グランジ

グランジ
アメリカのロックバンド、ニルヴァーナ（1992年撮影）は、このジャンルで最も商業的に成功したバンドであり、アメリカ国内だけで2,700万枚以上のアルバムを売り上げている。
文体の起源	オルタナティブロック[1] ノイズロック[2] パンクロック[3] ガレージロック インディーロック[4] 重金属[3] ハードロック[4]
文化的起源	1980年代半ば、ワシントン州シアトル
派生形	ポストグランジ
地域の情勢
ワシントン
その他のトピック
ジェネレーションX

グランジ（シアトルサウンドとも呼ばれる）は、1980年代半ばに米国ワシントン州、特にシアトルとその近郊の町で生まれたオルタナティブロックの ジャンルおよびサブカルチャーである。グランジはパンクロックとヘビーメタルの要素を融合している。^{[3]このジャンルは両方のジャンルで使用される}歪んだエレキギターの音を特徴としているが、バンドによってはどちらか一方に重点を置いて演奏しているものもあった。これらのジャンルと同様に、グランジでは通常、エレキギター、ベースギター、ドラム、ボーカルを使用する。グランジには、ソニックユースなどのインディーロックバンドの影響も取り入れられている。歌詞は一般的に不安に満ち、内省的であり、社会的疎外、自信喪失、虐待、無視、裏切り、社会的および感情的な孤立、依存症、心理的トラウマ、自由への欲求などのテーマを扱っていることが多い。^{[5] [6]}

初期のグランジ運動は、シアトルの独立系レコードレーベル、サブポップとその地域のアンダーグラウンドミュージックシーンを中心に展開された。サブポップのオーナーは、メディアに「グランジ」と表現するよう促し、このスタイルを巧みに宣伝した。このスタイルは、パンクとメタルのハイブリッドとして知られるようになった。^[7] 1990年代初頭までにその人気は広がり、グランジバンドはカリフォルニアで登場し、その後、米国の他の地域やオーストラリアでも出現し、強力な支持者を獲得し、大手レコード会社と契約した。グランジは、ニルヴァーナのネヴァーマインド、パールジャムのテン、サウンドガーデンのバッドモーターフィンガー、アリス・イン・チェインズのダート、ストーン・テンプル・パイロッツのコアなどのリリースにより、1990年代初頭から中期にかけて商業的に成功した。これらのバンドの成功により、オルタナティブロックの人気が高まり、グランジはロックミュージックの中で最も人気のある形式となった。^[8]

グランジの人気が衰えた要因はいくつかある。1990年代半ばから後半にかけて、多くのグランジバンドが解散するか、目立たなくなった。タイム誌に「スウィンギング・ノースウェストのジョン・レノン」と評されたニルヴァーナのカート・コバーンは、1994年に自殺するまでヘロイン中毒に苦しんでいた。ほとんどのグランジバンドは1990年代後半までに解散するか姿を消していたが、彼らの歌詞は社会問題をポップカルチャーに持ち込み^{[9] 、内省や}自分に正直であることの意味の探求を加えたため、現代のロック音楽に影響を与えた。^{[10]グランジは}ポストグランジなどの後のジャンルにも影響を与えた。

「グランジ」という言葉は、アメリカの俗語で「不快な人や物」、また「汚い」という意味である。[ ^{11] [12]}この言葉がシアトルのミュージシャンに使われた記録が初めてあるのは、1987年7月、ブルース・パヴィットがサブポップレコード会社のカタログでグリーン・リヴァーのEP 「 Dry as a Bone」を「ざらざらしたボーカル、轟音を立てるマーシャルアンプ、一世代のモラルを破壊した超ルーズなグランジ」と評したときだった。^[13]「グランジ」という言葉は1960年代からバンドを表現するのに使われてきたが、シアトルのグラインドした泥臭いサウンドとグランジが結び付けられたのはこれが初めてだった。^{[14] [15]}録音をきれいに仕上げるには費用も時間もかかるため、活動を始めたばかりの北西部のバンドにとっては、サウンドを汚したままにしてボリュームを上げる方が安上がりだった。^[14]低予算、レコーディングへの不慣れ、プロ意識の欠如によるこの汚いサウンドが、「グランジ」という言葉の由来かもしれない。^[16]

「シアトルシーン」とは、シアトルのワシントン大学とオリンピアのエバーグリーン州立大学に関係する太平洋岸北西部のオルタナティブミュージック運動を指す。エバーグリーンは進歩的な大学で、従来の成績評価システムを採用しておらず、独自のラジオ局KAOS を持っている。シアトルはロサンゼルスから遠く離れているため、音楽は純粋であると認識されている。シアトルの独立系レコードレーベル Sub Pop でレコーディングしたバンドが多かったこれらのバンドの音楽は、「グランジ」と呼ばれるようになった。^[17]ニルヴァーナのフロントマンであるカート・コバーンは、最後のインタビューの 1 つで、サブポップの共同設立者であるジョナサン・ポネマンが、この音楽を表現するために「グランジ」という用語を作り出したと述べている。^[18]

「シアトルサウンド」という言葉は音楽業界のマーケティング戦略となった。^[17] 1991年9月、ニルヴァーナのアルバム『ネヴァーマインド』がリリースされ、シアトルの音楽が主流の注目を集めた。コバーンは「グランジ」という言葉を嫌悪し^[3] 、発展しつつあった新しいシーンを軽蔑し、レコード会社がグランジを装いシアトル出身を主張する古い「コックロック」バンドと契約していると感じていた。 ^[19]

サウンドガーデン、パール・ジャム、アリス・イン・チェインズなど、このジャンルと関連のあるバンドの中には、この呼称を受け入れず、「ロックンロール」バンドと呼ばれることを好んでいるものもある。^{[20] [21] [22]サウンドガーデンの} ベン・シェパードは、「グランジという言葉が嫌いで、それに関連づけられるのも嫌だ」と述べた。^[23]シアトルのミュージシャン、ジェフ・ステットソンは、1980年代後半から1990年代前半にツアーミュージシャンとしてシアトルを訪れたとき、地元のミュージシャンは自分たちを「グランジ」演奏者とは呼ばず、自分たちのスタイルを「グランジ」とは呼ばず、自分たちの音楽が「グランジ」と呼ばれてもうれしく思わなかったと述べている。^[24]

ローリングストーン誌は、このジャンルに明確な定義がないことを指摘した。^[25]ロバート・ロスは「グランジ」を定義することの難しさを認めており、グランジに関する話を語ることはできるが、それらは有用な定義を提供するのに役立たないと述べた。^[26]ロイ・シュカーは、この用語が「さまざまなスタイルを不明瞭にした」と述べている。^{[17]ステットソンは、グランジはムーブメントでも「一枚岩の音楽ジャンル」でも、1980年代の}メタルポップへの反応方法でもなかったと述べ、この用語は主に誇大宣伝に基づいた誤った名称であると述べた。^[24]ステットソンは、グランジと見なされる有名なバンド（ニルヴァーナ、パール・ジャム、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズ、マッドハニー、ハマーボックス）はすべてサウンドが異なっていると述べている。^{[24] 『}Everybody Loves Our Town: An Oral History of Grunge』の著者マーク・ヤームは、グランジバンドにはパンクもあればメタルベースもあるなど、大きな違いがあると指摘した。^[23]

1984年、パンクロックバンドのブラックフラッグは、パンクを国内のより辺鄙な地域に広めるため、全米の小さな町をツアーした。この頃までに、彼らの音楽はスローでスラッジっぽくなり、セックスピストルズというよりブラックサバスに似てきた。後にニルヴァーナのベーシストとなるクリス・ノヴォセリックは、メルヴィンズと一緒にこれらのショーを見に行ったことを思い出した。その後、メルヴィンズのフロントマンであるバズ・オズボーンは「スローでヘビーなリフ」を書き始め、北西部のグランジの始まりとなる葬送曲のような音楽を作り始めた。 ^[27]メルヴィンズは初期のグランジバンドの中で最も影響力があった。^[3]サブポップのプロデューサー、ジャック・エンディーノは、グランジを「70年代の影響を受けたスローダウンしたパンクミュージック」と表現した。^{[28] [29]}

スローン・アップスでマーク・アームやスティーブ・ターナーと共演したレイトン・ビーザーは、グリーン・リヴァーが『カム・オン・ダウン』を演奏しているのを聞いた時、彼らがパンクロックを逆再生していることに気づいたと述べている。彼は、減五音はブラック・サバスが不吉な雰囲気を醸し出すために使用したが、パンクロックでは使用されていないと指摘した。1996年のグランジ映画ドキュメンタリー『Hype! 』で、ビーザーはギターでパンクとグランジの違いを実演した。最初に彼はギターのネックを上るラモーンズの『ロックアウェイ・ビーチ』のリフを演奏し、次にグリーン・リヴァーの『カム・オン・ダウン』のネックを下るリフを演奏した。この2つの曲は数音しか離れていないが、似ていないように聞こえる。^{[30] [31]}彼は同じリズムで同じコードをとったが、ネックを下ることでよりダークなサウンドになり、したがってグランジ風になった。^[32]初期のグランジバンドはメタルのリフをコピーし、それを遅くしたり、逆再生したり、歪ませたり、フィードバックで埋め込んだりして、その上にメロディーをほとんど入れずに歌詞を叫んだりしていました。^[14]

グランジはパンク・ロック（特にブラック・フラッグなどのアメリカのハードコア・パンク）とヘビーメタル（特にブラック・サバスなどの初期の伝統的なヘビーメタル・グループ）の要素を融合したものだが、バンドによってはどちらか一方に重点を置いて演奏することもあった。^{[8] [より良い出典が必要]}アレックス・ディブラシは、インディー・ロックが3番目の重要な源泉であり、最も重要な影響はソニック・ユースの「フリーフォーム」ノイズから来ていると考えている。^[4]グランジはパンクと同じく、生々しいローファイのサウンドや似たような歌詞へのこだわりを持ち^{[8] [より良い出典が必要]}、演奏やパフォーマンスに対してパンクの行き当たりばったりで未熟なアプローチも取り入れている。しかし、グランジはパンク・ロックよりも「深く暗い」サウンドで、パンクの「アドレナリン」に満ちたテンポを遅く「泥臭い」スピードに落とし^{[33] 、}不協和音をより多く使用していた。シアトルの音楽ジャーナリスト、チャールズ・R・クロスは「グランジ」を、ディストーションが効いた、ダウンチューニングされた、リフをベースとしたロックで、大音量のエレキギターのフィードバックと重厚で「どっしりとした」ベースラインを使ってメロディーを支えているものと定義している。^{[34]ロバート・ロスはグランジを「暴力とスピード、力強さとメロディー」の融合と呼び、}女性ミュージシャンを含むあらゆる人々のための場所がある。^[26] VH1のライター、ダン・タッカーは、グランジバンドはそれぞれ異なるジャンルから影響を受けており、ニルヴァーナはパンクから影響を受けているのに対し、パール・ジャムはクラシック・ロックから影響を受けており、サウンドガーデンやアリス・イン・チェインズのような「泥臭く、暗く、ヘビーなバンド」は不吉なメタル調だったと感じている。^[35]

グランジ音楽は、歪んだエレキギターの轟音と暗い歌詞のテーマの両方において、「醜い」美学と呼ばれるものを持っている。このアプローチは、当時主流だった主流のロックの「洗練された」上品なサウンドに対抗するためと、グランジアーティストが周囲で見た「醜さ」を映し出し、現実世界の目に見えない「深みと堕落」に光を当てたかったための両方で選ばれた。^[36]サブポップのプロデューサー、ジャック・エンディーノやメルヴィンズなど、グランジサウンドの発展に関わった重要人物の中には、キッスなどのヘビーロックの影響をグランジに取り入れたことを「音楽的な挑発」と表現した人もいる。グランジアーティストはこれらのバンドを「安っぽい」と考えたが、それでも楽しんでいた。メルヴィンズのバズ・オズボーンは、バンドがどんな馬鹿げたことをやっても許されるかを見ようとする試みだと表現した。^[37] 1990年代初頭、ニルヴァーナの特徴的な「ストップ・スタート」の曲形式と、ソフトなセクションとラウドなセクションを交互に演奏することが、ジャンルの慣習となった。^{[8] [より良い情報源が必要]}

カイル・アンダーソンは 著書『Accidental Revolution: The Story of Grunge』の中でこう書いている。

『シックスティーン・ストーン』に収録されている12曲は、グランジの本来のサウンドそのものであるが、グランジの本質は、それ自体を含め、何にも似ていないサウンドであるという点にある。このディスコグラフィーだけでも、いかに多くのバンドや音楽スタイルが「グランジ」という見出しの下に押し込められているかを考えれば、グランジがおそらく歴史上最も定義の曖昧な音楽ジャンルであることが分かるだろう。^[38]

