アートロック

アートロックの初期の人物は、レコードプロデューサー兼ソングライターのフィル・スペクターだと考えられており、彼は「クラシックの壮大さ」を目指したウォール・オブ・サウンド作品で作家として知られるようになった。 ^{[ 24 ]}伝記作家のリチャード・ウィリアムズによれば、スペクターはロック音楽を演奏芸術からレコーディングスタジオでしか存在できない芸術へと変え、「アートロックへの道を開いた」という。^{[ 25 ]}ビーチ・ボーイズのリーダー、ブライアン・ウィルソンは、伝記作家のピーター・エイムズ・カーリンによって、「芸術の超越的な可能性とポップミュージックの主流への親しみやすさを組み合わせた新しいタイプのアートロック」の先駆者として挙げられている。^{[ 26 ]}評論家のスティーブン・ホールデンは、ビートルズ、スペクター、ウィルソンによる1960年代半ばの録音は、1960年代後半に始まった「大げさでクラシックの影響を受けた」アートロックに先立つアートポップの始まりを示すものとしてよく挙げられると述べている。^{[ 27 ]} 1972年にビルボード誌の音楽ジャーナリスト、ナット・フリードランドは、「60年代半ばの黄金期には、ボブ・ディランとビートルズがロックをビートのある芸術歌曲の領域へと拡大する道を切り開いた」と述べている。^{[ 28 ]}

1960年代から1970年代にかけてのイギリスのトップグループの多く（ビートルズ、ローリング・ストーンズ、キンクス、ザ・フー、10cc、ザ・ムーブ、ヤードバーズ、ピンク・フロイドのメンバーを含む）は、美術学校を経て音楽の世界に入った。 ^{[ 29 ] [ 30 ]}この学校は、業界で応用できるカリキュラムが少なく、型破りな才能の育成に重点を置いている点で、アメリカの美術学校とは異なっていた。^{[ 31 ]} 1960年代半ばまでに、これらのグループのいくつかは、それまでロックンロールやR&Bなどのアメリカ由来の音楽スタイルの本格的な解釈にのみ没頭していたのに対し、芸術と独創性に基づいたアプローチを支持するようになった。^{[ 32 ]}

影響力のあるアルバム

1965年12月にリリースされたビートルズの『ラバー・ソウル』は、ポップ・アルバムの形式における転換点とみなされている。^{[ 33 ] [ 34 ]}このアルバムは、当時ロック音楽では一般的ではなかった型破りなスタジオ技術や楽器の使用により、ビートルズをアメリカの主流メディアからアーティストとして認めさせた。^{[ 35 ] [ 36 ]} 1968年にJazz & Popのジーン・スクラッティは、 『ラバー・ソウル』を「決定的な『ロック・アズ・アート』アルバム」であり、ローリング・ストーンズ（『アフターマス』）やビーチ・ボーイズなどの主要アーティストが従わざるを得なかった「必要なプロトタイプ」であると認めた。 ^{[ 37 ]} Bandcamp Dailyによると、このレコードは「最高のアート・ロック・アルバムの1つ」である。^{[ 38 ]}

ロック音楽が現代美術界と最も密接に結びついた時期は1966年に始まり、1970年代半ばまで続いた。^{[ 39 ]}学者のマイケル・ジョンソンは、「ロック音楽における最初の記録された隆盛の瞬間」をビーチ・ボーイズの『ペット・サウンズ』（1966年5月）に関連付けている。^{[ 40 ]}伝記作家のデイヴィッド・リーフはこのアルバムがアートロックの先駆けとなったと書き、^{[ 41 ]}また、キュー誌はビーチ・ボーイズを、1967年後半までカウンターカルチャーに関連する他の多くの側面の中でも、アートロックに関して「先駆者」であったと評した。^{[ 42 ]}

ジャクリーン・エドモンドソンの2013年の百科事典『アメリカ生活における音楽』には、それ以前の例はあったものの、フランク・ザッパとマザーズ・オブ・インヴェンションのデビュー・アルバム『フリーク・アウト！』（1966年6月）は「ポップの文脈における芸術音楽の最初の成功例」と見なされるようになったと記されている。1960年代初頭からロサンゼルスを拠点としていたザッパは、学生運動の急進主義が活発な前衛シーンと密接に結びついた環境で活動することができ、この環境は当時ロサンゼルスを他のカウンターカルチャーの中心地よりも先に置いており、彼の音楽に影響を与え続けた。^{[ 12 ]}

