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アリーナロック（スタジアムロック、ポンプロック、コーポレートロックとも呼ばれる）[ 1 ] [ nb 1 ]は、 1970年代に主流となったロック音楽のスタイルです。通常、大勢の聴衆に向けて演奏されるように設計された、ラジオ向きのロック音楽が含まれます。
ハードロックやポップロックの人気が高まるにつれ、グループは観客の前でのパフォーマンスや大規模なコンサートを想定した楽曲を作り始めた。アリーナロックは、ラジオ放送を目的とした、より商業的なサウンドの使用から発展した。アップテンポでドラマチックな曲とスローなパワーバラードの両方を含む、高度にプロデュースされた音楽は、メロディーを重視し、アンセム的なコーラスを頻繁に用いる。[ 3 ]その他の主な特徴としては、目立つギターエフェクトとキーボード楽器の使用が挙げられる。[ 4 ] [ 5 ]アリーナロックの歌詞の典型的なテーマには、愛、失恋、不安、感傷などがある。[ 6 ]
上記のラベルの多くは軽蔑的に使用されており、[ 5 ] [ 7 ]音楽批評に関する議論では、ミュージシャンがロックのスペクタクルと大衆へのアピールに重点を置くことで、特に「中流階級」の人々と他のリスナーの関心の違いという点で、芸術的価値が損なわれるかどうかという問題に踏み込むことが多い。 [ 8 ] [ 7 ]アリーナロックへの関心は、カナダまたは米国に住む労働者階級から中流階級の男性とステレオタイプ的に結び付けられており、 [ 4 ]これは一部の批評で社会的地位に対する見下した偏見の根拠として挙げられている。[ 8 ]しかし、この音楽スタイルは、特にツアーの面で、世界中で非常に成功している。[ 3 ] [ 8 ]
歴史家のゲイリー・A・ドナルドソンは、アリーナロックを「大きな髪型、大きな声、そして本当に大きなギター」と要約している。より生々しく、時代遅れのアプローチをとる他のタイプの音楽とは対照的に、アリーナロックのミュージシャンはドラマチックな演出を重視する。バンドは意図的に大勢の観客のために楽曲をデザインし、曲はメロディーに焦点を当て、しばしば耳障りなコーラスを特徴とする。ギターエフェクトとキーボード楽器の使用は、このジャンルの重要な要素である。[ 4 ] [ 5 ]花火、スモークの使用、洗練された照明方法は、アリーナロックとして知られるものの視覚的美学の一部となった。[ 9 ]
ジャンルの違いにもかかわらず、ビートルマニアと、ビートルズがアメリカで演奏した際に彼らを迎えた巨大な叫び声を上げる群衆は、アリーナロックに影響を与え、特にミュージシャンとしての自分たちと大衆の根源的な欲求とのつながりについてのアーティストの複雑な見解に影響を与えた。[ 10 ]ロックスタイルの台頭は、 1960年代のヒッピー型の理想主義的な文化の終焉を大抵意味し、特に1969年の悪名高いアルタモント・フリー・コンサート後の幻滅の後、自信に満ち、力強く、かつより商業的な新しい音楽表現の形を表していた。[ 10 ]数百人が負傷し、1人が死亡したこのコンサートは、「10年間の精神的な死」と評されている。[ 11 ]
1960年代後半から1970年代半ばにかけて、技術の進歩により、音質を損なうことなく増幅装置や音響システムのパワーを増大させることが可能になり、ハードロックバンドはより大規模な会場を使用できるようになった。アリーナロックの誕生はローリング・ストーンズの1969年の米国ツアーによるものだとガーディアン紙は評し、ロック音楽史における50の重要な出来事のリストで同ツアーを19位にランク付けした。[ 12 ]このツアー以前は、大規模なショーで最も大きな音は観客の声であることが多かったため、ストーンズは最大のアリーナでも自分たちの姿が見え、音が聞こえるように照明と音響システムを確保し、ガーディアン紙は「彼らの卓越したフロント・オブ・ハウスとバックステージの巧みな手腕の組み合わせが、ツアービジネスを全く新しいレベルに引き上げた」と述べている。[ 12 ]
