」[ 133 ] [ 134 ]という用語は、ペット・サウンズに関する初期の批評では見られず、代わりに「プログレッシブ」が好まれ、後に1990年代に影響を受けアーティストの批評で登場した。[ 135 ]学者のジョン・ハウランドは2021年に、このアルバムのバロック・ポップの特徴は「ゴッド・オンリー・ノウズ」にほぼ限定されていると主張した。[ 135 ]このアルバムに帰属される他のジャンルには、ポップ・ロック[ 136 ] 、エクスペリメンタル・ロック[ 137 ] [ 138 ] 、アヴァン・ポップ[ 139 ] [ 140 ] 、エクスペリメンタル・ポップ[ 141 ] 、シンフォニック・ロック[ 142 ]、フォーク・ロック[ 143 ]などがある。
『ペット・サウンズ』では、ウィルソンは標準的なロックの楽器編成に、複雑なボーカルハーモニーのレイヤー[ 45 ]と、ロックではほとんど、あるいは全く使われたことのない多くの楽器を組み合わせた[ 144 ] 。これには、ウクレレ、そり鈴、アコーディオン、フレンチホルンとイングリッシュホルン、ティンパニ、ビブラフォン、タックピアノ[ 145 ]（これらはすべて『トゥデイ！』[ 146 ]にも登場していた）に加え、ベースハーモニカ、ギロ、バスクラリネット、ボンゴ、グロッケンシュピール、バンジョー、自転車のホーン、コカ・コーラの缶、エレクトロ・テルミン[ 145 ]も含まれていた。彼のオーケストレーションのアプローチは、クラシックの要素をロックに重ね合わせるのではなく、クラシックの楽器編成をロックの感性に適応させたものだった。[ 147 ]『ペット・サウンズ』のトラックでは、平均して12種類ほどの異なる楽器が使われており、「That's Not Me」では6種類、「God Only Knows」では15種類以上となっている。[ 145 ]ウィルソンは、2つの楽器が同じメロディーを演奏するダブリングを頻繁に用いた。これはオーケストラやクラシックのアレンジでは古くから使われていたが、ロックでは主にエレクトリックベースに限られていた。彼はそれをバイオリンやアコーディオンなど多くの楽器にまで広げた。[ 148 ]エレクトリックベースとアコースティックベースも頻繁にダブリングされ、硬いピックで演奏された。[ 149 ]
音楽学者のジェームズ・ペローンによれば、ペット・サウンズはテンポの変化、拍子の曖昧さ、斬新な楽器の音色を取り入れており、1966年のポップミュージックの「他の何物にも」とはほとんど区別されるものとなっている。[ 150 ]音楽学者のマーシャル・ハイザーは、グループの初期の作品と比較して、空間的およびテクスチャ的な次元の高まり、「より独創的な」コード進行とボイシング、従来のバックビートの回避、スペクターの「ティーンエイジ・ファンファーレ」ではなく、バクスターのエキゾチックな「奇抜さ」とバカラックの「クールな」ポップ感性から引き出されたオーケストレーションを指摘した。[ 151 ]ドラムは、一定のリズムのためというよりは、テクスチャと音色効果のために使用された。[ 152 ]ボーカルハーモニーは少なくなり、より複雑になり、[ 153 ]時には対位法が用いられ、バンドは以前のリリースよりもドゥーワップ風のナンセンスな音節をより頻繁に使用した。[ 154 ]
このアルバムでは、スラッシュ、ディミニッシュ、メジャーセブンス、シックス、サスペンデッドのコードが主に使われており、[ 156 ]オーギュメントやナインスのコードはあまり使われていない。[ 157 ]すべてのトラックはメジャーキーで、[ 158 ]中には珍しいものもある。「You Still Believe in Me」は、キーボーディストが通常避けるシャープやフラットが多いキーであるBを使用しており、「That's Not Me」はCから最も遠いキーであるF♯である。[ 159 ]ウィルソンは、水平的なクラシック構造ではなく、ブロックコードを使用した垂直的な作曲アプローチを採用し、ベースとトレブルの記号にまたがって異なるコードを積み重ねることで、多調性に取り組んだ。[ 159 ] 4曲は「You Still Believe in Me」（B）、「I'm Waiting for the Day」（E）、「Sloop John B」（A ♭）、および「I Just Wasn't Made for These Times」（B ♭）という、しっかりと確立されたキーを維持している。[ 160 ]他のほとんどの曲は複数のキーの間を移動するか、「God Only Knows」の場合のように、明確な調の中心を欠いている。[ 155 ]「That's Not Me」と「Let's Go Away for Awhile」の2曲は、異なるキーで始まり、異なるキーで終わる。[ 89 ]
楽曲構成は概ね慣例に従っており、3曲はAABA四行詩形式、8曲は詩とコーラスの形式を採用している。[ 161 ]例外としては、「I'm Waiting for the Day」は詩とリフレインの構造を3回繰り返した後、無関係な主題で終わる[ 162 ] 、 「That's Not Me」は展開的な繰り返しを伴う二部形式として構成されている[ 163 ] [ 162 ]、さらに「You Still Believe in Me」、「Let's Go Away for Awhile」、「Pet Sounds」の3曲は、それぞれ異なる、繰り返しのない2つのセクションを含んでいる[ 162 ] 。
音楽学者のフィリップ・ランバートは、本作を「コンセプト・アルバム」と分類するにあたり、その「全体的な統一性」は『Today!』から発展した共通要素で構成されていると主張している。 [166] 微妙ではあるが、ウィルソンはアルバムが「すべてが一体となっているように感じられる」ように意図的にこれらを使用した。[167] 『Today!』のテクニック、例えば繰り返されるスケールのモチーフなどは、『Pet Sounds』の「 Do n't Talk ( Put Your Head on My Shoulder )」のような曲で実現されており、上昇する段階的なボーカルフレーズ（G ♭からC ♭）に対して、楽器が鏡像のように応答している。[ 166 ] [注20 ]ランバートによれば、このアーチ型のモチーフはアルバム全体を通して統一的な糸として機能しており、「I Know There's an Answer」の最後のオルガンフレーズや「Let's Go Away for Awhile」の後半のヴィブラフォン進行など、他の曲にも現れている。[ 168 ] [注21 ]
3度による転調が頻繁に用いられた。[ 159 ]「God Only Knows」を除くすべての転調曲で主音と副音（I-vi/VI）の関係を確立する長調と短調の副音の使用は、ランバートによって「全体的な統一のもう一つの重要な源」として挙げられている。[ 160 ] [注22 ]著者ジム・フシリは、ウィルソンが「感情的な意図」を固めるために作曲の「論理」から頻繁に逸脱し、また戻るが、「The Little Girl I Once Knew」のように「抑えきれない喜び」は決してないことを指摘している。[ 169 ]ランバートはこの技法を、「Don't Talk」（「I can see so much in your eyes」の「eyes」という単語）や「God Only Knows」（「sure about it」と「livin' do me」という単語）などの曲で劇的な緊張感を与えるためにウィルソンがハーフディミニッシュセブンスコードを使用していることに見出している。[ 170 ]
ウィルソンのベースラインは、しばしば半音階的[ 171 ]でメロディックでありながら、ルート音を強調することを避けていた[ 172 ] 。下降する1-5パターンのバリエーションは、彼が初期の音楽で用いていた手法だが、『ペット・サウンズ』につながる作品では用いていなかったもので、「Here Today」、「Pet Sounds」、「I Just Wasn't Made for These Times」で繰り返し登場する。ランバートは、ウィルソンが『Surfin' Safari』（1962年）と『Surfin' USA』（1963年）で用いたこの手法への関心が再び高まったのは、ビートルズの「I'll Be Back 」（1964年）に影響を受けたのではないかと推測した[ 173 ]。
『ペット・サウンズ』のレコーディングは主に1966年1月18日から4月13日にかけて、27回のセッションで行われた。[ 174 ]「You Still Believe in Me」と「Pet Sounds」はそれより前に始まっており、「Sloop John B」は1965年7月と12月に部分的に録音された。 [ 175 ]インストゥルメンタル・トラックのほとんどはユナイテッド・ウェスタン・レコーダーズで録音され、ゴールド・スター・スタジオでは「Good Vibrations」と「Wouldn't It Be Nice」と「I Just Wasn't Made for These Times」のバッキング・トラックのセッションが行われた。[ 176 ] 「Here Today」のインストゥルメンタルはサンセット・サウンド・レコーダーズで録音された。 [ 177 ]ウィルソンは主にいつものエンジニアでウェスタンのスタッフであるチャック・ブリッツと共にアルバムをプロデュースした。[ 178 ]前例のない制作費は総額7万ドル（2025年換算で69万ドル）に達した。[ 74 ]