1966年8月までに、ビートルズの『リボルバー』はロックアルバムを芸術として捉える視点をさらに推し進め^{[ 43 ] 、ポップミュージックの進化を継続させた[ 44 ]}。このアルバムは、インド音楽、アヴァンギャルド音楽、クラシック音楽を含む音楽スタイルの範囲と、アルバムの歌詞の内容という点でジャンルの範囲を拡大し^{[ 45 ]}、また、ポップソングの作曲におけるメロディーと構成に関する従来の概念からの脱却という点でも拡大した^{[ 46 ]} 。 『ラバー・ソウル』と同様に、このアルバムは1970年代の多くのプログレッシブ・ロック・アーティストに影響を与え^{[ 47 ]}、収録曲はそれぞれ新しいサブジャンルやスタイルを予見するものと認識されている^{[ 48 ] 。}

著者のマシュー・バニスターは、「アートロックのより自己意識的でキャンプな美学」を、ポップアーティストのアンディ・ウォーホルと、ウォーホルのアートとポップの融合を模倣したヴェルヴェット・アンダーグラウンドにたどっている。^{[ 49 ]}したがって、「ウォーホルは、スペクターの、ハイカルチャーの非物質性、『距離』、洗練と、ロックンロールのような大衆文化の『即時性』の組み合わせを、さらに数段階進めた…しかし、ウォーホルの美学は、スペクターの美学よりも徹底的に練り上げられており、スペクターの美学は、古風な作家主義と、徹底的にポストモダンで、ポップアートの超然とした信条との間の過渡期を表していた。…ウォーホルのアプローチは、アートロック全体に響き渡り、最も顕著なのは、彼の距離と無関心の姿勢である。」^{[ 50 ]}クラッシュ・ミュージックは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドの1967年3月のデビューアルバム『ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ』を「オリジナルのアートロックレコード」と呼んでいる。^{[ 51 ]}バニスターはヴェルヴェット・アンダーグラウンドについて、「1970年代/1980年代のアート/オルタナティブ・ロックのアーティスト、ライター、聴衆の心をこれほど強く掴んだバンドは他にない」と書いている。^{[ 52 ]}彼らの影響は1970年代以降、世界中のさまざまなインディーズ・シーンに繰り返し現れた^{[ 52 ]} 。また、米国議会図書館の国立録音登録簿によると、「 70年代のアート・ロックからノー・ウェーブ、ニュー・ウェーブ、パンクに至るまで、ほぼすべてのアヴァンギャルド・ロックのサブジャンル」にも影響を与えたという。^{[ 53 ]}

AllMusicによると、アートロックの第一世代のミュージシャンはビートルズの『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』（1967年5月）に影響を受け、ロック音楽が芸術的に成長するためには、ヨーロッパ音楽やクラシック音楽の要素をこのジャンルに取り入れるべきだと信じていたという。^{[ 54 ]}このアルバムの後に多くのイギリスのグループが活躍し、『Music in American Life』に挙げられているグループには、ムーディー・ブルース、ストローブス、ジェネシス、そして「最も注目すべき」ピンク・フロイドなどがある。^{[ 55 ]}

イギリスのバンド、ロキシー・ミュージックは「アートロックのパイオニア」として評価されている。^{[ 56 ]}イギリスの新聞「エコノミスト」はロキシー・ミュージックを「ビートルズ以来最高のアートロックバンド」と評した。^{[ 57 ]}さらに、「彼らは、ビートルズ以来、イギリスが生み出した最も偉大なアートロックグループである」と付け加えた。^{[ 57 ]}

音楽批評やジャーナリズムにおけるこの用語の使用に対する熱意は、1970 年代半ばに衰えた。^{[ 2 ]}それから 1990 年代にかけて、アート ロックはさまざまなポピュラー音楽ジャンルに浸透した。^{[ 1 ]}ブリタニカ百科事典は、このジャンルの傾向は一部のイギリスとアメリカのハード ロックやポップ ロックアーティストによって引き継がれ、ブライアン イーノが 1970 年代後半から 1980 年代前半にかけてデヴィッド ボウイやトーキング ヘッズとコラボレーションしたことは、「アート ロックの傾向を他のポピュラー音楽ジャンルにうまく浸透させた」例であると述べている。^{[ 1 ]}ボウイとイーノは「ベルリン トリロジー」と呼ばれる一連の連続アルバムでコラボレーションし、 Consequence of Soundはこれを「アート ロックの三部作」と評し、リリース当時、「実験的なレコードはボウイが慣れ親しんだ規模で聴衆とつながっていなかった... ニュー ウェーブが爆発し、ボウイの子孫の世代がステージに立った」と指摘した。^{[ 58 ]}

