エミルー・ハリス

ハリスは定期的にグリニッジ・ヴィレッジの音楽シーンで活動し、仲間のアーティストであるジェリー・ジェフ・ウォーカー、デイヴ・ブロムバーグ、ポール・シーベルと親交を深めた。^{[ 18 ]}彼女はザ・ビター・エンドを含むグリニッジ・ヴィレッジの有名なクラブで働いた。^{[ 7 ]}また、ウェイトレスや書店のレジ係として働き、生計を立てていた。ハリスは夫と娘とともに近くのYWCAに住んでいた。^{[ 10 ]}ハリスは1969年に初めてマネージャーを得て、ジュビリー・レコードと契約した。同レーベルは1970年に彼女のデビュー・スタジオ・アルバム『グライディング・バード』をリリースした。 ^{[ 18 ]}このアルバムにはハリス自身が作曲した数曲と、最初の夫であるトム・スロカムが作曲した1曲が収録されている。後の作品とは異なり、『グライディング・バード』は「エミー・ルー・ハリス」名義でリリースされた。^{[ 19 ]}

ジュビリー・レコードは、グライディング・バードのリリース直後に破産を宣告した。ハリスと夫はその後、テネシー州ナッシュビルで音楽のキャリアを築こうと決意した。夫婦はナッシュビル滞在中に離婚した。^{[ 20 ]}ハリスはウェイトレスとして働き、自分と娘を養おうとした。しかし、彼女はフードスタンプとメディケイドで生活していた。最終的に、彼女はワシントンDC近くのメリーランド州郊外クラークスビルにある両親の家に帰った。^{[ 21 ] [ 9 ] [ 22 ]}その後、ハリスはメリーランド州コロンビアでホステスの仕事を得た。^{[ 23 ]}

同時に、ハリスはワシントン DC とその近郊のクラブで演奏してファンを獲得していった。^{[ 13 ]}しかし、彼女は音楽アーティストとして成功できるとは確信していなかった。「その時点で、私は音楽業界から完全に引退した」と彼女は回想している。^{[ 23 ]}この時期にハリスが演奏したクラブの中には、クライドとザ・セラー・ドアがあった。^{[ 13 ]} 1971 年のある晩、彼女はザ・セラー・ドアでカントリー ソング「It Wasn't God Who Made Honky Tonk Angels」を「ほとんど冗談で」演奏した。当時、彼女はカントリー ミュージックについてほとんど知らなかったからだ。フライング・ブリトー・ブラザーズは、ショーの後に飲んでいるときに彼女の演奏に気づき、彼女に才能があると考えた。^{[ 12 ]}シンガーソングライターのグラム・パーソンズはこの頃、ザ・バーズとフライング・ブリトー・ブラザーズを脱退していたが、ソロ キャリアを確立しつつあり、ブリトーや友人たちにハーモニー シンガーを探していると話していた。 DCのナイトクラブで彼女についての会話を耳にしたハリスの娘のベビーシッターが彼女の連絡先を伝え、パーソンズは翌日連絡を取った。^{[ 24 ] [ 12 ]}パーソンズはハリスの歌を聴きに行き、彼女の歌唱力に魅了された。1年後、彼は彼女にカリフォルニア州ロサンゼルス行きの航空券を送り、 1972年9月から10月にかけて、彼女は彼のデビューアルバムGPのハーモニーボーカルを録音した。アルバムはリリース後、ヒットせず、主流の聴衆を獲得できなかった。^{[ 23 ]}

ハリスは1973年にパーソンズのバンド（ザ・フォーレン・エンジェルズ）のメンバーとしてツアーを行い、彼とボーカルハーモニーやデュエットを披露した。^{[ 10 ]}レコーディングやツアーを通して、二人はすぐに音楽的な繋がりを見つけた。^{[ 18 ]}パーソンズはカントリーロックの融合で知られるようになり、クラシックカントリーミュージックに魅了されていた。このジャンルに対する彼の情熱はハリスに影響を与え、彼女はすぐにカントリーというジャンルについて知るようになった。ハリスは後に、パーソンズが彼女の芸術的方向性を見つけるのを助け、また本物のカントリーミュージックへの情熱を育んでくれたと述べている。^{[ 18 ] [ 23 ]} 1973年、ハリスはレコーディングスタジオに戻り、パーソンズの次のアルバム『グリーヴァス・エンジェル』を制作した。アルバムのセッションから数週間後、パーソンズはジョシュアツリー国立公園近くのホテルの部屋で薬物とアルコールの過剰摂取により亡くなった。^{[ 18 ]}パーソンズの『Grievous Angel』は1974年に死後リリースされ、ハリスとのセッションからの3曲が、1976年にリリースされたパーソンズの別の死後アルバム『Sleepless Nights』に収録された。その時期の録音素材を収録したもう1枚のアルバムは『Live 1973』としてパッケージ化されていたが、1982年までリリースされなかった。^{[ 25 ]}