1963年の「サーファー・ガール」のセッション以来、[ 179 ]ウィルソンは、後に「レッキング・クルー」として知られるようになるスペクターのスタジオミュージシャングループを自身のレコードに組み込んでいた。[ 115 ] [ 45 ]レギュラー参加者には、ハル・ブレイン（ドラム）、グレン・キャンベルとビリー・ストレンジ（ギター）、アル・デ・ロリー（ピアノ）、スティーヴ・ダグラス（サックス）、キャロル・ケイ（フェンダーベース）、ラリー・クネクテル（ハモンドオルガン）、ドン・ランディ（ピアノ）、ライル・リッツ（アップライトベース）、レイ・ポールマン（ベースとギター）、ジュリアス・ウェクター（パーカッション）がいた。[ 180 ]彼は、特にバンドメンバーがツアー中であるとき、ますます複雑になるアレンジを実行するためにこれらのミュージシャンに頼っていた。[ 180 ]「ペット・サウンズ」は、彼がこれらのミュージシャンをほぼ独占的にバッキングトラックに使用した最初のビーチ・ボーイズのプロジェクトとなった。[ 181 ]セッション中に時折ギターパートを提供したカールは、レコーディングの技術的な要求がグループの集団的な能力を超えていたことを振り返った。[ 182 ]
バッキングトラックのセッションは通常、少なくとも3時間続いた。ブリッツは、ウィルソンがどの楽器を使いたいかを知っていて、財政的に非現実的であるにもかかわらず、すべてのミュージシャンを同時に集めることを主張したため、ほとんどの時間がサウンドの調整に費やされたことを回想している。[ 183 ] 複数の種類のキーボードなどの楽器をユニゾンで演奏することで、それらの間のわずかなチューニングのずれがコーラス効果を生み出し、これは電子的な手段では得られない。[ 148 ]
ウィルソンは、これらのミュージシャンたちに対して「ある意味堅物」だと自称し、各楽器の音を個別に、通常はキーボードとドラムから始め、オーバーダビングしない場合はバイオリンへと進めた。[ 54 ]セッションには事前のリハーサルはなく、彼は通常、基本的な楽譜の草稿しか持ってこなかった。[ 56 ] [注23 ]彼は通常、完全なアレンジを頭の中で作曲したが、セッションミュージシャンが作成した速記譜法でそれを伝え、楽器グループごとに別々のチャートを用意した。[ 54 ]彼のアプローチは彼らの即興演奏のスキルに依存しており、楽譜の代わりに、録音中にハミングしたり、声に出して歌ったりした。[ 56 ]ブレインは、ウィルソンがグループのためにコピーした手書きのコードチャートを使用したことを回想しており、彼らはテイク中に彼のフィードバックに基づいてパートを調整した。[ 185 ]彼は創造的なコントロールを維持しながらも、追加の意見を歓迎し、録音を向上させると感じた場合は、時折ミスを残した。[ 45 ] [ 186 ]
[...] 慣れるまでにはかなり時間がかかりました [...] なぜなら、それは必ずしも踊れる音楽ではなく、むしろ愛を交わすための音楽のようなものだったからです。
『ペット・サウンズ』はブライアン・ウィルソンのソロ・アルバムと見なされることもある[ 188 ] [ 189 ] [ 190 ]。ウィルソン自身も後に「グループから抜け出して輝くチャンスだった」と語っている[ 191 ] 。ラブは電話でトラックのプレビューを受け取ったが、他のバンドメンバーは制作中に相談されなかった[ 192 ] 。ただし、ブライアンはデニスとカールに一部を聴かせていた[ 193 ] 。 2月9日にスタジオに戻ったバンドメンバーは、予想と異なる録音を聞かされた[ 194 ]。
バンドメンバー間の批判は音楽よりも歌詞に集中しており、[ 195 ]複雑なアレンジをライブで再現することへの懸念があった。[ 196 ]デニスは反対意見の噂を否定し、メンバーの中でブライアンの才能に匹敵する者も、彼のビジョンに反対する者もいないと述べた。[ 197 ]カールはそのような報道を「でたらめ」として否定し、プロジェクトには全員から愛情が寄せられていたと宣言した。[ 102 ] [ 198 ]ラブは、唯一の反対意見は「I Know There's an Answer」のオリジナルの歌詞に向けられたものだと述べ、[ 199 ]ジャーディンはラブがアルバムの方向性に「非常に困惑している」と述べ、明確なフックに依存する「定型に固執する人」だと評した。[ 200 ]
ブライアンは後に、このプロジェクトが「芸術的すぎる」という議論があったことを思い出した。[ 32 ]マリリンは、バンドメンバーが「彼が感情的に何を経験しているのか理解するのに苦労した」と述べた[ 201 ]一方、アッシャーは、バンドメンバー、特にアル、デニス、マイクが、緊張したセッション中に「これは俺たちの好みじゃない！」といった反対意見を表明したと述べた。[ 202 ]さらに彼は、バンドメンバーは、自分たちにはそのような判断をする才能がないと感じていたため、ブライアンのグループの方向性に異議を唱えることはなかったと付け加えた。[ 203 ]ラブの反対意見は、芸術的な質ではなく、アルバムがバンドのブランドに合っているかどうかという懸念に集中していた。ジャーディンもこの懸念を共有していた[ 204 ] 。 [ 205 ]ジャーディンはスタイルの変化に躊躇したが[ 187 ]、次第にそれを高く評価するようになった。[ 200 ] 2016年の回顧録『I Am Brian Wilson』の中で、カールはアルバムを受け入れたが、ラブとデニスは当初そうではなかったと述べられている。[ 206 ]
ブライアンは1976年のインタビューで、バンドメンバーが彼がソロ活動のために脱退するのではないかと心配していたと述べている。[ 207 ]彼は、自分のボーカルが目立つことに対する彼らの抵抗を認め、「ビーチ・ボーイズのアルバムというよりはブライアン・ウィルソンのアルバムだ」と評した。[ 208 ]ラブは後に、もっと貢献したい、いくつかの曲で「リードボーカル」を務めたいと書いた。[ 209 ]ブライアンは、バンドがこのプロジェクトを受け入れたことで緊張が和らいだことを認め、「彼らは僕に少しだけ自分の出番を与えてくれた」と語った。[ 207 ] [ 210 ]
ウィルソンのミキシング作業は、既存のトラックをミキシングしながらオーバーダブを同時に録音したり、複数の録音をリアルタイムで単一のモノラルチャンネルに組み合わせたりするなど、意図しないアーティファクトが発生するリスクがあるなど、かなりの技術的制約に直面した。[ 211 ] 1996年まで、このアルバムには真のステレオミックスがなかったが、これは録音のロジスティクス上の制約が一因であった。スペクターと同様に、ウィルソンは意図的にモノラルでミキシングした。モノラルであれば、スピーカーの配置や再生システムの変数に影響されずに、サウンド再生をよりコントロールできると考えたからである。当時、ほとんどの民生機器や放送はモノラルであった。[ 212 ] [ 213 ]もう一つの要因は、ウィルソンの右耳がほぼ完全に聞こえなかったことである。[ 214 ]
テープエフェクトはスラップバックエコーとリバーブに限られていた。リバーブは、当時の音楽制作で一般的だったように、エコーチャンバーを使用してライブで追加された。 [ 215 ]ウィルソンはティンパニにリバーブを分離することが多かった。[ 216 ]スペクターのウォール・オブ・サウンドと比較すると、ウィルソンの作品は4トラックと8トラックの録音を使用することでより複雑なものとなった。[ 213 ]スペクターは3トラックマシンでモノラルでライブアンサンブルのテイクを録音したが、 [ 217 ]ウィルソンは最初のバッキングトラックにスカリーの4トラック288テープレコーダーを使用し、[ 215 ]その後8トラックに転送した。[ 218 ]楽器は3つのトラックにグループ化された。ドラム、パーカッション、キーボード、ホーン、ベース、追加のパーカッションとギター。4番目のトラックには一時的なリファレンスミックスが保存され、後にストリングスなどのオーバーダブに置き換えられた。[ 213 ]ウィルソンが納得すると、ブリッツは彼にテープのコピーを渡して評価させた。[ 219 ]
ボーカルのオーバーダビングは、2月から4月にかけてウェスタンとCBSコロンビアスクエア[ 220 ]で行われた[ 145 ] 。コロンビアはロサンゼルスで唯一8トラック技術を備えた施設であったため、5曲がそこで録音された[ 221 ] 。ブライアンはミキシング中にバランスを調整するために、個々のボーカルに6トラックを割り当てた。モノラルのオーバーダビングには8トラックレコーダーが使用され[ 213 ] 、 1つのチャンネルは補助レイヤー用に確保された[ 34 ] 。
バンドメンバーは、歌う前に最小限のリハーサルしか行わず、準備不足のまま到着することが多かった。[ 219 ] これまでのビーチ・ボーイズのレコーディングよりもボーカルセッションに高い精度が求められたため、[ 222 ]ブライアンはピアノで各メンバーのボーカルパートを指導した。毎晩の再生セッションの後、彼らは時折、演奏を再録音することを選択した。[ 223 ]ラブは、ブライアンの聴覚の鋭敏さ[ 224 ]と特定の音色とリズム特性へのこだわりから、愛情を込めてブライアンを「犬の耳」とあだ名し、時には完成したトラックを翌日破棄して再録音することもあった。[ 225 ]ノイマン U-47 (デニス、カール、ジャーディン用) とシュア 545 マイク (ブライアンのリード用) が使用され、[ 219 ]ラブは低音域用に別のマイクを必要とした。[ 224 ]
4月17日頃の遅れて行われたオーバーダビングにより、アルバムの主要なレコーディングが完了した。[ 145 ]ミキシングは数日のうちに9時間のセッションで行われ、[ 190 ]主にボーカルを事前にミックスされたモノラルのインストゥルメンタルとブレンドすることに費やされた。[ 226 ]最終的なモノラルミックスには、洗練されたアレンジや演奏とは対照的な数多くの技術的な欠陥があり、[ 226 ]録音された作品の性質を示唆する対比的な側面もあった。[ 227 ]サックス奏者のスティーブ・ダグラスは、ドラフトミックスを「本当に雑だった」と回想し、彼とミュージシャンたちがウィルソンに抗議した後、「彼はそれを取り戻してきちんとミックスした。彼のミックスでは、美しいオーケストラの曲やパートが失われてしまうことがよくあると思う」と語った。[ 228 ]最も顕著な例としては、「Wouldn't It Be Nice」のコーラスとラブのブリッジのボーカルの入りの間にテープの継ぎ目が聞こえることや、「Here Today」のインストゥルメンタルのブレイク中にボーカルのオーバーダビング中に遠くの会話が偶然録音されていることが挙げられる。[ 229 ] [ nb 24 ]