カート・コバーンのようなグランジギタリストは、フェンダージャガー、フェンダージャズマスター、ムスタングなどの「オフセット」ギターをよく使用しました。彼らが主にオフセットギターを使用したのは、当時は人気がなかったため、主流のポップやロックバンドでよく見られるギブソンレスポールやフェンダーストラトキャスター、テレキャスターとは対照的に、新しいイメージを提供できたからです。グランジが始まった当時は人気がなかったため、オフセットギターはコストパフォーマンスも優れていました。^[39] グランジは一般的に、中音域が厚く、高音域がロールオフされた、スラッジのようなエレキギターの音と、通常は1970年代風の小型ストンプボックスペダルで作り出される高レベルのディストーションとファズが特徴です。ギタリストの中には、ファズペダルをいくつかつなげて真空管アンプとスピーカーキャビネットに接続する人もいます。^[40]グランジのギタリストは非常に大きな音のマーシャルギターアンプを使用し^[41]、カート・コバーンやデイヴ・グロール（後者は初期のグランジ志向のフー・ファイターズの曲で使用）など、強力なメサブギーアンプを使用する人もいた。^[42]グランジは最も「陰気な音」を持つロックジャンルと呼ばれており、激しい歪みと大きなアンプの使用は、巨大な「音の霧の蓄積」に例えられている。^[43]あるいは、ある評論家はそれを「ノイズ」とさえ呼んでいる。^[44]メタルやパンクと同様に、グランジのサウンドの重要な部分は、エレキギターで演奏される非常に歪んだパワーコードである。^[33]

メタルギタリストのオーバードライブサウンドは、一般的にオーバードライブアンプとディストーションペダルの組み合わせから生まれるが、グランジギタリストは、一般的にオーバードライブペダルとファズペダルから「ダーティ」なサウンドのすべてを生み出し、アンプは音を大きくするためだけに使用していた。^{[42]グランジギタリストは、}フェンダーツインリバーブとフェンダーチャンピオン100コンボアンプを使用する傾向があった（コバーンはこれら両方のアンプを使用していた）。^{[42]グランジギタリストによる}ペダルの使用は、他のロックジャンルで使用される高価なスタジオグレードのラック マウントエフェクトユニットからの移行であった。グランジバンドがストンプボックスペダルを好意的に捉えていたことは、マッドハニーがデビューEP 「Superfuzz Bigmuff」のタイトルに、Univox Super-FuzzとBig Muffという2つのオーバードライブペダルの名前を使用したことに表れている。^[45]「マッドライド」という曲では、バンドのギターが「クロマニヨン人の音」を通して「悪意を持って唸っている」と言われている。^[46]

グランジバンドが使用した他の主要なペダルには、4つのブランドのディストーションペダル（Big Muff、DOD、Boss DS-2、Boss DS-1ディストーションペダル）と、Small Clone コーラスエフェクトがあり、これらはカート・コバーンが「Come As You Are」で、スクリーミング・トゥリーズが「Nearly Lost You」で使用しました。^[42] DS-1（後のDS-2）ディストーションペダルは、コバーンが静かな音から騒々しい音へ、そして再び静かな音へと曲作りのアプローチを切り替える上で重要な役割を果たしました。^[47]グランジギタリストによる小型ペダルの使用は、ブティックで手作業で半田付けされた1970年代スタイルのアナログペダルへの関心が再燃するきっかけとなりました。^[40]グランジギタリストが使用した他のエフェクトは、最もローテクなエフェクトデバイスの1つであるワウワウペダルでした。 「[キム]セイルとアリス・イン・チェインズのジェリー・カントレルはともにワウワウペダルの偉大な支持者だった。」^{[40]ワウはスクリーミング・トゥリーズ、パール・ジャム、サウンドガーデン、マッドハニー、}ダイナソーJr.でも使用されていた。^[42]

グランジのギタリストは大音量で演奏し、カート・コバーンの初期のギターの音は、4台の800ワットPAシステムの パワーアンプという珍しいセットアップから出ていた。^[40] ギターのフィードバック効果、つまり高度に増幅されたエレキギターをスピーカーの前に持った音は、通常のギターテクニックでは不可能な高音で持続的な音を作り出すために使われた。グランジのギタリストはパンクの粗野で原始的な音に影響を受けており、「... テクニックや精度よりもエネルギーと繊細さの欠如」を好んだ。主なギターの影響としては、セックス・ピストルズ、デッド・ボーイズ、セルティック・フロスト、キングス・エックス、ヴォイヴォド、ニール・ヤング^[48] ( 『ラスト・ネヴァー・スリープス』、サイド2)、リプレイスメンツ、ハスカー・ドゥ、ブラック・フラッグ、メルヴィンズなどが挙げられる。^[49]グランジのギタリストは、より低く重い音を出すために楽器のチューニングを下げることが多かった。 ^[40] サウンドガーデンのギタリスト、キム・セイルは、通常のギターアンプを使わず、代わりに15インチスピーカーを搭載したベースコンボアンプを使用して低音リフを演奏し、ベースアンプにより深みのある音色を実現した。^[40]

グランジのギタリストは、ヘビーメタルの曲の中心となっていた名手による「シュレッド」 ギターソロを「きっぱりと拒否」し、代わりにメロディアスでブルース風のソロを選び、「ギターソロではなく曲そのもの」に焦点を当てた。^{[50]アリス・イン・チェインズの}ジェリー・カントレルは、ソロはギタリストの技術を誇示するためのものではなく、曲に奉仕するためのものであるべきだと述べた。^[51]メタルの威風堂々としたギターヒーローの代わりに、グランジには、楽器をマスターすることにほとんど興味を示さないコバーンのような「ギターのアンチヒーロー」がいた。 ^[49]

ガーディアン紙のウィル・バイヤーズの記事「グランジは音楽に対して罪を犯した ― ギターソロを殺した」では、ギターソロはパンクロックの時代をなんとか生き延びたものの、グランジによって弱体化したと述べている。^[52]また、カート・コバーンがメインのボーカルメロディーを言い換えたギターソロを演奏したとき、ファンは楽器を演奏するのにジミ・ヘンドリックスレベルの名手である必要はないことに気付いたと述べ、このアプローチによって、1960年代のフォークミュージック運動以来見られなかった方法で、ファンが音楽を身近に感じられるようになったと述べている。^[53]ニルヴァーナのネヴァーマインドをプロデューサーしたブッチ・ヴィグは、このアルバムとニルヴァーナが「ギターソロを殺した」と述べた。^[54] サウンドガーデンのギタリスト、キム・セイルは、「ギターソロの死」に部分的に責任があると感じていると述べた。彼は、自分のパンクロッカーとしての側面がソロをやりたくないと感じさせ、そのため1980年代にはギターソロ中にノイズやフィードバックを好んだと語った。 ^[55] Baeble Musicは、1990年代のグランジギターソロを「生々しい」、「雑な」、「基本的な」ものと呼んでいる。^[56]

すべての情報源が「グランジがギターソロを殺した」という議論を支持しているわけではない。ショーン・ゴンザレスはパール・ジャムにはギターソロの例が豊富にあると述べている。^[54] マイケル・アゼラッドはマッドハニーのスティーヴ・ターナーのギター演奏を称賛し、彼を「グランジのエリック・クラプトン」と呼んでいる。これはタイム誌が「エレキギター奏者ベスト10」のリストで5位に挙げたイギリスのブルースギタリスト^{[57]を指している。 [58]}パール・ジャムのギタリスト、マイク・マクレディはブルースに影響を受けた素早いリックで称賛されている。^[59]スマッシング・パンプキンズのギタリスト、ビリー・コーガンはギター演奏技術の先駆者であり、その演奏技術を通じてグランジギタリストは主流の音楽に反抗するために下手な演奏者である必要はないことを示したことから「90年代のアリーナロックの天才」と呼ばれている。^[59]セイルは、ニルヴァーナなどの他の主要なグランジバンドがギターソロを減らしていたとき、サウンドガーデンはソロを復活させることでそれに応えたと述べた。^[55]

1987年に同名のバンドによって録音されたシアトルの初期のグランジアルバム「Skin Yard」には、ジャック・エンディーノとダニエル・ハウスが演奏するファズベース（オーバードライブベースギター）が含まれていた。^[60]ベン・シェパードなどのグランジベーシストの中には、ベース音に5度と1オクターブ上の音を加えることで、歪んだ低音密度のパワーコードを重ねる者もいた。 ^[61]

グランジで使われる強力で大音量のベースアンプシステムの例としては、アリス・イン・チェインズのベーシスト、マイク・イネスのセットアップが挙げられます。彼は強力なAmpeg SVT -2 PRO真空管アンプヘッドを4台使用しており、そのうち2台は低音域用に4台の1×18インチサブウーファーキャビネットに接続され、他の2台は2台の8×10インチキャビネットに接続されています。^[62]クリス・ノヴォセリックとジェフ・アメントもAmpeg SVT真空管アンプを使用していることで知られています。^{[63] [64]}ベン・シェパードは300ワットのオールチューブAmpeg SVT-VRアンプと600ワットのMesa/Boogie Carbine M6アンプを使用しています。^[65]アメントは4台の6×10インチスピーカーキャビネットを使用しています。^[64]

1980年代のポップメタルで使用された「大規模なドラムキット」とは対照的に、^{[66]グランジのドラマーは比較的小さなドラムキットを使用していました。一例として、サウンドガーデンのドラマー、}マット・キャメロンのセットアップで使用されたドラムキットがあります。彼は6ピースのキット（このドラムキットの説明では木製ドラムのみを数え、シンバルは数えない）を使用し、その中には「12×8インチ ラックタム、13×9インチ ラック タム、16×14インチフロアタム、18×16インチ フロア タム、24×14インチバス ドラム」とスネアドラムが含まれ、シンバルには「...14インチ K ライト [ハイ]ハット、17インチ K カスタム ダーククラッシュ[シンバル]と18インチ K クラッシュ ライド、19インチ プロジェクション クラッシュ、20インチ Rezo クラッシュ、...そして...22インチ A ミディアムライド[シンバル]」が含まれる。^[67]

2つ目の例は、ニルヴァーナのドラマー、デイヴ・グロールの1990年から1991年のセットアップである。彼は、8インチ×14インチのバーチ材スネアドラム、14インチ×15インチのラックタム、16インチ×18インチのフロアタム、16インチ×24インチのバスドラムの4ピースのタマ製ドラムセットを使用していた（このキットは「1991年10月12日、シカゴのキャバレーメトロで破壊された」）。 ^[68]マット・キャメロンと同様に、デイヴ・グロールはジルジャンのシンバルを使用していた。グロールは同社のAシリーズ・ミディアム・シンバルを使用していた。これには18インチと20インチのクラッシュシンバル、22インチのライドシンバル、15インチのハイハットシンバルのペアが含まれていた。^[68]

グランジには通常他の楽器は含まれないが、シアトルのバンド、ゴリラは「ギターのみ」のアプローチを破り、1960年代風のVoxオルガンをバンドで使用して物議を醸した。^[69] 2002年、パール・ジャムはピアノ、ハモンドオルガン、その他のキーボードを演奏するキーボード奏者、ケネス・「ブーム」・ガスパーを加えた。バンドの初期の「グランジ」時代にはキーボード奏者がバンドに加わることは「考えられない」ことだったが、これはグループのサウンドが時間とともにどのように変化するかを示している。^[70]

グランジの歌唱スタイルは、音色と表現の点で、大音量でひどく歪んだエレキギターの「爆発」に似ていた。カート・コバーンは「荒々しく、不明瞭な発音とざらついた音色」を使い、パール・ジャムのエディ・ヴェダーは「表現の深さ」を示すために「幅広く力強いビブラート」を使った。 ^[45] レイン・ステイリーは「重厚感」とトレモロで歌詞を歌った。^[71] 一般的に、グランジ歌手は「より深いボーカルスタイル」を使用し、それは低音でダウンチューニングされたギターと、そのスタイルで使われるより暗いテーマの歌詞のメッセージにマッチしていた。^[40]グランジ歌手は「しゃがれた、しわがれた」ボーカル、^[33]「...うなり声、うめき声​​、叫び声、つぶやき」^[72]、そして「悲しげなうめき声」を使った。この幅広い歌唱スタイルは、歌詞の「さまざまな感情」を伝えるために使われた。^[73]コバーンは「悪い時代」と時代の不満に対する反応として、歌詞を叫んだ。^[74]一般的にグランジの曲は「単純に、しばしば多少理解不能に」歌われ、「ヘアメタルのオペラ的技巧は敬遠された」。 ^[74]グランジの歌唱は「音程外れの境界線上のボーカル」と特徴づけられている。^[75]

グランジの歌詞は、典型的には暗く、虚無的で、^[4]惨めで、不安と苦悩に満ちており、社会的疎外、自信喪失、虐待、暴行、無視、裏切り、社会的孤立/精神的孤立、心理的トラウマ、自由への欲求などのテーマを扱っていることが多い。^{[5] [6]}

MITの記事によると、グランジの「歌詞は権利剥奪に執着し」、「諦めた絶望」の雰囲気を描いている。^[76]キャサリン・ストロングは著書『グランジ：音楽と記憶』の中で、グランジの曲は通常「否定的な経験や感情」についてであり、主なテーマは疎外感と憂鬱だが、「皮肉な冷笑」を伴っていると述べている。^[77]グランジのアーティストは「社会の病」についての歌詞で「強い感情」を表現しており、その中には「不誠実な者を磔にしたい」という願望も含まれており、ファンはそのアプローチの信憑性を高く評価した。 [ ^78]グランジの歌詞は「暴力的で、しばしばわいせつ」であると批判されてきた。^[79] 1996年、保守派コラムニストのリッチ・ローリーは「私たちのヒーロー、ヘロイン」と題したグランジ批判のエッセイを執筆し、グランジを「理想と政治的行動への衝動がほとんどない」音楽と呼んだ。^[80]