^{グラム・パーソンズ}の死に影響を受けたものの、ハリスは^ソロアーティストとして活動を続けた。彼女はパーソンズが残したカントリーロックの遺産を自分のキャリアに引き継ぐことを決意した。「グラムと一緒にカントリーミュージックを歌い始めたら、もう後戻りはできなかった」と彼女は回想している。ハリスは自身のバンドを結成し、メリーランド州ベセスダのレッドフォックスインで毎週演奏する仕事を得た。一方、ワーナー・ブラザーズ・レコードでパーソンズの元A&R担当者（メアリー・マーティン）は、ハリス自身のキャリアをスタートさせようと試みた。彼女は、アン・マレーとの仕事で最近成功を収めていたカナダ在住のプロデューサー、ブライアン・アハーンに連絡を取った。ハリスに感銘を受けたアハーンは、ハリスのプロデュースを引き受けることに同意した。^{[ 26 ]}二人は後に1977年に結婚し^{[ 22 ]} 、ハリスはワーナー・ブラザーズ・リプリーズと​​契約した。^{[ 20 ]}

アハーンは、1975年の『Pieces of the Sky』を皮切りに、ハリスの次の数枚のアルバムをプロデュースした^{[ 20 ] [ 26 ]}。このアルバムには、ビートルズやマール・ハガードの曲のカバー^{[ 18 ]}に加え、パーソンズの死をめぐるハリスの感情を反映したオリジナル曲「Boulder to Birmingham」などが収録されている[23]。この^{アルバムは商業}的に成功し^{[ 27 ] [ 28 ]} 、アメリカのビルボード・カントリーLPチャートで7位^{[ 29 ]} 、ビルボード200全ジャンルチャートで45位に達した^{[ 30 ]}。2枚目のシングル「If I Could Only Win Your Love 」は、ビルボード・カントリー・ソング・チャートで4位^{[ 4 ]}、カナダのRPMカントリー・チャートで1位を獲得した^{[ 31 ]} 。このアルバムに続いて、1975年の『Elite Hotel』がリリースされた。^{[ 26 ]}ビルボードのカントリーチャートで1位を獲得したのはこれが初めてで^{[ 29 ]} 、ビルボード200のトップ25にもランクインした。 ^{[ 30 ]}このディスクに収録されているバック・オーウェンズの「Together Again」とドン・ギブソンの「Sweet Dreams」のカバーがビルボードのカントリーチャートで1位を獲得した。^{[ 4 ] [ 18 ]}ハリスはこのプロジェクトのために「ザ・ホット・バンド」という新しいバックバンドを結成した。このグループには、ジェームス・バートン、グレン・D・ハーディン（どちらもエルヴィス・プレスリーのTCBバンドのメンバー）、ロドニー・クロウェルが参加していた。^{[ 18 ]}

ハリスのアルバムは批評的にも商業的にも成功を収めた。^{[ 32 ]}ガーディアン紙のアダム・スウィーティングは『Pieces of the Sky』に「素晴らしい曲がたくさんある」と評した。 ^{[ 33 ]}ノー・デプレッション誌のグラント・オールデンは、両方のLPを「最初から最後まで」聴くと「驚くほど、ほとんど欠点のないコレクション」になると結論付けた。^{[ 28 ]}『Elite Hotel』はハリスにグラミー賞最優秀女性カントリー・ボーカル・パフォーマンス賞をもたらした。^{[ 20 ]}さらに、両方のLPはそれぞれ50万枚以上を売り上げ、米国でゴールド認定を受けた。^{[ 5 ]}

1975年、ハリスはボブ・ディランのアルバム『Desire』のいくつかのトラックでバックボーカルを務めた。^{[ 34 ]}

ハリスの次のいくつかのスタジオ・アルバムには、伝統的なカントリーのカバー曲と新曲の両方が含まれていました。^{[ 35 ]} 1976年、ワーナー・ブラザーズは彼女の4枚目のアルバム『Luxury Liner』をリリースしました。 ^{[ 36 ]}これは彼女にとって2枚目の全米カントリー・アルバム1位となりました。 ^{[ 29 ]}また、イギリスでトップ20入りした2枚目のアルバムでもあり^{[ 37 ]}、アメリカでゴールド認定を受けた3枚目のアルバムでもあります。^{[ 5 ]}ジェイソン・アンケニーはこれを「彼女の最も魅力的な作品の1つ」と評しました。^{[ 38 ]}ワーナー・ブラザーズはこれに続いて1978年の『Quarter Moon in a Ten Cent Town』をリリースしました。 ^{[ 39 ]}グラント・オールデンによれば、これは「過度に慎重な制作」であると考えられていました。^{[ 28 ]}このアルバムは全米カントリー・チャートでトップ5入りし、^{[ 29 ]}全米全ジャンル・チャートでトップ25入りし、^{[ 30 ]}カナダ・カントリー・チャートでトップ10入りし^{[ 40 ]}、後にゴールド認定を受けました。^{[ 5 ]}これらのアルバムからは、アメリカとカナダのカントリーシングルチャートで1位を獲得した「Making Believe」、「To Daddy」、「Two More Bottles of Wine」が生まれた。また、トップ10入りしたカバー曲「You Never Can Tell (C'est La Vie)」と、アメリカでトップ20入りしたオリジナル曲「Easy From Now On」も生まれた。^{[ 4 ] [ 31 ]}