「Wouldn't It Be Nice」は、大人の自立を切望する若いカップルを描いている。[ 76 ]アッシャーは、ウィルソンの完成されたメロディーに合わせて歌詞を書いた唯一の曲としてこの曲を挙げている。[ 231 ]バンドのボーカルの録音には、ウィルソンのパフォーマンス基準に苦労したため、他のどの曲よりも多くのスタジオ時間を要した。[ 222 ]
「You Still Believe in Me」は、パートナーの献身の中で自分の欠点を自覚するという、繰り返し登場する内省的なテーマを紹介している。[232 ]ウィルソンはこの曲を、女性の視点から男性の感情的な脆弱性を描写したものだと評した。[ 234 ]彼とアッシャーは、ヘアピンでピアノの弦を弾いて、この曲のイントロを作り上げた。[ 234 ]
「That's Not Me」は、最も従来のロックソングに近い曲で、[ 236 ]キーの転調やムードの変化が特徴です。[ 237 ]この曲は、バンドメンバー自身がほとんどの楽器パートを演奏している唯一の曲です。[ 145 ]歌詞は、若者が自己実現へと向かう旅を描いており、孤独な野心よりも仲間との交流が重要であるという結論に至っています。[ 238 ]
「Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder)」は、ウィルソンの楽曲の中でも特に和声的に複雑な曲の一つで、恋人同士の非言語コミュニケーションを中心に描いている。[ 239 ] [ 240 ]ウィルソンは以前の作品とは異なり、弦楽六重奏（ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ）を取り入れることで、表現力豊かな音色を実現した。[ 241 ]
「I'm Waiting for the Day」は、心を閉ざし、感情的に傷ついた恋人を慰めようとする主人公の姿を描いています。[ 240 ]ジャズのコード進行とドゥーワップの進行、オーケストラの楽器編成が融合しています。[ 242 ]元々は1964年にブライアンのソロ作品として登録されましたが、後にラブとの共作となり、ラブはブライアンの歌詞に若干の変更を加えました。[ 242 ]
「Let's Go Away for Awhile」は最初のインストゥルメンタル曲で、12本のバイオリン、4本のサックス、ピアノ、オーボエ、ビブラフォン、そしてギターのスライドとして使われるコカ・コーラのボトルがフィーチャーされている。[ 243 ]ウィルソンはこの曲を、それまでに作った「最高の芸術作品」だと考えており、[ 35 ]バート・バカラックの音楽に無意識のうちに影響を受けた可能性がある。[ 244 ]音楽学者のラリー・スターは、この曲の珍しいAABCC構造を、アルバムの時折見られる形式的な実験の例として挙げている。[ 88 ]
ジャーディンは、キングストン・トリオから知っていたカリブ海の伝統的な民謡「スループ・ジョン・B 」をアレンジすることを提案した。[ 245 ]ウィルソンのアレンジはロックとマーチングバンドの楽器編成を融合させたもので、[ 246 ]オリジナルの歌詞「生まれて以来最悪の旅」を「今までで最悪の旅」に変更し、サイケデリックな体験を暗示している可能性がある。[ 247 ] [ 248 ]彼はキャピトルの強い要望で「スループ・ジョン・B」を収録し、シングルリリースによる商業的成功を期待していた。[ 249 ]
「神のみぞ知る」は、恋人との関係の終わりを熟考する語り手を描き、パートナーのいない人生は神にしか理解できないと主張している。[ 66 ]この曲は、タイトルと歌詞の中で「神」を明示的に言及することで、1960年代半ばのポップミュージックの慣習に挑戦した。当時、神という言葉はタブーとされていた。少なくとも以前には、「地獄」や「ちくしょう」といった言葉を含む曲がラジオで放送禁止になったことがあった。[ 230 ]
「I Know There's an Answer」は、当初「Let Go Your Ego」や「Hang On to Your Ego」というタイトルだった[ 252 ]。この曲は、他人のライフスタイルについてアドバイスすることに抵抗のある人物を描いている[ 253 ] 。歌詞は、ドラッグカルチャーへの言及と見なされたことから、内部で論争を巻き起こした[ 254 ] 。 [注25 ]ウィルソンは、コーラスに「不適切な歌詞」が含まれていると述べ、それを修正するために多くの時間を費やした[ 256 ]。その結果、後に彼は、この曲は現実逃避的なLSDカルチャーを拒絶するものだと説明した[ 257 ]。この曲には、セッションミュージシャンのトミー・モーガンによるベースハーモニカのソロがフィーチャーされている[ 234 ] 。
「Here Today」は元恋人の視点から語られており、[ 258 ]新しい関係における避けられない失恋を警告している。[ 259 ]ウィルソンはこの曲をベースラインの実験と表現し、リード楽器として1オクターブ高いベースギターを使用している。[ 260 ]これはアルバムのために最後に書かれた曲だった。[ 261 ]アッシャーはこの曲を「ブライアンよりも歌詞とメロディの両方で少しだけ自分らしさが表れている」と評した。[ 26 ]
「I Just Wasn't Made for These Times」は社会的疎外をテーマにしている。[ 262 ]ウィルソンはこの曲について、自分のような人が「自分が進歩しすぎている」と感じて「人々を置き去りにしてしまうかもしれない」と泣いている様子を描いていると説明した。[ 263 ]楽器編成には、チェンバロ、タックピアノ、フルート、テンプルブロック、ティンパニ、そして発明者のポール・タナーが演奏するエレクトロ・テルミンが用いられている。[ 264 ]ランバートは、繰り返しオーバーダビングして作られたコーラスのボーカルを、アルバムに対する自身の「進歩的なビジョン」を象徴するものだと評した。[ 265 ]
2曲目のインストゥルメンタル曲「Pet Sounds」は、セッションの初期に録音された。この曲には、B ♭からF（A ♭、G、G ♭を経由）への顕著なベース下降が含まれており、これは後続の曲の動機的要素およびインスピレーションとなった。[ 168 ]ランバートはこの曲を、アルバムの主要テーマの「音楽的要約」であり、「Here Today」の感情的なクライマックスの後に語り手が反省する一時停止であると解釈している。[ 266 ]
「キャロライン、ノー」は失われた無垢と格闘している。[ 267 ]ウィルソンはこの曲をおそらく自分の最高傑作だと述べ、取り戻せない愛についての憂鬱な考察だと説明した。[ 268 ]アルバムバージョンのこの曲は、ウィルソンの犬の吠え声とキャピトルのサウンドエフェクトアルバムからの通過する列車の音でフェードアウトして終わる。[ 269 ]
アルバムのレコーディング期間中に録音された「The Little Girl I Once Knew」は、当初1965年11月にシングルとしてリリースされた。ライターのニール・アンフレッドは、この曲はLPに収録される可能性があったと推測しており、シングルがもっと商業的に成功していれば収録されていた可能性が高いと述べている。[ 270 ]
1965 年 10 月 15 日、ウィルソンは 43 人編成のオーケストラで「Three Blind Mice」というタイトルのインストゥルメンタルを録音した。同名の童謡とは無関係で、後にビーチ・ボーイズの 2011 年のコンピレーション『The Smile Sessions』で初披露された。[ 269 ]同日、彼は「How Deep Is the Ocean?」と「Stella by Starlight」のインストゥルメンタル版も録音した。[ 64 ]伝記作家のマーク・ディロンは、これらの録音はオーケストラの音を捉えるための実験的な試みであり、「Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder)」で使用された弦楽アンサンブルの準備であり、おそらくリリースを意図したものではなかったと推測している。[ 271 ] 11 月 1 日には別のインストゥルメンタル「Trombone Dixie」が録音された。[ 272 ]ウィルソンはこれを「ミュージシャンとふざけている間に作った」急なアレンジだと一蹴した。[ 273 ] 1990年の再発盤にボーナストラックとして収録された。[ 272 ]
1965年後半、ペット・サウンズのセッションの一部は実験的な試みに費やされ、その中には「Row, Row, Row Your Boat 」の長尺のアカペラ演奏も含まれており、その輪唱構造が強調されていた。[ 269 ]ウィルソンは実験の一環として、サイケデリック・コメディ・アルバムの構想のために、ユーモラスな寸劇や効果音を録音した。[ 269 ] [ 64 ]これらのスケッチのうち少なくとも2つ、「Dick」と「Fuzz」は現存しており、ウィルソン、キャロルという名の女性、そしてハニーズが出演している。これらは公式には未発表のままである。[ 64 ]