このような主題に焦点が当てられたのは、いくつかの要因が影響している。多くのグランジミュージシャンは、社会の現状に対する一般的な幻滅感と、社会的偏見に対する不快感を示していた。グランジの歌詞には「明白な政治的メッセージと…社会とその変化についての疑問」が含まれていた。^[81]グランジの歌詞はパンクソングほどあからさまに政治的ではないが、グランジソングは依然として社会問題、特に若者に影響を与える問題への関心を示している。^[77]グランジの主なテーマは、「違いへの寛容」、「女性の支援」、「権威への不信」、「大企業への皮肉」であった。^[77]グランジソングのテーマは、パンクロックミュージシャンが取り上げるテーマと類似している。^{[8] [より良い情報源が必要]} 1992年、音楽評論家のサイモン・レイノルズは「文化全体に燃え尽き感がある。子供たちは将来について憂鬱になっている」と述べた。^[82]グランジの歌詞のテーマであるホームレス、自殺、レイプ、^[77]「崩壊した家庭、薬物中毒、自己嫌悪」は、「スピード違反の生活」、^[83]パーティー、快楽主義を 描写したポイズンのようなバンドのグラムメタルの歌詞とは対照的であった。

グランジの歌詞は「ジェネレーションXの憂鬱」の一部として発展し、その世代の「幻滅と無力感」を反映している。 ^[84]愛についてのグランジの歌は、通常「失敗した、退屈な、破滅的な、または破壊的な関係」についてである（例：パール・ジャムの「ブラック」）。^[77]アリス・イン・チェインズの「シックマン」、「ジャンクヘッド」、「ゴッド・スマック」、「ヘイト・トゥ・フィール」の曲にはヘロインへの言及がある。^{[85] [86]}グランジの歌詞はより内省的になり、リスナーが「隠された」個人的な問題を見抜き、世界の「堕落」を調査できるようにすることを目的としていた。^{[36]このアプローチは}マッドハニーの曲「タッチ・ミー・アイム・シック」に見られ、この曲には「壊れた世界と断片化された自己イメージ」を描写する「狂ったイメージ」の歌詞が含まれている。この曲には「気分が悪い、そしてこれまでよりも悪い気分だった」や「長くは生きられないし、心は腐っている」という歌詞がある。^[33]ニルヴァーナの1991年のアルバム『ネヴァーマインド』に収録されている曲「リチウム」は、「恋人の自殺後に信仰を見出した男」についての曲であり、「皮肉と醜さ」をこれらの「暗い問題」への対処方法として描いている。^[36]

パンクと同様に、グランジのサウンドはローファイ（低忠実度）録音および制作アプローチから生まれました。^[33]メジャーレーベルの登場以前は、初期のグランジアルバムは低予算のアナログスタジオを使用して録音されていました。「ニルヴァーナの最初のアルバムBleach は、1989年に606.17ドルで録音されました。」^[87] サブポップはほとんどの音楽を「レシプロカルという低予算のスタジオ」で録音し、プロデューサーのジャック・エンディーノがグランジジャンルの美学である「歪みのある生の磨かれていないサウンドだが、通常はスタジオエフェクトを追加していない」を生み出しました。^{[88]エンディーノは、余分なものを取り除いた録音方法と、}エフェクトやリマスタリングによる「過剰制作」の音楽を嫌うことで知られています。サウンドガーデンの『スクリーミング・ライフ』やニルヴァーナの『ブリーチ』、またグリーン・リヴァー、スクリーミング・ツリーズ、L7、ザ・ギッツ、ホール、セブン・イヤー・ビッチ、TADといったバンドでの彼の仕事は、グランジ・サウンドを定義するのに貢献した。低コストの制作アプローチの一例としてマッドハニーが挙げられる。このバンドがワーナー・ミュージックと契約した後も、「[バンドの]インディーズのルーツに忠実に... [彼らは] ... おそらく、より低い予算でレコーディングするために[レーベル]と戦わなければならない数少ないバンドの1つである。」^[57]

スティーヴ・アルビニもグランジサウンドに大きな影響を与えた。アルビニは「レコーディングエンジニア」と呼ばれることを好んだ。レコーディングエンジニアの役割はミュージシャンの実際の音を捉えることであり、アーティストの創作作品に対するコントロールを脅かすものではないと彼は考えていたからだ。^[89]アルビニのレコーディングはマイケル・アゼラッドなどのライターによって分析されており、アゼラッドは「レコーディングは非常に基本的でありながら非常に厳密だった。エンディーノのようにアルビニは特殊効果をほとんど使わず、アグレッシブでしばしば暴力的なギターサウンドを生み出し、リズムセクションが一体となって激しく演奏するようにした」と述べている。^[90]

ニルヴァーナの『イン・ユーテロ』は、アルビニのレコーディング手法の典型的な例です。彼は、各楽器を別々のトラックに別々の時間に録音し、マルチトラック録音を使用してそれらをミックスするという主流のロックの手法ではなく、バンド全員がスタジオで生演奏することを好みました。[^{引用が必要]}マルチトラック録音により、より洗練された作品が生まれますが、バンドが一緒に演奏している「生」の音は捉えられません。アルビニは、ボーカルと楽器にさまざまなマイクを使用しました。ほとんどのメタルやパンクのレコーディングエンジニアと同様に、彼はギターアンプのスピーカーとベースア​​ンプのスピーカーにマイクを当てて、各演奏者のユニークな音色を捉えます。^{[引用が必要]}

グランジのコンサートは、率直でエネルギーに溢れたパフォーマンスで知られていた。グランジのショーは「祝賀会、パーティー、カーニバル」であり、観客はステージダイブ、モッシュ、スラッシングでその精神を表現した。^[91]サイモン・レイノルズは、「... 最も男性的なロック形式であるスラッシュメタル、グランジでは、モッシュは、男性の体同士が「汗と血の海」のモッシュピットで接触する、一種の代理戦闘となる」と述べている。^[92]パンクのショーと同様に、グランジの「パフォーマンスは、ステージ上で叫んだり飛び跳ねたりするフロントマンと、楽器を激しく叩くミュージシャンが中心だった」。^[93]グランジの歌詞のテーマは「不安と怒り」に焦点を当てていたが、ショーの観客は前向きで「人生を肯定する」態度をとった。^[91]グランジバンドは、多くの主流の音楽ジャンルの複雑で高予算のプレゼンテーションを拒否しました。これには、複雑なデジタル制御の照明アレイ、花火、および「ヘアメタル」ショーで当時人気があった他の視覚効果の使用が含まれます。グランジのパフォーマーは、これらの要素を音楽の演奏とは無関係であると見なしていました。ステージ演技や「ステージ上の演劇」は一般的に避けられました。^[83]

その代わりに、バンドはマイナーなローカルバンドと何ら変わらない存在として自分たちをアピールした。ジャック・エンディーノは『Hype!』で、シアトルのバンドはライブパフォーマンスに一貫性がなく、主な目的はエンターテイナーになることではなく、単に「ロックアウト」することだと述べている。^[37]グランジバンドは熱狂的なパフォーマンスを見せ、ライブ中は「抑圧された攻撃性」を解放するための「象徴的な武器」として長い髪を振り回した（デイヴ・グロールは特に「ヘッドフリップ」で有名だった）。^[94]デイヴ・リマーは、1990年代初頭にパンクの理想である簡素な音楽が復活したことで、「コバーンや彼のような多くの若者にとって、ロックンロールは…挑戦を投げかけた。毎日、何年も、自分の正当性を証明し、音楽にふさわしい生き方をするために、十分に純粋でいられるか…もしそれができないなら、偽者、偽者、裏切り者でいることを受け入れられるか？」と書いている。 ^[95]

ワシントンのグランジミュージシャンが一般的に着ていた服装は「ありふれた日常スタイル」で、彼らは自宅で着ているのと同じ服をステージでも着ていた。 ^[33]この太平洋岸北西部の「怠け者スタイル」または「だらしない格好」は、パンクが着る「ワイルドな」モヒカン、レザージャケット、チェーンとは対照的だった。シアトルのシーンでは本物であることが重要な原則だったため、グランジミュージシャンはこの日常的な服装を採用した。 ^[33]グランジスタイルは、古着やリサイクルショップの商品、この地域の典型的なアウトドアウェア（特にフランネルシャツ）で構成され、一般的にボサボサの見た目と長髪だった。 ^[83]グランジシンガーにとって、長髪は「顔を隠すマスク」として使用され、「心の奥底にある考えを表現する」ことができた。コバーンはその顕著な例である。 ^[94]グランジミュージシャンの男性は「...ボサボサ... [そして] ...ひげを剃っていない^{... [96]} [、] ...乱れた髪」 ^[97]で、洗っていないことが多く、脂ぎっていて、「...羊飼いのモップのように絡み合っていた」 ^{[98] 。}

シアトル近郊のリサイクルショップでは、ミュージシャンが購入できる低価格で木こり風の服装がよく見られました。^[99]グランジスタイルは、破れたジーンズ、保温下着、^[84] ドクターマーチンのブーツまたはコンバットブーツ（多くの場合、紐なし）、バンドTシャツ、オーバーサイズのニットセーター、長くて垂れ下がったスカート、破れたタイツ、ビルケンシュトック、ハイキングブーツ、^{[100] [101] [102]}リサイクル繊維またはフェアトレードオーガニックコットンで作られた環境に優しい衣類で構成されていました。^[103]また、グランジシーンの女性は「男性と同じチェック柄の[シャツ]、ブーツ、短い刈り上げ」を身に着けていたため、女性は「セックスアピールで定義されるのではない」ことを示していました。^[104]

「グランジは、服にかけるお金が少なければ少ないほど『クール』になるという反消費主義運動になった」 ^[105]このスタイルは、魅力的なファッションを作ろうという意識的な試みから生まれたわけではない。音楽ジャーナリストのチャールズ・R・クロスは「[ニルヴァーナのフロントマン]カート・コバーンはシャンプーをするのが面倒だった」と言い、サブ・ポップのジョナサン・ポネマンは「この[服]は安くて丈夫で、時代を超越している。また、80年代に存在した派手な美学に反している」と述べている。^[82]グランジシーンのフランネルと「ひび割れたレザーレットのコート」は、太平洋岸北西部のリサイクルショップの美学の一部であった。^[98] グランジファッションは、反ファッションの反応であり、「作られたイメージ」に対する非順応的な動きであり、^[106]ミュージシャンに本物の方法で服を着て、自分自身を美化しないように促すことが多かった。同時に、サブポップはバンドのマーケティングに「グランジ・ルック」を活用した。VH1のインタビューで、写真家のチャールズ・ピーターソンは、グランジバンドのタッドのメンバーは「ブルーカラーのアイデンティティを与えられたが、それは完全には努力によるものではなかった。ブルース（パヴィット）は彼にフランネルの服を着せ、本物のチェーンソーを持ってもらい、山男のイメージを本当に演出し、それがうまくいった」とコメントした。^[107]

デイズド誌は、スタイルの観点からコートニー・ラブを「1990年代を定義した10人の女性」の1人に挙げている。「...コートニー・ラブの短すぎるベビードールドレス、ぼろぼろの毛皮のコート、プラチナ色の髪のイメージ」は、「キンダーホア」と呼ばれ、「...もちろんティアラを乗せた姿は、その10年間を生きた人の記憶に焼き付いている」。^[108]キンダーホア・ルックは、引き裂かれたり裂けたりしたタイトまたはローカットのベビードールやピーターパンカラーのドレス、スリップ、濃いアイライナーを使った濃いメイク、^[109]バレッタ、革のブーツまたはメリージェーンシューズで構成されていた。^{[110] [111] [112]} ベイブス・イン・トイランドのキャット・ビェランドが最初にそれを定義したのに対し、ホールのコートニー・ラブが最初にそれを普及させた。ラブは、このスタイルはディヴァイナルズのフロントウーマン、クリッシー・アンフレットから学んだと主張している。^[110]このスタイルは1994年に非常に人気を博しました。^[113]

ヴォーグ誌は2014年に「コバーンは女性と男性のワードローブの両端から自由に服を引き出し、シアトルの古着屋で見つけた彼の服装は、男性的な木こりの作業着から40年代から70年代にかけての女性的なドレスまで多岐にわたりました。それはあらゆる点で、1980年代の派手な美学と完全に対照的でした。ぼさぼさのジーンズと花柄のフロックで、彼は典型的な反逆者の厳しい外見を内側から柔らかくし、過激なミレニアル世代の両性具有の考えを動かしました。」^{と評しました。 [114]}コバーンの服装は「マッチョなアメリカ人男性とは正反対」でした。なぜなら彼は「...男の子でも女の子でも、だらしなくゆったりとした格好の方がクールだと思ったからです。」 ^[114]音楽・文化ライターのジュリアン・エスコベド・シェパードは、コバーンの服装スタイルについて「彼は変人であることを容認しただけでなく、それを望ましいものにした」と書いている。 ^[114]