ハリスのレコードレーベルは、彼女のキャリアをカントリーポップのクロスオーバースターダムへと転換することを提案した^。 [ 41 ]^{しかしハリスは}、1979年の『Blue Kentucky Girl』を皮切りに、伝統的な方向性のアルバムを2枚レコーディングした。^{[ 41 ] [ 18 ]}このアルバムは北米のカントリーチャートでトップ10入りを果たし、ゴールド認定を受けた。^{[ 29 ] [ 40 ] [ 5 ]}また、グラミー賞の最優秀女性カントリーボーカルパフォーマンス賞も受賞した。^{[ 41 ]}続く1980年の『Roses in the Snow』は、ブルーグラスのサウンドを取り入れた作品とされている。^{[ 18 ] [ 41 ]}前作と同様に、『Roses in the Snow』もゴールド認定を受け^{[ 5 ]}、アメリカとカナダのカントリーチャートで2位にランクインした。^{[ 29 ] [ 40 ]}ハリスの新しいブルーグラスサウンドは、ロドニー・クロウェルに代わってホット・バンドに加入した新メンバー、リッキー・スカッグスの功績とされている。 ^{[ 18 ]}両アルバムからは、アメリカとカナダのカントリーシングルでトップ10入りした「Save the Last Dance for Me」、「Blue Kentucky Girl」、「Wayfaring Stranger」が生まれた。さらに、「Beneath Still Waters」は両国で1位を獲得した。^{[ 4 ] [ 31 ]}ビルボード誌は、1979年4月の「トップアルバムピック」に「Blue Kentucky Girl 」を挙げ、ハリスの声を「透き通るような」声と評した。^{[ 42 ]}一方、キャッシュボックス誌は「Roses in the Snow」でハリスの「美しく繊細な声」を取り上げている。^{[ 43 ]}

ハリスはこの時期に2人目の娘を出産し、ツアーを一時中断した。その少し前に、クリスマスをテーマにした『 Light of the Stable』（1979年）がリリースされ、続いて『Evangeline』（1981年）がリリースされた。後者は、以前のアルバムに収録されなかった曲を集めたスタジオ・コレクションである。^{[ 18 ]}『Evangeline』はゴールド認定を受け^{[ 5 ]}、全米カントリー・チャートで5位にランクインした。^{[ 29 ]}このアルバムからは「 Mister Sandman 」のカバーが生まれ、カナダのカントリー・チャートで1位を獲得し^{[ 31 ]} 、全米カントリー・チャートでトップ10入り^{[ 4 ]}、全米ポップ・チャートでトップ40入りを果たした。^{[ 44 ]}アルバム・バージョンではドリー・パートンとリンダ・ロンシュタットのハーモニー・ボーカルがフィーチャーされていたが、シングル・バージョンではハリス自身がハーモニーをつけた。^{[ 45 ]}ハリスはこの時期にロイ・オービソンともコラボレーションし、1980年のシングル「That Lovin' You Feeling Again」をリリースした。後にこの曲はグラミー賞の最優秀カントリー・ボーカル・パフォーマンス賞（デュオまたはグループ部門）を受賞した。^{[ 46 ]}ハリスはまた、カントリー・ミュージック協会から年間最優秀女性ボーカリスト賞も受賞した。^{[ 41 ]}

1981 年頃、リッキー・スカッグスがホット・バンドを脱退し、バリー・タシアンが後任となった。^{[ 18 ]}ドラマーのジョン・ウェアもハリスのバックバンドを脱退したため、彼女は新しいメンバーでホット・バンドを再結成した。彼女の次のスタジオ・アルバム『シマロン』（1981 年）は、新しいホット・バンドで録音された。^{[ 47 ]}このアルバムは、アメリカのカントリー・アルバム・チャートでトップ 10 入り、アメリカの全ジャンル・チャートでトップ 50 入りを果たした。^{[ 29 ] [ 30 ]}このアルバムからは、アメリカとカナダのカントリー・チャートでトップ 10 入りした「ボーン・トゥ・ラン」と「テネシー・ローズ」が生まれた。ドン・ウィリアムズとのデュエット曲「イフ・アイ・ニーデッド・ユー」は、カナダのカントリー・チャートで 1 位を獲得した。^{[ 4 ] [ 48 ]} 1982 年、ハリスとホット・バンドは、初のライブ・アルバム『ラスト・デイト』を録音した。^{[ 47 ]}リード・シングルは、フロイド・クレイマーのインストゥルメンタル・オリジナル曲「ラスト・デイト」のボーカル・バージョンだった。このシングルは全米カントリーチャートで1位を獲得し、続いてトップ5入りしたシングル「I'm Movin' On」がリリースされた。^{[ 18 ] [ 47 ]}両アルバムとも賛否両論の評価を受け、 No Depressionのグラント・オールデンは、CimarronとLast Dateは「記念碑的な芸術的声明」ではないが、時折「見どころはある」と評した。 ^{[ 49 ]} AllMusicのウィリアム・ルールマンはLast Dateに2.5つ星を与え、ハリスは以前彼女を際立たせていた独自のスタイルやアレンジメントを生み出すことに失敗したと説明した。^{[ 50 ]}

ブライアン・アハーンのプロデュースによるハリスの最後のアルバム（二人はその後離婚する）は、1983年に『ホワイト・シューズ』というタイトルでリリースされた。^{[ 47 ]}このアルバムにはカバー曲集が収録されている。^{[ 18 ]}収録曲の中には、シングル「プレッジング・マイ・ラブ」と「イン・マイ・ドリームス」があり、どちらもアメリカとカナダのカントリーチャートでトップ10入りを果たした。^{[ 4 ] [ 31 ]}『ホワイト・シューズ』は、アメリカのカントリーチャートでは22位止まりで、これまでの彼女のアルバムの中で最も低い順位となった。^{[ 29 ]}その後、ハリスはナッシュビルに移り、新しいプロデューサーのポール・ケナーリー（後に結婚）とコラボレーションした。二人は『ザ・バラッド・オブ・サリー・ローズ』を作曲し、1985年にワーナー・ブラザーズからリリースされた。 ^{[ 47 ]}ハリス自身が作曲した楽曲をフィーチャーした『ザ・バラッド・オブ・サリー・ローズ』は、グラム・パーソンズとの時間をゆるやかにベースにしている。^{[ 51 ]}アメリカのカントリーチャートでトップ10入りを果たしたにもかかわらず^{[ 29 ]}、アルバムの最終的な売上は振るわず、商業的には失敗とみなされた。^{[ 18 ] [ 20 ]}しかし、様々な音楽スタイルを取り入れた点は批評家から高く評価された。^{[ 20 ] [ 52 ]}