1966年2月から3月にかけて、ウィルソンは「Good Vibrations」を録音した。当初はアッシャーとの共作だったが、アッシャーはキャピトルが新しいシングルを求めたことがきっかけでこの曲が生まれたと回想している。[ 274 ]ウィルソンは最終的に「Sloop John B」を提出し、バンドの反対にもかかわらず「Good Vibrations」をアルバムから除外した。[ 275 ]
表紙には、バンドメンバーのカール、ブライアン、デニス、ラブ、ジャーディン（左から右）がコートとセーターを着てサンディエゴ動物園でヤギにリンゴを与えている様子が描かれている。 [ 276 ]緑色のバンドヘッダーには、アーティスト名、アルバムタイトル、トラックリストが表示され、[ 276 ]一部にクーパーブラック書体が使用されている。[ 277 ] [ 278 ]非公式にバンドに加入していたジョンストンは、コロンビアレコードとの契約上の制約のため不在である。[ 279 ]裏表紙には、ツアーバンドがステージで演奏しているモノクロのモンタージュ、日本ツアー中に侍の衣装を着てポーズをとっている写真、ブライアンの写真が2枚掲載されている。[ 276 ]
ラブは回顧録の中で、キャピトルがアルバムタイトル「Our Freaky Friends 」を提案した後、動物たちが「奇妙な友達」を表しているとして、カバー撮影を企画したと書いている。[ 280 ]ウィルソンは後に、誰が動物園を提案したのか思い出せなかった。[ 281 ]ジャーディンは、撮影前にすでに「Pet Sounds 」がタイトルとして選ばれていたことを思い出したが、当初は「pet」を恋愛関係のスラングと誤解し、最終的なコンセプトはキャピトルのアート部門によるものだと考えていた。 [ 282 ]一部の情報源では「Remember the Zoo」が仮タイトルとして挙げられているが、[ 283 ]これは1990年代にファンが作ったデマに由来する。[ 284 ]
表紙写真は1966年2月10日に写真家ジョージ・ジャーマンによって撮影された。[ 285 ] KFMB-TVの記者のこの映像は2021年まで失われていた。[ 286 ]サンディエゴ・ユニオン紙の報道によると、グループはアルバム『Our Freaky Friends』の撮影で動物園を訪れ、動物園の職員は当初タイトルに反対したが、動物がティーンエイジャーに人気だと聞かされて折れた。ビーチ・ボーイズは、数か月前に『Animal Tracks』というタイトルのアルバムをリリースしたロックバンドのアニマルズよりも先に、このトレンドに乗ろうとしていた。[ 287 ]動物園は動物の扱いが悪いとしてグループを追放したが、後にこの追放は解除された。[ 286 ]
ラブは、アルバムに収録されている動物園の写真や動物の鳴き声に触発され、スタジオの廊下でタイトルを提案したことを思い出した。[ 224 ]カールは1996年に、タイトルはブライアンがお気に入りの「ペット」の鳴き声をまとめるというコンセプトから生まれたことを回想している。「アルバムの名前を考えるのは難しかった。だって、Shut Down Vol. 3 なんて名前は絶対につけられないからね。」[ 102 ] [注26 ]ブライアンは1970年代に伝記作家のバイロン・プライスに、アルバムの名前は「犬」にちなんで名付けられたと語り、[ 291 ]後に、名前はイニシャルが共通している（PS）フィル・スペクターへのオマージュだと示唆した。[ 75 ]彼の1991年の回顧録では、タイトルはラブが「こんなクソみたいなものを誰が聴くんだ？」と冷たく尋ねたことから着想を得たと主張している。犬の耳だって？[ 292 ]ラブはこれを否定した。[ 293 ]アッシャーは、ウィルソンに相談された際にそのタイトルに反対したことを思い出し、「我々が成し遂げたことを矮小化している」と感じたという。[ 294 ]
3月7日、ウィルソンの初のソロレコードであるシングル「Caroline No」（B面はアルバム『 Summer Days』収録の「 Summer Means New Love」）がリリースされ[ 295 ] 、 7週間チャートインし、32位を記録した[ 295 ] 。これにより、彼がビーチ・ボーイズを脱退するのではないかという憶測が広がった[ 296 ]。 3月21日にリリースされたビーチ・ボーイズの「Sloop John B」（B面はアルバム『Summer Days 』収録の「 You're So Good to Me」）は3位に達した[ 177 ]。
『ペット・サウンズ』完成後、ウィルソンは妻に聴かせたところ、妻は後にその体験を深く感動的でスピリチュアルなものだったと語り、二人とも泣いたことを回想した。ウィルソンはその複雑さがリスナーを遠ざけるのではないかと心配していた。[ 201 ]キャピトルのスタッフは、その型破りなスタイルに困惑した。プロデューサーのニック・ヴェネットは、ウィルソンが「しくじっている」と考え、業界の注目を集め、父親を敵に回そうとしていると主張した。[ 297 ]キャピトルのA&Rディレクター、カール・エンゲマンはウィルソンを支持し、アルバムがビーチ・ボーイズの初期のヒット曲から逸脱していることを認識しつつも、ウィルソンの熱意に心を動かされた。マーケティング担当者は失望を表明したと伝えられている。[ 297 ] [注27 ]幹部たちはアルバムを拒否するかどうか議論したが、ウィルソンが懸念事項に対処するために録音済みの回答をテープレコーダーで録音した会議を含む数回の会議の後、承認した。[ 298 ]
『ペット・サウンズ』は5月16日に発売され、ビルボードチャートで106位に初登場し[ 299 ]、当初20万枚を売り上げた[ 300 ] 。アメリカでは7月2日に10位でピークを迎え、10ヶ月間チャートに留まったが、バンドの以前のアルバムに比べると控えめな成績だった[ 301 ] 。総売上は50万枚と推定されたが[ 276 ] 、 RIAAは発売直後にゴールド認定を与えなかった。これは1963年以来、発売時にゴールド認定を受けなかった最初のビーチ・ボーイズのアルバムとなった[ 300 ] 。
キャピトルの広告キャンペーンには、アルバムの新しい方向性を認めずにグループのイメージを維持するビルボード広告やラジオスポットが含まれていた。ラジオスポットでは、バンドによるコメディスキットが使用されていたが、音楽の抜粋は省略され、名前の認知度のみに頼っていた。 [ 302 ]ジョンストンとカールは後に、過去のリリースに比べてプロモーションが不十分だったとしてキャピトルを批判した。[ 102 ] [ 303 ]カールは、レーベルが既存のラジオ放送に頼っていたと示唆した。[ 102 ]キャピトルは、若い女性というコアな顧客層ではなく、より年齢の高い一般層をターゲットにしたこのアルバムを商業的にリスクが高いと見ていた可能性がある。[ 304 ]ジャーナリストのピーター・ドゲットは、意図的な妨害行為の主張を「ポップ神話」と呼び、ペット・サウンズはビーチ・ボーイズの以前のリリースと同じくらい大々的に宣伝されたと述べた。 [ 305 ]
アルバム発売から2か月後、キャピトルはコンピレーション・アルバム『ベスト・オブ・ザ・ビーチ・ボーイズ』をリリースし、RIAAゴールド認定を急速に獲得した[ 306 ]が、 『ペット・サウンズ』の商業的成功をさらに阻害した[ 297 ]。エンゲマンによれば、レーベルのマーケティングチームは『ペット・サウンズ』の商業的可能性に疑問を抱き、四半期ごとの売上を強化しようとした[ 307 ]。当時の報道によると、注文した店舗の中には『ペット・サウンズ』の代わりにコンピレーション・アルバムを受け取ったところもあったという[ 308 ] 。 7月18日にはシングル「Wouldn't It Be Nice」（B面は「God Only Knows」）がリリースされ、最高8位を記録した[ 309 ]。ビルボードは後にこのアルバムを「1966年のトップ・ポップ・アルバム」チャートで43位にランク付けした[ 310 ] 。
2000年、RIAAは検証可能な販売データに基づいて『ペット・サウンズ』をゴールドおよびプラチナ認定したが、キャピトルは総販売枚数が200万枚を超えたと推定していた。 [ 311 ] [ nb 28 ]認定には出荷記録の文書化が必要だったが、キャピトルは1966年から1985年までの書類が紛失または散逸していたため、提供に苦労した。[ 311 ] [ nb 29 ] 2026年、RIAAはこのアルバムをダブルプラチナ認定した。
個人的には、この1年でグループはさらに800%進化したと思っています。より意識的で芸術的な、洗練された作品を作るようになりました。すべてが爆発的に変化したんです。[...] まさに黄金時代を迎えているような気分です。
カールは、ビーチ・ボーイズは業界のトレンドの変化を認識していたものの、キャピトルはグループに対する固定観念を維持しており、それが彼らの望むイメージと矛盾していたと述べた。[ 102 ] 3月、バンドはマネジメント会社を変更した後、ニック・グリロをマネージャーとして雇い[ 312 ] 、ビートルズの元広報担当官であるデレク・テイラーを広報担当として採用した。[ 313 ]テイラーの評判は、バンドの進化するイメージと活動に対する信頼できる外部の視点を提供するのに役立った。[ 314 ]ブライアンが自分の才能に対する世間の認識について不満を述べた後、[ 315 ]テイラーはグループのブランドイメージを刷新し、正当性を確立するために彼を「天才」として擁護した。 [ 316 ]
イギリスでは、バンドは1966年3月に「Barbara Ann」と「 Beach Boys Party! 」がレコード・リテーラー誌のチャートで2位に達するまで、商業的な成功は限られていた。[ 177 ] 4月には2枚のシングルがリリースされ、「Sloop John B」は2位にランクインしたが、「Caroline, No」はチャートインしなかった。[ 317 ]イギリスでの人気上昇に乗じて、グループは「 Top of the Pops」のために2本のミュージックビデオを撮影した。1本は「Sloop John B」、もう1本は「God Only Knows」で、テイラーが監督を務めた。[ 318 ] [注30 ]「Wouldn't It Be Nice」と「Here Today」からの抜粋を取り入れる予定だったが、BBCは「God Only Knows」のビデオを少し編集して再生時間を短縮した。「Sloop John B」のビデオは4月28日に初公開された。[ 318 ]