グランジ音楽は1990年代初頭に主流となり、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズ、パール・ジャム、ニルヴァーナなどのバンドが大手レコード会社と契約した。グランジファッションは1992年半ばに男女ともに主流ファッションに浸透し始め、1993年後半から1994年初頭にピークを迎えた。^{[100] [115] [116]}勢いを増すにつれ、グランジというタグは流行に乗じて金儲けをするために高価なフランネルシャツを売る店によって使われるようになった。^[105]皮肉なことに、非順応的な外見が突如として主流の流行となった。ファッションの世界では、マーク・ジェイコブスが1992年にペリー・エリスのショー（1993年春コレクション）を発表し、高級生地とグランジ風の服をミックスした。ジェイコブスはグランジのストリートウェアの「リアリズム」にインスピレーションを見出し、彼はモデルたちにビーニー帽や花柄のドレス、シルクのフランネルシャツを着せてキャットウォークに送り出すことで、グランジとファッションの贅沢さを融合させた。 ^[117]しかし、これはブランドオーナーたちの気に入らず、ジェイコブスは解雇された。アナ・スイのような他のデザイナーも、1993年春夏シーズンにグランジからインスピレーションを得た。^[106]

同年、ヴォーグはファッション写真家のスティーブン・マイゼルを起用し、「グランジ＆グローリー」という特集を組んだ。マイゼルはスーパーモデルのクリステン・マクメナミー、ナオミ・キャンベル、ナジャ・アウアマンをサバンナの風景の中でグランジ風の服を着て撮影した。 ^{[118] [119]}この撮影でマクメナミーは眉毛を剃り髪を短く切り、グランジの顔となった。クリスチャン・ラクロワ、ドナ・カレン、カール・ラガーフェルドなどのデザイナーもグランジの影響を自分たちのスタイルに取り入れた。 ^[117] 1993年、ディテールの編集者ジェームズ・トルーマンは「私にとってグランジは反ファッションではなく、反ファッションだ。パンクは反ファッションだった。それは声明を出した。グランジは声明を出さないことだ。だからファッションの声明になるのはおかしい」と述べた。^[120]だらしないファッションセンスは「学校をサボり、マリファナを吸い、タバコを吸い、音楽を聴き」、いつかロックスターになることを夢見ていた「怠け者世代」の特徴だった。 ^[107]

グランジファッションの人気は1990年代後半までに下火になっていたが、デザイナーたちは時折このムーブメントからインスピレーションを得続けている。グランジは2008年に再びトレンドとなり、2013年秋冬コレクションではイヴ・サンローランのエディ・スリマンがグランジをランウェイに復活させた。コートニー・ラブをコレクションのミューズに迎えた彼女は、このコレクションを大変気に入ったと伝えられている。「MJ [マーク・ジェイコブス] に悪気はないが、彼は決して正しいことをしなかった」とコートニーは語った。「これが本当の姿。エディは自分のやるべきことを知っている。彼は正確にやり遂げたが、MJ とアナ [スイ] はそうではなかった」^[121] コバーンとラブの2人は、1993年にマーク・ジェイコブスから受け取ったペリー・エリスのコレクションを燃やしたようだ。^{[122] 2016年、グランジは}エイサップ・ロッキー、リアーナ、カニエ・ウェストによるこのスタイルの高級な「再発明」に影響を与えた。^[123]しかし、「グランジの服装はもはや本物であることの証ではありません。反抗の象徴（ドクターマーチンのブーツ、タータンチェックのシャツ）はハイストリートで万能です」とiD誌の副編集長リネット・ニールンダーは言う。^[123]

多くの音楽サブカルチャーは、特定のドラッグと関連している。例えば、ヒッピー カウンターカルチャーやレゲエは、マリファナやサイケデリックと関連している。1990年代、メディアはシアトルのグランジシーンのミュージシャンによるヘロインの使用に焦点を当て、1992年のニューヨークタイムズの記事では、シアトルの「3つの主要なドラッグ」として「エスプレッソ、ビール、ヘロイン」を挙げた^[87]。また、1996年の記事では、シアトルのグランジシーンを「ヘロインを最も強く受け入れたサブカルチャー」と呼んだ^{[124] 。} ガーディアン紙のティム・ジョーンズは、「...ヘロインは、80年代半ばに始まって以来、グランジシーンを台無しにしてきた」と述べ、「...ヘロインの関与は、音楽の自己嫌悪や虚無主義的な側面を反映している」と主張している。ヘロインによる死亡者に加え、ジョーンズはストーン・テンプル・パイロッツのスコット・ウェイランド、コートニー・ラヴ、マーク・ラネガン、ジミー・チェンバレン、エヴァン・ダンドーらも「全員が薬物に手を染めたが、生き延びてその話を語った」と指摘している。^[125] 2014年の著書では、1980年代には人々が「覚醒剤」のコカインを社交や「楽しい時を祝う」ために使用したのに対し、1990年代のグランジシーンでは「抑制剤」のヘロインが「繭」に「逃げ込み」、「変化や希望の見込みがほとんどない過酷で容赦のない世界から身を守る」ために使用されていたと述べられている。^{[126]ジャスティン・ヘンダーソンは、「ヘロイン、}モルヒネ、エトルフィン、コデイン、アヘン、ヒドロコドンを含むすべての「鎮静剤」は、多くのグランジンの人々にとっての習慣だったようだ」と述べています。^[127]

ニルヴァーナのデビューアルバム「ブリーチ」のタイトルは、ヘロイン注射使用者向けの危害軽減ポスターにヒントを得たもので、そこには「ハイになる前に、自分の道具（注射器や針など）を漂白しましょう」と書かれていた。このポスターは、使用済みの注射針の共有によるエイズ感染を減らそうとしていた米国州保健局が発表した。アリス・イン・チェインズの曲「ゴッド・スマック」には「本物の楽しみのために腕を突き刺せ」という歌詞があり、これはヘロイン注射への言及である。^[124]ヘロイン使用で知られるシアトルのミュージシャンには、「頭を撃った時にヘロインを使用していた」コバーン、「1990年にヘロインの過剰摂取で亡くなったマザー・ラヴ・ボーンのアンドリュー・ウッド」、「 1992年に同じ麻薬の過剰摂取で亡くなった7イヤー・ビッチのステファニー・サージェント... [そして] ヘロインとの闘いを公に語ったアリス・イン・チェインズのレイン・ステイリー...」などがいた。^[128]アリス・イン・チェインズのマイク・スター^[126] とスマッシング・パンプキンズのジョナサン・メルヴォインもヘロインで亡くなった。コバーンの死後、「…未亡人で歌手のコートニー・ラヴはシアトルを麻薬の聖地と表現し、サンフランシスコやロサンゼルスよりもヘロインが簡単に手に入る場所だと言った。」^[128]

しかし、C/Zレコードのオーナーであるダニエル・ハウスは、1994年にこれらの認識に異議を唱えた。ハウスは、「ここ（シアトル）では、他の場所と比べて（ヘロインが）多いわけではない」とし、「ヘロインは（シアトルの音楽）文化の大きな部分を占めているわけではない」とし、「マリファナとアルコールの方がはるかに普及している」と述べた。ギター・ワールド誌の編集者の一人であるジェフ・ギルバートは、1994年に、シアトルのグランジ・シーンとヘロインとのメディアによる結びつきは「非常に誇張されている」と述べ、シアトルのミュージシャンは「全員マリファナ常用者」だと述べている。 ^[128]ギル・トロイの1990年代のアメリカの歴史では、シアトルのグランジ・シーンでは、「好まれる薬物が（1980年代の）高級コカインからブルーカラーのマリファナに変わった」と述べている。^[129]ローリングストーン誌は、シアトルのグランジシーンのメンバーは昼間はエスプレッソを飲み、「コーヒー狂」で、「夜はビールを大量に飲んでいた。ジャワで興奮し、酒を飲んでいた。[グランジ]音楽があの音色になるのも不思議ではない」と報じた。^[130]「[シアトル]シーンのベテランの中には、エクスタシーに関連する薬物であるMDAが「グランジに大きく貢献した」と主張する者もいる。なぜなら、MDAは使用者に「身体のハイ」をもたらし（マリファナの「頭のハイ」とは対照的）、低音の効いたグルーヴを高く評価させたからだ。^[131]パット・ロングのNMEの歴史には、サブポップレーベルに関わっていたシーンのメンバーが森の中で何日にもわたるMDMAパーティーを開いていたと記されており、ロングがエクスタシーの「暖かい輝き」と呼ぶものが、湿気が多く、灰色で孤立した太平洋岸北西部地域でさえ影響力を持っていたことが示されている。^[132]

グラフィックデザインと画像に関して、グランジバンドの共通点は「ローファイ」（低忠実度）と意図的に型破りなアルバムカバーの使用で、たとえば意図的にぼやけた、または色を間違えた写真、コラージュ、または傷んだ文字などです。初期のグランジでは「アルバムカバーやコンサートのチラシは、 DIY美学に忠実というわけではなく、経済的必要性から」コピーのように見えました。「バンドにお金がほとんどなかった」ためです。^{[133]これはすでにパンクロックデザインの共通点でしたが、グランジ時代にはデスクトップパブリッシングやデジタル画像処理に}Macintosh コンピューターがますます使用されるようになったため、さらに広がりました。音楽以外で使用されたこのスタイルは、「グランジタイポグラフィ」と呼ばれることもありました。^{[134] [135] [136] 「グランジ」スタイルの実験的なデザインの有名な例は、}デイヴィッド・カーソンがアートディレクターを務めた雑誌「レイガン」です。^{[137] [138]}

カーソンは「文字を裂き、細断し、作り直す」技術を開発し^{[137] [138]} 、「重ね刷りされた不調和な文字」や「意図的に『間違えた』配置」などの実験的なデザイン手法を採用した。^[139]カーソンの芸術は「乱雑で混沌としたデザイン」を使用し、「実験的で個人的で直感的な」アプローチを使用して「構成のルールを一切尊重しなかった」。^[140]もう一人の「グランジグラフィックデザイナー」はエリオットアールズで、「グランジ[音楽]美学」の「無造作な表現力」を採用した「歪んだ...古い書体」と「攻撃的に判読しにくい」書体を使用した。グラフィックデザインにおけるこの急進的で反体制的なアプローチは、1910年代の前衛的なダダ運動に影響を受けた。^[139]ハット・グエンの Droplet、ハリエット・ゴレンの Morire、エリック・リンの Tema Canante はいずれも「代表的なグランジフォント」である。^{[137] [138]}スヴェン・レナーツは、グランジデザインの画像は「リアルで本物のような外観」を持ち、破れた紙、折れた角、折り目、黄ばんだスコッチテープ、コーヒーカップのシミ、手描きの画像、手書きの文字などを模して、通常はくすんだ落ち着いた色で表現された「汚れた」背景テクスチャの上に重ねることで作られる、と述べている。^[141]

グランジ シ​​ーンの「見た目」を部外者に印象づけた重要人物は、音楽写真家のチャールズ ピーターソンでした。ピーターソンが撮影した、太平洋岸北西部のアンダーグラウンド音楽シーンのメンバーが特徴的な普段着で演奏したりジャムセッションをしている白黒の、トリミングされていない、時にはぼやけた写真は、サブ ポップがシアトルのバンドを宣伝するために使用されました。

1980年代の米国パンクサブカルチャーの伝統であるアマチュアのファン制作のジンに倣い、グランジシーンのメンバーもDIY出版物を制作し、「ライブやメールオーダーで配布」した。ジンは通常コピーされ、手書きの「手彩色ページ」、「タイプミスや文法ミス、スペルミス、ページ番号の乱れ」など、アマチュアの性質を証明していた。^[142] Backlashは1987年から1991年にかけてドーン・アンダーソンによって発行されたジンで、「シアトルの音楽シーンのよりダーティでヘビーで、よりアンダーグラウンドでロックな側面」を取り上げ、「パンク、メタル、アンダーグラウンドロック、グランジと呼ばれる前のグランジ、さらには地元のヒップホップ」も含まれていた。^[143] Grunge Gerl #1は1990年代初期のグランジジンの1つで、ロサンゼルス地域のライオット・ガールによって書かれ、ライオット・ガールのために書かれた。 「私たちは女の子です、私たちは怒っています、私たちは力強いです」と書かれていた。^[142]

1992年、ローリングストーン誌の音楽評論家マイケル・アゼラッドは、ロケットをシアトルの音楽界の「最も尊敬される解説者」と呼んだ。 ^[57] ロケットは1979年に創刊された、太平洋岸北西部の音楽シーンに関する無料新聞である。チャールズ・R・クロスが編集し、ファルツなど、地元の「あまり知られていないオルタナティブバンド」を取り上げていた。 ^[144] 1980年代半ばには、スレイヤー、ワイルド・ドッグス、クイーンズライク、メタル・チャーチの記事が掲載されていた。1988年までにメタルシーンは衰退し、ロケットの焦点はグランジ以前の地元のオルタナティブロックバンドの取材に移った。ドーン・アンダーソンは、1988年、他のどの出版物も注目するずっと前に、サウンドガーデンとニルヴァーナがロケットの表紙を飾っていたと述べている。^[145] 1991年、ロケットは拡大し、オレゴン州ポートランド版も発行した。

