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| ポップミュージック | |
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| 文体の起源 |
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| 文化的起源 | 1950年代半ば、[4]アメリカ合衆国とイギリス |
| 派生形 | |
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| 地域の情勢 | |
| その他のトピック | |
ポップミュージックは、1950年代半ばにアメリカとイギリスで現代的な形で生まれたポピュラー音楽のジャンルです。 [4] 1950年代から1960年代にかけて、ポップミュージックはロックンロールとそれが影響を与えた若者向けのスタイルを包含していました。ロックとポップミュージックは1960年代後半までほぼ同義でしたが、その後、ポップはより商業的で、はかない、そして身近な音楽と結び付けられるようになりました。
ポップミュージックの特徴として、繰り返されるコーラスやフック、基本的な形式（多くの場合、ヴァース・コーラス構造）で書かれた短い～中程度の長さの曲、簡単に踊れるリズムやテンポなどが挙げられます。ポップミュージックの多くは、ロック、アーバン、ダンス、ラテン、カントリーなど他のスタイルから要素を借用しています。
ポピュラー音楽とポップミュージックという用語はしばしば同じ意味で使われますが、前者はより正確には人気のある音楽すべてを指し、さまざまなスタイルを含みます。レコードチャートに登場する音楽の多くはポップミュージックと見なされますが、このジャンルはチャートミュージックとは区別されます。
定義と語源
デビッド・ハッチとスティーブン・ミルワードは、ポップミュージックを「ポピュラー、ジャズ、フォークミュージックとは区別できる音楽の集合体」と表現している。[9]ピート・シーガー によると、ポップミュージックは「フォークミュージックと美術音楽の両方を取り入れたプロフェッショナルな音楽」である。[3] 音楽研究者のデビッド・ボイルは、ポップミュージックとは、マスメディアによって人が触れたあらゆる種類の音楽であると述べている。[10]ほとんどの人は、ポップミュージックはシングルチャートのみであり、すべてのチャートミュージックの総和ではないと考えている。音楽チャートには、クラシック、ジャズ、ロック、ノベルティソングなど、さまざまなソースからの曲が含まれている。ジャンルとして、ポップミュージックは別々に存在し、発展していると考えられている。[11]したがって、「ポップミュージック」という用語は、すべての人にアピールするように設計された独特のジャンルを表すために使用される可能性があり、多くの場合、「ティーンエイジャーを対象としたインスタントシングルベースの音楽」として特徴付けられ、ロックミュージックは「大人向けのアルバムベースの音楽」であるのとは対照的である。[4] [13]
ポップミュージックは、その定義とともに絶えず進化している。音楽ライターのビル・ラムによると、ポピュラーミュージックは「1800年代の産業化以降、都市部の中流階級の嗜好や興味に最も合致する音楽」と定義されている。[14]「ポップソング」という用語は、1926年に「大衆に訴える」音楽という意味で初めて使用された。[15]ハッチとミルワードは、1920年代のレコーディングの歴史における多くの出来事が、カントリー、ブルース、ヒルビリーミュージックなど、現代のポップミュージック産業の誕生と見なすことができると指摘している。[16]
『ニュー・グローブ音楽・ミュージシャン辞典』のウェブサイトによると、「ポップ・ミュージック」という用語は「1950年代半ばにイギリスで、ロックンロールとそれが影響を与えた新しい若者の音楽スタイルの説明として生まれた」とのことです。[2] オックスフォード音楽辞典は、「ポップの以前の意味は幅広い聴衆にアピールするコンサートを意味していたが、1950年代後半からは、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、ABBAなどのアーティストが演奏する歌の形で、通常はクラシック以外の音楽という特別な意味を持つようになった」と述べています。 [17]また、 グローブ・ミュージック・オンラインは、「[...] 1960年代初頭には、[イギリスでは]「ポップ・ミュージック」という用語がビート・ミュージックと用語的に競合し、米国ではその範囲が「ロックンロール」と重なっていました（現在もそうです）。[2]