Pitchforkによると、Televisionのデビューアルバム『Marquee Moon 』（1977年）は「パンクに関連付けられるエネルギーを捉えつつ、アートロックやフロントマンのトム・ヴァーレインの詩的な衝動と融合させた」とのこと。^{[ 59 ] [ 38 ]} Bandcamp Dailyによると、クリーブランドのバンドPere Ubuは「アメリカンアートロックの頂点」であり、「アートロックは、高尚な内容を低俗な言葉で表現しているため、理想的なアメリカの言語であり、このバンドほどバランスの取れたバンドはいない」と述べている。^{[ 38 ]}

1980年代、トーク・トークはザ・クワイエタス誌によって「アートロックのパイオニア」と評された。^{[ 60 ]}当時、1970年代のオリジナル・アートロック・アーティストの多くは、実験的なサウンドを放棄していた。1981年にジャーナリストのロイ・トラキンは次のように書いている。「もちろん、これらのベテランたちは今でもマディソン・スクエア・ガーデンを満員にし、これまでと同じように多くのレコードを売ることができるが、冒険的なリスクテイクや音楽的革新の時代はとうに過ぎ去り、商業的成功の自己満足に取って代わられた。」^{[ 61 ]}

ガーディアン紙によると、1990年代にはレディオヘッドの1995年のアルバム『ザ・ベンズ』が「レディオヘッドが中堅オルタナティブロックバンドからアートロックバンドへと転身した転換点」だったという。^{[ 62 ] [ 63 ]} 1997年、レディオヘッドはアルバム『OKコンピューター』をリリースしたが、これは「アートロック」アルバムと評されている。^{[ 64 ] [ 65 ]}しかし、バンドはピンク・フロイドの1973年のアルバム『狂気』との比較にもかかわらず、アートロックとの関連性を否定した。^{[ 66 ]}ヴィレッジ・ヴォイスのロバート・クリストガウは、レディオヘッドはリードシンガーのトム・ヨークのボーカルを「炭鉱町を1か月養えるほどの電子的な限界的差異」に浸し、「魂のない」曲を補った結果、「乾いた」アートロックになったと述べている。^{[ 67 ]}

2000年代には、新世代のアーティストたちがジャンルの伝統を受け継ぎつつ、エレクトロニックミュージック、ノイズロック、ポストパンクの要素を取り入れ、アートロックは進化を続けた。ブラッドフォード・コックス率いるアメリカのバンド、ディアハンターは、アンビエントなテクスチャとギター主導の実験的な音楽の組み合わせで注目を集め、ガーディアン紙は彼らを2000年代後半のアートロックの復活の一翼を担う存在と評した。^{[ 68 ]}アニマル・コレクティブも同様に、サイケデリア、エレクトロニクス、フォークの伝統を融合させた折衷的な作曲アプローチで注目を集め、批評家たちはしばしばそれをアートロックの系譜と結びつけた。^{[ 69 ]}

2007年、NPRはアーケード・ファイアを「アートロックバンド」と評した。 ^{[ 70 ] [ 71 ]}

2013年、アメリカのロックデュオMGMTのアルバムMGMTのPitchforkレビューで、ライターのイアン・コーエンは、バンドが「偶然のヒット」をリリースしたことで、「妥協したメジャーレーベルシステムの中で、妥協のないアートロックのステルス工作員になることができた」と述べた。^{[ 72 ]}

マルチ楽器奏者アニー・クラークのプロジェクトであるセント・ヴィンセントは、 2010年代で最も著名なアートロックアーティストの1つとなった。彼女のセルフタイトルの2014年のアルバム『セント・ヴィンセント』は広く批評家の称賛を受け、NMEはそれを、鋭角的なギターワークとエレクトロニックなプロダクション、アートポップの感性を融合させた現代アートロックの金字塔と評した。^{[ 73 ]}

2010年代後半から2020年代初頭にかけて、ロンドン南部ブリクストンのウィンドミル・シーンは、アートロックの新たな波の中心地となった。ウィンドミル会場を中心に、 black midi、Squid、Black Country, New Roadなどのバンドは、複雑な拍子、荒々しいテクスチャ、ジャンルにとらわれない作曲を特徴とする独特のサウンドを発展させた。イギリスのグループ、Black Country, New Roadは、BBCによって「アートロック・コレクティブ」と評されている。^{[ 74 ] [ 75 ]} Varsityのライター、Anuk WeerawardanaとWilf Vallは、彼らの2022年のアルバム『Ants from Up There 』を「アートロックとチェンバーポップの融合」と評した。^{[ 76 ]} Black midiのデビューアルバム『Schlagenheim』 （2019年）は、 The Quietusによってポストパンクとアートロックの復活の金字塔と評された。^{[ 77 ]}

2026年にBandcamp Dailyは、アートロックは「決して時間の中で凍結されたことはなく」、新しいアーティストが「世代ごとに」このジャンルを進化させていると述べた。^{[ 38 ]}