1980年代半ば、ハリスは友人であるドリー・パートン（左）とリンダ・ロンシュタット（右）と共にアルバム『トリオ』を制作した。このアルバムは批評家から高い評価を受け、商業的にも成功を収めた。

1986年、ワーナー・ブラザーズは彼女の次のスタジオ・アルバム『Thirteen』をリリースした。^{[ 53 ]}このアルバムはローリング・ストーン誌によって「ルーツ・レコード」と評され、1980年の『Roses in the Snow』と比較された。しかし、このアルバムはそれほど成功しなかった。^{[ 54 ]}収録曲のシングル2曲は、北米カントリー・チャートでトップ40圏外に終わった。^{[ 4 ] [ 31 ]}『Thirteen 』より前に録音されたものの、 1987年にワーナー・ブラザーズからリリースされた『Angel Band』はゴスペル・アルバムだった。^{[ 47 ]}ローリング・ストーン誌はこれを「堅実だが控えめ​​な」ゴスペル・プロジェクトと評した。^{[ 54 ]}これはハリスのアルバムで、ビルボード・カントリー・チャートのトップ25にしか入らなかった3枚目のアルバムだった。^{[ 29 ]}

1987年、ハリスはドリー・パートンとリンダ・ロンシュタットとコラボレーションし、スタジオアルバム『トリオ』をレコーディングした。^{[ 20 ] [ 18 ]} 3人は10年以上前から友人であり、長年一緒にアルバムをレコーディングするつもりだった。当初録音されていたいくつかのトラックは破棄され、カントリー・フォークソングの新しいスタジオコレクションに置き換えられた。『トリオ』では、ハリス、パートン、ロンシュタットがハーモニーを奏で、多くの場合、3人のうちの1人がリードボーカルを務めた。^{[ 55 ]}『トリオ』は商業的に成功し、ハリスのキャリアの中で最も売れたディスクとなった。^{[ 20 ] [ 18 ]} 1987年3月のリリース後、『トリオ』はアメリカのカントリーチャートで1位、^{[ 29 ]}アメリカの全ジャンルチャートで6位、^{[ 30 ]}オーストラリアで12位、 ^{[ 56 ]}カナダで4位を獲得した。^{[ 57 ] [ 58 ]}このディスクからは、北米トップ10カントリーソング「To Know Him Is to Love Him」、「Telling Me Lies」、「Those Memories of You」、「Wildflowers」が生まれた。^{[ 4 ] [ 31 ]}

1989年、ワーナー・ブラザーズはソロ・アルバム『ブルーバード』をリリースした。このアルバムには、ソングライターのケイト・マクギャリグルとアンナ・マクギャリグルが書いた曲と、ハリス自身が書いた2曲が収録されている。^{[ 59 ]}ローリング・ストーン誌はカントリー・ロックの試みと評し^{[ 54 ]、}このアルバムはアメリカとカナダのカントリー・チャートでトップ20入りを果たした。^{[ 29 ] [ 40 ]}リード・シングル「ハートブレイク・ヒル」でハリスはソロ・アーティストとしてトップ10に返り咲き、続いてトップ20入りしたシングル「ヘブン・オンリー・ノウズ」がリリースされた。^{[ 4 ] [ 31 ]}ワーナー・ブラザーズでの最後のスタジオ・アルバムは1990年にリリースされ、『ブランド・ニュー・ダンス』というタイトルだった。ローリング・ストーン誌は「インスピレーションに欠ける失敗作」と評し^{[ 54 ]}、オールミュージックも同様に、ハリスが楽曲に無関心なように見えると評した。^{[ 60 ]}

1991 年頃、ハリスはホット バンドを解散し、ナッシュ ランブラーズという新しいバック グループを結成した。このグループには、フィドルを演奏するサム ブッシュ、バンジョーとギターを演奏するアル パーキンス、さまざまな楽器を演奏するジョン ランドールが含まれていた。^{[ 61 ]}その後、ハリスはこれまで演奏したことのない曲のライブ アルバムを録音するつもりだった。音楽エグゼクティブのボニー ガーナーは、ライマン オーディトリアム(グランド オール オプリの旧会場で、老朽化が進んでいた) でセットを録音することを提案した。1991 年春、ハリスとナッシュ ランブラーズは、わずか 200 人の観客を前に 3 夜にわたってライブ プロジェクトを録音した。^{[ 62 ]}ライブ ディスクは 1992 年にリリースされ、アット ザ ライマン^{[ 18 ]}と題され、批評家から絶賛された。^{[ 13 ] [ 63 ]}その後、ライターたちは、このプロジェクトがライマン オーディトリアムへの関心を再び高め、アルバムの数か月後に会場が改装されたと推測している。^{[ 13 ]}