1967年頃から、「ポップミュージック」という用語はロックミュージックという用語に対抗してますます使われるようになり、この区分によって両方の用語に一般的な意味が与えられた。[18]ロックはポピュラーミュージックの真正性と可能性の拡大を目指したが、 [18]ポップはより商業的で、はかない、そして身近なものだった。[19]英国の音楽学者サイモン・フリスによると、ポップミュージックは「芸術ではなく事業として」制作され、「すべての人にアピールするようにデザインされている」が、「特定の場所から来たり、特定の趣味を示すものではない」。フリスはさらに、ポップミュージックは「利益と商業的報酬以外の大きな野心によって動かされているわけではない [...] そして、音楽的には本質的に保守的である」と付け加えている。ポップミュージックは「下から作られるのではなく、上から提供される（レコード会社、ラジオ番組制作者、コンサートプロモーターなど） [...] 」ものであり、「自分で作る音楽ではなく、専門的に制作され、パッケージ化されている」。[4]
特徴
フリスによれば、ポップミュージックの特徴には、特定のサブカルチャーやイデオロギーではなく一般の聴衆にアピールすること、形式的な「芸術的」品質よりも職人技を重視することなどがある。[4]さらに、フリスはポップミュージックの特徴として、軽い娯楽、商業的要請、個人の同一性という3つを挙げている。ポップミュージックは、軽い娯楽とイージーリスニングの伝統から生まれた。[22]ポップミュージックは、フォーク、ブルース、カントリー、伝統音楽などの他の音楽ジャンルよりも保守的である。多くのポップソングには、抵抗、反対、政治のテーマは含まれておらず、愛と人間関係に重点が置かれている。したがって、ポップミュージックは聴衆に社会的に挑戦したり、政治活動を引き起こしたりしない。フリスはまた、ポップミュージックの主な目的は収益を生み出すことだと述べた。ポップミュージックは人々の自由な表現の媒体ではない。代わりに、ポップミュージックは、リスナーにアピールする決まりきった性格、ステレオタイプ、メロドラマで、個人的な欲求の本質を満たし、即座に共感を得ようとする。それは主に、ポップミュージックがレコード会社にどれだけの収益をもたらすかということである。[23]音楽学者のティモシー・ワーナーは、ポップミュージックは一般的にライブパフォーマンスよりも録音、制作、技術に重点が置かれ、進歩的な発展よりも既存のトレンドを反映する傾向があり、ダンスを奨励したり、ダンス志向のリズムを使用したりしていると述べた。[19]
ポップミュージックの主な媒体は歌であり、長さは2分半から3分半であることが多く、一般的には一貫した目立つリズム要素、主流のスタイル、シンプルで伝統的な構造が特徴です。[26]多くのポピュラーソングの構造はヴァースとコーラスで構成されており、コーラスは音楽的にも歌詞的にも単純な繰り返しによって耳に残るようにデザインされたトラックの部分です。コーラスは音楽が盛り上がる部分であることが多く、ベースとドラムのパートが「ドロップ」する「ドロップ」が先行することがよくあります。[27]一般的なバリエーションには、ヴァース・コーラス形式と32小節形式があり、メロディーとキャッチーなフックに重点が置かれ、コーラスはメロディー、リズム、ハーモニーの点でヴァースと対照的です。[28]ビートやメロディーは単純で、ハーモニーの伴奏は限られている傾向があります。[29]現代のポップソングの歌詞は、例外もあるものの、典型的には愛や恋愛関係といったシンプルなテーマに焦点を当てている。[4]
ポップミュージックのハーモニーとコード進行は、しばしば「古典的なヨーロッパの調性をより単純化した」ものである。[30]決まり文句には、理髪店の四重奏風のハーモニー（つまり、ii – V – I）やブルースの音階に影響されたハーモニーが含まれる。[31] 1950年代半ばから1970年代後半にかけて、ドミナント機能の優位性の低下など、五度圏の伝統的な見解の影響力が弱まった。[32]