グランジ文学は、1990年代初頭のオーストラリアの文学ジャンルで、架空または半自伝的な作品で、若者が「インナーシティ」に住む「崩壊しつつある未来の世界、退屈から逃れる唯一の方法は、セックス、暴力、ドラッグ、アルコールの虚無的な追求」である。 ^[146]多くの場合、中心人物は権利を奪われ、疎外され、基本的な欲求を満たしたいという欲求以外には意欲や決意を欠いている。グランジ文学は、通常、「新進の若い作家」^{[146]によって書かれ、日常の登場人物の「ざらざらした、汚い、リアルな存在」 [146]}を研究した。グランジ文学は、ダーティリアリズムのサブセットであると同時に、ジェネレーションX文学の派生であるとも言われている。^[147]スチュアート・グローバーは、「グランジ文学」という用語は、「80年代後半から90年代前半のシアトルの[グランジ]バンド」から「グランジ」という用語を取っていると述べている。^[148]グローバーは、「グランジ・リット」という用語は主に出版社が使用するマーケティング用語であると述べており、「グランジ・リット」作家として分類された作家のほとんどがそのラベルを拒否していると述べている。^[148]オーストラリアのフィクション作家であるマクガーハン、マクレガー、ツィオルカスは、このように異なる作家グループを混同することの「同質化効果」を批判した。^[146]ツィオルカスは、「グランジ・リット」という用語を「メディアの創造物」と呼んだ。^[146]

グランジと関連があるバンドには、L7、ルナチックス、ディックレス、 7イヤー・ビッチ、ザ・ギッツ、コートニー・ラヴのバンド、ホール、ベイブス・イン・トイランドなどがある。VH1のライター、ダン・タッカーは、L7を「LAの豊かなアンダーグラウンドシーンから生まれた女性だけのグランジバンドで、ブラック・フラッグと強いつながりがあり、態度や声量ではどんな男性バンドにも匹敵する」と評した。^[35]グランジは、アンダーグラウンドのフェミニストパンク運動であるライオット・ガールとも密接な関係がある。 ^[149] ライオット・ガールの先駆者でビキニ・キルのフロントウーマン、キャスリーン・ハンナは、ニルヴァーナの1991年のブレイクスルーシングル「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」のタイトルの由来であり、これは特に若い女性向けに販売されたデオドラントに由来している。^{[150] [151]著名な女性楽器奏者には、}スマッシング・パンプキンズのベーシストのダーシー・レッキーとメリッサ・オフ・ダ・マー、ホールのドラマーのパティ・シェメルとベイブス・イン・トイランドのロリ・バルベロがいる。^{[152]ほとんどのロックジャンルではプロの女性楽器奏者は珍しいため、グランジに}女性楽器奏者が含まれていることは注目に値する。^[153]

バン・バン^[154]は、 1983年にシアトルで結成され、ティナ・ベルというアフリカ系アメリカ人女性が率いており、主に白人が支配するシーンの常識を打ち破った。^{[155] [156] [157]バン・バンには、後に}サウンドガーデンやパール・ジャムのドラマーとなるマット・キャメロンも参加していた。^[154] カート・コバーンは有名になる前にバン・バンのローディーを務めており、バンドのファンでもあった。^[154]ベルは2012年に亡くなった。グランジ音楽の創始者の一人として生前認知されていなかったのは、性差別と人種差別のためだと観測者は推測している。^{[154] [155] [157]}

アンダーグラウンドのグランジシーンでは、女性もミュージシャン以外の役割で活躍した。例えば、グランジバンドやインディーズレコードレーベルに関する雑誌（ Grunge Gerl #1など）を制作したライオット・ガールや、多くの地元バンドが有名になる前にサポートしたシアトルのファンジンBacklashのライター、ドーン・アンダーソンなどである。 ^{[37]ティナ・カザールは1980年代にシアトルのインディーズ}レーベルC/Zレコードの共同設立者（クリス・ハンゼックと共同）で、1986年に グランジのコンピレーションアルバムDeep Sixの代表作をリリースした。

スーザン・シルバーはシアトルの音楽界初の女性マネージャーだった。1983年にキャリアをスタートし、U-メン、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズ、スクリーミング・ツリーズなど、いくつかのバンドのマネージャーを務めた。^[158] 1991年、シアトル・タイムズ紙はシルバーを「地元のロック・マネージメントで最も影響力のある人物」と呼んだ。^{[159]シルバーは}ニルヴァーナのアドバイザーでもあった。カート・コバーンとベーシストのクリス・ノヴォセリックは、サブ・ポップのデビューアルバム「ブリーチ」の宣伝不足に不満を抱き、シルバーに相談した。シルバーはレーベルとの契約書を見て、弁護士が必要だと伝えた。シルバーはエージェントのドン・ミュラーと音楽ビジネス弁護士のアラン・ミンツを紹介し、彼らは契約を求めてニルヴァーナのデモテープを大手レーベルに送り始めた。バンドは最終的にDGCを選び、レーベルは1991年に彼らの画期的なアルバム『ネヴァーマインド』^{をリリースした。[160 ] [161] 2014年にニルヴァーナが}ロックの殿堂入りしたとき、ノヴォゼリックはスピーチの中でシルバーに「彼らを音楽業界に適切に紹介してくれた」ことに感謝した。^[162]

プロトグランジという用語は、1980年代半ばから後半にこのジャンルが登場するずっと前から、グランジの要素を持つアーティストを表すために使われてきた。おそらく最も古いプロトグランジのアルバムは、1965年にソニックスがリリースした『 Here Are the Sonics 』だろう。^[163]ニール・ヤングのアルバム『Rust Never Sleeps』（1979年）と『Ragged Glory』（1990年）は、プロトグランジおよびグランジミュージックの代表例とされている。^{[164]さらに、}パール・ジャムも彼に影響を与えたとされており、^{[165] [166]パール・ジャムは1995年にリリースされたアルバム『}ミラー・ボール』でヤングのバックダンサーを務めることになった。プロト・グランジと評される他のアーティストとしては、ワイパーズとそのアルバム『ユース・オブ・アメリカ』（1981年）、エルヴィス・コステロとそのアルバム『ブラッド・アンド・チョコレート』 （ウィル・バーチが「時代を6、8年先取りしていた」と称賛した1986年）、^[167]ストゥージズとそのアルバム『ファン・ハウス』（1970年）などがある。^[168]

グランジのサウンドは、シアトルが他の音楽シーンから孤立していたことに一部起因している。サブ・ポップのジョナサン・ポネマンは「シアトルは、ロサンゼルスとニューヨークに固執するアメリカのメディアによって完全に無視された、活発な音楽シーンを持つ二流都市の完璧な例だった」と指摘した。^[169]マーク・アームは、孤立とは「地図のこの一角が本当に近親交配し、お互いのアイデアを盗用していた」ことを意味すると主張した。^[170] 1980年代のシアトルは「辺鄙で田舎の都市」だった。ブルース・パヴィットは、シアトルは「非常に労働者階級」で貧困の場所であり、そのためシーンの「全体的な美学 - 作業服、リサイクルショップのトラック運転手の帽子、質屋のギター」は単なるスタイルではなく、シアトルが「非常に貧しかった」ために作られたものだと述べている。^[171]実際、「ネヴァーマインド」が全米チャートで1位になったとき、コバーンは車の中で暮らしていた。^[171]

シアトルの音楽シーンでは1984年頃からメタルとパンクをミックスするバンドが増え始めたが、この融合の功績の多くはU-Menによるものである。^[172]しかし、U-Menがグランジの元祖として確固たる地位を築いているにもかかわらず、彼らのサウンドはヘビーメタルの影響は少なく、むしろポストパンクに近いと指摘する批評家もいる。しかし、美学そのものよりも、バンドの特異性の方が大きなインスピレーションだったのかもしれない。^{[173]すぐにシアトルでは、地元の「}ポストパンク ガレージバンド」によって表現される「多様な音楽シーン」と「多様な都会的個性」が成長し始めた。^[33]グランジは地元のパンクロックシーンから発展し、Fartz、U-Men、10 Minute Warning、Accüsed、Fastbacksなどのバンドに影響を受けていた。^{[37]さらに、}メルヴィンズのスローでヘビーでスラッジーなスタイルはグランジサウンドに大きな影響を与えました。^{[174]ロイ・シュカーは、グランジの成功は「1980年代を通じて初期の}オルタナティブミュージックシーンによって築かれた基盤」の上に築かれたと述べています。^[175]シュカーは、音楽評論家が「シアトルのシーンの純粋さと信頼性を強調した」と述べています。^[175]

太平洋岸北西部以外でも、多くのアーティストや音楽シーンがグランジに影響を与えた。ソニック・ユース、ピクシーズ、ダイナソーJr.など、米国北東部のオルタナティブロックバンドは、このジャンルに重要な影響を与えている。シアトルのバンドを後援することで、ソニック・ユースは「意図せず」グランジシーンを育み、ミュージシャンの激しく独立した態度を強化した。^{[176]ニルヴァーナは、}スクラッチ・アシッドやバットホール・サーファーズのノイズの影響をシアトルのシーンにもたらした。^{[83] [177]}

サイエンティスト、コズミック・サイコズ、フィードタイムなど、いくつかのオーストラリアのバンドはグランジの先駆者として挙げられており、彼らの音楽はサブ・ポップの創設者ジョナサン・ポネマンやKCMUのマッドハニーのメンバーによる大学ラジオ放送を通じてシアトルのシーンに影響を与えた。^{[178] [179]ニルヴァーナに対するピクシーズの影響はカート}・コバーンによって言及されており、ローリングストーン誌のインタビューで「私はあのバンドにとても共感したので、あのバンドか、少なくともピクシーズのカバーバンドに所属するべきだった。私たちは彼らのダイナミクス、つまり柔らかく静かなものから大きく激しいものまでを活用した」とコメントしている。^[180] 1997年8月、ギター・ワールド誌のインタビューでデイヴ・グロールはこう語っている。「カート、クリス（ノヴォセリック）、そして僕はフリッパーやブラック・フラッグと同じくらい、ナック、ベイ・シティ・ローラーズ、ビートルズ、アバが好きだった。ピクシーズのレコードを聴けば、それがすべてだ。ブラック・サバスの『ウォー・ピッグス』でさえ、その力強さがそこに感じられる。僕らはポップソングでそれを濫用し、それに酔いしれたんだ。」^[181]

ジャンルのパンクやオルタナティブロックのルーツとは別に、多くのグランジバンドは1970年代初期のヘビーメタルから同様に影響を受けていた。『Babylon's Burning: From Punk to Grunge』の著者であるクリントン・ヘイリンは、ブラック・サバスを「おそらく北西部のシーンに最も広く浸透したプレパンクの影響」と評した。^[182]ブラック・サバスは、自身のレコードや彼らがインスピレーションを与えたレコードを通じて、グランジサウンドの形成に役割を果たした。^[183]​​ 音楽学者のボブ・ガラは、ブラック・サバスのサウンドは「ニルヴァーナ、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズなど、グランジの最も人気のあるバンドのほとんどに見られる」と主張した。^[184]ブラック・サバスの1971年のアルバム『Master of Reality』は、特にグランジに大きな影響を与えたとされているが、これはギタリストのトニー・アイオミがギターを1音半下げてチューニングしたことによるサウンドが大きな要因となっている。^{[185] [186]}レッド・ツェッペリンの影響も顕著で、特にサウンドガーデンの作品に顕著である。Q誌は、サウンドガーデンについて「70年代のロックに魅了されながらも、このジャンルの露骨な性差別や男らしさを軽蔑している」と評している。^[187]ギター・ワールド誌のジョン・ウィーダーホーンは「グランジとはいったい何なのか？クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル、ブラック・サバス、ザ・ストゥージズからなるスーパーグループを想像すれば、かなり近いだろう」と書いている。^[188]キャサリン・ストロングは、グランジに最も影響を与えたメタルはスラッシュメタルであり、「誰でもバンドを始められる」という概念（ストロングもグランジに影響を与えたとして挙げている米国のハードコアパンクにも共通する考え方）に基づいた「観客との平等」という伝統があり、グランジバンドもそれを取り入れていたと述べた。^[16]ストロングは、グランジミュージシャンは当時人気のあった「ヘアメタル」バンドに反対していたと述べた。^[16]