ハリスは1990年代初頭にカントリーミュージック財団の会長も務め^{[ 61 ]}、1992年にはグランド・オール・オプリの正式メンバーとなった^{[ 64 ] [ 65 ]。}また、この時期にワーナー・リプリーズを離れ、アサイラム・レコードと新たな契約を結んだ。1993年、同レーベルはスタジオ・プロジェクト『カウガールズ・プレイヤー』をリリースした。これはハリスがポール・ケナーリーと共同プロデュースした最後のプロジェクトであり、二人はその後まもなく離婚した^{[ 61 ]} 。このアルバムは全米カントリー・アルバム・チャートのトップ40 ^{[ 29 ]}、カナダ・カントリー・アルバム・チャートのトップ20 ^{[ 40 ]}にランクインした。批評家からは高い評価を受けたものの、シングルのラジオ放送は限られていた。シングルのうち2曲は全米とカナダのカントリー・チャートにランクインしたが、トップ40には入らなかった^{[ 66 ] [ 4 ] [ 31 ]。}

1990年代半ばまでに、ハリスはカントリーミュージックラジオから疎外されていると感じていた。アサイラム・レコードは彼女に次のアルバムをレコーディングするための音楽的自由を与えた。1995年、アサイラムはスタジオアルバム『レッキング・ボール』をリリースした。^{[ 67 ]}このディスクはダニエル・ラノワ（ U2やピーター・ガブリエルのプロデューサーとして知られる）によってプロデュースされ、オルタナティブロックのスタイルがサウンドとスタイルに組み込まれた。^{[ 61 ]}ロサンゼルス・タイムズによると、そのプロデュースはアメリカーナ音楽ジャンルの確立に影響を与えたと考えられている。^{[ 67 ]}カントリーラジオでは無視されたものの、『レッキング・ボール』は全米アルバムチャートで94位^{[ 30 ]} 、カナダで58位^{[ 57 ]} 、イギリスで46位^{[ 37 ]}に達し、グラミー賞の最優秀コンテンポラリーフォークアルバム賞を受賞した。^{[ 20 ]} AllMusic のジェイソン・アンケニーは「催眠術のように魅惑的で、驚くほど美しい作品」と評し、^{[ 18 ]} Pitchforkのアリソン・ハッセイは「中年の女性が時間を使って何をするべきかという期待を覆す、驚くべき作品」と評した。^{[ 68 ]}

1998年、ハリスの3枚目のライブアルバム『スパイボーイ』がリリースされた。^{[ 18 ]}このアルバムには、ハリスがこれまでのキャリアで録音してきた曲のライブバージョンが収録されている。このアルバムは、同じくスパイボーイと呼ばれるハリスの新しいバックバンドと共に録音された。^{[ 69 ]}また、1998年には、ハリスはウィリー・ネルソンのアルバム『テアトロ』にも参加しており、当時ハリスのプロデューサーだったラノワがプロデュースを手がけている。^{[ 70 ]}

1999年、アサイラムはハリス、パートン、ロンシュタットによる2枚目のコラボレーション・アルバム『トリオII』をリリースした。このプロジェクトは1994年に完成していたが、リリースまで5年かかった。^{[ 71 ]}『トリオII』は北米カントリー・アルバム・チャートで4位に上昇し^{[ 29 ] [ 40 ]}、米国でゴールド認定を受けた。^{[ 5 ]}タイム誌はこのアルバムを「天使との出会い」と評したが[ ^{72 ] 、}ワシントン・ポスト紙はアルバムの「馴染みやすさ」のために「待つ価値はない」と評した。^{[ 71 ]}シングル「アフター・ザ・ゴールド・ラッシュ」は、3人のアーティストにグラミー賞の最優秀カントリー・コラボレーション・ウィズ・ボーカル賞をもたらした。 ^{[ 61 ]}一方、ハリスとロンシュタットは、自分たちだけのコラボレーション・アルバムを作りたいと思っていた。長年の話し合いと計画を経て、2人は『ウェスタン・ウォール：ツーソン・セッションズ』をリリースした。このアルバムは1999年にAsylumからもリリースされた。^{[ 73 ]} 1か月以内に、このコラボレーションプロジェクトは全米カントリーチャートで6位、全米ビルボード200で73位にランクインした。 ^{[ 74 ]}

ハリスはこの時期にレコードレーベルとマネジメントを離れた。^{[ 75 ]} 2000年にノンサッチ・レコードと契約し、同年、レーベルは5年ぶりのソロスタジオアルバム『レッド・ダート・ガール』をリリースした。これは『ザ・バラッド・オブ・サリー・ローズ』以来、ハリスが自作の曲を主に収録した初のアルバムだった。^{[ 76 ]}また、ブルース・スプリングスティーンとパティ・グリフィンがバックコーラスで参加している。^{[ 61 ]}タイム誌は「驚くほど生々しく告白的なコレクション」と評し^{[ 77 ]}、ガーディアン紙は「素晴らしい」と評した。^{[ 78 ]}『レッド・ダート・ガール』は全米カントリーアルバムチャートで5位、^{[ 29 ]}全米全ジャンルチャートで54位、^{[ 30 ]}カナダカントリーアルバムチャートで3位、 ^{[ 40 ]}カナダ全ジャンルチャートで29位にランクインした。^{[ 57 ]}シングル「I Don't Wanna Talk About It Now」は、ハリスにとって初めて全米アダルト・オルタナティブ・エアプレイ・チャート入りを果たした曲となった。^{[ 79 ]}『Red Dirt Girl』は、ハリスに最優秀コンテンポラリー・フォーク・アルバム賞のグラミー賞を再びもたらした。^{[ 61 ]}ハリスはまた、グラミー賞年間最優秀アルバム賞を受賞した『オー・ブラザー！』のサウンドトラックにも貢献した。^{[ 80 ]}