グランド・ファンク・レイルロードは、 1969年のデビュー・アルバムのリリース時に全国ツアーを行ったことから「人民のバンド」と宣伝し、短期間のうちにジョージア州で約12万5千人、テキサス州で約18万人を動員した。ハードロックはヘヴィメタルやアリーナロックのスタイルに影響を与えたが、1970年代後半から1980年代初頭にかけてロックの主流を席巻したラウドネスとヘヴィなサウンドへのこだわりを共有していた。[ 10 ]
スティクス、フォリナー、ジャーニー、REOスピードワゴン、ボストン、トト、カンサス、ナイトレンジャーなどのバンドは、 1970年代後半から1980年代前半にかけて人気のあったアリーナロックバンドだった。[ 3 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]
アリーナロックの人気は、1970年代以降、音楽的に「支配的な勢力」と評され[ 16 ] 、多くの音楽的反応を引き起こした。イギリスのパブロック運動は、主に小規模なイベントを重視し、演奏者と観客の間に友好的で親密なつながりを促進することを目的としていたことから生まれた[ 17 ]。 1970年代のパンクロックとパンクサブカルチャー全般の爆発的な流行は、当時の主流ロックの行き過ぎと見なされていたものに直接的に異議を唱えた[ 18 ] 。
1970年代の音楽は、それまでの数十年と比べて哲学的な関心の変化を反映していることが多く、集団主義的な社会活動への関心よりも、個人の成長、内省、自己改善がより重視されるようになった。軽蔑的に「ミー・ディケイド」と呼ばれるようになったこの時代、ロックのリリースはしばしば快楽主義的で自己陶酔的な放棄を称賛した。多くのアーティストはまた、特に独立を歌った賛歌において、個人のインスピレーションと達成に基づいたアリーナロックサウンドを追求した。[ 8 ] [ 10 ] 1980年代以降のトレンドの変化という点では、このスタイルは基本的に大衆ポップカルチャーの魅力という点でディスコに取って代わった。 [ 4 ]
ロックンロール殿堂は、次の10年間、特に1980年代後半は「商業放送の観点からハードロックの黄金時代と見なされている」と述べている。[ 19 ]
1980年代、アリーナロックはパフォーマンス重視でありながら、より攻撃的で対立的な形で進化しました。メインストリームロックは、音楽とビジュアルの両方に重点を置いたヘアメタル（「グラムメタル」や「ポップメタル」とも呼ばれる）バンドに支配されるようになりました。派手な服装に濃いメイクやドラマチックなヘアスタイルなどの要素が加わり、一般的になりました。このジャンルの代表的な例としては、デフ・レパード、モトリー・クルー、ポイズンなどが挙げられます。彼らの人気は、 1990年代初頭のニルヴァーナの成功に影響を受けたアーティストを中心に、さらに攻撃的なサウンドで大衆の意識に浸透し始めたオルタナティブロックやグランジバンドの成功によって急落しました。[ 20 ] [ 21 ]
ウェブサイトAllMusic は、「昔ながらのハードロックはオルタナティブ ロックの時代以降、希少な商品となった。グランジ以降、多くのギターバンドは意識的に真面目な態度を採用しただけでなく、拳を突き上げるようなアリーナ向けのコーラスを書く衝動にも抵抗した」と述べている。[ 16 ]多くのアーティストはカルト的な人気を維持し続けている。[ 20 ] [ 21 ]特にバンドBon JoviとVan Halenは 1990 年代まで大きな商業的成功を収めた。 [ 22 ] [ nb 2 ] 90 年代後半と 2000 年代には、CreedやNickelbackなどのポスト グランジのバンドが独自のアリーナ ロック アンセムをリリースして成功を収めた。[ 24 ]
