サイケデリック音楽

サイケデリック音楽（サイケデリアと呼ばれることもある）^[1]は、1960年代のサイケデリア（DMT、LSD、メスカリン、シロシビンマッシュルームなどの幻覚剤を使用して共感覚や意識の変化した状態を体験した人々のサブカルチャー）の影響を受けた幅広いポピュラー音楽のスタイルとジャンルです。サイケデリック音楽は、これらの薬物の使用体験を高めることを目的としている場合もあり、サイケデリック療法に大きな影響を与えることがわかっています。^{[2] [3]}

サイケデリックには、音楽だけでなく、視覚芸術、映画、文学も含まれます。サイケデリック音楽は、1960年代に米国と英国のフォークバンドやロックバンドの間で生まれ、サイケデリックフォーク、サイケデリックロック、アシッドロック、サイケデリックポップというサブジャンルが生まれましたが、1970年代初頭に衰退しました。その後の数十年間に、プログレッシブロック、クラウトロック、ヘビーメタルなど、数多くの精神的な後継者が生まれました。1970年代以降は、サイケデリックファンク、ネオサイケデリア、ストーナーロック、さらにはアシッドハウス、トランスミュージック、ニューレイブなどのサイケデリックエレクトロニックミュージックのジャンルが復活しました。

「サイケデリック」という形容詞は、多くのアーティストがさまざまなスタイルで演奏しているため、誤用されることが多い。これを認めた上で、作家のマイケル・ヒックス氏は次のように説明している。

音楽のスタイルが「サイケデリック」である理由を理解するには、LSD の 3 つの基本的な効果、すなわち脱時間化、脱人格化、ダイナミゼーションを考慮する必要があります。脱時間化により、薬物使用者は従来の時間認識から外れることができます。脱人格化により、使用者は自己を失い、「区別のない一体性の認識」を得ることができます。[ティモシー] リアリーが書いたように、ダイナミゼーションにより、床からランプまですべてが曲がっているように見え、「見慣れた形が動き、踊る構造に溶け込む」ようになります... 真に「サイケデリック」な音楽は、これら 3 つの効果を模倣しています。^[4]

フランジング効果

短いサンプルに続いて2つのフランジバージョン

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フェイザー効果

未処理のオルガンにさまざまな位相効果を加えたもの

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これらのファイルの再生に問題がありますか?メディアヘルプを参照してください。

サイケデリック音楽には、いくつかの特徴が本質的に存在する。シタールやタブラを特に好む東洋の楽器が一般的である。^[5]歌は、現代のポップミュージックよりも、分離した歌の構造、調号や拍子の変更、旋律、ドローンが多い。 ^[4] シュール、気まぐれ、難解、文学に触発された歌詞がよく使われる。^{[6] [7]拡張された楽器セグメントや}ジャムに重点が置かれることが多い。^{[8] [無関係な引用] 1960年代には特に、電子オルガン、}ハープシコード、または初期のテープ駆動型「サンプラー」キーボードであるメロトロンを使用したキーボードの存在感が強い。^[9]

凝ったスタジオエフェクトが頻繁に使用され、例えばテープを逆再生したり、ステレオトラックの片側からもう片側へ音楽をパンしたり、電子位相の「シューッ」という音、長いディレイループ、極端なリバーブを使用したりします。^[10] 1960年代には、初期のシンセサイザーやテルミンなどの電子楽器が使用されました。^{[11] [12]}その後のエレクトロニックサイケデリックでは、コンピューターで生成された反復的なビートも使用されました。^[13]

1950年代後半からは、ウィリアム・バロウズ、ジャック・ケルアック、アレン・ギンズバーグ^[14]などのビート世代の作家が大麻やベンゼドリンなどの薬物について書いたり、使用したりして、薬物に対する意識を高め、その使用を広める一因となった。^[15] 1960年代初頭には、ティモシー・リアリー、アラン・ワッツ、オルダス・ハクスリー、アーサー・ケストラーなどの新しい意識拡張論者らによってLSDやその他の幻覚剤の使用が提唱され、^{[16] [17]}ローレンス・ベイジーによれば、それらは新世代の若者の考え方に大きな影響を与えた。^[18]