2003年、ハリスは次のスタジオアルバム『Stumble into Grace』をリリースした。^{[ 18 ]}前作と同様、このアルバムには彼女自身が作詞作曲した曲が収録されている。また、リンダ・ロンシュタットのハーモニーボーカルもフィーチャーされている。^{[ 81 ]} Allmusicのマーク・デミングは「『Stumble into Grace 』は彼女がまだ絶好調であることを示している」とコメントし^{[ 82 ]}、ビルボードは「非常に感動的なレコード」と評した。^{[ 81 ]}このアルバムはアメリカのカントリーチャートでトップ10入りを果たし^{[ 29 ]}、ノルウェーとスウェーデンではトップ20入りした。^{[ 83 ] [ 84 ]}この時期、ハリスはエルヴィス・コステロと頻繁にツアーを行い、「The Scarlet Tide」をレコーディングした（この曲のオリジナルバージョンは映画『コールド マウンテン』のサウンドトラックに収録されている）。^{[ 85 ]} 2005年、ハリスはLGBT映画『ブロークバック・マウンテン』に収録された「 A Love That Will Never Grow Old 」をレコーディングした。^{[ 86 ]}

ハリスとマーク・ノップラー（元ダイアー・ストレイツのメンバー）は、7年間かけて曲を書き、レコーディングし、共同スタジオ作品『オール・ザ・ロードランニング』を制作した。^{[ 87 ]}このアルバムに収録されている曲の中には、元々はノップラーの別のプロジェクトのために作られたものもあったが、『オール・ザ・ロードランニング』に使用された。^{[ 88 ]} 2006年には、全米アルバムチャートでトップ20入りを果たしたが^{[ 30 ]}、イギリス^{[ 37 ]}とスウェーデン^{[ 84 ]}ではトップ10入りした。ノルウェーでは、このアルバムは全ジャンルチャートで1位を獲得した。^{[ 83 ]}このアルバムから生まれたシングル「ディス・イズ・アス」は、全米アダルト・オルタナティブ・エアプレイ・チャートで5位^{[ 79 ]}、ノルウェーでは17位^{[ 89 ]}を記録した。ワシントン・ポスト紙はこのアルバムを「強みと弱みの巧みな融合」と評し^{[ 90 ]}、オールミュージックは「豊かで地に足の着いたコラボレーション」と評した。^{[ 91 ]}

2008年に、ソロアルバム『All I Intended to Be』がリリースされた。ブライアン・アハーンがプロデューサーを務めた。^{[ 18 ]}ヴィンス・ギルやドリー・パートンらが参加した。ハリスはその後、レッド・ダート・ボーイズと名付けたアンサンブルと共にアルバムをサポートするツアーを行った。^{[ 92 ]}このアルバムは、全米カントリーアルバムチャートでトップ5、^{[ 29 ]}ビルボード200でトップ25 、 ^{[ 30 ]}スウェーデンの全ジャンルチャートでトップ10にランクインした。^{[ 84 ]} 2010年、ハリスはロックバンドのザ・フレイと共に自身の曲「Boulder to Birmingham」を再録音し、同年エピック・レコードからシングルとしてリリースされた。 ^{[ 93 ]}

2011年、ノンサッチ・レコードはハリスの4枚目の自作アルバム『ハード・バーゲン』をリリースした。このプロジェクトはナッシュビルのジェイ・ジョイスがプロデュースした。これまでのアルバムと同様に、収録曲は南部文化をテーマにしたものだった。収録曲の中には、1950年代にアメリカ南部で殺害された10代の少年、エメット・ティルの生涯を歌った曲もあった。 ^{[ 94 ]} 『ハード・バーゲン』は、アメリカのカントリー・アルバム・チャートでトップ5、^{[ 29 ]}アメリカの全ジャンル・チャートでトップ20、^{[ 30 ]}カナダ・チャートでトップ20、^{[ 58 ]}イギリス・チャートでトップ30 ^{[ 37 ]}ノルウェー・チャートでトップ15 ^{[ 83 ]}にランクインした。NPRのケン・タッカーは『ハード・バーゲン』を「活気に満ちている」と同時に「魅力的」だと評した。 ^{[ 95 ]}アメリカン・ソングライターのスティーブン・ローゼンは、アルバムにおけるハリスの作詞作曲は時折「つまずく」ものの、「個人的な悲しみに対処する」点では優れていると評した。^{[ 96 ]}