バンドのイギリスの配給会社EMIは当初、イギリスで『ペット・サウンズ』をリリースする予定はなかったが、後にバンドのイギリスツアーに合わせて11月にリリースすることを決定した。 [ 319 ] 5月16日から21日まで、ジョンストンとテイラーはアルバムのプロモーションのためロンドンのウォルドーフ・ホテルに滞在した。 [ 300 ]ロンドンを拠点とするプロデューサー、キム・フォウリーのコネクションにより、ビートルズのジョン・レノンとポール・マッカートニー、ザ・フーのドラマー、キース・ムーンなどのゲストが、彼らのスイートルームでアルバムの再生を何度も聴いた。[ 320 ]フォウリーはこの出来事をビートルズが1964年にラガーディア空港に到着した時の出来事になぞらえ、ジョンストンを「テニスシューズを履いたイエス・キリスト」、アルバムを「十戒」と表現した。[ 321 ]ムーンはジョンストンのイギリスのテレビ出演を後押しし、レノンとマッカートニーに彼を紹介した。[ 303 ]
EMIは、人気が高かったため、6月27日にイギリスで『ペット・サウンズ』を急遽リリースした[ 322 ] 。同アルバムは『サウンド・オブ・ミュージック』のサウンドトラック・アルバムに次ぐ2位にランクインし[ 323 ]、 6ヶ月間トップ10に留まった[ 324 ] 。テイラーは、ビートルズや他のイギリスの音楽業界関係者との繋がりから、この成功に大きく貢献したとされている[ 325 ] 。イギリスの音楽誌は、『ペット・サウンズ』を「史上最も革新的なポップ・アルバム！」と称する広告を掲載した[ 119 ] [ 326 ]。一方、ローリング・ストーンズのマネージャーであり、ビーチ・ボーイズのイギリスの出版者でもあるアンドリュー・ルーグ・オールダム[ 327 ]は、『メロディ・メーカー』誌に全面広告を掲載し、「史上最高のアルバム」と宣言した[ 328 ]。3枚目のイギリス・シングル「ゴッド・オンリー・ノウズ」（B面は「ウッドント・イット・ビー・ナイス」）は7月22日にリリースされ、2位にランクインした[ 309 ] 。
『Pet Sounds』は1966年のイギリスで最も売れたアルバム5枚のうちの1枚となった。[ 322 ]ビーチ・ボーイズのシングルの成功に乗じて、EMIは『Party!』、『Today!』、『Summer Days』など、ビーチ・ボーイズの既存のアルバムを複数イギリス市場で発売した。 [ 329 ]『Best of the Beach Boys』は年末まで5週間2位を維持した。[ 330 ] 1966年の最終四半期までに、ビーチ・ボーイズはビートルズなどのイギリスのアーティストを抜き、イギリスで最も売れたアルバム・アーティストとなった。[ 331 ]
アメリカでは、ペット・サウンズの初期のレビューは否定的から慎重な好意まで様々だった。[ 276 ]ビルボード誌は、遅れて掲載したレビューで、このアルバムを「刺激的でよくプロデュースされたLP」であり、「2つの素晴らしいインストゥルメンタル曲」が含まれていると評し、「Wouldn't It Be Nice」を特に取り上げた。[ 299 ] [ 300 ]アメリカの批評家はアルバムを散発的に称賛したが、一部のファンは「奇妙な」ビーチ・ボーイズの新作を避けるようにと噂を広めた。[ 332 ]
一方、イギリスの音楽ジャーナリストは、プロモーション活動のおかげもあり、圧倒的に好意的な反応を示した。 [ 333 ] [ 334 ]ローリング・ストーン誌の創設者ジャン・ウェナーは、多くのイギリスのファンがビーチ・ボーイズをビートルズを超えたと見ていたことを回想している。[ 335 ]ディスク・アンド・ミュージック・エコー誌の評論家ペニー・バレンタインは、このアルバムを「ブライアン・ウィルソンの天才による13曲」と称賛し、「失われた愛、見つけた愛、そしてあらゆる愛についての、物悲しくも少し切ない歌」と評した。[ 336 ]レコード・ミラー誌のノーマン・ジョプリングは、このLPは広く賞賛され、批判はなかったと報告し、アルバムに対する唯一の不満は「ひどく複雑でごちゃごちゃしている」アレンジであると書き、[ 337 ]既存のファンに主にアピールするだろうと推測した。[ 338 ] Disc and Music Echo 誌の対照的なレビューでは、このアルバムは「何千人もの新しいファン」を引き付けるだろうと主張し、このアルバムがグループの以前の不均一な作品を向上させたと断言した。[ 322 ]
メロディ・メーカー誌はミュージシャンたちに『ペット・サウンズ』が革命的か「ピーナッツバターのように甘ったるい」かを尋ね、このアルバムがアーティストや業界関係者に大きな影響を与えたと結論付けた。[ 322 ]スペンサー・デイヴィス・グループのスペンサー・デイヴィスは、このアルバムを何度も聴いてビーチ・ボーイズのファンになったと述べ、ウィルソンを偉大なプロデューサーと呼んだ。[ 322 ]当時クリームに所属していたエリック・クラプトンは、バンドはこのアルバムが大好きで、ウィルソンを「ポップの天才」と評した。[ 322 ] 9人の回答者のうち、キース・ムーン、マンフレッド・マンのマイク・ダボ、ウォーカー・ブラザーズのスコット・ウォーカーの3人は、革命的であるという意見に反対した。ダボとウォーカーはビーチ・ボーイズの初期の作品を好んでおり、ジャーナリストでテレビ司会者のバリー・ファントーニも同様で、『トゥデイ！』を高く評価し、 『ペット・サウンズ』は「おそらく革命的だが、革命的なものが必ずしも良いとは限らない」と述べた。 [ 340 ]ムーンのバンドメイトであるピート・タウンゼントは、このアルバムが「女性」の聴衆向けに作られていると批判したが、[ 322 ]後に「God Only Knows」を称賛した。[ 341 ]
ローリング・ストーンズのミック・ジャガーは、アルバムの楽曲構成を嫌っていたものの、レコードとそのハーモニーは気に入っていた。一方、ジョン・レノンはウィルソンの作品を称賛した。[ 342 ] 1966年末、メロディ・メーカー誌は『ペット・サウンズ』とビートルズの『リボルバー』を「年間最優秀ポップ・アルバム」に共同受賞させた。審査員は意見が分かれていたが、最終的に2枚を選出することで合意した。[ 343 ]
ウィルソンは後に、ペット・サウンズはイギリスでは好評だったものの、アメリカでの不振は自分の芸術性に対する世間の拒絶だと考えていたと述べた。[ 54 ]彼の妻は、その冷淡な反応が「ブライアンを打ちのめし」、音楽への信頼を失わせたと回想している。[ 201 ]兄の落胆を振り返り、カールはアルバム制作を「教会に行くようなもの」と表現し、ブライアンが1966年後半のバンドのイギリスツアー中にイギリスでの成功を体験できなかったことを嘆いた。[ 102 ] [注31 ]
1966年の残りの期間、ウィルソンは作詞家のヴァン・ダイク・パークスとスマイルの制作に取り組んだが、これは未完成のアルバムで、ウィルソン自身は「神への十代の交響曲」と表現し、ペット・サウンズを超えることを意図していた。[ 346 ] [注32 ]彼の精神状態が悪化するにつれ、ビーチ・ボーイズへの参加は減り、グループはその後、野心的ではなく批評家の注目もほとんど得られないアルバムをリリースすることになった。[ 348 ]ウィルソンは1976年に、バンドの1968年のリリースであるフレンズをペット・サウンズに続く2枚目の「ソロ・アルバム」として挙げた。[ 349 ]これは商業的に失敗に終わり、モジョ誌の寄稿者によると、グループのファンは「彼が真の後継者を生み出すという希望を捨てた」という。[ 350 ]
ウィルソンはその後数年間、何度かプロとしてのカムバックを試み、その中には1977年のアルバム『The Beach Boys Love You』 [ 10 ]も含まれており、これは彼がグループの主要ソングライター兼ボーカリストとして短期間復帰した作品である[ 351 ] 。彼はこのアルバムを『 Pet Sounds』の精神的な後継作とみなし、自伝的な歌詞[ 352 ]と創作上の満足感[ 353 ]を挙げている。 1988年には、ソロデビューアルバム『Brian Wilson』をリリースし、 『Pet Sounds』の感性を再び追求しようとした。共同プロデューサーのラス・ティテルマンはこれを「Pet Sounds '88」として宣伝した[ 354 ]。このアルバムには「Caroline, No」のテーマ的な続編である「Baby Let Your Hair Grow Long」が収録されている[ 355 ] 。
ビーチ・ボーイズは、1996年のアルバム『スターズ・アンド・ストライプス Vol. 1』のために、ティモシー・B・シュミットと共に「キャロライン・ノー」を再録音し、新たな多声部のボーカルアレンジを加えた。[ 356 ]アルバムのリリース後、伝記作家のマーク・ディロンが「ペット・サウンズ Vol. 2」と名付けたプロジェクトの暫定的な計画が浮上し、バンドはハイ・ラマズのショーン・オヘイガンとコラボレーションする予定だった。[ 357 ]レコード会社からの関心があったにもかかわらず、このプロジェクトは実現しなかった。[ 358 ] 1990年代後半、ウィルソンとアッシャーはソングライティングのパートナーシップを再開し、少なくとも4曲を作曲したが、「ディス・イズント・ラブ」と「エヴリシング・アイ・ニード」のみがリリースされた。[ 359 ]