サイケデリックなライフスタイルは、1960年代半ばまでにカリフォルニア、特にサンフランシスコですでに発展しており、オウズリー・スタンレーによって最初の大規模なLSD地下工場が設立されました。^[19] 1964年からは、小説家ケン・キージーを中心に形成された緩やかなグループ、メリー・プランクスターズが、 LSD（スタンレー提供）の摂取、ライトショー、映画上映、グレイトフル・デッド（スタンレー出資）による不協和音の即興音楽を伴う一連のイベント、アシッド・テストを後援しました。 ^{[20]当時はウォーロックスとして知られ、}サイケデリック・シンフォニーとして知られていました。^{[21] [22]}プランクスターズは、サイケデリックな装飾を施した改造スクールバスでアメリカ中を旅し、薬物を配布したり、ビート・ムーブメントの主要人物と会ったり、1968年にトム・ウルフが書いた「エレクトリック・クールエイド・アシッド・テスト」^{などの出版物を通じて、LSDの使用を普及させるのに貢献した。 [23]}

サンフランシスコには、フォーク クラブ、コーヒー ハウス、独立系ラジオ局といった新興の音楽シーンがあり、近隣のバークレー校の学生や、この街に引き寄せられた自由思想家たちの需要に応えていた。^[24]ジャズやブルースのミュージシャンの間ではすでに薬物使用の文化があり、1960 年代初頭には、大麻、ペヨーテ、メスカリン、LSD ^[25]などの薬物の使用がフォークやロックのミュージシャンの間で増加し始めた。^[26]フォーク シーンで「サイケデリック」という用語が最初に使用された音楽の 1 つは、ニューヨークを拠点とするフォーク グループ、ザ ホーリー モダル ラウンダーズによる、1964 年のリード ベリーの「ヘジテーション ブルース」のカバーである。 ^[27]フォーク/アヴァンギャルド ギタリストのジョン フェイヒーは、1960 年代初頭に、逆再生テープなどの珍しい録音技術や、フルートやシタールなどの斬新な楽器伴奏を試した曲をいくつか録音した。^[28] 19分間の「ザ・グレート・サンバーナーディーノ・バースデー・パーティー」は「神経質な即興演奏と奇妙なギターチューニングでサイケデリックの要素を先取りしていた」。^[28] 同様に、フォークギタリストのサンディ・ブルの初期の作品は「フォーク、ジャズ、インドやアラブの影響を受けたドローン調の要素を取り入れていた」。^[29] 1963年のアルバム「ギターとバンジョーのためのファンタジア」は様々なスタイルを探求しており、「まさに最初のサイケデリックレコードの1つとも言える」。^[30]

すぐにミュージシャンたちは（最初は間接的に、後に明示的に）この薬物に言及し始め、LSDを摂取した体験を自分たちの音楽で再現または反映しようとした。それはサイケデリックアート、文学、映画に反映されていたのと同じである。^[31]この傾向はアメリカとイギリスの両方で並行して起こり、相互に関連したフォークシーンとロックシーンの一部として進んだ。^[32]ポップミュージックがサイケデリックなサウンドを取り入れ始めると、このジャンルは主流かつ商業的な勢力として台頭した。^[33]サイケデリックロックは60年代の最後の数年間にピークに達した。^{[7] 1967年から68年にかけて、気まぐれなイギリス版、またはよりハードなアメリカ西海岸の}アシッドロックのいずれかで、サイケデリックロックはロックミュージックの主流のサウンドであった。^[34]アメリカでは、1967年のサマー・オブ・ラブはヒューマン・ビー・イン・イベントで幕を開け、モントレー国際ポップフェスティバルでピークに達した。^[35]これらの傾向は1969年のウッドストック・フェスティバルで最高潮に達し、ジミ・ヘンドリックス、ジャニス・ジョプリン、ジェファーソン・エアプレイン、サンタナなど、ほとんどの主要なサイケデリック・バンドが出演した。^[36]