2023年10月、ビルボードは「ベストポップソング500」のリストをまとめました。その中で、彼らは「ポップソング」を定義することの難しさを指摘しました。
ポップを要約するのが難しい理由の1つは、ポップには音的または音楽的な定義がないからです。多くの大ヒットポップソングには共通する要素がありますが、結局のところ、「ポップ」とは何よりもまず「人気がある」という意味であり、十分に人気が出る曲であれば、ほとんどどんな曲でもポップソングとみなすことができます。[33]
発展と影響
テクノロジーとメディア
1940年代には、マイクのデザインが改良され、より親密な歌唱スタイルが可能になり、10～20年後には、シングル用の安価で耐久性の高い45回転レコードが「ポップの普及方法に革命をもたらし」、ポップミュージックを「レコード/ラジオ/映画スターシステム」へと移行させるのに貢献した。[35]もう1つの技術的変化は、1950年代にテレビが普及し、パフォーマンスがテレビで放映されたことであり、これは「ポップスターは視覚的な存在感を持たなければならなかった」ことを意味した。[35] 1960年代には、安価なポータブルトランジスタラジオの導入により、先進国の10代の若者が家の外でも音楽を聴けるようになった。[35] 1980年代初頭までに、ポップミュージックのプロモーションは、 MTVなどの音楽テレビチャンネルの台頭に大きく影響され、「視覚的にアピール力のあるマイケルジャクソンやマドンナなどのアーティストを優遇した」 [35] 。
マルチトラック録音（1960年代から）やデジタルサンプリング（1980年代から）も、ポップミュージックの創作や加工の手法として使われてきた。[4] 1960年代半ば、ポップミュージックは新しいサウンド、スタイル、テクニックを繰り返し取り入れ、リスナーの間で議論を巻き起こした。「プログレッシブ」という言葉が頻繁に使われ、すべての曲やシングルは前作からの「進歩」であると考えられていた。[36] 音楽評論家の サイモン・レイノルズは、1967年以降、「プログレッシブ」ポップと「マス/チャート」ポップの間に分断が生じ、「大まかに言えば、男の子と女の子、中流階級と労働者階級の分断でもあった」と書いている。[37]
20世紀後半には、アメリカ文化において、芸術とポップミュージックの境界がますます曖昧になるという大規模な傾向が見られました。[38] 1950年から1970年にかけて、ポップとアートの論争がありました。[39]それ以来、一部の音楽出版物は音楽の正当性を受け入れており、この傾向は「ポピュリズム」と呼ばれています。 [39]
文体の進化
ポップミュージックは、その発展を通じて、他のジャンルのポピュラー音楽から影響を受けてきました。初期のポップミュージックは、ドイツのシュラーガーやフランスのシャンソンに相当するアメリカ版である伝統的なポップを参考にしていましたが、ヨーロッパ諸国のポップと比較すると、伝統的なポップはもともとティン・パン・アレーの作詞作曲、ブロードウェイシアター、ショーチューンなどからの影響を重視していました。ジャンルが進化するにつれて、クラシック、フォーク、ロック、カントリー、エレクトロニックミュージック、その他のポピュラージャンルからの影響がより顕著になりました。2016年、1955年から2010年の間に録音されたポピュラーミュージックの464,000件以上の録音を調査したScientific Reportsの研究では、1960年代のポップミュージックと比較して、現代のポップミュージックはピッチ進行の種類が少なく、平均音量が大きく、 [40]楽器や録音技術の多様性が低く、音色の多様性が低いことがわかりました。[41]サイエンティフィック・アメリカンのジョン・マトソンは、この研究は「昔のポップミュージックは今日のトップ40の曲よりも「優れていた」、あるいは少なくともより多様であったという一般的な逸話的な観察を裏付けているようだ」と報告した。しかし、彼はまた、この研究が各世代のポップミュージックを完全に代表しているわけではないかもしれないと指摘した。[41]