評論家はしばしば『ペット・サウンズ』を最も偉大で影響力のあるアルバムの1つとみなしており、[ 1 ]その野心、革新的なスタジオ制作技術、高い作曲水準を認めている。[ 361 ]このアルバムは、ポピュラー音楽では前例のないレベルの細部へのこだわりによって、ウィルソンの先駆的なスタジオ職人技の評判を確固たるものにした。[ 40 ]彼はアルバムの制作のあらゆる段階をコントロールしながら、作曲、編曲、プロデュースを行った。グラナタはこのアプローチがレコードプロデューサーの役割を再定義したと評価している。以前は多くのアーティストが自身のプロデューサーを務めていたが、ウィルソンはアルバム制作のあらゆる側面を監督した最初の主要なポップアーティストとなった。[ 362 ]著者のヴァージル・ムーアフィールドによれば、ウィルソンはレコーディングスタジオの可能性を最大限に引き出し、効果的に「ミキシングボードで作曲」することで、リーバーとストーラーの先例の上に築き上げた。ソングライター兼プロデューサーとして、彼はサウンド制作のあらゆる細部に関わり、音符、アーティキュレーション、音色について即興で決定を下し、作曲家、編曲家、プロデューサーの役割を融合させた。このモデルは後に業界全体で採用された。[ 363 ]
当初の商業的成功は限られていたものの、その影響は即座に広範囲に及び、[ 144 ] [ 83 ] [ 364 ] [ 88 ]後にロック、ポップ、ヒップホップ、ジャズ、エレクトロニック、エクスペリメンタル、パンクのアーティストに影響を与えた。[ 365 ] 当時ワーナー・ブラザーズ・レコードのスタッフ・プロデューサーだったレニー・ワロンカーは、ペット・サウンズが西海岸のアーティストのスタジオ・アートのレベルを高めたと述べている。[ 366 ]イギリスでは、ポップの新たなレベルの創造的野心を示し[ 188 ]、多くのグループが実験的な録音技術の探求をさらに進めた。[ 367 ] [ nb 33 ]「ゴッド・オンリー・ノウズ」は、これまで書かれた最高の曲の1つとして頻繁に称賛されている。[ 368 ]歴史家のジョン・ロバート・グリーンは、2010年の著書『アメリカ・イン・ザ・シックスティーズ』で、この曲がポピュラーなラブソングを再定義したと評価している。[ 369 ]
このアルバムの制作手法は、2010年代まで現代音楽制作において一般的であり続けた。[ 370 ]作曲家のフィリップ・グラスは、このアルバムの遺産をビートルズやピンク・フロイドの録音と比較し、アルバムの「構造的革新」、アレンジにおけるクラシック要素の取り入れ、そして斬新な「制作コンセプト」が、後から考えると、この時代の決定的な作品としての地位を明確にしていると感じた。[ 371 ]アトランティック誌の寄稿者ジェイソン・グリエルは、このアルバムがポピュラー音楽における最初の本格的な作家主義の探求を象徴するものだと論じた。[ 10 ]
音楽学者のジョン・コヴァックによれば、 『ペット・サウンズ』はロックというジャンルにおいて、制作と音楽的洗練の新たな基準を確立した。[ 364 ]グリーンは、 『ペット・サウンズ』を1965年以降のロック音楽のトレンドに大きく貢献した作品の一つとして位置づけた。 [ 369 ] [注34 ]後年の史上最高のアルバムについての議論では、『ペット・サウンズ』は、同年後半にリリースされたビートルズの『リボルバー』やボブ・ディランの『ブロンド・オン・ブロンド』と並んで頻繁に挙げられる。 [ 375 ] [注35 ]批評家の中では、ジェフリー・ハイムズが、ウィルソンの革新的なハーモニーと音色は、ディランがロックの歌詞に皮肉を取り入れたことと同じくらい影響力があると主張した。[ 48 ]チャーリー・ギレットは、このアルバムの「ナイーブな無邪気さ」が、ディラン、ビートルズ、ローリング・ストーンズといった懐疑的な同時代の作品とは異なっていると感じていたが、 [ 367 ]ジョン・サヴェージは、ペット・サウンズがローリング・ストーンズの「クールなモッズ」と、その個人的な脆弱性を対比させていると見ていた。[ 329 ]ヴェルヴェット・アンダーグラウンドの共同創設者であるジョン・ケイルは、ペット・サウンズを「大人でありながら子供っぽい」と評した。 [ 376 ]
ウィルソンが『ペット・サウンズ』でほぼすべての楽器にダブリングを先駆的に使用したことは、ロック音楽での最初の使用例となった。[ 148 ]「I Just Wasn't Made for These Times」は、ポピュラー音楽で初めてエレクトロ・テルミンを取り入れた曲であり、テルミンに似た音色をフィーチャーした最初のロック曲である。[ 377 ]このアルバムはシンセサイザー採用の先駆けとしても挙げられており、音楽ライターのジェフ・ノードステットは、電子ツールを使用せずに実現したウィルソンの重層的な楽器の組み合わせが、シンセサイザーが有機的な音色を新しい音色に統合する能力を予見し、「その方向への推進力となった」と主張している。[ 378 ]『ペット・サウンズ』は、ロックグループがアルバム全体で従来の小編成アンサンブル形式を放棄した最初の例となった。音楽ジャーナリストのティム・ソマーは、他のアーティストが個々の曲でこの形式から逸脱することがあったものの、ビーチ・ボーイズの作品は、典型的な4人または5人編成の増幅グループでは再現できないフルアルバムを制作した点で前例のないものだったと指摘している。[ 379 ]
『ペット・サウンズ』は『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』に大きな影響を与えた。ポール・マッカートニーや他の数人と話した時、彼らは「君たちの曲をパクってごめん」と言っていたのを覚えている。
ロック史家は、ペット・サウンズをビートルズの1967年のサージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンドとよく関連付けている。[ 381 ]ポール・マッカートニーは、ペット・サウンズをお気に入りのアルバムとしてよく挙げており[ 83 ]、「ゴッド・オンリー・ノウズ」を「これまで書かれた中で最高の曲」と評している。[ 382 ] [ 383 ]彼は1990年に「あのアルバムを聴くまでは誰も音楽的に教育されたとは言えない」と宣言し[ 383 ] [ 384 ]、ますますメロディックになったベース演奏スタイル、サージェント・ペパー、そして作曲した「ヒア、ゼア・アンド・エヴリウェア」に影響を与えたと述べている。[ 385 ] [ 381 ] [注36 ]プロデューサーのジョージ・マーティンは、ウィルソンがビートルズに挑戦したと述べ[ 388 ] 、 「ペット・サウンズがなければサージェント・ペパーは実現しなかっただろう」と付け加えた。[ 389 ] [ nb 37 ]ビーチ・ボーイズとビートルズのライバル関係は、両グループがロックのスタイルと作曲の範囲の限界を押し広げ、後のアーティストに影響を与えたため、サイケデリック音楽の発展に大きく貢献した。[ 393 ] [ nb 38 ] 学者フィリップ・アウスランダーは、サイケデリック音楽は通常ビーチ・ボーイズとは関連付けられないが、アルバムの実験的な性質がサイケデリック・アーティストがより広く認知される機会を生み出す上で重要な役割を果たしたと主張している。[ 395 ] [ nb 39 ]
『ペット・サウンズ』は、ロサンゼルスのオーケストラ・ポップ・シーンの多くのアーティストやプロデューサーに影響を与えた。音楽ライターのノエル・マレーによれば、ビーチ・ボーイズの音楽は、後に続くサンシャイン・ポップ・ムーブメント（元々は「ソフト・ポップ」[ 400 ]または「ソフト・ロック」[ 399 ]に分類された音楽に対する回顧的なラベル）とは異なっていたが、このレコードのオーケストレーションの手法はプロデューサーによって広く模倣された[ 401 ] 。音楽史家のボブ・スタンレーは、 『ペット・サウンズ』と『サージェント・ペパーズ』をソフト・ロックの基礎と位置づけ、楽器の使用、ファウンド・サウンド、伝統的なロックのダイナミクスの回避を挙げている。ハーパーズ・ビザール、アソシエーション、ママス＆パパスなどのグループがこのアプローチを拡張し、彼らのスタイルは、後に「サンシャイン・ポップ」と呼ばれる音楽のフィフス・ディメンションやフリー・デザインなどの後続グループに影響を与えた。[ 399 ]これらのグループのいくつかに楽曲を提供したジミー・ウェッブは、ペット・サウンズをベンチマーク作品として挙げ、「インスピレーションと我々の成長という点で、その重要性をいくら強調しても強調しすぎることはない」と述べている。[ 402 ]アソシエーションのプロデューサー、カート・ベッチャーは、元ビーチ・ボーイズの作詞家ゲイリー・アッシャーと協力し、ペット・サウンズの美学をサジタリウスの1968年のリリース作品「Present Tense」に適用した。[ 403 ] [ nb 40 ]
「Wouldn't It Be Nice」に代表される、明るい音楽と根底にある憂鬱や憧れのムードの並置は、パワーポップジャンルの核心要素となった。[ 404 ]シカゴ・リーダーのノア・ベルラツキーは、ビーチ・ボーイズがドリフターズのポップなハーモニーと「憂鬱」とチー・ライツの「サイケデリック」な実験の間のギャップを埋めるのに役立ち、スムーズソウルの発展に影響を与えたと主張した。[ 107 ]このアルバムの影響は、後に「ヨットロック」と呼ばれる1970年代半ばのサブジャンルにも及び、ジャズの影響を受けたアレンジ、内省的な歌詞、非政治的なテーマを特徴とするソフトロックに遡及的に適用された。特に、「Sloop John B」は、このジャンルに時折見られる航海をテーマにした曲の先駆けとしてよく挙げられる。[ 405 ]