1960年代の終わりまでに、音楽でサイケデリックを探求する傾向は、ほぼ後退した。LSDは1966年に米国と英国で違法と宣言された。^[37]マンソンファミリーによるシャロン・テートとレノとローズマリー・ラビアンカの殺害と、ビートルズの曲「ヘルター・スケルター」との関連は、反ヒッピーの反発を招いた。^{[38] 1969年12月6日に}ローリング・ストーンズとジェファーソン・エアプレインがヘッドライナーを務めたカリフォルニア州のアルタモント・フリー・コンサートは、予想されていたようにサイケデリック音楽シーンの画期的な出来事とはならなかった。その代わりに、ヘルズ・エンジェルスの警備員が黒人のティーンエイジャー、メレディス・ハンターを刺殺した事件で悪名を馳せた。 ^[39]

1960年代の終わりまでに、多くのロックミュージシャンがロックンロールの起源であるルーツに立ち戻り、バーニー・ホスキンズが「退行的なポストサイケデリック音楽」と呼んだ発展につながった。彼は、ローリング・ストーンズ、ザ・バンド、デラニー&ボニー、ヴァン・モリソン、レオン・ラッセルのカントリーロックやブルース/ソウル風ロックを例に挙げた。ロックレコードでLSDが初めて言及されたのは、ギャンブラーズの1960年のサーフインストゥルメンタル「LSD 25」だった。^[40] 1966年10月にリリースされた『The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators ^{』 [41]}は、タイトルに「サイケデリック」という言葉が入った最初のロックアルバムの1つである。^[42] 1966年11月に発売されたLPのタイトルにこの単語を使用したバンドは他に2つある。ブルース・マグースの『Psychedelic Lollipop』とディープの『Psychedelic Moods』である。同時期に、フランク・ザッパと関係のあるアーティスト、マザーズ・オブ・インベンション、キャプテン・ビーフハート、ワイルドマン・フィッシャー、ザ・GTOs、アリス・クーパーらによって、より前衛的な展開がもたらされた。^{[43]音楽学者フランク・ホフマンによると、ポスト・サイケデリック・ハードロックは多様なロックシーンから生まれ、}レッド・ツェッペリン、ブラック・サバス、ロビン・トロワーの音楽に見られるように、より「映画的なギタースタイルと刺激的な歌詞のイメージ」を特徴としている。^[44]音楽学者のエドワード・メイカンは、出現した「ポストサイケデリック・ハードロック/ヘビーメタル・スタイル」は「ヒッピー精神とのつながりが弱く」、「ブルースの発展を強く強調した」と指摘している。^[45]歪んだギターの音、長いソロ、冒険的な作曲を伴うサイケデリック・ロックは、ブルース志向のロックとその後のメタルの出現をつなぐ重要な架け橋であった。ヤードバーズの元ギタリストであるジェフ・ベックとジミー・ペイジの2人は、それぞれジェフ・ベック・グループとレッド・ツェッペリンという新しいブルース・ロック・ヘビーメタルのジャンルの主要バンドを結成した。^{[46]ヘビーメタルのジャンルの他の主要な先駆者には、ブラック・サバス、}ディープ・パープル、ジューダス・プリースト、UFOなどがあり、ブルースをベースにしたサイケデリック・バンドとして始まった。^{[46] [47]}

アメリカの学者クリストフ・デン・タントによると、ポストサイケデリック時代の多くのミュージシャンは、ピンク・フロイドのコンセプトアルバムや、エマーソン・レイク・アンド・パーマーやイエスの名手による楽器演奏に見られるように、より厳格なプロ意識とクラシック音楽の要素を取り入れた。「1970年代初頭のポストサイケデリックロックは、小規模または中規模の組織で生まれた」と彼は付け加え、ヴァージン・レコード、アイランド・レコード、オブスキュア・レコードなどのレコードレーベルの名前を挙げた。^[48]サイケデリックを受け入れた多くのイギリスのミュージシャンやバンドは、1970年代にプログレッシブ・ロックというジャンルの創造に移行した。キング・クリムゾンのアルバム『クリムゾン・キングの宮殿』（1969年）は、サイケデリックとプログレッシブ・ロックをつなぐ重要な架け橋と見なされている。^[49]ホークウインドなど一部のバンドは1970年代まで明確にサイケデリックな路線を維持したが、ほとんどのバンドはサイケデリックな要素を捨て、より幅広い実験に乗り出した。^[50]ドイツのサイケデリック運動のバンドがサイケデリックなルーツから離れ、電子楽器に重点を置くようになると、クラフトヴェルク、タンジェリン・ドリーム、カン、ファウストなどのグループは、コスミッシェ・ムジーク、または英国のメディアでは「クラウトロック」として知られる独特のエレクトロニック・ロックを開発した。 ^[51]彼らが電子シンセサイザーを採用したこと、およびブライアン・イーノがロキシー・ミュージックでキーボード演奏で探求した音楽スタイルは、その後のエレクトロニック・ロックの発展に大きな影響を与えた。^{[52]ソフト・マシーンやカンなどのバンドの音楽にジャズのスタイルを取り入れたことは、}コロシアムなどのバンドの新興ジャズ・ロック・サウンドの発展にも貢献した。^[53]