ハリスは、ニック・ケイヴの2012年の映画『ローレス』のサウンドトラックへの参加に同意した。^{[ 97 ]}彼女はサウンドトラックに収録された3曲をレコーディングした。^{[ 18 ]}モントリオール・ガゼット紙は、『ローレス』でのハリスのボーカル・パフォーマンスを「穏やか」と評した。^{[ 98 ]}ハリスは2013年にロドニー・クロウェルとのデュエット・アルバム『オールド・イエロー・ムーン』をリリースした。デュエット・アルバムについては何年も前から話し合われていたが、スケジュールの都合で実現しなかった。^{[ 99 ]}二人は、以前にそれぞれのソロ・アルバムに収録されていた曲を再レコーディングした。^{[ 100 ]} Slant Magazine はOld Yellow Moon を「レトロ カントリーとレトロ ロックを確かな満足のいくバランス感覚でバランスしている」と評価し^{[ 101 ]} USA Today は2013年 2 月にこのプロジェクトを「今週のアルバム」の 1 つに選出した^{[ 102 ]} Old Yellow Moonは、米国のカントリー チャートで 4 位^{[ 29 ]} 、米国の全ジャンル チャートで 29 位^{[ 30 ]} 、ノルウェーで 6 位^{[ 83 ]}、英国で 42 位^{[ 37 ]}を獲得した。その後、グラミー賞を受賞した^{[ 103 ]} 2015 年に、2 組の 2 枚目のアルバムThe Traveling Kindがリリースされ、 Kris KristoffersonやRoger Millerなどのソングライターへのトリビュートとなった^{[ 104 ]} Rolling Stone は5 点満点中 3 点^{[ 105 ]} 、 American Songwriterは 5点満点中 4 点を与えた。^{[ 106 ]} The Traveling Kind はアメリカのカントリーチャートでトップ 10 入りを果たした。^{[ 29 ]}

2014年、ハリスはペンギンブックスの出版部門であるブルーライダーとの書籍契約を発表した。 ^{[ 107 ]} 2017年、彼女はキャピタルタイムズ紙に、その作品は彼女の人生の回顧録になると語った。^{[ 108 ]} 2021年、ハリスはクラッシュ誌に、まだ回顧録を執筆中だと語った。^{[ 109 ]} 2021年、ノンサッチレコードは、1990年にザ・ナッシュ・ランブラーズと録音されたものの、当初はお蔵入りになっていたライブディスク『ランブル・イン・ミュージック・シティ：失われたコンサート』をリリースした。 ^{[ 110 ]} 2021年、ハリスはクラッシュ誌に、もう曲を書いていないのは「必要性を感じない」し「切迫感」がないからだと語った。^{[ 109 ]}しかし、彼女は演奏やショーを続けている。^{[ 111 ]}

2025年、ハリスは、女性だけの音楽フェスティバルの遺産を振り返るドキュメンタリー映画『リリス・フェア：謎の構築 - 語られざる物語』に出演した。 ^{[ 112 ]}

ハリスに大きな影響を与えた人物には、ジョーン・バエズ（左）とピート・シーガー（右）などがいる。

ハリスは、アメリカのフォークリバイバルの時期にフォークというジャンルを通して初めて音楽への愛着を見出した。^{[ 113 ] [ 114 ]}思春期には、毎晩フォーク音楽を流していたアメリカン大学のラジオ局WAMUを聴いていた。ハリスは独学でギターを弾き、歌い、ラジオに合わせて歌うことを覚えた。^{[ 115 ]}ハリスが初期に影響を受けたのは、イアン＆シルビア、^{[ 116 ]}ピーター、ポール＆マリー、^{[ 117 ]}バフィー・セントマリー、^{[ 115 ]}ジュディ・コリンズ、^{[ 118 ]}ボブ・ディランなどである。^{[ 119 ]}ハリスはピート・シーガーからも影響を受けた。16歳の時、彼女はシーガーに手紙を書き、自分の人生はフォークソングのストーリーラインを歌うには恵まれすぎているのではないかと疑問を呈した。^{[ 120 ]}もう一人大きな影響を受けたのはジョーン・バエズで、彼女は彼女と「スピリチュアルな」つながりを感じていたことを覚えている。^{[ 121 ] [ 114 ]}「私は彼女を崇拝していました。ある意味では今でもそうです。なぜなら、彼女は私の音楽に対する考え方を根本から変えてくれたからです」と彼女はローリングストーン誌に語った。^{[ 122 ]}

ハリスはグラム・パーソンズとのコラボレーションを通じてカントリーミュージックにさらに触れ、その魅力を知った。^{[ 114 ]}彼女はコロンバス・ディスパッチ紙に、それまでカントリーミュージックの芸術性を理解していなかったため、真剣にこのジャンルに取り組んでいなかったと語った。^{[ 123 ]}パーソンズはハリスにルーヴィン・ブラザーズ、ビル・モンロー、ジョージ・ジョーンズの音楽を紹介した。彼らの曲は彼女に大きな影響を与えた。「これらは深く、感情的に悩ましい曲でしたが、彼はその美しさ、詩のシンプルさに私の耳を開いてくれました」と彼女は説明した。^{[ 124 ]}ハリスはソロ活動を始めたとき、ロドニー・クロウェルをバンドに雇った。ハリスは、彼の伝統的なテキサス・カントリーの背景^{[ 125 ]}が彼女のカントリーミュージックの芸術性に影響を与えたと語った。 「私のキャリア初期に、ソングライターとして、そしてバンドメンバーとして、さらに音楽的な意味でのソウルメイトとして彼が存在してくれたことは、パフォーミングアーティストとしての私の足場を築く上で本当に重要だったと思います」とハリスはコメントした。^{[ 126 ]}