1960年代、主流のポップミュージックの大半は、ギター、ドラム、ベースのグループ、または伝統的なオーケストラをバックにした歌手の2つのカテゴリーに分類されました。[42] 10年代初頭から、ポッププロデューサー、ソングライター、エンジニアが音楽形式、オーケストレーション、不自然なリバーブ、その他の音響効果を自由に実験することは一般的でした。最もよく知られている例のいくつかは、フィル・スペクターのウォール・オブ・サウンドと、ジョー・ミークがトルネードスなどのバンドで使用した自家製の電子音響効果です。[43]同時に、ラジオやアメリカとイギリスの映画で流れるポップミュージックは、洗練されたティン・パン・アレーからよりエキセントリックな作曲へと移行し、適切にアレンジされリハーサルされたスタジオミュージシャンのグループが演奏するリバーブたっぷりのエレキギター、シンフォニックストリングス、ホルンを取り入れました。[44]ニューヨーク大学 が2019年に実施した調査では、643人の参加者にポップソングの馴染み度をランク付けしてもらったところ、1960年代の曲が最も記憶に残りやすく、2000年から2015年の曲よりも大幅に記憶に残りやすいことが判明しました。[45]
1960年代後半のプログレッシブポップ以前は、演奏家は自分の音楽の芸術的内容を決めることができなかったのが一般的だった。[46] 1960年代半ばの経済成長に後押しされ、レコード会社はアーティストに投資を始め、アーティストに実験の自由を与え、内容とマーケティングに対する限定的な管理権を与えた。[47]この状況は1970年代後半以降に衰退し、インターネットスターの台頭まで再浮上することはなかった。[47] 1970年代後半に発展した インディーポップは、当時の目新しい前提であるメジャーレーベルからレコード契約を結ばなくても自分の音楽を録音してリリースできるという前提でギターバンドが結成され、現代のポップミュージックの魅力からのもう一つの離脱を示した。[48]
1980年代は、シンセサイザーの使用に関連したデジタル録音の使用が増加し、シンセポップミュージックや非伝統的な楽器をフィーチャーした他のエレクトロニックジャンルの人気が高まったことでよく知られています。[ 49 ] 2014年までに、世界中のポップミュージックはエレクトロニックダンスミュージックに浸透しました。[50] 2018年、カリフォルニア大学アーバイン校の研究者は、ポップミュージックは1980年代から「悲しく」なったと結論付けました。幸福感と明るさの要素は最終的にエレクトロニックビートに置き換えられ、ポップミュージックはより「悲しくも踊りやすい」ものになりました。[51]
国際的な拡散と交配
ポップミュージックはアメリカと（1960年代半ば以降は）イギリスの音楽業界によって支配されており、その影響でポップミュージックは国際的な単一文化のようなものになっていますが、ほとんどの地域や国には独自のポップミュージックがあり、時にはより広いトレンドのローカルバージョンを生み出し、それにローカルな特徴を与えています。[53]これらのトレンドのいくつか（たとえばユーロポップ）は、このジャンルの発展に大きな影響を与えました。[54]
ポップミュージックの歴史は、主に戦後のアメリカとイギリスのポップカルチャーの絡み合いの歴史です。
—ボブ・スタンリー[50]
Grove Music Onlineによると、「西洋由来のポップスタイルは、独特のローカルジャンルと共存するか、または周縁化するかに関わらず、世界中に広がり、グローバルな商業音楽文化のスタイルの共通分母を構成するようになった」とのことです。[55]日本などの一部の非西洋諸国では、ポップミュージック産業が盛んに発展しており、そのほとんどは西洋スタイルのポップに専念しています。日本はここ数年、米国を除くどこよりも多くの音楽を生み出してきました。[説明が必要] [55]西洋スタイルのポップミュージックの普及は、アメリカ化、均質化、近代化、創造的盗用、文化帝国主義、またはより一般的なグローバリゼーションのプロセスを表すものとして、さまざまに解釈されてきました。[55]