ポスト・サイケデリック時代のもう一つの発展は、アルバムのアートワークなど、アーティストやレコードのマーケティングの自由度が高まったことだ。タントは、ミュージシャンやレコードに関する情報が限定されたレコードジャケットのデザインを通じて、レコーディングアーティストが経済市場における匿名性を好んだとしている。彼は、ピンク・フロイドの1970年代初期のアルバム、ビートルズの1968年のアルバム（非公式にはホワイトアルバムとして知られる）、レッド・ツェッペリンの1971年のアルバム（「今日までタイトルについてのコンセンサスがない」）を例に挙げている。彼によると、ブライアン・イーノやロバート・フリップのようなポスト・サイケデリックのミュージシャンは、アーティストと作品やスターダムとのこの断絶を「明示的に提唱した」という。 「そうすることで、彼らは1970年代後半のポストパンクの中心的な傾向の基礎を築いた」と彼は付け加え、それはザ・キュアーの最初の4枚のアルバム（バンドメンバーのぼやけた写真が特徴）とファクトリー・レコードのシリアルナンバー入りの暗い色のジャケットに表れている。^[48]

1970年代半ばまでに、ポスト・サイケデリック音楽の音楽性への重点は「偶像破壊的な反乱にさらされた」とタントは述べている。「1970年代半ばのパンクロックは、その真正または偽りの音楽的粗野さの精神により、10年前に開発されたものとは正反対の文化的手段を通じてロックの自立性を再び刻み込んだ。」 [ ^48]ポスト・サイケデリック時代の音楽は、それ以前のサイケデリック、フォークロック、イギリスのリズム・アンド・ブルースのスタイルとともに、後にクラシック・ロックのカテゴリーと関連付けられるようになった。^[48]

^{ストーナーロックは、ストーナーメタル[54]またはストーナードゥーム[ 55]}としても知られ、ヘビーメタルやドゥームメタルの要素とサイケデリックロックやアシッドロックを組み合わせたロックミュージックの融合ジャンルです。^{[57]この名前は}大麻の消費に由来しています。デザートロックという用語は、このジャンルを説明するために「ストーナーロック」という用語と互換的に使用されることがよくありますが、すべてのストーナーロックバンドが「デザートロック」という説明に当てはまるわけではありません。^{[58] [59]}ストーナーロックは通常、低速から中速のテンポで、ひどく歪んだグルーヴ感のあるベース重視のサウンド、^[60]メロディックなボーカル、「レトロ」なプロダクションが特徴です。^{[61]このジャンルは1990年代初頭に登場し、}モンスターマグネットやカリフォルニアのバンド、フー・マンチュー、カイアス^[62]、スリープによって開拓されました。^{[63] [64]}

ネオサイケデリア（または「アシッドパンク」）^{[65]は、1970年代にイギリスの}ポストパンクシーンから派生して生まれた多様な音楽スタイルです。その実践者は、1960年代のサイケデリックミュージックの珍しいサウンドを参考にし、その時代のアプローチをアップデートしたりコピーしたりしました。ネオサイケデリアには、サイケデリックポップ、ジャングリーなギターロック、激しく歪んだフリーフォームのジャム、またはレコーディング実験への進出が含まれる場合があります。^[66]ソフトボーイズ、ティアドロップエクスプローズ、エコー&ザバニーメンなど、このシーンのバンドのいくつかは、ネオサイケデリアの主要人物になりました。^[66] 1980年代初頭のペイズリーアンダーグラウンド運動は、ネオサイケデリアに続きました。^[66]ロサンゼルスで始まったこのムーブメントには、1960年代後半のサイケデリックに影響を受けた多くの若いバンドが参加し、それぞれがサイケデリックのさまざまな要素を取り入れた。「ペイズリー・アンダーグラウンド」という用語は後に、ロサンゼルス以外の都市のバンドも含むように拡大された。^[67]