ケープブレトン大学の民族音楽学者クリス・マクドナルドは、音楽評論家が軽蔑的に「アリーナロック」や「オールドウェーブ」といったレッテルを貼る行為は、モダニズムの影響を受けた階級主義を背景としていると主張している。つまり、大衆の人気は、特にファンが白人の労働者階級から中流階級であることから、市場原理を軽視しつつハイカルチャーに焦点を当てる評論家の目を通して、認識されている芸術的価値に対する反論として提示されるのである。カナダのトリオ、ラッシュに焦点を当てて、マクドナルドは、ミュージシャンがロックのスペクタクルに焦点を当てているために、このグループが「眩しいが中身がない」と酷評されるのは、彼らの音楽を聴く「中流階級」の人々との心理的な距離の結果であると述べている。[ 8 ]
1970年代の大規模なツアーやコンサートで商業スポンサーシップが使われるようになったこと（この慣習は今も続いている）により、この音楽は「コーポレートロック」という蔑称で呼ばれるようになった。[ 5 ]ライターのクリス・スミスは、このスタイルはリスナーを非人間化し、ミュージシャンと真に関わるのではなく受動的な受け手にしてしまうと主張し、さらに様々なバンドを均質化された製品のような立場に置いたと述べている。[ 7 ]また、資本主義のプロパガンダとも見なされている。[ 25 ]特定のグループを「ダサい」と判断するテイストメーカーの判断と、その大衆への訴求力との間の隔たりは、1960年代末のこのスタイルの起源以来存在しており、[ 10 ]「ダッドロック」など、他にも様々な蔑称が使われてきた。[ nb 3 ] [ 5 ]
批判に意図的に反抗し、エリート層に対抗して民衆を代表していると主張することは、音楽マーケティングで用いられてきた。[ 10 ]アリーナロックと、いわゆる「ヤッピー」とその派手な消費との関連性は、このスタイルを、メディアでしばしば中傷され、嘲笑的な風刺画やその他の種類の嘲りの対象となっているグループと結びつけてきた。しかし、歴史家のゲイリー・A・ドナルドソンが指摘するように、この音楽は衰退しつつあったディスコというジャンルを凌駕し、関連バンドは世界中でツアーを成功させた。[ 4 ]
アリーナ ロックは、当初はジャーニーやシカゴのような大げさなロック バンドを形容するために大衆紙が使用したラベルですが、愛や不安について過度に感傷的な歌を書くロック バンドも含まれます。マライア キャリーがジャーニーの曲「オープン アームズ」をカバーしたという事実は、これら 2 つのメロドラマチックなジャンルの互換性を示しています。この関連性を裏付けるさらなる証拠として、カナダの文化評論家カール・ウィルソンの「セリーヌ・ディオンの主な形式であるパワーバラードは、1960年代に衰退した感傷的な衝動を最も回復させた1970年代のアリーナロックの発明である」（2007: 66）という指摘がある。ニッケルバックのような最近のアリーナロックバンドは、ロマンチックというよりはむしろ軽蔑に満ちた愛の見方を採用している。しかしながら、「This Is How You Remind Me」のような曲は、失恋への同様の執着を示しており、アリーナロックのアンセムの伝統と一致し、詩的な陳腐さについて同様に批判されている。
何が売れて何が売れないのかをすぐに理解した。彼らはパール・ジャムを真似したが、それは必ずしも悪いことではないものの、より芸術的な曲はファースト・アルバムのようなヘヴィなアリーナ・アンセムほど売れないことに気づいた。サウンドガーデンを真似したのはそれ自体は素晴らしい試みだったが、彼らはサウンドガーデンの楽曲の複雑さを考慮に入れなかった。こうした若いミュージシャンたちはクリードやニッケルバックといったバンドを結成し、リスナーは凡庸さの灯を掲げる、精彩を欠いた模倣者の世代に付き合わされることになった。彼らは何百万枚も売り上げたが、先人たちが必死に打ち負かそうとしたヘアメタル・バンドと同じくらい中身が空っぽだった。