ストロングは「[米国の]ハードコアの一部がグランジとして知られるようになった」と述べた。^[16]シアトルのソングライター、ジェフ・ステットソンは「パンクとグランジの間には実質的な違いはない」と述べている。^[24]パンクバンドと同様に、グランジグループは「原点回帰のロックンロールバンドとして受け入れられ、音楽は生々しく下品であるべきだと大衆に思い出させた」。^[93]米国のハードコアがグランジに与えた影響の一例は、ロサンゼルスのハードコアパンクバンド、ブラックフラッグがグランジに与えた影響である。ブラックフラッグの1984年のアルバム『マイ・ウォー』では、ヘビーメタルと彼らの伝統的なサウンドが融合され、シアトルで大きな衝撃を与えた。マッドハニーのスティーブ・ターナーは「国内の他の多くの人々は、ブラックフラッグがスローダウンしたことを嫌っていたが、ここでは本当に素晴らしかった。私たちは『イエーイ!』と思った。彼らのサウンドは奇妙でめちゃくちゃだった」とコメントしている。^[189]ターナーは、グランジがメタルの影響を統合したことについて、「ハードロックやメタルは、他のシーンのようにパンクの敵ではなかった。ここでは、「ここには20人しかいない、嫌いなグループを見つけることはできない」という感じだった」と述べている。チャールズ・R・クロスは、グランジは「20年間のパンク・ロックの発展の集大成」であると述べた。^[34]クロスは、グランジのジャンルを最も代表するバンドはシアトルのバンド、ブラッド・サーカス、タッド、マッドハニーと、サブ・ポップのデンバーのバンド、ザ・フルイドであると述べている。また、ポップの影響とソニック・ユースとチープ・トリックの融合を持つニルヴァーナは、ブラッド・サーカスのようなバンドよりも軽いサウンドであると述べている。^[34]

ニール・ヤングはパール・ジャムと数回コンサートを行い、アルバム『ミラー・ボール』をレコーディングした。これは彼のバンド、クレイジー・ホースでの活動や、アルバム『ラスト・ネヴァー・スリープス』で特に顕著なディストーション・ギターの常用だけでなく、彼の服装や人格にも根付いていた。^[190]同様に影響力がありながらも見過ごされがちなアルバムがレッド・クロスの『ニューロティカ』で、このアルバムについてジョナサン・ポネマンは「ニューロティカは私にとって、そしてシアトルの音楽コミュニティの多くの人々にとって人生を変えるものだった」と語っている。^[191]

シアトルのグランジシーンの発展の背景は「失敗の黄金時代、アメリカの若者の多くが怠惰とやる気のなさという悪徳を受け入れた時代」であった。^[171]「ジェネレーションXの怠け者たちは、恐ろしい企業入会日を先送りにしようとし」、そして「敗者崇拝」を受け入れていた。実際、ニルヴァーナの1991年の曲「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」は「コバーンが『負けるのは楽しい』と歌うところで始まる」。^[171]

1985年、バンドのグリーン・リバーがデビューEP『カム・オン・ダウン』をリリースした。これは多くの人に最初のグランジ・レコードだと言われている。^[192]グランジの発展においてもう一つの独創的なリリースは、1986年にC/Zレコードからリリースされたコンピレーション『ディープ・シックス』である。このレコードには、グリーン・リバー、サウンドガーデン、メルヴィンズ、マルファンクシャン、スキン・ヤード、U-メンの6つのバンドによる複数のトラックが収録されている。彼らの多くにとって、これが初めてのレコード登場だった。アーティストたちは「主にヘビーメタルの遅いテンポとハードコアの激しさを融合させた、ヘビーでアグレッシブなサウンド」を持っていた。レコーディングは低予算で行われ、各バンドに4時間のスタジオ時間が与えられた。ジャック・エンディーノが回想しているように、「みんな『これは一体どんな音楽なんだ? メタルでもないしパンクでもない、何なんだ?』と言っただけだ」 ... 人々は「エウレカ！これらのバンドには共通点がある」と言った。」^[189]その年、ブルース・パヴィットは、彼の新しいレーベル、サブポップの一部として、サブポップ100コンピレーションとグリーンリバーのドライアズアボーンEPをリリースした。初期のサブポップカタログでは、グリーンリバーEPを「一世代のモラルを破壊した超ルーズグランジ」と表現した。^[193]サブポップのブルース・パヴィットとジョナサン・ポネマンは、音楽史における他の地域の音楽シーンに触発され、彼らのレーベルが「シアトルサウンド」を投影するように努め、同様の制作スタイルとアルバムパッケージングでそれを強化した。音楽ライターのマイケル・アゼラッドは、マッドハニー、サウンドガーデン、タッドなどの初期のグランジバンドのサウンドが異なっていたことを認めながらも、「客観的に見ると、いくつかの明確な類似点があった」と指摘した。^[194]

初期のグランジコンサートの参加者はまばらだった（多くは12人未満）が、サブ・ポップの写真家チャールズ・ピーターソンの写真は、そのようなコンサートが一大イベントであるという印象を与えるのに役立った。^[195]グリーン・リバーの元メンバーによって結成されたマッドハニーは、サブ・ポップ在籍中ずっとレーベルの旗艦バンドとして機能し、シアトルのグランジ運動の先鋒となった。^[196]グランジの推進に貢献した太平洋岸北西部の他のレコードレーベルには、C/Zレコード、エストラス・レコード、EMpTyレコード、ポップラマ・レコードなどがある。^[37]

グランジは、パヴィットとポネマンがイギリスの雑誌メロディーメーカーのジャーナリスト、エヴェレット・トゥルーに地元の音楽シーンに関する記事を書くよう依頼したことで、イギリスでメディアの注目を集めた。この露出により、1980年代後半には地元以外でもグランジが知られるようになり、地元のショーに多くの人が集まるようになった。^{[37]音楽メディアにとってグランジの魅力は、「}アメリカンロックの地域的、作者的ビジョンという概念への回帰を約束する」ことだった。^[197]アンダーグラウンドミュージックシーンでのグランジの人気は非常に高く、バンドはシアトルに移り、オリジナルのグランジバンドの見た目とサウンドに近づき始めた。マッドハニーのスティーブ・ターナーは「本当にひどかった。偽のバンドがここに現れ、私たちの出身地から物事が生まれていなかった」と語った。^[198]その反応として、多くのグランジバンドがサウンドを多様化し、特にニルヴァーナとタッドはよりメロディアスな曲を作った。^[199]シアトルのファン雑誌「バックラッシュ」のドーン・アンダーソンは、1990年までに多くの地元民がシアトルのシーンを取り巻く誇大宣伝に飽きてしまい、メディアの露出が減ったことを望んでいたと回想している。^[37]

ガーディアン紙のクリス・ダブロウは、1980年代後半、オーストラリアの怪しげな都心部の「ベタベタした...オルタナティブ・パブ・シーン」から、サイエンティスト、X、ビースト・オブ・バーボン、フィードタイム、コズミック・サイコズ、ルブリケーテッド・ゴートなど、「生々しくぎこちないエネルギー」を持ったグランジ・バンドが生まれたと述べている。^[200]ダブロウは、「コバーンは...オーストラリアの波が彼の音楽に大きな影響を与えたことを認めた」と述べた。^[200]エヴェレット・トゥルーは、「グランジはサイエンティストやそのやせっぽちのパンク仲間たちからオーストラリアで始まったという説の方が説得力がある」と述べている。^[201]

グランジバンドは1980年代後半に音楽界の主流に進出した。サウンドガーデンは1989年にA&Mレコードに加わり、メジャーレーベルと契約した最初のグランジバンドとなった。ジャック・エンディーノによると、サウンドガーデンは他のメジャーレーベルと契約したアリス・イン・チェインズやマザー・ラヴ・ボーンとともに、メジャーレーベルからの最初のリリースで「まずまず」の成績を収めたという。^[37] ワシントン州アバディーン出身のニルヴァーナもメジャーレーベルから誘われ、1989年にファーストアルバム『ブリーチ』をリリースした。ニルヴァーナは1990年に ゲフィンレコードと契約した。

アリス・イン・チェインズは1989年にコロンビア・レコードと契約し、 ^[202]デビューアルバム『フェイスリフト』は1990年8月21日に発売された。 ^[203]アルバムからの2枚目のシングル「マン・イン・ザ・ボックス」は1991年1月に発売され、ビルボードのメインストリーム・ロック・チャートのトップ20に20週間ランクインし、ミュージックビデオはMTVで頻繁に放送された。^{[204] [205]} 『フェイスリフト』は1991年9月11日に50万枚以上を売り上げ、アメリカレコード協会（RIAA）からグランジ・ムーブメント初のゴールド認定アルバムとなった。 [ ^{206 ]}

1991年9月、ニルヴァーナはメジャーデビュー作『ネヴァーマインド』をリリースした。このアルバムは、せいぜい、ゲフィンが1年前にリリースしたソニックユースの『グー^{』と同等のマイナーヒットになると期待されていた。 [208]アルバムの最初のシングル「}スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」のリリースが「グランジ音楽現象の火付け役」となった。この曲のミュージックビデオがMTVで頻繁に放送されたため、『ネヴァーマインド』は1991年のクリスマスまでに週に40万枚を売り上げ、^[209] 1991年11月27日にゴールドディスクに認定された。^[210] 1992年1月、 『ネヴァーマインド』はポップ界のスーパースター、マイケル・ジャクソンの『デンジャラス』を抜いてビルボード200で1位になった。^[211] ネヴァーマインドは1999年にRIAAからダイヤモンドディスクに認定された。^[212]

ネヴァーマインドの成功は音楽業界を驚かせた。ネヴァーマインドはグランジを普及させただけでなく、「一般的なオルタナティブロックの文化的、商業的実行可能性」を確立した。^{[213]マイケル・アゼラッドは、}ネヴァーマインドは「ロックミュージックの大転換」を象徴し、当時のロックミュージックを支配していたグラムメタルは、本物で文化的に関連性があると認識された音楽の前に人気を失ったと主張した。^[214]グランジは、いかに過激であってもニッチな聴衆向けだと考えられていたジャンルが市場性を証明し、主流に取り込まれることを可能にした。これにより、個人主義的で断片的な文化の形成が固まった。^[215]その後、他のグランジバンドがニルヴァーナの成功を模倣した。元マザー・ラヴ・ボーンのメンバー、ジェフ・アメントとストーン・ゴッサードをフィーチャーしたパール・ジャムは、ネヴァーマインドの1か月前の1991年8月にデビューアルバムTenをリリースしていたが、アルバムの売上が回復したのは翌年になってからだった。 1992年後半までに『Ten』は画期的な成功を収め、ゴールド認定を受け、ビルボードチャートで2位に達した。^{[216]パール・ジャムの}『Ten』はRIAAから13倍プラチナ認定を受けた。^[217]

サウンドガーデンのアルバム『Badmotorfinger』とアリス・イン・チェインズのアルバム『Dirt』、そしてパール・ジャムとサウンドガーデンのメンバーをフィーチャーしたテンプル・オブ・ザ・ドッグのセルフタイトルアルバム『Dirt』も、1992年のベストセラーアルバム100枚に入った。[ ^218]これらのグランジバンドの人気が爆発的に上昇したことから、ローリングストーン誌はシアトルを「新しいリバプール」と呼んだ。^[82]大手レコード会社がシアトルの著名なグランジバンドのほとんどと契約し、第二波のバンドが成功を期待してこの街に移住してきた。^{[219] 1992年の}キャメロン・クロウ監督の映画『シングルス』では、グランジシーンが背景となった。この映画には、パール・ジャム、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズなどシアトルの人気グランジバンドがいくつかの小さな役、パフォーマンス、カメオ出演した。この映画は1991年にシアトルとその近郊で撮影され、グランジ人気が最高潮に達した1992年まで公開されなかった。^[82]

グランジの人気は、シアトルの音楽シーンの文化的特徴に対する関心を大いに高めた。1980年代後半から1990年代前半のシアトルの音楽シーンは、実際にはさまざまなスタイルやジャンルの音楽で構成されていたが、メディアでの表現は「シアトルを、グランジという1つの音楽表現の継続的な探求に焦点を置いた音楽『コミュニティ』として描写するのに役立った」。^[220]ファッション業界は「グランジファッション」を消費者に売り込み、ニットのスキー帽やタータンのシャツなどのアイテムにプレミアム価格を課した。批評家は、広告がグランジの要素を盗用し、それを流行に変えていると主張した。エンターテインメントウィークリーは1993年の記事で、「メディアが60年代にヒッピーを発見して以来、サブカルチャーのこのような搾取は行われていない」とコメントした。^[221]マーケティング担当者は「グランジ」という概念を利用して、グランジの芳香剤、グランジのヘアジェル、さらには「グランジ ライト」と呼ばれる「イージーリスニング ミュージック」の CD を販売しました。^[34] ニューヨーク タイムズ紙は、 「アメリカのグランジ化」を、以前のパンク ロック、ディスコ、ヒップホップのマス マーケティングと比較しました。 ^[82]皮肉なことに、ニューヨーク タイムズ紙は、グランジ シ​​ーンで使用されていると思われる偽の俗語のリストを印刷するように騙されました。これは、グランジ スピークの詐欺と呼ばれることがよくあります。グランジを取り巻くこのメディアの誇大宣伝は、1996 年のドキュメンタリーHype!に記録されています。^[37]マス メディアが主要なバンドに関するニュース記事で「グランジ」という言葉を使い始めると、シアトルのシーンのメンバーはその言葉を「G ワード」と呼ぶようになりました。^[34]