『ペット・サウンズ』は、アルバムをロック音楽の主要なフォーマットとして確立するのに貢献した。[ 406 ] [ 407 ] [ nb 41 ]『ラバー・ソウル』は、シングルの寄せ集めではなく、まとまりのあるアルバムというアイデアを最近普及させたが、ライブアンサンブルのサウンドに忠実であり続けた。ウィルソンは、伝統的なロックの楽器編成を完全に超越した音楽を作ることで、「アルバム中心」のアプローチを拡大した。[ 379 ] [ nb 42 ]それは、プロデューサーのトニー・クラークがムーディー・ブルースの『デイズ・オブ・フューチャー・パスト』（1967年）でオーケストラ・ロックを融合させたことに影響を与えた。[ 410 ] 1968年までに、ロサンゼルス・タイムズは、ウィルソンが『ペット・サウンズ』以降、 「アート・ロック」の主要人物になったと報じた。[ 411 ] [ nb 43 ]
このアルバムは、プログレッシブ・ロックに先行するジャンルであるプログレッシブ・ポップの出現に貢献した。[ 116 ] [ 417 ]ジャーナリストのトロイ・スミスは後に「Wouldn't It Be Nice」を「プログレッシブ・ポップの最初の味」と呼び、その後クイーンやスーパートランプなどのバンドによって発展させられたと述べている。[ 418 ] Tidalに寄稿したライアン・リードは、このアルバムにロック以外の楽器が取り入れられていること、複雑な転調やボーカル・ハーモニーがプログレッシブ・ポップのジャンルに不可欠であると指摘した。[ 116 ] プログレッシブ・ロックに関する著書があるビル・マーティンは、このアルバムを、ダンス志向の音楽から、ハーモニー、楽器編成、スタジオ技術の革新によって特徴づけられる、より複雑なリスニング体験へと進化するロックの転換点と表現した。[ 419 ]コヴァックは、ペット・サウンズとその後のビーチ・ボーイズやビートルズのレコーディングがロックを真剣な芸術形式として正当化し、レコード会社が他のアーティストによるより実験的なアプローチを可能にするようになったと述べている。[ 393 ]
1970年代初頭までに、ロックレコードの消費者の間では、コラボレーションよりも自己完結型のアーティストを好む傾向が強まり、オーケストレーションは年配の世代と結びつけられるようになった。[ 420 ] [注44 ] 1970年代半ばまでに、メロディー重視のソングライターがプログレッシブ・ロックのジャンルを主流のラジオ向けにアレンジした。[ 116 ]ミュージシャンでジャーナリストのアンディ・ギルは、ペット・サウンズが最終的にロックバンドに「賢く」なり、オーケストレーションや拍子記号を実験するよう促したと示唆した。 [ 421 ]
1990年代までに、ペット・サウンズはインディー・ポップに大きな影響を与えるようになり、[ 414 ]ウィルソンは、そのメロディーセンス、スタジオでの実験、室内楽のオーケストレーションに影響を受けたインディー・ミュージシャンの「ゴッドファーザー」と呼ばれた。[ 422 ]また、「チェンバー・ポップ」も、このアルバムの音楽的テンプレートに基づいて生まれたジャンルとして登場した。[ 423 ] [注45 ]
1990年代半ば、カーディナル、ハイ・ラマズ、ヤムヤム、エレファント6コレクティブのメンバーなどのアンダーグラウンドアーティストが、このアルバムのアレンジからインスピレーションを得て、「オークポップ」と呼ばれるムーブメントを巻き起こした。[ 425 ]デロガティスがこれらのミュージシャンの中で「最もペット・サウンズに夢中」と評したハイ・ラマズのショーン・オヘイガンは、 [ 426 ]そのオーケストラ的なアプローチを取り入れた。[ 366 ]アップルズ・イン・ステレオのロバート・シュナイダーとフォン・ヘムリングのジム・マッキンタイアはペット・サウンズ・スタジオを設立し、ニュートラル・ミルク・ホテル[ 427 ]やオリビア・トレモア・コントロールによるエレファント6の数々のプロジェクトの会場となった。[ 428 ] [ 427 ]このアルバムはエモ音楽の先駆けとして挙げられており、ライターのショーン・キュアトンはウィーザーの『ピンカートン』（1996年）とデス・キャブ・フォー・キューティーの『トランスアトランティシズム』（2003年）の内省的なテーマに類似点を見出している。[ 429 ] [ nb 46 ]
レディオヘッドの1997年のアルバム『OK Computer』は、トム・ヨークによれば、『 Pet Sounds』と同様の、当初は「衝撃的」な性質を喚起することを意図していた。[ 432 ]数か月後にリリースされたコーネリアスの『Fantasma』は、オヘイガンとエレファント6のメンバーとコラボレーションし、『Pet Sounds』に明確に敬意を表した。[ 433 ] 1998年、レスターは、より広い「エレクトロニック・ポップ」のカテゴリーの一部としてウィルソンのソングライティングを取り入れた「今日の最も興味深いアーティスト」の中に、ハイ・ラマズ、サン・エティエンヌ、ステレオラブ、エール、キッド・ロコ、ルイス・テイラーを挙げた。 [ 434 ]日本でリリースされた『Smiling Pets』は、 『Pet Sounds』に捧げられた初期のトリビュート・アルバムの1つで、シーガル・スクリーミング・キス・ハー・キス・ハーやメルト・バナナが参加している。[ 435 ] [ nb 47 ]ジム・フシリによる2005年のアルバムに関する著書は、小説家の村上春樹によって日本語に翻訳された。[ 435 ] 2007年、プロデューサーのブリオンは、 J・ディラによるアルバムのマッシュアップ『Pet Sounds: In the Key of Dee』を制作した。[ 437 ] [ nb 48 ] 2014年のブライアン・ウィルソンの伝記映画『Love & Mercy』には、アルバム制作の描写がかなり含まれていた。[ 439 ]
アルバムの50周年を記念して、26人のアーティストがPitchforkの回顧記事に寄稿し、その永続的な影響力について語った。その中には、トーキング・ヘッズ、ヨー・ラ・テンゴ、チェアリフト、デフトーンズのメンバーなどが含まれている。[ 365 ] PopMattersの寄稿者ダニーロ・カストロは、このアルバムが「現代音楽の風景をそのイメージで再構築した」ことを認め、その影響はデヴィッド・ボウイ、ブルース・スプリングスティーン、フレーミング・リップス、カニエ・ウェスト、フリート・フォクシーズ、フランク・オーシャンにまで及んでいると述べた。[ 440 ] [ nb 49 ]
1990年代後半、カール・ウィルソンは、ビーチ・ボーイズが『ペット・サウンズ』全曲を10公演で演奏するというオファーを拒否した。その理由として、ステージ上でアルバムのアレンジを再現することの難しさと、ブライアンの声域が狭まっていることを挙げた。[ 442 ]ブライアンは最終的に、2000年にソロアーティストとして、各会場で異なるオーケストラと共にアルバムをライブ演奏し、2002年のツアーでは3回オーケストラなしで演奏し[ 443 ]、批評家から好評を得た。[ 444 ]ウィルソンの2002年のコンサートツアーの録音は、『 Brian Wilson Presents Pet Sounds Live』としてリリースされた。[ 445 ]
2013年、ウィルソンは予告なしに2回のショーで『ペット・サウンズ』を演奏し、ジャルディンやビーチ・ボーイズのオリジナル・ギタリスト、デヴィッド・マークスも参加した。[ 446 ] 2016年から2020年にかけて、ウィルソンは『ペット・サウンズ』をオーストラリア、日本、ヨーロッパ、カナダ、アメリカでツアーし、アルバムの最後の演奏と予定していた。[ 447 ] 2016年にローリング・ストーン誌のドリアン・リンスキーは、ウィルソンの『ペット・サウンズ』の演奏が、他のアーティストが「名盤」を全曲演奏する先例を確立したと評価した。[ 448 ]
ブライアン・ウィルソンは、正当な評価を一度も受けたことのない天才であり、おそらく今後も受けないだろう。その主な理由は、実に単純明快だ。 世界ナンバーワンの人気レコードとしての地位を確立しつつあった矢先、はるかにファッショナブルなビートルズが『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』をリリースし、『ペット・サウンズ』はあっという間に忘れ去られてしまったのだ。
『ペット・サウンズ』に対する当初の称賛は、ビートルズのその後のリリースによってすぐにそらされた。[ 335 ] [ 449 ] [注50 ] 1967年のグラミー賞にはノミネートされなかった。[ 301 ] [注51 ]ジェフリー・キャノンは、1967年後半にリスナー誌に寄稿したコラムで、ビーチ・ボーイズはアルバムの「幼稚で見せかけだけの」バラードと一貫性のない芸術的ビジョンのために「ビートルズより劣る」と書いたが、彼の批判はリスナー誌の編集者によって掲載されなかった。[ 450 ]メロディ・メーカー誌のジャーナリスト、リチャード・ウィリアムズは、1971年の再評価でこの意見に賛同し、ビートルズに比べてアルバムの評価が低かったのは、影響を受けた音楽の範囲が狭いと認識されたためだと述べている。[ 449 ]ジーン・スクラッティは1968年にジャズ＆ポップ誌に寄稿し、このアルバムが『ラバー・ソウル』に負っていることを認め、「ビーチ・ボーイズの音楽の枠内でのみ革命的」であると同時に「時代の最終的な声明であり、大きな変化が待ち受けていることの予言」でもあると評した。[ 451 ]