他の音楽スタイルと並行して発展したポップミュージックのスタイルの一つにラテンポップがある。これは1950年代に米国で人気が高まり、初期のロックンロールの成功者リッチー・ヴァレンスがいた。[58]その後、ロス・ロボスやチカーノ・ロックが1970年代から1980年代にかけて人気を博し、ミュージシャンのセレナは1980年代から1990年代にかけて大規模な人気を博し、テハノミュージシャンのリディア ・メンドーサやリトル・ジョーのファンの間でもクロスオーバー的な人気を博した。[要出典]その後、ヒスパニック系やラテン系アメリカ人がポップミュージックチャートで成功を収めたため、1990年代のポップの成功は、元のジャンルとより幅広いポップミュージックの両方で人気を維持した。[59]ロス・デル・リオの「マカレナ」やルイス・フォンシの「デスパシート」などのラテンポップのヒットシングルは、世界中のポップミュージックチャートで記録破りの成功を収めている。[60]
20 世紀後半に世界的なスーパースターとなった著名なポップアーティストには、ホイットニー・ヒューストン、マイケル・ジャクソン、マドンナ、ジョージ・マイケル、プリンスなどがいます。
21世紀
2000年代初頭、1990年代後半に主流だったトレンドは依然として続いていたが、人々がインターネットから音楽をダウンロードし始めると、音楽業界は変化し始めた。人々は主流から外れたジャンルやアーティストを発見し、彼らを有名にすることができるようになったが、同時に、小規模なアーティストは音楽が海賊版にされたために生計を立てるのが難しくなった。[61]人気アーティストは、アヴリル・ラヴィーン、ジャスティン・ティンバーレイク、イン・シンク、クリスティーナ・アギレラ、デスティニーズ・チャイルド、ブリトニー・スピアーズだった。ポップミュージックは多くの異なるジャンルから生まれることが多く、各ジャンルが次のジャンルに影響を与え、ジャンル間の境界線が曖昧になり、区別がつかなくなっていった。この変化は、プロデューサーのダンジャの影響を受けて、 EDM、アバンギャルドファンク、R&B、ダンスミュージック、ヒップホップのサウンドをミックスした、スピアーズの非常に影響力のある2007年のアルバム「ブラックアウト」に象徴されています。[62]
2010年までに、ダンスミュージックの影響を受けたポップミュージックがチャートを独占するようになった。ラジオがトレンドを作る代わりに、クラブがトレンドを作るようになった。2010年代初頭、ウィル・アイ・アムは「新しいバブルは世界中のクラブの集合体だ。ラジオはそれに追いつくために最善を尽くしているだけだ」と述べた。[64]パーティーによる現実逃避を歌った曲が最も人気を博し、 2008年の金融危機後に世界を席巻した経済問題を忘れたいという衝動に影響された。[65] 2010年代を通して、多くのポップミュージックもオルタナティブポップからヒントを得始めた。2010年代初頭にラナ・デル・レイ[66]やロード[67]などのアーティストによって人気を博し、後にビリー・アイリッシュやテイラー・スウィフトなどの他の非常に影響力のあるアーティストに影響を与えた[68]オルタナティブポップは、ポップミュージックの中により悲しく憂鬱なトーンを生み出す余地を与えた。
参照
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さらに読む
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- ロクソン、リリアン、(1969) 「ロック百科事典」、グロスセット＆ダンラップ。
- Shuker, Roy、(2002) 「ポピュラー音楽：主要概念」、Routledge、(第2版) ISBN 0-415-28425-2。
- スター、ラリー & ウォーターマン、クリストファー (2002) 『アメリカのポピュラー音楽: ミンストレルショーから MTV まで』、オックスフォード大学出版局。
- Watkins, S. Craig、(2005) 「ヒップホップの問題：政治、ポップカルチャー、そして運動の魂をめぐる闘い」、Beacon Press、ISBN 0-8070-0982-2。
外部リンク
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- カーリーのポップミュージック
- 音楽の消費と価値観の表現：ポップミュージックの出現に対する社会経済的説明、ウィルフレッド・ドルフスマ、アメリカ経済社会学ジャーナル、1999年10月。