グランジに対する反発はシアトルで起こり始めた。1992年後半、ジョナサン・ポネマンはシアトルでは「グランジに関するあらゆることが最大限の皮肉と面白おかしさで扱われている。なぜなら、グランジはすべてでっちあげのムーブメントであり、これまでもずっとそうだったからだ」と述べた。 ^{[82]グランジとグランジバンドは}ブラーのデーモン・アルバーンなどのミュージシャンから批判を受けた。アルバーンはステージで演奏中に「グランジなんてクソくらえ」「スマッシング・パンプキンズは俺のクソケツにキスしてやる」と言ったと伝えられている。^[222]多くのグランジアーティストは自分たちの成功と、その結果もたらされた注目に不快感を覚えた。ニルヴァーナのカート・コバーンはマイケル・アゼラッドに「有名になることは、俺がなりたかった最後のことだ」と語った。 ^{[223]パール・ジャムも成功の重荷を感じており、注目の多くをフロントマンの}エディ・ヴェダーが受けていた。^[224]

ニルヴァーナの次のアルバム『イン・ユーテロ』（1993年）は、意図的に攻撃的なアルバムとなっており、ニルヴァーナのベーシスト、クリス・ノヴォセリックは「ワイルドでアグレッシブなサウンド、真のオルタナティブ・レコード」と表現した。^[225]にもかかわらず、1993年9月に発売されると、 『イン・ユーテロ』はビルボードのチャートで1位を獲得した。 ^[226] 1996年、『イン・ユーテロ』はRIAAから5倍プラチナに認定された。^{[227]パール・ジャムは2枚目のアルバム『} Vs .』（1993年）でも商業的に好調を維持した。このアルバムは発売初週に950,378枚という記録的な売り上げを記録し、ビルボードのチャートで1位を獲得し、その週のトップ10に入った他のすべての曲を合わせた売り上げを上回った。^[228] 1993年、グランジバンドのキャンドルボックスがセルフタイトルのアルバムをリリースし、RIAAから4倍プラチナに認定された。 ^[229] 1994年2月、アリス・イン・チェインズのEP『Jar of Flies』がビルボード200アルバムチャートで1位を獲得した。 ^[230]同じく1994年にリリースされたサウンドガーデンのアルバム『Superunknown 』もビルボード200チャートで1位を獲得し、 ^[231] RIAAから5倍プラチナに認定された。^[232] 1995年、アリス・イン・チェインズのセルフタイトルアルバムはビルボード200で2枚目の1位アルバムとなり、^[230] 2倍プラチナに認定された。^[233]

1990年代初頭、グランジが商業的に成功したことで、レコード会社は全国規模で未発見の才能を探し始め、宣伝活動を行った。これには、カリフォルニア州サンディエゴを拠点とするストーン・テンプル・パイロッツ^[234]、テキサス州を拠点とするトリッピング・デイジー^{[8] [より適切な情報源が必要] [235]}とトアディーズ^{[236] [237] [238]}、ポウ^[239] 、シカゴを拠点とするヴェルーカ・ソルト[ ^239]、オーストラリアのバンド、シルバーチェアーなどがあり、これらのバンドの初期の作品は、シアトル自体ではそうでないとしても、広く「グランジ」として認識され続けている。2014年、Pasteは、史上最高のグランジソング50選で、ヴェルーカ・ソルトの「All Hail Me」を第39位、シルバーチェアーの「Tomorrow」を第45位にランク付けした。^[239]ラウドワイヤーはストーン・テンプル・パイロッツを史上最高のグランジバンド10選に挙げた。^[234]アメリカ国外のグランジバンドはいくつかの国で登場した。カナダでは、サブポップレーベルと契約した最初のカナダ人バンドであるエリックズ・トリップがグランジに分類され、^[240]ニッケルバックのデビューアルバムもグランジとみなされた。シルバーチェアは1990年代に主流の成功を収め、バンドの曲「トゥモロー」は1995年9月にラジオソングチャートで22位にランクインし、 ^[241] 1995年6月にリリースされたバンドのデビューアルバムフロッグストンプは1996年2月にRIAAから2倍プラチナに認定された。^[242]

この時期、シアトル出身ではないグランジバンドは批評家から酷評されることが多かった。彼らは流行に流されやすいバンドだと非難され、ストーン・テンプル・パイロッツとブッシュは特にその犠牲になった。1994年1月のローリングストーン誌の投票では、ストーン・テンプル・パイロッツは同誌の読者投票で「最優秀新人バンド」に選ばれる一方、同誌の音楽評論家からは「最低の新人バンド」に選ばれ、批評家とファンの格差が浮き彫りになった。^[243]ストーン・テンプル・パイロッツは非常に人気となり、アルバム『Core』はRIAAから8倍プラチナ認定を受け^[244]、アルバム『Purple』はRIAAから6倍プラチナ認定を受けた。^[245]イギリスのポストグランジバンド、ブッシュは1994年にデビューアルバム『Sixteen Stone』をリリースした。 ^[246]ローリングストーン誌は彼らの2枚目のアルバム『Razorblade Suitcase』のレビューでアルバムを酷評し、ブッシュを「ニルヴァーナの音楽の最も成功した恥知らずな模倣者」と呼んだ。^[247]著書『ファーゴ・ロック・シティ：ノースダコタ州の田舎でのヘビーメタルの旅』の中で、チャック・クロスターマンは「ブッシュはたまたま終わりの始まりを告げた良いバンドだった。結局、彼らはグランジのワーレントになった」と書いている。^[248]

グランジの人気が衰退した要因は数多くある。批評家や歴史家は、グランジがいつ終わったのかという点については意見が一致していない。^[249]キャサリン・ストロングは「1993年末にはグランジは不安定になり、消滅の第一段階に入っていた」と記し、「シーンが非常に成功し」広く知られるようになったため「模倣者が参入し始めた」と指摘した。^[250] Paste誌は、1994年までにグランジは「急速に衰退し」、「パール・ジャムはできるだけ早くスポットライトから退き、アリス・イン・チェインズ、ストーン・テンプル・パイロッツ、その他大勢のバンドはひどい薬物中毒と闘い、生き残りをかけて戦っていた」と述べている。^{[9]ジャスティン・ヘンダーソンは}『グランジ: シアトル』の中で、メジャーレーベルの資金がシーンに流入したことで文化が変わり「下がるしかなかった」ため「下降スパイラル」が1994年半ばに始まったと述べている。彼は、1994年6月16日にホールのベーシスト、クリステン・パフがヘロインの過剰摂取で亡くなったことは「グランジの棺に打ち込まれたもう一つの釘」だったと述べている。 ^[251]

ジェイソン・ヘラーは2013年にAVクラブに寄稿した記事「グランジは本当に重要だったのか？」で、ニルヴァーナの『イン・ユーテロ』（1993年9月）が「グランジの終焉を告げる鐘だった。コバーンが『10代の不安は報われた / 今は退屈で年老いた』と不平を言った途端、グランジは終わった」と述べている。^[252]ヘラーは、1994年にコバーンが亡くなった後、当時のグランジの「偽善」が「...目立つようになり」、「理想主義は恥ずかしいものになった」と述べ、その結果「グランジは新しい[主流の]エアロスミスになった」と述べている。^[252]ヘラーは「グランジは進化の行き止まりになった」と述べている。「グランジは何の根拠もなく、何の上にも築かれておらず、否定の精神だけが全てだった」からである。^[252]

1990年代半ば、多くのグランジバンドが解散したり、目立たなくなったりした。1994年4月8日、カート・コバーンがシアトルの自宅で自殺したとみられる銃撃で死亡しているのが発見され、ニルヴァーナは即座に解散した。コバーンの死後、ブルース・ハーディはタイム誌に、彼は「スウィンギング・ノースウェストのジョン・レノン」であり、ヘロイン中毒に苦しみ、彼の人生の最後の数週間、音楽業界ではコバーンが薬物の過剰摂取に苦しみ、ニルヴァーナが解散するという噂が流れていたと書いた。^[253]コバーンの自殺は「グランジの終焉のきっかけとなった」。なぜなら、それは「グランジからエネルギーを奪い、甘ったるい企業仕立ての音楽が「失われた足場を取り戻すきっかけ」となったからだ」^[254]

同年、パール・ジャムはチケット販売会社チケットマスターの不公平な商慣行に抗議して夏のツアーをキャンセルした。^[255]その後パール・ジャムは同社に対するボイコットを開始したが、パール・ジャムはチケットマスターが取り扱っていない会場でのみ演奏するという方針をとったため、事実上、いくつかの例外を除き、その後3年間、バンドは米国で公演することができなかった。^[256] 1996年、アリス・イン・チェインズは病弱で疎遠になっていたリードシンガーのレイン・ステイリーと最後の公演を行ったが、^[257]ステイリーはその後2002年にコカインとヘロインの過剰摂取で亡くなった。^[258] 1996年、サウンドガーデンとスクリーミング・ツリーズはそれぞれ1990年代最後のスタジオアルバムとなる『ダウン・オン・ジ・アップサイド』 ^[259]と『ダスト』^[260]をリリースした。ストロングは、ロイ・シュカーとスタウトが「グランジの終焉」は「1997年のサウンドガーデンの解散まで遡る」と書いたと述べている。^[250]

1990年代後半、グランジはポストグランジに取って代わられ、ポストグランジは21世紀初頭まで商業的に成功し続けた。ポストグランジは「シアトルのバンドの分厚いギターサウンドと率直な歌詞のテーマを、親しみやすく、しばしば高揚感を与える主流の美学に変えた」^[261] 。これらのアーティストはグランジのアンダーグラウンドのルーツを欠いていると見られ、グランジが「内向的で真面目なハードロックの非常に人気のある形式」になったことに大きく影響を受けていた。ポストグランジは、グランジの歪んだギターを、洗練されたラジオ対応の制作で和らげた、より商業的に成功しやすいジャンルだった。^{[262] [より良い情報源が必要] [263]}グランジが主流のジャンルになると、大手レーベルはこれらのバンドの音響的アイデンティティに似たサウンドのバンドと契約し始めた。ブッシュ、キャンドルボックス、コレクティブ・ソウルなど、グランジが主流だった時代に登場したポスト・グランジと呼ばれるバンドは、グランジを主流に押し上げたバンドのサウンドを模倣していることで知られています。^{[262] [より良い情報源が必要]}

1995年、SPINの記者チャールズ・アーロンは、グランジは「終わり」、ポップ・パンクは低迷、ブリットポップは「浮かれた思い出」、アルバム重視のロックは終わったとして、音楽業界は「企業プロデュースのオルタナティブ」に目を向けたと述べ、これを彼は「似たような偽グランジ」または「スクランチ」と呼んでいる。^[264]アーロンが「スクランチ」グループとして挙げるバンドには、ベター・ザン・エズラ、ブッシュ、コレクティブ・ソウル、ガービッジ、フーティー・アンド・ザ・ブロウフィッシュ、ハム、シルバーチェア、スポンジ、トリッピング・デイジー、ジェニファー・トライニン、ウィーザーなどがある。アーロンはフー・ファイターズもリストに入れているが、デイヴ・グロールはニルヴァーナ後のグループで1980年代のハードコア・パンクと1970年代のアリーナ・トラッシュ・ミュージックを組み合わせることで「スクランチの落とし子」になることを回避したと述べている。 ^[264]ブッシュ^{[265] [266] [267]}やキャンドルボックス^[268]のようなグランジと表現されるバンドも、主にポストグランジに分類されています。^[263]これら2つのバンドは1992年以降に人気が出ました。 ^[263]ブッシュとキャンドルボックスが人気になったときに登場したポストグランジに分類される他のバンドには、コレクティヴ・ソウル^{[262] [より良い情報源が必要]}やライブ^[269]などがあります。

対照的に、別のロックジャンルであるブリットポップは、英国におけるグランジの支配に対する反動として部分的に登場した。グランジの陰鬱さとは対照的に、ブリットポップは「若々しい活気と承認への欲求」によって定義された。^{[270] [より良い情報源が必要]}ブリットポップの主要バンドである「ブラーとオアシスは、 [グランジの]永遠の伏し目とした輝きに対する反動勢力として存在した。」^[271]ブリットポップアーティストの新しいアプローチは、1992年春のブラーの米国ツアーに触発された。元スウェードでエラスティカのリーダーであるジャスティン・フリッシュマン（当時デーモン・アルバーンと関係があった）は、「デーモンと私はその時点で自分たちがその真っ只中にいると感じていました...ニルヴァーナがそこにいて、人々がアメリカの音楽に非常に興味を持っていることに気づき、英国らしさの復活のための何らかのマニフェストがあるべきだと思いました。」^[272]

ブリットポップのアーティストたちはグランジに対する軽蔑を声高に主張した。1993年のNMEのインタビューで、ブリットポップバンドのブラーのデーモン・アルバーンは、ブラーは「反グランジバンド」であるというインタビュアーのジョン・ハリスの主張に同意し、「まあ、それはいいことだ。パンクがヒッピーを排除することだとしたら、私はグランジを排除する」と述べた（皮肉なことに、カート・コバーンはかつてブラーをお気に入りのバンドとして挙げていた）。^[273]オアシスのノエル・ギャラガーはニルヴァーナのファンであったが、グランジの悲観的な性質を否定する音楽を書いた。ギャラガーは2006年に、1994年のオアシスのシングル「リヴ・フォーエヴァー」は「グランジの真っ只中に書かれた曲で、ニルヴァーナに「I Hate Myself and I Want to Die」という曲があったのを覚えている。私は「ああ、そんなの許せない」と思った。彼（コバーン）とかそういうのは好きだが、そんなのは許せない。そんな奴らがこっちに来て、スマック（ヘロイン）をやっていて、自分を憎んで死にたいなんて言うなんて、とんでもない。そんなのクソくらえだ」と述べている。^[274]ピンクポップ・フェスティバル2000でのインタビューで、オアシスのリアム・ギャラガーは、同じく出演していたパール・ジャムを攻撃し、彼らの憂鬱な歌詞の内容を批判し、「ゴミ」と切り捨てた。^[275]