マッドチェスターは1980年代後半にイングランド北西部のマンチェスター地域で発展した音楽と文化のシーンであり、アーティストがオルタナティブロックをアシッドハウスやダンスカルチャー、さらにはサイケデリックミュージックや1960年代のポップなどの他のソースと融合させた。 ^{[68] [69]}このレーベルは1990年代初頭に英国の音楽プレスによって普及し、^[70]その最も有名なグループにはストーンローゼズ、ハッピーマンデーズ、インスパイラルカーペッツ、ザシャーラタンズ、808ステイトなどがある。レイブの影響を受けたシーンは、ドラッグ、特にエクスタシー（ MDMA ）の影響を強く受けていると広く見なされている。当時、ニューオーダーのメンバーが共同所有していたハシエンダナイトクラブは、セカンドサマーオブラブと呼ばれた街の独特の音楽的精神の大きな触媒であった。^[71]スクリーマデリカは、スコットランドのロックバンド、プライマル・スクリームが1991年にリリースした3枚目のスタジオアルバムである。このアルバムは、バンドの初期のインディーロックサウンドからの大きな転換点となり、開花しつつあったハウスミュージックシーンや、それに関連するLSDやMDMAなどのドラッグからインスピレーションを得たものとなった。1992年に第1回マーキュリー音楽賞を受賞し、^[72]世界中で300万枚以上を売り上げた。

AllMusic は「80 年代初期のペイズリー アンダーグラウンド ムーブメントと1990 年代後半のエレファント 6 コレクティブを除けば、その後のネオ サイケデリック音楽のほとんどは、まとまりのあるシーンではなく、孤立した奇人やリバイバリストから生まれた」と述べている。さらに、彼らが考えるより著名なアーティストとして、チャーチ、ニック サロマンのベヴィス フロンド、スペースメン 3、ロビン ヒッチコック、マーキュリー レヴ、フレーミング リップス、スーパー ファーリー アニマルズを挙げている。^{[66] Treblezine}のジェフ テルリッチによると「プライマル スクリームは [ネオ サイケデリック音楽] をダンスフロアで楽しめるものにした。フレーミング リップスとスピリチュアライズドはそれをオーケストラの領域にまで持ち込んだ。そしてアニマル コレクティヴは、まあ、独自のことをやった」という。^[73]

アトランティック誌のライター、ルウェリン・ヒンクス・ジョーンズは、チルウェイヴ、グロファイ、ヒプナゴジック・ポップなど、メロウなビート、ビンテージ・シンセサイザー、ローファイ・メロディーを特徴とする2000年代のさまざまな音楽スタイルを挙げた。^[74]これら3つの用語は、クワイエタスによって、「ドリームビート」や「ヒップスター・ゴジック・ポップ」などの用語とともに互換性があると説明された。^[75]全体として、これらはシンセベースのサイケデリック音楽の一種と見なすことができる。^[75]

「チルウェーブ」という用語は、2009年7月にヒップスターランオフブログのカールス（ブログの著者が使用するペンネーム）が、同名の「ブログラジオ」番組で作った造語である。カールスは、似たようなサウンドの新進気鋭のバンドのためにこのジャンル名を考案した。^[76] 2009年8月、「ヒプナゴジックポップ」は、ジャーナリストのデイビッド・キーナンによって、2000年代のローファイとポストノイズミュージックの発展傾向を指して作られた造語であり、さまざまなバックグラウンドを持つアーティストが、文化的ノスタルジア、子供時代の記憶、時代遅れの録音技術の要素に取り組み始めた。 ^[77]