1960年代後半以降、『ペット・サウンズ』は批評家から再評価され、作家ジョニー・モーガンが特に影響力があったと指摘した1976年のNMEの記事がその代表例である。 [ 338 ]サーカスのベン・エドモンズは1971年に、このアルバムの「美しさ」は「ここ数年の激動」の中でも変わらず、多くの人がこれをビーチ・ボーイズの最高傑作であるだけでなく、現代ロックの発展におけるマイルストーンでもあると考えていると報告した。[ 452 ]スティーブン・デイヴィスは1972年のローリング・ストーン誌のレビューで、このアルバムはウィルソンのアーティストとしての頂点を表しており、その「鋭いラブソングのサイクル」の感情的な共鳴を「心を揺さぶる小説」に例えた。彼はこのアルバムが「ポピュラー音楽の流れ」を変え、「ついでに何人かの人生も変えた」と主張した。[ 453 ]メロディ・メーカー誌の評論家ジョシュ・インガムは1973年に、当初は「世間から無視されていた」ものの、『ペット・サウンズ』は多くの評論家がウィルソンを天才と評するきっかけとなり、「特に『サージェント・ペパーズ』よりも1年先を行っていた」と書いた。インガムは「もちろん、後から考えると、『ペット・サウンズ』は名盤となった」と結論付けた。[ 454 ]
1974年に廃盤になった後、『ペット・サウンズ』は長期間ディスカウントコーナーに置かれ、忘れ去られた時期を迎えた。[ 455 ]社会音楽学者のサイモン・フリスは1981年に、このアルバムは音楽界では依然として「奇妙なレコード」として広く認識されていると書いた。[ 413 ]デイヴ・マーシュは1979年の『ローリング・ストーン・レコード・ガイド』（1979年）のレビューで、5つ星中4つ星を与え、「力強いがムラのある」コレクションであり、最も実験的でない曲が最高であると評した。[ 456 ] 1985年までに、彼はこのアルバムが今や「クラシック」と見なされていると書き、ビートルズの同時代の作品とのリスナーとの隔絶感を対比させた。[ 457 ]グラナタは、1990年のCD再発時に、このアルバムは主に熱心なファンに受け入れられる「準カルトクラシック」のままであると書いた。[ 458 ]
ペット・サウンズはその後、史上最高のアルバムの一つとして広く評価され、その音楽的および制作上の革新性について徹底的に分析されてきた。[ 469 ] 1990年代までに、3つのイギリスの批評家による投票で、同アルバムはランキングの上位または上位にランクインした。[ 470 ] NME、タイムズ、アンカットなどの出版物はそれぞれ、同アルバムを史上最高のアルバムとしてランク付けしている。[ 471 ] [ 472 ] [ 473 ] 1994年、コリン・ラーキンの「史上最高のアルバム1000枚」は、一般大衆と幅広い批評家、ミュージシャン、業界関係者を対象に調査を行い、ペット・サウンズを3位にランク付けした。[ 474 ] 2000年に改訂された同書では、18位に再ランク付けされた。[ 475 ]
1998年、全米録音芸術科学アカデミーにより『ペット・サウンズ』がグラミー殿堂入りを果たした。[ 476 ]歴史家のマイケル・ロバーツは、1997年に拡張版再発盤『ザ・ペット・サウンズ・セッションズ』がリリースされたことで、このアルバムの正統的な地位が確固たるものになったと示唆した。[ 477 ]クロウダディの創設者ポール・ウィリアムズは1998年に、 『ペット・サウンズ』をジェイムズ・ジョイスの『ユリシーズ』、スタンリー・キューブリックの『 2001年宇宙の旅』、パブロ・ピカソの『ゲルニカ』に匹敵する20世紀の古典であると宣言した。[ 478 ]『ミュージックUSA：ラフガイド』（1999年）で、リッチー・アンターバーガーとサム・ヒックスはこのアルバムをビーチ・ボーイズの初期作品からの「飛躍的な進歩」とみなし、そのアレンジをロック史上「最もゴージャスな」アレンジの一つと評した。[ 479 ]
2004年、米国議会図書館は「文化的、歴史的、または美的に重要な作品」として、ペット・サウンズを国立録音登録簿に保存した。 [ 480 ] 2006年までに、国内外の100以上の出版物が、このアルバムを史上最高の録音の一つとして認めた。[ 481 ]ラリー・スターは、著書『American Popular Music: From Minstrelsy to MP3』（2006年）の中で、ペット・サウンズは「多様で珍しい楽器編成」、「卓越したボーカルアレンジ」、「高度なハーモニー」、「時折見られる形式的な実験」を通して、「あらゆる意味で最先端のポップミュージック」を体現していると述べている。[ 88 ]クリス・スミスの2009年の著書『101 Albums That Changed Popular Music』では、このアルバムを「ロックにおける最も革新的な録音の一つ」であり、ウィルソンを「才能あるバンドリーダーからスタジオの天才」へと変貌させた作品として特徴づけている。[ 144 ]ウィルソンとチャールズ・アイヴスに関する書籍を執筆した大学の音楽教授フィリップ・ランバート[ 482 ]は、このアルバムを「どんな音楽家にとっても、特に23歳のウィルソンにとっては並外れた業績」と評した。[ 483 ]
ルイス・サンチェスは、2014年に出版された『スマイル』に関する著書『33⅓』の中で、 『ペット・サウンズ』を「ロック音楽が必ずしもそうである必要はないという映画のスコア」と表現し、その「内省的な感傷主義」とウィルソンの「他に類を見ない」ビジョンを称賛した。 [ 484 ]音楽評論家のティム・ソマーは、このアルバムを「おそらく20～30倍」史上最高のアルバムとみなし、ジェスロ・タルの『シック・アズ・ア・ブリック』（1972年）、ピンク・フロイドの『狂気』 （1973年）、レディオヘッドの『OKコンピューター』といったよく引用される傑作の中で、 10代または青年期の視点から書かれた唯一のアルバムとして際立たせた。[ 379 ]
私の人生では、何度も『ペット・サウンズ』の話に戻ってきて、「この『ペット・サウンズ』って一体何なんだろう？本当にそんなに良いアルバムなの？」って思うんです。もちろん、時代を超えて愛され続けているアルバムですが、本当に聴く価値のある素晴らしいアルバムなのでしょうか？私には分かりません。
2000年、Pitchforkの創設者ライアン・シュライバーは、このアルバムの最新の再発盤を7.5/10と評価し、Pet Soundsは「音楽の流れを永久に変えるのに十分画期的だった」ものの、その「ストレートなポップミュージック」はThe Dark Side of the Moon、Loveless、OK Computerに比べると「時代遅れで陳腐」になっていると断言した。[ 486 ] 2006年の40周年記念版では、Pitchforkの寄稿者ドミニク・レオーネがこのアルバムに9.4を与え、その不朽の評価を肯定しつつも、ビーチ・ボーイズのPet Sounds以降のレコーディング作品を好むと表明した。レオーネは、このアルバムの「賛美歌」的な性質とテーマが感情的な力強さを保っていると称賛し、何世代にもわたるリスナーが「あなたがこのアルバムへの忠誠を表明しなければ、密かにあなたには魂がないと信じるだろう」と報告した後、「確かに、私がここで何を書こうとも、このアルバムのインパクトと『影響力』はほとんど影響を受けないだろう」と結論付けた。[ 110 ]
アルバムのジャケットデザインについて、ジャーディンは動物園の写真に失望を表明し、「もっと繊細で啓発的なもの」を望んでいたと述べた。[ 282 ]ジョンストンはそれを「レコード業界史上最悪のカバー」と呼び、[ 487 ]伝記作家のピーター・エイムズ・カーリンは裏ジャケットのデザインを表ジャケットよりも「さらに悪い」と評した。[ 276 ]ピーター・ドゲットは、その美学をビートルズ、ボブ・ディラン、ローリング・ストーンズといった同時代のアーティストによる1960年代半ばの洗練されたカバーアートと対比させ、「音楽とイメージが乖離したときに何が起こりうるかの警告だ。ロマンティックな歌と、ありきたりなアルバムカバー」と評した。[ 488 ]
2004年のエッセイで、ロバート・クリストガウは『ペット・サウンズ』を「良いレコードだが、トーテムだ」と評した。 [ 489 ] 2004年の著書『Kill Your Idols』に収録されたジェフ・ノードステットのエッセイでは、このアルバムの遺産を批判し、議論ではしばしばその音楽の実質的な分析よりもその影響力が優先されていると主張した。ノードステットは、このアルバムのヒット曲は「まとまりがなく」、残りのトラックは「まったく狂っている」と考え、1980年代のポピュラー音楽に見られる「過剰制作」を助長したとされる役割を批判し、「無害な美学」、「本能的な刺激の欠如」、コマーシャルのジングル作家との共同制作という出自を挙げ、その芸術的真正性に疑問を呈し、「ロックンロールについて私が大切にしている真実の概念すべてに反している」と述べた。 [ 490 ]コメディアンのフレッド・アーミセンは、テレビシリーズ「ポートランディア」 （2011～2018年）で、ペット・サウンズとビンテージのスタジオ機器に執着するレコーディング・エンジニアの観察に基づいたキャラクターを演じ、彼らを技術的な執着という点で1950年代の自動車愛好家になぞらえた。 [ 491 ] [ nb 52 ] Stereogumのライター、ライアン・リースは2016年に、ペット・サウンズは「おそらくリボルバーよりもさらに象徴的な存在になった」と報告した。[ 422 ] Slant Magazineは、 2003年の「50の必須の重要なポップ・アルバム」リストにこのアルバムを含めた。[ 493 ]
『ペット・サウンズ』は1966年の発売以来、リマスターされたモノラル版やリミックスされたステレオ版など、様々な再発盤がリリースされている。
注記
記録保管係のジョン・ブロード、ウィル・クレラー、ジョシリン・ホイジントン、クレイグ・スロウィンスキーによる。[ 504 ]
ザ・ビーチ・ボーイズ
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セッションミュージシャン（別名「レッキングクルー」）
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