オリジナルのグランジ運動の終焉に続いて、1990年代後半から2000年代初頭にかけて、クリード、ニッケルバック、3ドアーズ・ダウン、パドル・オブ・マッドなどの新しいバンドが登場し、ポスト・グランジの人気が高まった。^{[262] [より詳しい情報源が必要]}他のポスト・グランジ・バンドには、フー・ファイターズ、ステインド、マッチボックス・トゥエンティなどがある。これらのポスト・グランジ・アーティストは、グランジの「自殺、社会的偽善、薬物中毒などの厄介な問題」を歌詞で探求することとは対照的に、商業化されたサウンドと「コミュニティと恋愛関係の快適さを中心に構築された世界観」を理由に批判された。^{[262] [より詳しい情報源が必要]}アダム・シュタイニンガーは、ポスト・グランジ・バンドの「薄められた歌詞で満たされた薄められた歌は、すべて恋愛の苦しみを中心に展開しているように見える」と批判した。^[276]ポストグランジと評される多くのバンドを批判し、シュタイニンガーはキャンドルボックスを「ポップ満載の」サウンドで「愛の歌詞」に焦点を当て、「多様性と創造性」のない曲作りをしていると批判した。スリー・デイズ・グレイスは「薄められた」「ラジオ向きの音楽」だと批判した。3ドアーズ・ダウンは「質の高いアルバムを作るのではなく、ヒットシングルを狙う」ことに焦点を当てている。フィンガー・イレブンは「ポップロック」の方向に進んでいると批判した。ブッシュは「意味不明なランダムなフレーズ」を使っている。ライヴは「グランジの本質を窒息させた」と「疑似ポップ詩」を、パドル・オブ・マッドは「ポストグランジのサウンドを薄めてしまった」。ライフハウスは「グランジのサウンドと画期的な構造を破壊して大衆にアピール」している。ニッケルバックは「ポストグランジのフェザー級のサンドバッグ」と呼び、音楽は「水のようにつまらない」と批判した。^[276]

多くのメジャーなグランジバンドは、2000年代と2010年代にレコーディングとツアーを続け、成功を収めた。おそらく、21世紀で最も注目すべきグランジバンドはパール・ジャムだろう。2006年にローリングストーン誌のライター、ブライアン・ハイアットはパール・ジャムについて「過去10年間の大半を意図的に自分たちの名声を台無しにすることに費やしてきた」と評し、バンドがグレイトフル・デッドに似た忠実なコンサートファンを育ててきたと指摘した。^{[277]彼らは2006年の}パール・ジャム、2009年のバックスペーサー、2013年のライトニング・ボルトで幅広い商業的成功を収めた。^{[278]アリス・イン・チェインズは2005年にレイン・ステイリーに代わる数人の異なるボーカリストで再結成し}、数回の再結成公演を行った。最終的にステイリーの代わりとしてウィリアム・デュヴァルに落ち着き、2009年に14年ぶりのアルバム『ブラック・ギヴズ・ウェイ・トゥ・ブルー』をリリースした。バンドの2013年のリリースである『The Devil Put Dinosaurs Here 』は、ビルボード200で2位に達した。 ^[279]サウンドガーデンは2010年に再結成し、2年後にアルバム『King Animal』をリリースし、デンマーク、ニュージーランド、米国の全国アルバムチャートでトップ5に達した。^[280]マット・キャメロンとベン・シェパードは、アラン・ヨハネス（クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ、イレブン）、マーク・ラネガン（スクリーミング・トゥリーズ、クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ）、ディミトリ・コーツ（オフ！）と2016年にサイドプロジェクトであるテン・コマンドスを結成した。^[281]

カート・コバーンの死にもかかわらず、ニルヴァーナの残りのメンバーは死後も成功を収め続けている。2002年に発売された『Kurt Cobain's Journals』とバンドのベスト盤『Nirvana 』の売り上げが好調だったことから、『ニューヨーク・タイムズ』紙はニルヴァーナは「1994年のコバーン氏の自殺以来、今ほど成功していることはない」と論じた。^[282]この傾向は20世紀の20年目も続き、バンドのディスコグラフィーが再発行され、公式ドキュメンタリー『Kurt Cobain: Montage of Heck 』が公開された。^[283] 2012年、ニルヴァーナの生き残ったメンバーは、コバーンの代わりにポール・マッカートニーを迎えて再結成し、デイヴ・グロールのドキュメンタリー『Sound City』のサウンドトラック用に「Cut Me Some Slack」という曲を録音した。^[284]

21世紀で最も成功したロックグループのひとつ、クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジには、様々なグランジミュージシャンが参加している。ジョシュ・オムは、グループ結成前、QOTSAのメンバーだったマーク・ラネガンとともにスクリーミング・ツリーズで短期間プレイしていた。ニルヴァーナのデイヴ・グロールやイレブンのアラン・ヨハネスも注目すべき貢献をしている。オムとグロールは、2009年にレッド・ツェッペリンのジョン・ポール・ジョーンズとスーパーグループ、ゼム・クルックド・ヴァルチャーズを結成。ヨハネスもツアーメンバーとして同グループで演奏した。

2000年代初頭、グランジは小規模ではあるものの、地域を基盤とした復活を遂げた。2005年、シアトル・タイムズ紙は、シアトルのシーンにグランジの影響を受けたグループが戻ってきたと報じた。 ^[285]同様に、ガーディアン紙は、ヨークシャー出身のグランジの影響を受けたグループとして、ダイナソー・パイルアップ、プルド・アパート・バイ・ホーシズ、ワンダースワンを挙げた。^[286]また、2003年には、ニューヨーク・タイムズ紙がグランジファッションの復活を報じた。^[287]

2010年代にはグランジに影響を受けたバンドが数多く誕生した。先達とは異なり、これらのバンドの中には自ら進んでグランジというレッテルを貼っているものもいる。多くのバンドが、オルタナティブロックの初期の時代の著名人と提携したりコラボレーションしたりしていることで知られている。スティーヴ・アルビニはブリー[ ^{288] [289]}、ヴォミットフェイス^{[290] [291]}、シャノン・ライト^[292]などのバンドのメンバーをプロデュースしたり、一緒に仕事をしたりしており、一方マリッジズのエマ・ルース・ランドル^[293]はメルヴィンズのバズ・オズボーンとツアーを行ったことがある。グランジと分類されたり、グランジ時代に大きく影響を受けた他の著名なアーティストとしては、コートニー・バーネット^{[294] [295]}ウルフ・アリス[ ^296]ヤック^[297]スピーディー・オルティス[ ^298]ザ・カット[ ^299]ミツキ^[300] 2:54 ^[301]フォールス・アドバタイジング^[302]スロスロースト[ ^{303] [304] [305]}ベイビー・イン・ヴェイン[ 306 ^]ビッグ・シーフ[ ^307]トーレス^[308]ラルウォーター^[309]レッド・サン・ライジング^[310]などが挙げられます。

メディアも2010年代半ば頃からグランジサウンドの復活に言及し始め、タイトル・ファイト、^{[311] [312]} インクレスト、^[要出典] ファングクラブ、^[313] コード・オレンジ、^[312] マイ・チケット・ホーム、^{[314] [315]} シチズン、^[316] ミルク・ティース^[317]マスケッツ、^{[318] [319] [320] などの}バンドにその名称が付けられ、その一部はグランジとエモを融合させたと評されている。^[要出典]

2011年、音楽評論家のデイブ・ウィテカーは「録音音楽が始まって以来、すべての世代がゲームを変えるようなジャンルを生み出してきた」と書いている。 1930年代のスウィングミュージック、 1950年代のロックンロール、1970年代のパンクロック、そして1990年代のグランジまで。しかし、彼は「グランジは最後のアメリカの音楽革命だった」と述べている。なぜなら、グランジ以降の世代は、音楽シーンを根本的に変えるような新しいジャンルを生み出していないからだ。^[93]彼は、「デジタル革命」（オンライン音楽、ファイル共有など）によって、「グランジ以来、世代を定義するようなジャンル」は存在しなくなったと述べている。なぜなら、「1つのジャンルが市場を完全に飽和させるには、音楽業界が市場を強力にコントロールする必要がある」からである。^[93] 2016年、ロブ・ゾンビはグランジが「ロックスター」の死を引き起こしたと述べた。彼は、「アリス・クーパーやジーン・シモンズ、エルトン・ジョン」のような「まるで別の惑星から来たかのような」過去のスターたちとは異なり、グランジの姿勢は「すべてのロックスターが自分たちと全く同じように見える必要がある」というものだったと述べている。^[321]

ボブ・バチェラーは、シアトルのインディーズレコードの考え方と価値観がニルヴァーナやパールジャムの発展と出現の指針となったが、それは「大手レコード会社の何百万枚ものCDを売りたいという願望と衝突した」と述べている。また、グランジミュージシャンが大手レコード会社の商業的目標に不快感を示し、一部の主要バンドがミュージックビデオを含むレーベルが求めるプロモーション活動に抵抗したにもかかわらず、MTVのビデオ番組は「多くの音楽ファンが地元や「ニッチなラジオ」ではなくMTVで初めて音楽に触れたため、グランジを「主流」にする上で重要な役割を果たした」とバチェラーは述べている。^[254]ギル・トロイは、アメリカの「消費主義」文化における「グランジの反乱は、他のほとんどの反乱と同様に」、大手企業によって「商品化され、大量生産され、儀式化され、その結果、浄化された」と述べている。^[322]

2011年、ジョン・カルバートはグランジの復活が起こらなかった理由は「タイミング」だと述べた。彼は、このムーブメントのきっかけとなった1980年代後半から1990年代前半の文化的ムードがもはや存在していなかったと述べている。^[323]シアトルのソングライター、ジェフ・ステットソンは、2010年代にグランジを聴いている人々は「それがすべてどのように起こったのかという背景と歴史」と「ここ[シアトル]で起こった本当に素晴らしい出来事に対する敬意」について学ぶべきだと述べている。なぜなら、おそらく二度と同じようなことは見られないだろうから。^[24] Paste誌のマイケル・ダナハーは、グランジは「ロックンロールの流れを変え、ポップカルチャーに虐待や鬱の物語や社会的問題を持ち込んだ」と述べている。^[9]

カルバートは、ニルヴァーナの「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」は「歴史上象徴的な位置を占めている」と述べ、同作は同時代の若者にとって「世代を定義する共鳴」があったとし、「他のどのバンドも...自滅への衝動を...これほど聴きやすいものにしたことはない」と述べている。「本物の」痛みと「不満」がある。^[323]カルバートはまた、このレコードを「初期のパンクロック以来、チャート史上最も凶暴で、暗く、激しい」音楽と呼び、同時代の若者が「ヘビーさが必要なときにヘビーだった」と述べ、「若いアメリカ人を目覚めさせ」、困難な時代に「すがる」ものを与えた。^[323] 2017年の本では、グランジは「パンクに似た方法でロックミュージックのアイデンティティを永遠に変えた」と述べられており、さらにグランジは「実存的真正性」と「自分に正直であることが何を意味するか」についての「内省的な」歌詞を加えた。^[10]グランジのカート・コバーンは「ジェネレーションXの声」と呼ばれ、ボブ・ディランが1960年代の若者に、ジョン・レノンが1970年代の世代に果たしたのと同じ役割をこの世代に果たしている。^{[10]ボブ・バチェラーはニルヴァーナは「}エルヴィスやビートルズと同じくらい重要」だと述べた。^[254]

2008年、ガーディアン紙のダラグ・マクマナスは、グランジは単なる若者の流行や音楽の流行ではなかったと述べている。彼女は、グランジは「フェミニズム、リベラリズム、皮肉、無関心、シニシズム/理想主義...反権威主義から皮肉なポストモダニズムまで」現代の重要な哲学を統合したものだと述べた。マクマナスは、グランジは深刻で「重い」テーマを扱っていたが、これはポピュラー音楽ではあまり見られないことだと述べている。マクマナスは、ジェネレーションXにとってグランジは単なる音楽ではなく、重要な文化的影響力だったと述べた。^[324]マーレン・コマーは、ニルヴァーナの成功が「非異性愛主義」で「性別とセクシュアリティ」についての非二元的な考え方を普及させ、男性と女性が似ていることを強調し、進歩的な政治思想を促進したと述べた。^[104]

2021年に90年代のグランジ・ムーブメントについて尋ねられたマーク・ラネガンは、「どこかのキャンプファイヤーの周りででっちあげられたり、作り上げられたものではありません。自然に起こったことです。太陽が輝き続ける限り、常に素晴らしい新しい音楽があり、おそらくこれからもあり続けるでしょうから、コメントするのは難しいです。」とコメントした。^[325]

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