2010年までに、アリエル・ピンクとネオン・インディアンのアルバムは、ピッチフォークやザ・ワイヤーなどの出版物で定期的に称賛されるようになった。「ヒプナゴジック・ポップ」、「チルウェイヴ」、「グローファイ」という用語は、すぐにこれらのアーティストの進化するサウンドを表現するために採用され、そのうちの多くのアーティストの曲は独立系音楽界でかなりの成功を収めた。^{[74]もともと、これら3つの用語は同じ意味で使われるのが一般的だったが、チルウェイヴは後に}ドリームポップ、ニューエイジ、ミューザック、シンセポップの組み合わせとして区別されるようになった。^[78] 2009年にPitchforkのマーク・ホーガンが書いたネオン・インディアンのアルバムPsychic Chasmsのレビューでは、「ドリームビート」、「チルウェイヴ」、「グロファイ」、「ヒプナゴジックポップ」、「ヒップスターゴジックポップ」が「一般的に以下のいずれか、またはすべてに当てはまるサイケデリックミュージック」の互換可能な用語として言及されている。シンセベース、手作り風、80年代風、カセットテープ指向、日焼けした、のんびりとした、歪んだ、ぼんやりした、感情的に遠い、やや焦点が合っていない」^[75]

1960年代後半のジミ・ヘンドリックスの作品に続いて、サイケデリックはアフリカ系アメリカ人のミュージシャンに広範囲にわたる影響を与え始めた。^[79]スライ&ザ・ファミリー・ストーン などの黒人ファンク・アーティストは、ワウ・ペダル、ファズ・ボックス、エコー・チェンバー、ボーカル・ディストーションなどのサイケデリック・ロック音楽のテクニックや、ブルース・ロックやジャズの要素を借用した。^[80]その後数年間、パーラメント・ファンカデリックなどのグループがこの感性を引き継ぎ、シンセサイザーやロック志向のギターワークを自由なファンク・ジャムに取り入れた。^{[81] [80]}プロデューサーのノーマン・ホイットフィールドは、テンプテーションズの「クラウド・ナイン」（1968年）やマーヴィン・ゲイの「アイ・ハード・イット・スルー・ザ・グレイプヴァイン」（1969年）など、モータウンの人気レコーディングでこのサウンドを取り入れた。^[81]

公民権運動の影響を受け、サイケデリック・ソウルはサイケデリック・ロックの多くよりも暗く政治的な側面を持っていた。^[79]サイケデリック・ソウルは、スライ・アンド・ザ・ファミリー・ストーンの「I Want to Take You Higher」（1969年）や、テンプテーションズの「Cloud Nine」「Runaway Child, Running Wild」（1969年）、「Psychedelic Shack」（1969年）などの曲によって開拓された。^[82]

サイケデリック・ラップは、ヒップホップ音楽とサイケデリックを融合させたマイクロジャンルである。^{[83]先駆者には、}デ・ラ・ソウル、ジャングル・ブラザーズ、ア・トライブ・コールド・クエストを筆頭とするニューヨークのネイティヴ・タンズ集団、^[83]ショック・Gなどがいる。^[84]トリップ・ホップの「トリップ」はサイケデリックよりもダブ・ミュージックと関連が深かったが、^[85]このジャンルはサイケデリック・ロックとヒップホップを組み合わせたものである。^[86]

クラウドラップはラップのサブジャンルで、トラップミュージックの音響的特徴をいくつか備えており、ぼんやりとして夢のようなリラックスした制作スタイルで知られています。^{[87] [88]}ラッパーのリル・Bとプロデューサーのクラムス・カジノは、このスタイルの初期の先駆者として知られています。^{[87] [88]}「クラウドラップ」という用語は、インターネットの起源と空気のようなスタイルに由来しています。^[89]

レイブシーンでは、ハウス、アシッドハウス、テクノが重視された。レイブのジャンル「ハードコア」は、1980年代後半に倉庫パーティーやその他のアンダーグラウンド会場、英国の海賊ラジオ局で、英国のアシッドムーブメントの中で初めて登場した。^{[90]このジャンルは}オールドスクールハードコアへと発展し、ドラムンベースや2ステップなどの新しい形式のレイブミュージックや、ガバ、ハードスタイル、ハッピーハードコアなどの他のハードコアテクノジャンルにつながった。1980年代後半には、レイブ文化はヨーロッパ大陸を訪れるイギリス人駐在員やディスクジョッキーから浸透し始めた。アメリカのレイブは1990年代にニューヨークで始まった。^[要出典]