作家、編集者、歴史家は、ハリスをカントリーロックの音楽スタイルとほぼ同一視している。^{[ 127 ] [ 1 ] [ 18 ]}ハリスはカリフォルニアのフォークロックのサウンドを取り入れ、それを伝統的なカントリーに融合させた。^{[ 128 ]}作家のフランク・ホフマンは、「エミルー・ハリスは、急速な技術革新とメディアのイメージ操作に直面しても、ルーツスタイルへの揺るぎない忠誠心を維持することで、40年以上にわたって成功したレコーディングキャリアを維持してきた」と書いている。^{[ 129 ]}デイビッド・ディマルティオは、彼女の1970年代のアルバムがロックとクラシックカントリーを融合させたことで、ハリスが老若男女のファンを獲得するのに役立ったと述べている。^{[ 130 ]}ワシントン・ポストのバズ・マクレーンは、ハリスのアルバムがカントリーロックの音楽スタイルを「定義づける」のに役立ったと述べている。^{[ 131 ]}作家のメアリー・A・バフワックとロバート・K・オーマンは、ハリスが1970年代と1980年代のカントリーロック運動の「灯台」であったと結論付けている。^{[ 7 ]}

ハリスのキャリアが進むにつれて、彼女はオルタナティブ・ミュージック・コミュニティからより多くのインスピレーションを得るようになった。^{[ 18 ]}批評家は、1995年の『Wrecking Ball』を彼女の音楽スタイルの転換点として指摘している。^{[ 132 ] [ 13 ]}このアルバムの制作は、それまで彼女の音楽にはなかったロックの新しい側面を組み込んだと言われている。^{[ 18 ] [ 132 ]}それ以来、批評家はハリスがオルタナティブ・カントリーのサブジャンルを定義するのに貢献したと評価している。^{[ 54 ] [ 133 ]}作家たちはまた、彼女の音楽をプログレッシブ・カントリー^{[ 134 ]}やアウトロー・カントリー^{[ 135 ]}に分類している。他のジャンルとの関連性から、作家たちは彼女をルーツ・ミュージックを中心としたジャンルであるアメリカーナ・スタイルの先駆者とみなしている。 ^{[ 136 ] [ 134 ]}ローリング・ストーン誌はその後、「アメリカーナのゴッドマザー」という称号を与えた。^{[ 137 ]}

ハリスの音楽性についても議論され、語られてきた。^{[ 20 ]}彼女はしばしば他のミュージシャンを探し求め、自身の音楽スタイルを高め、発展させてきた。^{[ 138 ] [ 139 ]}これは、ハリスの最初のバックバンドであるホットバンドから始まった。ホットバンドは、彼女の最初のレコードレーベルがレコーディングのためにスタジオミュージシャンを必要としていたときに結成された。「あの女性シンガーをホットバンドと組ませなきゃ」と、ハリスはレコード会社の誰かが言ったことを回想している。^{[ 124 ]}それ以来、ハリスはバックミュージシャンと協力して、自身のスタイルとステージパフォーマンスを高めてきた。^{[ 138 ] [ 139 ]}カントリーミュージック殿堂博物館は、彼女のバックバンドが、年月を経て彼女の音楽スタイルがどのように変化したかに影響を与えたと説明している。^{[ 1 ]}ハリス自身は、彼女のカントリーミュージックのスタイルは、このジャンルの以前の解釈と比較して、より多くのロックの影響を内包していると説明している。^{[ 7 ]}

ハリスの芸術性は、様々なアーティストとのコラボレーションでも記憶されている。彼女はライアン・アダムス、ニール・ヤング、ジョニー・キャッシュ、シェリル・クロウ、その他多数のアーティストの楽曲に参加している。^{[ 85 ]}「若いエミルー・ハリスの学校の成績表には、『彼女は他の人とうまく共演できる』と書かれていた可能性が高い」とシドニー・モーニング・ヘラルドのバーナード・ズエルは書いている。^{[ 140 ]}アトランティックのノア・ベルラツキーは、ハリス自身のキャリアは他のアーティストとのコラボレーションを重視していたため「厳密にはソロではなかった」と書いている。「一緒に仕事をする新しいアーティストを探すことへの彼女の熱意は、彼女の音楽にとって大きな恩恵となっている」と彼はコメントした。^{[ 141 ]}ハリス自身は、「ある意味で、風景の一部になりたいという意志だと思う。私はとても幸運で、（私の）コラボレーションはすべて本当に音楽的で、とても満足のいく刺激的なものだった」と述べている。^{[ 142 ]}

作家たちはハリスの歌声をソプラノと評し、^{[ 143 ] [ 144 ]}「繊細」かつ「水晶のように澄んでいる」と表現している。^{[ 18 ] [ 145 ] [ 146 ]}ニューヨーク・タイムズのスティーブン・ホールデンは、「エミルー・ハリスの声は水晶と鋼鉄の合金であり、この繊細さと強靭さの融合が、彼女に理想化された開拓時代の女性のオーラを与えている」と書いている。^{[ 147 ]} AllMusicのジェイソン・アンケニーは、「水晶のように澄んだ声、卓越したフレージングの才能、そして飽くなき創造精神に恵まれたエミルー・ハリスほど、現代音楽に深い影響を与えたアーティストはほとんどいない」と書いている。^{[ 18 ]}ハリス自身は、自分の声がフォークスタイルに根ざしているため独特だと説明している。「私には独自のスタイルや声はありませんでした。カントリーを歌うときも、フォークの声で歌っていました。ロレッタ・リン、キティ・ウェルズ、タミー・ワイネット、あるいは若い歌手たちのような、いわゆる真のカントリーの声ではありませんでした。タニア・タッカーは素晴らしい声です。でも、私の声は常にフォーク寄りでした。」^{[ 148 ]}