アシッドハウスは、 DJピエール、アドニス、ファーリー・ジャックマスター・ファンク、フューチャーなどのシカゴDJのハウスミュージックスタイルから1980年代半ばに生まれた。フューチャーは、1987年に「アシッドトラック」という名でこの用語を生み出した。ハウスの要素と、ローランドTB-303シンセサイザーが生み出す「スクエルチー」な音と深いベースラインをミックスしたものだ。シングルがイギリスに届き始めると、1986年から87年にかけてロンドンで開催された小さな倉庫パーティーでこのサウンドが再現された。1988年のセカンド・サマー・オブ・ラブでは、何千人ものクラブ客が大規模なレイブに足を運び、主流となった。その後、このジャンルは、M/A/R/R/S、S'Express、テクノトロニックのヒットで1990年代初頭までにイギリスのポップチャートに浸透し始め、その後トランスミュージックの人気に取って代わられた。^[91]

トランスミュージックは、1990年代初頭のドイツのテクノとハードコアシーンで生まれました。最小限のリズム変化と時折のシンセサイザーの雰囲気を伴う短く反復されたシンセサイザーラインを強調し、リスナーをトランスのような状態にすることを目的としていました。ビルボード誌の記者は、「トランスミュージックは、70年代のディスコと60年代のサイケデリックの混合として最もよく説明されるかもしれません」と書いています。^{[92]アシッドハウスとテクノミュージックから派生したトランスミュージックは、}ジョーイベルトラムの「Energy Flash」やCJボランドの「The Ravesignal」などのシングルとともにドイツとオランダで発展しました。これに続いて、ロバートライナー、サンエレクトリック、エイフェックスツインのリリースがあり、最も影響力があったのはハートハウスレーベルからリリースされたテクノトランスで、デュオハードフロアの「Acperience 1」（1992年）は多くの模倣を受けました。 1990年代初頭にイギリスで人気を博したものの、トリップホップやジャングルなどの新しいジャンルのエレクトロニックミュージックの登場で影を潜め、90年代後半に再び人気が高まり、クラブを席巻し始めた。すぐにプログレッシブトランス、アシッドトランス、ゴアトランス、サイケデリックトランス、ハードトランス、アップリフティングトランスなど、いくつかのサブジャンルに細分化されていった。^[93]

2010年代には、 Bassnectar、Tipper、Pretty Lightsなどのアーティストが、より主流のサイケデリック文化を席巻しました。「レイブ」ははるかに大きくなり、主流の人気を得るようになりました。

2000年代のイギリスでは、インディーロックとダンスパンクの組み合わせは、クラクソンズの宣伝で「ニューレイブ」と呼ばれ、この言葉はNMEによって取り上げられ、多くのバンドに適用された。^[94]それは、以前のレイブミュージックに似た視覚的美学を持つシーンを形成し、視覚効果を強調した。グロースティック、ネオン、その他のライトが一般的であり、シーンのフォロワーは、非常に明るい蛍光色の服を着ることが多かった。^{[94] [95]}

シンセデリアはサイケデリック音楽、エレクトロニック音楽、前衛音楽の融合であり、1960年代に始まった。^[96]

精神科施設の設計やサイケデリック薬物を用いた心理療法の様式においては、セットとセッティングが極めて重要である。^{[97]研究では、厳選された}音楽プレイリストが好ましいセッティングの一部となり得ることが示されている。 ^{[98] [99] [100]}

• サイケデリックフォークアーティストのリスト
• サイケデリックポップアーティストのリスト
• サイケデリックロックアーティストのリスト

• チャップマン、ロブ（2015）。サイケデリアとその他の色彩。ロンドン：フェイバー＆フェイバー。ISBN 978-0-57128-200-5。
• エチャード、ウィリアム (2017)。サイケデリック・ポピュラー・ミュージック：音楽トピック理論による歴史。インディアナ大学出版局
• ジョインソン、ヴァーノン (1984)。『アシッド・トリップ：サイケデリック・ミュージック完全ガイド』。トッドモーデン：バビロン・ブックス。ISBN 0-907188-24-9。
• レイノルズ、サイモン(1997)。「エデンへの回帰: サイケデリック音楽における無邪気さ、怠惰、田園主義、1966-1996」。メレキ、アントニオ (編) 。Psychedelia Britannica。ロンドン: Turnaround。pp. 143-65。